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声乐歌曲范文1
摘要：歌唱者要真实地传达歌曲的主题内容和思想感情，就必须懂得怎样去表现歌曲。一要有良好的音乐修养；二是正确处理歌唱中“情”和“声”关系，做到“声情并茂”；三是对歌曲的二度创作，即将谱面上的歌曲作品转化为能聆听欣赏的歌唱艺术。
关键词：艺术表现；音乐修养；声情并茂；二度创作
学习歌唱，其目的就是为了能唱好歌曲。也就是说，通过歌唱，真实地传达歌曲的主题内容和思想感情。让歌声能感人肺腑，动人心弦，然而要真正做到如此，就必须懂得怎样去表现歌曲。
一、要有良好的音乐修养
歌唱者要把纸面上的作品塑造成感人的艺术形象，就必须要有良好的音乐修养。即要善于理解和运用音乐作品中各种音乐语言。如旋律、节奏、节拍、音高、速度、力度、和声、调式、调性等。并且恰当地把这些音乐要素揉进我们美妙而运用自如的声音，清晰、自然的语言中去，并以此表达作品的内涵，再现作品的艺术形象。无疑,这些都是一个歌唱者艺术修养的真正体现。那么，如何提高自己的音乐修养呢？
（一）要有扎实的基本功
“艺高人胆大” ，对于一个歌唱者来说，有了扎实的基本功，才能有所创造，才能大胆地去表现歌曲，处理歌曲。我们常常会有这样的感觉，“力不从心” 。也就是说想到了，可表现不出来，声音不听话。比如说：歌曲的速度要快，可自己达不到；要强，则气不足，力也使不上；要弱，弱不下来，达不到收放自如，这样的情况都是基本功不扎实的表现。因此，如果没有扎实的基本功，必将有碍于声乐艺术的表现力，使歌曲演唱缺乏感染力，达不到歌唱的目的，甚至会使听众反感，这样就失去了歌唱的意义，所以说，有良好的基本功也是提高音乐修养的一个方面。
（二）善于吸收各种艺术中的营养
从事声乐艺术的人，不但要有扎实的基本功，还要经常听名家的演唱，看歌剧表演，听器乐演奏，要经常看有关文学艺术方面的书籍以及电影等。因为一个人的直接生活经验是十分有限的，只有善于从其他形式的艺术中去吸取营养，才是一条丰富音乐知识加强音乐修养的良好途径。所有艺术作品，也是艺术家们根据生活而创造的成果。其中不乏对生活中各种经验的描述和体验。如果我们能向他们学习，一来可以丰富自己的生活积累，二来可以观察其他艺术家们是如何体验生活描述生活的。并从中得出启迪和感染，从而进一步加强对音乐的理解和把握能力。
（三）要勤思考、多实践
所谓“思考” ，就是要培养自己的音乐思维能力，从音乐的角度去思考问题，把观察到的社会生活变成音乐语言；节奏、旋律、和声、变成情感丰富的音乐形象。因此，在日常生活中，我们要注意培养对音乐的灵敏的感觉。画家用眼睛到处收集画面，我们则要随时用耳朵倾听声音，把许多音乐贮存在大脑里，以便在需用时裁夺加工，把抽象的概念形象化，把各种艺术形象转化为音乐形象。我们在处理歌曲的表情时，要反复思考，要取得艺术表现的“统筹计划” ，使我们在实践的时候有所根据，有表现要求的心理上的标准，也就是在深思熟虑中，有了怎样表现的明确概念。 但在思考的同时，也离不开艺术实践，歌唱者需要有大量的实践，决不能纸上谈兵，常言道：“拳不离手，曲不离口。只有在实践中才能积累更多的经验，吸取更多的知识，同时才能感受到在琴房里练唱和在舞台上演唱的不同，舞台上的灯光、服装、剧场气氛，尤其是观众直接进行交流的艺术创造的过程，对演员都是一种客观上的刺激，都能激发演员潜在的艺术创造的激情，使歌唱者的歌唱能力有所突破，在情感表现上得到升华，所以，要得到更多的经验，提高自身的素质，必须重视舞台实践，注重在艺术创造的过程中提高自己的音乐修养。
二、正确处理歌唱中“情”和“声”的关系
要表现好歌曲，必须正确处理好内容和形式，“情”和“声”的关系，内容决定形式，形式又表现内容；从内容出发选择演唱手段，又通过演唱手段表现歌曲的思想内容。我们在演唱一首歌曲时，首先要深刻理解歌曲的思想内容，并从歌曲的思想内容出发，选择与内容相适应的演唱手段。例如利用声音上的高低、强弱、刚柔、放收、连断等对比；语言上的语气、语调的变化及唱腔上的旋律、节奏、调性等等的变化，来表达和展示歌曲所要表达的思想感情和精神境界。歌曲中的“情”是通过“声”表达出来的，“情”和“声”是互相依赖的，“情”促使“声”的发挥，“声”表达“情”的深意，只有以情带声，以声表情，才可能实现真正意义上的艺术创造。
三、对歌曲的二度创作
“音乐不在谱上，而在谱子之间”。这是贝多芬的名言，显而言之，唱歌不是表现音程、音阶，而是要唱出音乐的内在涵义，因此，在演唱中切勿使自己机械地束缚符头、符干和符尾上，而是要在音响的形象之中，展开自己的想象力，发扬作曲家的创作意图，甚至唱出自己的个性和对歌曲理解、解释的独到之处。歌唱作为音乐表演艺术，是属于“二度创作”性质，但是，这种创造不是另起炉灶，而是“一度创作”的继续升华，具体地说，是通过演唱者的歌唱，将谱面上的歌曲作品转化为能聆听欣赏的歌唱艺术。 当拿到一首歌曲，我觉得首先把歌词朗诵一番是很有必要的，而且要按照歌词的节奏朗读，从中分析词汇以至标点符号的作用和意义，在深入理解歌词的含义的基础之上，引起音乐联想激起歌唱的热情。当然，处理歌曲的艺术表现，单从歌词上分析研究是不够的，还要从音乐方面分析，要进行音乐思维，通过对音乐的分析取得对歌曲更深刻的理解，这样才尽可能做到真正的“投入歌曲”，把作曲家的创作意图和作品风格特点，淋漓尽致地展现出来。另外，分析作品的角色，作好歌曲的处理设计对于“二度创作”来说也是相当重要的。拿到一首新作品后，要看其是歌剧选段，还是艺术歌曲或创作歌曲，或是哪个国家和地区的民歌。若是歌剧咏叹调，就必须先了解整部歌剧的剧情梗概，弄清所演唱角色的性格特点，人物之间的关系以及内心活动等等，从而把握住角色的气质和表演分寸，准确地塑造剧中的人物形象。在突出一个共同主题的前提下，一般用来对歌曲进行艺术处理的手法安排和构思各有不同，可根据各自的特点去发挥，总之，无论怎样唱，都要在剧情规定的情境之中，要以角色的个性为依据来进行艺术表现，把角色的情感传递给观众，唤起观众的共鸣，达到在艺术上进行再创造的目的。
以上所诉是我多年对声乐学习和教学的一些体会，但要真正唱好一首歌曲，并非一日之功，只有在艺术这条坎坷的道路上积极地去探索和寻求音乐艺术的各种表现手法，才能更好地把歌曲的真正魅力栩栩如生生地展现给观众。这样的歌声才会具有极其强大的感染力量。
参考文献：
[1]《人民音乐》；
声乐歌曲范文2
关键词：艺术歌曲；声乐教学；价值
一、我国早期艺术歌曲的代表作
萧友梅（1884—1940），曾留学日本，著名的音乐教育家、作曲家。他的艺术歌曲创作基本以欧洲艺术歌曲的体裁作为参照并模仿欧洲古典音乐创作技法创作歌曲。其主要代表作有《问》、《星空》、《南飞之雁语》等等。青主（1983—1959），曾留学德国，著名的美学家、作曲家。青主的艺术歌曲吸收了中华民族的文化，使用诗歌作为体裁学结合欧洲的写作形式创作了许多具有民族代表性的艺术歌曲。其主要代表作有《大江东去》、《我住长江头》，并出版了《清歌集》、《音镜》两本艺术歌曲。黄自（1904—1938），曾赴美学习，著名的作曲家、音乐教育家。黄自的艺术歌曲也是善于用诗歌作为体裁，他的艺术歌曲被广为流传，在当今的声乐教材中曲目较多。代表作有《春思曲》、《玫瑰三愿》、《思乡》、《花非花》等等，他的艺术歌曲在当代的各大、小音乐会上经常出现，在声乐教学中经常用来教唱示范。刘雪庵（1905—1985），著名的作曲家、音乐教育家。他师从黄自先生，他的艺术歌曲至同样也被视为中国声乐教学作品中必唱曲目，所创作的艺术歌曲主要代表作有《红豆词》、《踏雪寻梅》、《长城谣》等等，当爆发后他所创作的许多歌曲家喻户晓，被广为流唱。除了这些作曲家外，还有更多的著名的作曲家，如聂耳、贺绿汀、洗星海等等，他们的作品标志着中国音乐由学堂乐歌转型为专业音乐艺术，更是推动了中国专业声乐教育的起步。
二、我国早期艺术歌曲在声乐教学中的运用
（一）教材运用。声乐教学中离不开教材的使用，我国早期艺术歌曲曲目除了在当时被做为声乐教材外，如今的声乐教材仍在继续使用。目前我国有很多种艺术歌曲总集，例如中国第一本艺术歌曲集为赵元任的《新歌诗集》、范竞马的《中国艺术歌曲集》、储声虹的《中国优秀艺术歌曲集》、孔繁洲的《中国艺术歌曲100首（音乐经典）》等等均有收录中国早期艺术歌曲。（二）演唱运用。我国的专业声乐演唱主要分为民族和美声两类，我国早期艺术歌曲的作曲家大都是有西欧留学经历，当时他们深受美声唱法的影响，因此他们的作曲风格有一部分是极具美声色彩的，在学习美声唱法时许多艺术歌曲被作为范唱曲目，例如《我住长江头》这是一首考验气息、声音线条、音色等的一首高难度艺术作品，这也是声乐教学中美声演唱和学习中的最佳中国曲目。这个时期也出了许多极具民族特色的歌曲较适合用民族唱法来演绎，例如《康定情歌》，这是一首关于四川少数民族地区的一首民族歌曲，用明亮而甜美的声音来演唱是最适合不过了，一般在声乐教学中作为民族唱法初学者的重要演唱歌曲。由此可看出我国早期的艺术歌曲在声乐教学演唱中是极具代表性的，这些艺术歌曲极大程度上推动了我国声乐教学的发展。
三、早期艺术歌曲对声乐教学价值的具体分析
（一）提升民族文化素养。一位专业的声乐教学老师除了应该教会学生如何歌唱的同时应该也教会学生更多的内在涵养，学习中国早期艺术歌曲有利于帮助学生体会我国的民族文化和民族精神，学习中国的古诗歌词，体会中华民族的艰苦的成长，学习当时的时代精神。（二）提升声乐演唱技能。我国早期艺术歌曲的作者大都有过留洋学习的经历，所学的作曲技巧多数受到欧美声乐艺术歌曲的影响，这些艺术歌曲也被当时刚刚留洋学习回国的教育家广泛使用，例如赵梅伯创立了西安音乐学院，他在声乐教学中除了欧洲古典与现代优秀作品外，也有中国的经典作品，例如《黄河大合唱》、《嘉陵江上》、《旗正飘飘》等等当时创作的优秀歌曲。这些艺术歌曲的演唱是一定程度上促进了中国声乐演唱技巧的成熟。在如今的教学课堂中，利用这些艺术歌曲帮助学生提升咬字、气息等等，例如《玫瑰三愿》这首歌曲是三拍子歌曲，可以用来提升学生的气息流动。（三）有利于探索美声唱法中国化。中国早期艺术作曲家大部分都有欧洲留学经历，他们深受欧美美声声乐艺术的影响，因此我国早期许多艺术歌曲的演唱都有利于在教学中学习美声唱法。我国声乐教学目前为止仍在美声唱法与中国民族之间摸索，大部分美声唱法的学生基本都在演唱国外的作品，在各大声乐比赛中美声唱法中国外作品占多数，如何将中国作品更好的与美声唱法相融合也是目前我们需要探索的问题。中国早期的许多艺术作品其实都适合用来研究美声唱法中国化，例如《春思曲》、《我住长江头》等等，这些歌曲演唱风格具有美声色彩，在演唱中需要极好的气息、共鸣、流动方面的控制，是教学中训练美声唱法的重要中国作品。这些艺术歌曲在当时一定程度上是推动了美声唱法中国化进程，是中国专业声乐教学发展中的极具价值的声乐艺术财富。
作者:张晓阳 单位:西华师范大学
[参考文献]
[1]张晓农.中国声乐艺术史[M].上海:上海音乐出版社,2015,12.
[2]黄瑜清.论高师音乐学专业声乐教学中艺术歌曲的运用[D].云南:云南师范大学,2013,6.
声乐歌曲范文3
关键词：艺术特色；民族声乐；声乐教学
一、20世纪30年代的中国电影歌曲
“从军伍，少小离家乡； 念双亲，重返空凄凉……”这首歌曲《寻兄词》出自1930年由上海联华影业公司摄制、导演的故事片电影《闲花野草》，是中国第一首电影歌曲，这首歌曲的出现标志着中国电影歌曲的诞生，也开启了中国影视歌曲新的发展道路。
自此，整个20世纪30年代,电影歌曲这种新的艺术形式蓬勃发展起来，几乎达到了每部电影都会有一首甚至几首歌曲。电影歌曲也以其独有的特点得到了迅速的发展和传播。首先，由于当时的中国还处于政治复杂黑暗、社会动荡变革的时代大背景下，电影歌曲鲜明的时代性适应了当时各阶层人们的情感诉求；其次，电影与歌曲以组合的形式出现，使得电影歌曲在艺术的表现形式上别具一格；最后，电影明星歌星以及当时著名歌唱家们的演唱一定程度上加速了电影歌曲的传唱和传播。
二、早期电影歌曲对民族声乐的影响
1、 对中国民族声乐的影响
（1）丰富和充实了中国民族声乐艺术宝库
大批经典的电影歌曲作品丰富和充实了中国民族声乐艺术宝库，也为我们的学习研究提供了大量宝贵的资料。中国民族声乐历史悠久，源远流长。民族声乐素材也是应有尽有、璀璨夺目，从民族民间歌曲到春秋歌诗，从汉唐乐府到宋元戏曲，从明清小调到新音乐、艺术歌曲等等，中华五千年的民族音乐发展史显得熠熠生辉。在现今的艺术资料库中，无论是按电影分类的搜索，还是按声乐的查询，我们都能搜索到大量的电影歌曲，所以说电影歌曲对现今声乐艺术的贡献是巨大的，（无论是是对民族声乐还有流行音乐），早期电影歌曲以其自身特有的民族艺术特色和新颖的艺术式样为中国民族声乐注入了新的生机和光芒。
（2）标志着声乐艺术的一个重要分支的产生
电影歌曲以一个全新的独立的声乐歌曲品种出现，标志着声乐艺术的一个重要分支的产生。同时也为作曲家们提供了更广阔的艺术平台。30年代的早期的电影歌曲就其声乐分类和演唱分类上要给出一个严格固定的界定的话，是不能单一的一概而论的，当时大多的电影歌曲我们甚至可以说是所有的电影歌曲，都是由当时著名的音乐家们作曲创作的，它们大多都有留洋的经历，受过西方音乐文化思想的教育和影响，回国后同时也都创作力很多著名的艺术歌曲，也就是中国早期的民族艺术歌曲，所以，很多电影歌曲究其创作手法和作品本身来说都是符合艺术歌曲定义的题材类型的，歌曲的歌词具有很强的文学性并符合汉语言的韵律感和诗歌的性质，还有一些是白话新体诗等等，旋律遵循了中西方传统和声曲式，采用了专业的作曲技法和手法，由专业的作曲家配写，它们不仅是优秀的电影歌曲同时也是经典的艺术歌曲。
（3）开启并推动了中国影视歌曲的持续蓬勃发展
电影歌曲的产生开启并推动了中国电影歌曲的持续向前的发展历史，为后来影视歌曲的发展奠定了坚实的基础 ，开拓了电影声乐艺术蓬勃发展的道路。30年代的电影和电影歌曲捧热了也唱热了那个时代，也把这些歌曲唱到了今天。在新的历史时期，一批批一代代的新的电影歌曲层出不穷，接着时代的接力棒把电影歌曲继续发扬创新和传唱，从40年代开始直至之后，电影歌曲的革命性始终伴随着那个特定时代的步伐与历史一起前行，大批反映革命胜利和希望的电影歌曲作品层出不穷。
2、对中国民族声乐教学的影响
（1）为现代民族声乐教学提供了丰富优秀的声乐作品
电影歌曲作为经典优秀的艺术歌曲，也被作为声乐课堂中常用的声乐训练曲目，它们为现代民族声乐教学提供了大量丰富的民族声乐作品。现代民族声乐教学的作品尽管门类题材丰富，但早期的电影艺术歌曲作为一批优秀的最经典的艺术歌曲其本身的民族艺术价值是不可代替的，这些歌曲不仅运用了符合中国人自己习惯的民族语言，即新体诗白话还有中国古诗词，具有很高的艺术美学及民族文学价值，同时采用了民族化的作曲手法和曲调与西方作曲技法的融合，可以称得上是民族声乐作品中的精品，也更适合中国学生演唱，符合了本民族的审美观念。
（2）启发和培养学生的表演功底，更深入的表现作品内涵
电影歌曲依附于电影这种写实性的艺术载体上，使学生能更直观更形象的加深对歌曲情感的理解，演唱时就能更贴切的表现作品的内容。电影歌曲与普通的一般艺术歌曲不一样，他有其独有的艺术载体—电影，电影这种直观的艺术形式本身就给人以震撼的艺术体验，再加上音乐的完美辅助，深化了电影情节的同时，也深化了电影歌曲本身，这种有血有肉的生动的艺术形式会让学生更直接的感受和把握歌曲的情感，了解歌曲的类容，对电影的热爱也可以带动对歌曲的喜爱。
学生可以通过多种侧面的信息来了解作品，也可以通过对电影的了解来理解声乐作品，一起能到到对作品更好的表演效果。
（3）加强学生声乐训练及文化修养并增强其民族爱国意识
早期电影歌曲的历史价值和艺术价值，有助于我们透过作品了解历史、了解民族艺术，在加强声乐技术训练、艺术修养的同时增强学生的民族意识和爱国意识。当时的电影歌曲不仅具有很高艺术价值还具有很高的文学价值，这让学生在得到艺术教育的同时还能得到文化美育熏陶的效果，让我们细细的去感悟历史，真爱生活。每一天都笑对生活热情歌唱。
参考文献
汪毓和.中国近现代音乐史.北京:高等教育出版社,2005.
关于电影歌曲的时代 文 吴跃农
《中国电影音乐寻踪》 王文和著 1995年08
《中国早期电影歌曲精选》 陈一萍著 中国早期电影出版社 2000
电影歌曲欣赏说要 张春阳 肇庆学院音乐学院 526061
声乐歌曲范文4
关键词：练声曲 精 准 稳 熟 静
在学习声乐的过程中，练声曲是大家熟知的一个练声途径。在这些年的学习与教学中，对于练声曲，笔者总结出几个要点。
一、精
记得起初开始学声乐的时候，非常喜欢唱。练声曲从低声区到高声区一遍一遍地练，凡是听到别人练的，还是老师布置的，都要试着唱几遍，直到唱得筋疲力尽才罢休，还觉得自己在用功练习声乐呢。可实际上学到东西了吗？仔细回想，这样做只是在重复着自己的错误方法而已，不但对声乐没有益处，反而加剧错误发声方法的定型。后来慢慢意识到：练声曲需要用心灵去感悟，需要用智慧去把握，要做到精。把每一首练声曲都唱得非常细腻，非常到位，才算是在学习、在做有益的练习。所以说练声曲不在贪多，关键要做精，最好是多而且精。这就需要花大量的时间，一点点地练习，一点点地积累，从笨拙到巧妙，从粗糙到精细。先做好一两首，确实很好了，再做其它的联系。
二、准
在声乐教学中，笔者发现有的学生在唱歌时，一些字唱得比较轻松而且准确，有些字却很难唱到位，例如：位置下划、气息位置偏高，导致声音不流畅、高低起伏、音色不统一听觉效果很差。这样的学生在选择练声曲时候要切中要害，就是要准，就是要有的放矢。例如：有些同学发闭口音比较容易与气息结合，声音也容易统一，那就让他把那个最容易做好的闭口音声母作为突破点，以点带面，从闭口音到半开口音，再到开口音，然后再慢慢地切换韵母，从一个到两个字，从两个字到很多字，慢慢扩展开来。也有的学生唱开口音比较容易找到感觉，那就对准这个焦点，同样慢慢扩展开。这个焦点就成了打开声乐之门的金钥匙，从少到多，从易到难，循序渐进，慢慢步入正轨，最重要的是这把金钥匙要找得准。
三、稳
从容易的练声曲到难的练声曲，一步步地展开练习，把练声曲的每个音级都唱得非常准确和稳定，有的同学唱同一个练声曲，状态却不一样，例如：低声区声音容易虚，中、高声区比较稳定，这样的声音有可能是头腔共鸣开的比较稳定，而胸腔共鸣则有些少，尤其低声区，气息很容易“下不来”，这种情况不能很快进入高一级练习，因为低声区不够稳定，如果忽视该问题，只顾中高声区的练习，时间长了声音就会越来越单薄，中声区也会和低声区一样越来越不稳定，最后只剩下尖锐的高声区。还有些同学中低声区的练习比较顺，到了高声区很困难，高音难解决，这样的问题应该是胸腔共鸣开得比较稳定，而头腔共鸣比较少导致的。所以在练声的时候要特意将中低声区的胸腔削弱一点，将头腔共鸣一点点加入，才能有所改善，高音的解决也是很有希望的。可是如果不注意这个问题的话，时间长了会发现高音越来越困难，本来能轻松唱上的高音也慢慢变得不稳定。还有的同学唱每一句练声曲的时候，会有高低起伏的感觉，不平稳，这主要是因为声音位置不统一，导致听觉效果不柔和不平稳，这样的声音也不能急于给做更多的练习曲，如果不解决的这个问题的话，会慢慢发现学生对声音的控制能力越来越差，甚至唱歌时有的字或者有的声区声音把握得很好，有的字却含混不清，有的音唱得很轻松悦耳，有的音却没有高位置或者气息上提，所以把歌唱得一声大一声小，一句高一句低，听起来会不舒服。仔细探究，笔者认为这些问题的根本原因还是出在不够“稳”上。要是将上述一些问题仔细解决好再做高级练习的话，这些问题就很少发生了。
四、熟
每一条练声曲都要唱到十拿九稳，口腔状态很稳定，气息的通道很顺畅、身体各腔体的协调能力等都很熟练，才能发出稳定的、悦耳的声音。例如：有一些同学做声音练习时，看他一张嘴我就知道声音不会好，为什么呢？因为那一瞬间他有点不知所措，感觉他嘴巴在发声，思维却很迷茫。学习声乐的人都知道声乐方法的张嘴和我们平时说话的张嘴是有所区别的，尤其口腔状态，在张嘴的时候就已经固定了，要是这些“基础设施”不固定、不熟练的话，可以想象声音也不会很成熟的。嘴巴一定要在自己的掌控之内，很清楚自己该如何张嘴，才能将声音熟练地掌控。还有的学生张嘴的感觉很容易找到，可是发比较长的音的时候，声音的前半部分比较好，后半部分嘴巴慢慢有所变化，或者越开越大，或者越来越小，或者气息跟不上等等，使声音的位置发生变化，有虎头蛇尾之感，这些问题都出在练习得不够熟练，对控制发声的肌肉群的掌控力不够。《卖油翁》中，那位老者说“只是熟练罢了”，把技术做到这样的熟练程度，是需要智慧和汗水共同浇灌的。
声乐歌曲范文5
关键词：朱南溪； 丰收歌； 艺术特色
中图分类号：J701 文献标识码：A 文章编号：1006-3315（20156）01-136-001
朱南溪是上世纪六十年代以来著名的中国作曲家，50多年来在音乐创作上辛勤耕耘，创作了大量的歌曲、舞曲、乐曲作品，代表作歌舞音乐作品《丰收歌》被评为中华民族二十世纪经典作品，荣获金像奖，歌舞音乐《丰收歌》在上世纪60年代更是脍炙人口，直到今天仍然是中国民族音乐发展史上堪称的时代精品。接下来笔者将从歌词、旋律等方面分析该音乐作品的艺术特色。
一、《丰收歌》创作背景与体裁特色
作为采用音乐艺术形象创作的体裁之一的“歌舞性音乐”，《丰收歌》的创作更是以强烈的节奏感和韵律感，引导观众快速进入歌唱语言所表现的具体情境中，使观众通过听觉、视觉的感观感受，获得极大的艺术魅力的享受。1963年，朱南溪用了5天的时间，创作了女声独唱和合唱的歌舞性音乐作品《丰收歌》，随后在1964年全军第三届文艺会演中，获得优秀奖。很快拍成电影，立刻风靡全国，流传中外，《东方红》大型歌舞也选用了《丰收歌》。
《丰收歌》从体裁上来说，是属于“叙事歌曲”的范畴，曲调具有叙事性，富有语言表现力，好像讲故事一样侃侃而谈，曲式风格多样，作品“以江南水乡的劳动妇女收割稻谷为背景，通过割、挑、打、扬等细节，表现农村妇女勤劳奋发的美德与热情豪爽的性格，反映出一派喜获丰收的愉悦的情景”。叙事性音乐作品的显著特点是通过具体的人物来抒发内心的感情，而在这首音乐作品中，人物就是“收割稻田的妇女”，带有一定的故事情节，表现她们喜悦的人物形象，展示了当时劳动人们生活的一个侧面。所以， 《丰收歌》更侧重叙事，在叙事中表达情意，在叙事中进行表演，从而使作品显得比一般抒情性作品更长一些，更大一些，叙述一个完整的故事。
二、声乐语言的“词韵”特色
《丰收歌》声乐语言的突出表现就是它的歌词韵律特征。
“用韵”是歌词一个重要的艺术手法，它与歌词的思想内容密不可分。“句句押韵”和“不断转韵”在《丰收歌》得到很好的体现。如歌词“太阳一出红满天，红光铺满丰收田，丰收田。哎哟哎哟哎哟，金黄稻穗沉甸甸，盖满大地照亮天，照亮天。
姐妹挥手舞银镰，棵棵稻穗把头点，把头点，尝尝稻米甜又香，稻米醉人乐心间，乐心间。
盖满大地照亮天，堆起粮食赛金山。堆起粮食赛金山，姑娘越干越喜欢越喜欢。
我们从歌词中看出，“天”、“田”、“甸”、“镰”、“点”、“间”、“山”、“欢”，这样“句句押韵”和“不断的转韵”的特色准确的表达出人物心态的情绪比较急促，传达了紧张迫切情绪与情感的描写，从而更加体现了与歌词内容紧密的联系一起。
三、“词情曲情”结合塑造艺术形象
歌曲旋律的构成，可以说是音高与节奏组成的乐音上行或下行的连续级进。杨荫柳先生对音乐与语言的关系持有这样的观点：“语言的音调与歌唱的音调有着内在的联系。”《丰收歌》整体的情绪从歌词中完全可以看出“愉快与欢乐”的语调。这种语调的歌词必然是运用大跳的音程的旋律，才能表现这种情感的变化。如歌曲开头音高和节奏的巧妙运用，《丰收歌》的调号是A调。通过固定调的音区我们可以看出开始领唱者通过小字二组高音mi的对应歌词”哟“跨度到小字一组的mi对应歌词“啦”，这完全是一个八度的运用，这种旋律的起伏完全跟歌词的韵律语调结合的非常贴切，又如劳动场面的拉开，欢快而又强烈的节奏感很强的“前八后十六分音符”的运用，以及连续“十六分音符”的紧密运用加上速度，此时变化为“较快”将歌词“姐妹挥手午银镰”热闹的场面生动的表现出来。再次，旋律发展“抑扬顿挫”的特点。“顿挫”是指声音的停顿和转折。声音从抑到扬，和从扬到抑，都通过旋律的发展变化体现了出来。如歌曲中第三句歌词：“哎呦，哎呦，哎呦”在中音区连续反复的创作，体现歌词中劳动妇女挥汗的场面，突出了旋律的“抑”，紧接着看着金黄的稻穗沉甸甸的时候，当再次出现：“哎哟，哎呦，哎呦”歌词的时候，曲作者将节奏拉宽，高音区连续切分节奏的运用，将妇女们喜悦丰收的割麦的情绪“扬”了起来，突出了旋律发展的“扬”。从以上看出，朱南溪在运用旋律层次的安排塑造出了鲜明的妇女们喜悦”的丰收歌的艺术形象。
四、和声、合唱声部织体的特色运用
和声语言的运用，是音乐中不可缺少的具有很强艺术表现力的一个要素，把握了和声语言，就基本把握了歌曲的风格与特点。作品《丰收歌》是一首领唱加合唱二声部的作品，为了使作品更加有戏剧性的力量，作曲家在作品的处加入合唱的两声部，从而使作品的戏剧性力量得到很好的体现。通过打麦，休憩，收场等等运用合唱声部的出现，造成情绪的转换、变化和强烈的对比，从而在观众心中唤起某种具有戏剧性意味的体验。所谓“戏剧性的表现”就是特定的人物在特定的情境下表现出人物情感的复杂性和丰富性。《丰收歌》通过“合唱性的戏剧性”的推动，大大丰富了作品的内涵，塑造了丰满的艺术形象。具体可见在作品演唱的处的平行四度，二度织体中，主旋律在低声部，高声部衬词的运用起到了互相呼应，补充，达到音响非常丰富，同时又具有民族韵味的特征，可以看出作曲家朱南溪丰富的创作经验。
综上所述，歌舞声乐作品《丰收歌》在上世纪60年代带来的反响是巨大的，给当时中国人民在特定生活中吹来一缕清风，吹到了祖国的大江南北，吹到了田野，给中国的农民百姓在刚刚结束的自然灾害后带来丰收后的喜悦，符合时代的潮流，反映百姓生活的真实面貌，不愧为民族音乐史上的时代精品力作！
参考文献：
[1]邹长海编著.《声乐艺术语言学》[M]第1版北京：人民音乐出版社，2000
声乐歌曲范文6
意大利古典艺术歌曲是声乐艺术曲库中的瑰宝。由于其独特的发音规则使得其被公认为是世界上最适合歌唱的语言，全国乃至全世界各大音乐艺术院校、综合师范院校等都将其列为声乐专业学习的必唱曲目。它对于科学发声技巧的建立、良好歌唱习惯的养成等有着中、外任何时期的作品无法比拟的优越性。通过从语言、声音、音乐素养的角度研究分析，探索其在声乐教学中的作用，希望能尽自己的绵薄之力为声乐学习者提供一些有益的参考。
［关键词］
声乐;发声;统一;素养
众所周知，意大利是美声唱法的发源地，意大利古典艺术歌曲历经三四百年的历史洗礼，至今仍被国内外顶级艺术院校里的声乐教授们作为声乐学生的必唱曲目，由此也不难窥探出它在意大利艺术歌曲中有着举足轻重的艺术地位、艺术价值。正如著名华裔声乐教育家赵梅伯所说:“意大利古典歌曲在学习美声唱法过程中是必不可少的经典作品，它具有极高的技术训练价值。”这一时期的艺术作品具有很强的时代性、民族性、阶级性，题材内容丰富、篇幅短小、节奏明快、音域不宽、音乐旋律极富有歌唱性、抒情性，演唱这一时期的作品宜选用圆润饱满、纯净柔和、优雅轻巧的声音进行演唱。无论是对正确声音概念的建立、良好歌唱习惯的培养、演唱技巧的掌握还是对音乐素养的提高等方面都值得学生去认真的推敲学习领悟，是声乐初学者作为声乐学习入门基础的上乘之作，亦可以说是声乐学习中的一部“万能钥匙”。无论是美声唱法、民族唱法还是流行唱法，若想要自己的演唱之路走得更久、更宽、更长远打下一个很好基础，都必须演唱、积累一些这一时期的作品。即便是有了娴熟的声音技巧及一定的演唱功底，也要时不时唱一些这一时期的作品，来警醒自己不可因唱了一些大的咏叹调而养成了一味追求过大、过猛的歌唱习惯，而是要时刻注重音乐修养、音乐品位的提高，才能尽可能地延长自己歌唱寿命。一些声乐初学者在学习过程中往往好高骛远，非常喜欢演唱一些“大”作品甚至是超出自己演唱能力之外的高难度声乐艺术作品，且乐此不疲的盲目追求把声音唱大、唱满以展示自己的演唱水平，而结果往往却适得其反，轻者养了很多不科学的发声方法，更有甚者由于不科学的发声方法导致声带发声病变，声带小结、声带息肉等严重者甚至可能终生不能再进行演唱。
一、塑造纯正的发声
(一)便于树立正确的声音观念。意大利古典艺术歌曲中的任何一首作品在音域方面，正是符合了人声正常音域这一艺术特征，非常适合于人们的歌唱。无论是具有高超演唱技巧的歌唱家还是正在学习声乐演唱技巧的学生，在演唱意大利古典艺术歌曲时，都不存在音域方面的障碍。意大利在给世人留下大量经典艺术作品的同时也成就了很多歌唱家，而这些歌唱家也给我们留下许多演唱的这些声乐作品的录音、录像，甚至是一些难能可贵的上课学习视频资料，这些对声乐初学者来说无疑是非常宝贵的财富，是难能可贵的极好的学习资料。目前国内对美声的普及程度还不是很高，声乐初学者在学习之初往往还没搞清楚什么是美声，什么是好的声音、正确的声音，所以如何用科学的发声方法来进行演唱更是无稽之谈。若在此阶段，让学生在此时大量的聆听各种不同时期、不同歌唱家的演唱录像、录音，提高对声音的辨别能力、审美能力。无论是对学生正确发声观念的建立还是对以后演唱作品的处理无疑是大有裨益。
(二)便于养成正确的发声习惯。这个时期的作品从演唱声音技术角度而言并非震耳欲聋式的宏大音量，更多追求的是柔和、纯美、圆润的音色。这一时期的作品旋律大多围绕在最为自然、舒服、饱满的中声区、速度适中、节奏平稳，便于声乐初学者自然地打开喉咙、避免喉部肌肉的“挤”“卡”“压”，从而有益于建立正确的歌唱状态及良好的发声习惯。如《受伤的新娘》、《不、不、不要期望》、《啊，我的心》等作品不需要非常富有爆发力、震耳欲聋的声音，大多需要演唱者极其“安静、舒缓”方式进行演唱，使得听者更多的能集中注意力于音乐内容本身，而非华丽的舞台艺术造型、过于夸张的舞台艺术表演。如在很多的小型室内乐作品音乐会上往往更倾心于选择这一时期的声乐艺术作品，它更符合小型室内乐作品音乐会的艺术气质。除此之外，可以在网上查阅到很多关于这一时期大量珍贵的谱例及很多优秀歌唱家演唱的音频、视频资料，甚至是一些大师的珍贵教学视频资料，便于学生在学习过程中查阅观看学习。而若在此时选择的大多中国作品，由于中国的美声唱法起步较晚，并没有太多可以供学生查阅聆听的音频视频资料。
(三)富于歌唱的语言。无论是从生理学角度还是从语音学角度来看，世界上没有任何一种语言能够比意大利语更便于歌唱。意大利语与生俱来的独特发音规律，使其成为“最适合歌唱的语言”，便于歌唱的语言为良好歌唱状态的建立提供了得天独厚的“先天”条件。意大利语母音音色圆润、纯正，音序规律且富有一定的节奏美感。单词的音节有一定的规律可循，大多数单词都是以元音字母结尾，单词元音位置突出且“开音节”的单词较多，较之由单音节构成的汉字发音要简单、易学很多。音律平正、发音清晰、音调和谐，声音柔和而浑厚、音色优美。语言流畅、连贯，富有意大利语言特有的美感，富有韵律感，特别注意强调语音重音音节，为形成科学合理的演唱技巧提供了便利的条件。有利于身体各部分歌唱腔体的打开与保持，有利于把声音“穿”起来使得音色统一，这也是为何意大利是“盛产”歌唱家的重要因素之一。
二、便于声音的统一
(一)打好中声区声音基础。意大利古典艺术歌曲以富有诗意的旋律著称，音乐舒缓、旋律线悠长、速度适中、节奏平稳，随着音乐内容的不断推进，音乐的走向会以缓慢上行、下行缓缓移动，“不动声色”的逐渐构成一个音乐，紧接着音乐往往是对开头音乐的完全再现或者变化再现终止。从宏观上来看是音乐大多会形成一个拱形的音乐走向，声音的音区始终围绕在中声区。如斯卡拉蒂的《别再使我痛苦、迷惘》(Ocessatedipiagarmi)，音乐从小字二组的re开始，音乐的走向无论是上行进行还是下行进行都紧紧围绕此音进行，整首作品的最高音是小字二组的fa，最低音位于小字二组的升fa，纵向来看整首作品的音区不超过八度，节奏以八分音符和四分音符为主，非常适合初学演唱学习。初学者在学习之初，音乐基础比较薄弱，音准、节奏相对来说都不是很好，演唱此类作品也能让学生慢慢提高识谱、音准、节奏，无形中逐步提高学生整体的音乐素养，培养了学生的学习兴趣。从声音技术的角度而言可以打好中声区的声音基础，为以后声乐学习中音域向上、向下的扩展打下良好的基础。
(二)低声区、中声区的统一。声乐初学者尤其是女中音声部在刚开始学习声乐的过程中，经常会碰到在音乐的旋律走向从低声区往中声区进行时，无论是练声还是演唱歌曲，演唱到一定的地方嗓子就觉得不舒服，声音会忽然出现“打架”甚至是破音，这其实是到了一个换声区，有一个换声点。从生理机能角度而言指的是喉头位置的高低及咽腔打开后的长短、收缩尺寸的调节达到的一种混声效果。我们中国习惯用“真声”(指胸声)“假声乃(指头声)这个名词。而混声唱法指的是真假两种歌唱状态混合着应用的意思。假声要以真声为基础，真声要以假声为基础，高音挂上(专业用词)胸腔，低音挂上头腔。这样灵活应用，才能发挥两个共鸣腔体混合共鸣的优点。演唱者必须运用一些特殊的技巧掌握换声区的方法才能继续向上唱，否则嗓子会疼会痒严重者甚至导致声带病变。笔者在学习演唱及教学中总结发现。遇到这种情况，首先需要找到真假声具体的换声点，做一个倒抽一口凉气的动作使得喉头下降声音获得一个稳定的气息支持，选用舒缓的旋律加上意大利纯正的“a”或者“o”母音在遇到换声点时提前适当控制减弱声音的音量，等声音流畅地通过了这个换声点以后再逐渐把音量放大，再放开来唱，最终使得“真声不炸，假声不虚”。在练唱曲目上若选用中国曲目，汉字的发声不利于过度声区的训练，甚至会加重过渡声曲的难度。选择这类曲目来练习就会方便很多。如亨德尔的《让我痛苦吧》，第一乐句的歌词是“Lasciachiopi-anga，Ladurasorte”没一个单词的结束音分别是“a，o，a，a，a，e”，我们在练声的过程中经常用的也是此类的元音，因此非常便于我们保持良好的发声状态。
(三)中声区、高声区的统一。在声乐初学者中尤其是女高音声部，在演唱从中声区往高声区过渡时的音阶或者旋律时，经常有部分学生会遇到声音“卡壳”嗓子不舒服的情况，其实这是到了中声区和高声区的临界点也就是通常所说的换声区。遇到这种情况，无论是练声还是演唱的作品都需要声乐老师格外慎重考虑，否则学生的声乐学习之路很可能会半途而废。声音在换声区若是不能很好地换过去，声音在进入高声去时就会继续沿用之前中声区的声音，这样演唱学生的嗓子会不舒服，就提不起对声乐的学习兴趣，有些练习比较勤奋的学生在没有合适方法的情况下，很容易会把嗓子唱坏引起声带病变。在中声区是真假声的混声唱法，而到高声区时就需要用全假声的声音技术。在此时宜采用旋律在高声区级进进行的作品。如柏戈莱西的《尼娜》整首作品有很多旋律位于中高声区，加上非常便于歌唱的语言使得学生很容易找到真声到假声的转换，坚持练习一段时间，很快就能很好地掌握这门技术。除此之外在学习、教学过程中总结在遇到此类情况时，在声音进入高声区前提前控制减弱音量、声音音色变暗，口腔状态保持不动用“a”或者“o”母音带入，这个声音的“坎儿”就自然过去。意大利语的歌曲大多数的单词就是以元音结尾，非常便于过渡声区的声音技术的提高。若是选用中国声乐作品，汉子的发音规则想复杂很多，有前鼻音、有鼻音、平舌音、翘舌音，归韵收声等。对于初学者来说，建立良好的发声方法已经实属困难，再加上这些复杂的咬字规则，很容易使初学者失去学习声乐的积极性、主动性。
三、提高音乐的素养
(一)养成严谨的学习习惯。意大利古典艺术歌曲在音乐的节奏、速度以及强弱等方面在谱子上都有较为明确的标记，声乐教师在声乐教学中经常会提醒学生在学习中注意去看谱子上的标记，不能随意改变歌曲的速度、强弱、力度等，无形中使得学生形成认真、严谨学习习惯。在一些比较小的中国声乐作品中，诸如像意大利古典艺术歌曲中那么丰富的各种音乐标记要明显要很多，只有在一些较大的声乐作品中才会有很多。而较大的声乐作品并不适合初学者演唱。初学者在演唱意大利古典艺术歌曲便于初学者在学习之初就养成良好的学习习惯，那么以后唱大的作品就会自然而然的养成认真、严谨的读谱习惯，无形中提高了学生的学习效率，加快了学习的进度。除此之外在学习演唱意大利古典时期的作品时，声乐教师更多的是注重对声音强弱控制训练，注重歌唱者对声音驾驭能力的培养。如维瓦尔第的《受伤的新娘》中有大量的力度符号，在演唱时如果想很好地表达作品的情感内容，就需要用极具控制的声音去演唱，需要时认真揣摩每一个力度符号的涵义，才不会在演唱的过程中盲目的用“声”过猛或用力过大，而且要学会在碰到不同感彩的音乐内容时，要学会采用合适的声音力度、音色去表达音乐的内容，传递音乐的情感。
(二)提高对作品的理解能力。意大利古典艺术歌曲更多需要选用纯净、圆润的音色而非震耳欲聋式的音量，使得演唱者可以全身心的集中注意力于音乐内容本身。这一时期的作品很多长短不一的间奏，在乐曲的中间经常声乐上的“留白”，即用钢琴伴奏织体声部来填充表现音乐。一些音乐素质相对薄弱的声乐学习者，经常出现在需要进拍的地方进不去，不是拍子进的早了就是拍子进的晚了，亦或是音唱的偏高或者偏低，总是有这样或那样的问题，所以非常害怕合伴奏，往往一提到合伴奏就会非常紧张，本来唱的没有任何问题的地方，一合伴奏由于紧张往往也唱不对。但随着演唱水平不断提高的同时，无形中也慢慢培养了演唱者与伴奏、乐队的合作能力，音乐基本功逐步的改善、提高，为以后演唱大型的声乐作品打下了良好的基础。
综上所述，不难看出意大利古典艺术歌曲无论是对声乐学习中初学者还是对有深厚演唱功底演唱者来说，无疑都是其歌唱生涯中不可或缺的艺术珍品。声乐初学者可以借助意大利古典艺术歌曲建立正确的发声方法。对于有深厚演唱功底声乐学习者来说，应该把意大利古典时期的作品当做每天的练声曲、声乐学习者的“保健品”，经常拿出来唱一下，可以时刻提醒自己在歌唱中要保持理智，尤其是在演唱较大曲目时不可盲目的贪大贪响，从而更好的诠释作品的精神内涵。
作者：李小莉 单位：汕尾职业技术学院
参考文献:
［1］赵梅伯．唱歌的艺术［M］．上海:上海音乐出版社，2000．
