钢琴奏鸣曲范文1
关键词:钢琴奏鸣曲；艺术表现力；钢琴教学
一、钢琴奏鸣曲的起源发展及曲式结构与风格特点
（一）钢琴奏鸣曲的起源发展
奏鸣曲从简单意义上来讲是一种乐器音乐的写作和音乐表现方式，奏鸣曲一词来源于拉丁文中的sonare，也就是发出声响的意思。在西方音乐史当中，这种结构的曲式随着不同音乐时期的变革以及期间各个乐派的风格偏向，形成了独具特色的发展形势。奏鸣曲的曲式最早出现在巴洛克晚期，其后历经古典主义时期、浪漫主义时期，开始逐步发展和完善。直至进入20世纪，各式各类的乐器演奏奏鸣曲大量的出现，而其中钢琴奏鸣曲仍然占据着古典奏鸣曲的主要位置。意大利作曲家多梅尼科•斯卡拉蒂(DominicoScarlatti)可以说是古钢琴奏鸣曲的创始人，他所创作的555首单乐章钢琴奏鸣曲在巴洛克晚期成为了键盘类奏鸣曲的主流。D.斯卡拉蒂为钢琴奏鸣曲日后的形成和确立打下了坚实的基础，他也被后世誉为“古奏鸣曲式之父”。古典主义时期可以说是奏鸣曲的鼎盛时期，这一时期音乐的创作风格以及音乐技巧都和巴洛克时期形成了非常强烈的发差和对比。由于启蒙运动的思想影响和人文理念深入，使得古典主义时期的作曲家开始使用单一简明的曲式机构进行创作，所以致使奏鸣曲曲式的结构在这一时期开始成形并且逐步确立起来。
（二）钢琴奏鸣曲的曲式结构与风格特点
关于奏鸣曲的曲式结构，在起源发展部分已经简单涉及了，其曲式的结构经过漫长的过程历经几代作曲家的改良。现在被规范的奏鸣曲曲式结构是由四个乐章组成，包括：第一乐章：快板乐章，奏鸣曲式；第二乐章：慢板，变奏曲式、复三或自由奏鸣曲式；第三乐章：小步舞曲或谐谑曲，复三段式；第四乐章：快板或急板，奏鸣曲式或回旋曲式。但有一些特殊的作品会根据自己的需要省略第一乐章或第二乐章，形成三乐章结构。我们今天所听到的钢琴奏鸣曲基本上都属于古典奏鸣曲，虽然与早期奏鸣曲有一些风格上的变化，但大致上保持了奏鸣曲一贯的特色。首先，我们知道钢琴奏鸣曲是独奏曲，这体现了突出钢琴简单质朴的一面，没有高低声部的衬托，音乐基本为主调风格。其次，基于奏鸣曲结构之上，变化的拍子和再现回旋的表现方式。突出表现某一段落，而每次再现都有所不同，充分的引发听者的兴趣。第三点，奏鸣曲非常的注重钢琴技巧，例如在D.斯卡拉蒂的奏鸣曲中出现了有双手交叉、双手八度以及内音部的高度震音技巧，最后，奏鸣曲有非常好的音乐表现力，几乎大部分的奏鸣曲都是以明亮的大调进行，听起来非常的愉悦。例如莫扎特的奏鸣曲是最富有歌唱性的，是带有希望的，欢乐的歌唱的节奏。
二、钢琴教学中奏鸣曲的重要作用及意义
钢琴奏鸣曲在钢琴教学中是被应该最为广泛的钢琴体裁，奏鸣曲可以帮助演奏者提高钢琴演奏技巧以及音乐的表现力，同时钢琴奏鸣曲可以最大限度的开发演奏者钢琴演奏的潜力。
（一）钢琴奏鸣曲可以有效训练连奏、小连音线、断奏
在钢琴奏鸣曲中经常会出现两种连音的表现方式，连奏与小连音线。虽然较为相似，但也有一些区别。连奏是将一些音符连贯，圆润的弹奏出，构成一个乐句。连音的触键方式不是爆发式的快速弹奏。是熟练的缓慢触键。这种缓慢触键不是软绵绵的那种，而是训练有素的那种。其关键在于改变手指的触键部位，保持手指平直，用手指的指面部位柔软的触键。这样的触键方式是能演奏出柔和的富有歌唱性的声音。小连音线，又称为圆滑奏法，简单的来说是需要用指尖和手腕共同配合完成，以圆滑、连贯的方式演奏2个到4个用连音线连起来的音符。小连音线经常会与跳音一同出现，所以其奏法技巧是第一个音稍加以强调，力量稍微大一些，后面的音尽量的柔和轻巧些，有情感的进行，如果是后面的音值较短，就需要指尖稍微快速的离开。连奏和小连音线的可以很好的帮助训练演奏者的触键感觉，使演奏不再生硬，使音色更加的富有美的流动性。关于断奏，不止是奏鸣曲中有出现，在其他体裁中也有，但是因为奏鸣曲快板和慢板的交替进行，和一些连奏、小连音的出现，则对比凸显出断奏和跳音的明显特征。断奏是一种演奏含义，包括有跳音、顿音等演奏方式。跳音和顿音是运用手腕动作，手臂平稳，动作轻快灵敏，触键的力量要集中在指尖上，触键面积很小，一触即回，奏出轻快，富有跳动的节奏，同时对于触键速度上的要求要看整体奏鸣曲的拍子。断奏的使用可以增加乐曲的整体形象感，使风格上更加的明亮、活泼、愉快。这样的演奏同时也增加了作品的音乐表现力。
（二）钢琴奏鸣曲可以有效训练速度、力度
钢琴奏鸣曲的速度与力度，一直伴随着奏鸣曲发展被不停的讨论和研究。因为受到奏鸣曲独特曲式结构的影响，力度与速度的变化成为了奏鸣曲自身的一个标签。同时把握好乐曲的力度与速度成为了能否演奏好钢琴奏鸣曲的关键。首先对于速度来说，速度不统一就会损坏乐曲整体的音乐表现，虽然奏鸣曲是快板-慢板-小快板的结构，但不代表不是统一的速度。快板乐章中手指的快速持续的弹奏，是根本的保障。而到了慢板乐章时，演奏速度不要突然变慢，要根据速度记号去调整，每个手指触键发出清晰的声音。对于力度，其实是根据速度的变化去调整，只要速度运用的好，力度自热而然会被触键的感觉所影响，力度的自然化，是钢琴奏鸣曲最真实的表现。
（三）钢琴奏鸣曲可以提高音乐表现力
钢琴奏鸣曲的音乐表现力是非常强的，通过具有特色的曲式结构，快慢板结合的速度，和非常华丽的钢琴技巧，如人的情感表达以及美丽画面成像。钢琴奏鸣曲能够抓住听者的耳朵，充分的引发听者的情感共鸣。弹奏钢琴奏鸣曲对于演奏者来说具有特殊的意义，钢琴演奏，不单单是演奏钢琴技巧，还要表现其富含的艺术魅力。只是单纯的炫技是不能引发听者的共鸣的，音乐来源于生活，就要反映最真实的生活表象，只有赋予钢琴真实的表现力才能得到人们的认可。钢琴奏鸣曲是历经岁月洗礼，是非常成功的一种钢琴音乐体裁，历经几大音乐时期及无数优秀的作曲家的改良，至今仍旧占据着钢琴音乐中重要的一席。钢琴奏鸣曲富有极强的艺术表现力以及非常真实情感表达，它能表现出人的细腻情感，或是喜悦、或是悲伤，它能够给人最美的听觉享受和最绚丽的画面感，让听到的人深入其境。同时在钢琴的教学中，奏鸣曲能够很好的训练演奏者的钢琴演奏技巧，无论是从触键的感觉、速度、力度的把握上，还是乐曲的音乐表现和情感上等，可以帮助学习者迅速的提高，并且使其掌握音乐最真实的表现力。所以综上所述，钢琴奏鸣曲在钢琴教学中具有非常高比重，是不可或缺的，它可以使钢琴学习者更加全面的接触钢琴演奏，并且感受和学会钢琴演奏艺术。
作者:郑焱元 单位:大连大学音乐学院
参考文献:
[1]叶松荣.西方音乐史[M].高等教育出版社,2003.
[2]郑兴三.贝多芬钢琴奏鸣曲研究[M].厦门大学出版社,2003.
钢琴奏鸣曲范文2
关 键 词 ：海顿 莫扎特 演奏
海顿和莫扎特同是维也纳古典乐派杰出的作曲家，虽然两人年龄相差24岁（海顿生于1732年，莫扎特生于1756年），但两人之间却有着深厚的友谊，这两位伟大音乐家的友谊被传为佳话。钢琴奏鸣曲的创作在海顿和莫扎特的作品中占有重要地位，正是两位大师在音乐上的不断探索，得以使钢琴奏鸣曲套曲形成，他们也成为音乐史上十分重要的创造家和奠基者。本文将从演奏的角度对海顿和莫扎特的奏鸣曲进行比较。
一、音乐表达方式的不同
作为同时代的作曲家，他们的音乐在织体、和声、曲式以及作品所反映的明朗乐观的情绪上都具有属于那个时代的共同特点。但是，由于他们的生活环境、成长经历以及个人天性的不同，使他们的音乐风格也存在着很大的差异。
海顿自小几乎遭到遗弃，未经良好教育，不得不在拼搏中长大成人，他的父亲是马车工匠，母亲是厨师。海顿的童年是在农村度过的，当地的民间歌舞给他留下了深刻的印象。海顿的创作得以同多民族的奥地利民间音乐保持密切的联系，与他的童年经历密不可分。海顿虽然学习过键盘乐器和小提琴的演奏，却没有机会接受系统的音乐教育。他真正的学校就是生活本身和工作实践。1761年，当海顿29岁时，开始为保尔·安东·艾斯特哈齐亲王工作，此人是财势最大的匈牙利王族之长，热爱音乐，慷慨资助各项艺术。保尔·安东之兄尼古拉斯于1762年承袭亲王王位，海顿在这兄弟二人手下工作近30年。海顿的任务是创作亲王点写的任何品种的音乐、指挥演出、训练管理所有的音乐人员、保持乐器完好。亲王拥有一支25人左右的乐队，演奏人员都是从奥地利、意大利或别处招来的最优秀的音乐家。这样的条件对于海顿的创作可谓是理想之至。因此，海顿以他的104首交响曲和36首弦乐四重奏的创作及贡献，被人们称为“交响乐之父”。
故而，海顿惯用的管弦乐创作思维，会自然而然地运用在他钢琴音乐的创作中。可以说，他的钢琴作品都具有乐队效果。他在钢琴上模仿各种乐器，几乎将交响乐中的音响特点都移植到钢琴上了。在他的奏鸣曲中，时而有乐队的全奏，时而有乐器之间的对话，这些都需要我们用较为饱满的声音、丰富的共鸣以及细腻的音色变化将其表现清楚。
而莫扎特家教有方、见多识广。他的父亲是一位小有才华和声望的作曲家，一部著名的小提琴演奏论著的作者。在父亲的培养下，莫扎特3岁学习钢琴，5岁开始作曲，6岁即以“神童”的身份在维也纳、慕尼黑以及法国、英国、荷兰、意大利各国旅行演奏。通过这些旅行，莫扎特有机会直接了解当时欧洲各国最优秀的音乐成就，艺术视野大为开阔。与著名歌手的频繁接触使莫扎特意识到，成为自己信条的那种音乐美感尚未在器乐中体现，他觉得应该在器乐中造访人声。从此歌声支配他的全部音乐想象。
莫扎特的器乐作品中一切都在歌唱，甚至包括他的快板。他的音乐语言来自歌剧，每一首作品都仿佛是莫扎特的一部歌剧，每一句、每一小节都有很细腻的人物刻画，并在键盘上栩栩如生地表现出来，令人陶醉。莫扎特的旋律大多在右手，所以力度的对比、变化都要靠右手来控制，在注意音色的同时还要注重乐句的呼吸，每个乐句都要交待清楚，要弹奏得圆滑，乐句中不要出现重音，句尾的处理要自然。而左手常常是带有韵律的伴奏音型。正如法国钢琴家吉泽金所说：“弹奏莫扎特，左手伴奏永远是轻轻的。”
二、乐器发展的影响
乐器的改进与发展始终推动着音乐风格的演变。新的乐器制作技术带来了新的音响世界，为作曲家开辟了广阔的新天地，使之乐思涌动，翱翔于中。
18世纪中叶的“维也纳式击弦机”钢琴深受海顿和莫扎特的喜爱，该琴的特点是机件灵活，琴键触感较浅而轻，有很灵敏的制音系统，共鸣不强，音量偏小，但音色清晰透明。莫扎特的钢琴音乐都是为当时的古钢琴所作。因此，我们今天弹奏他们的作品时，就需要考虑如何在现代钢琴上弹奏出古钢琴的声音特点。经过上述的了解，我们基本上可以确定我们所需要的声音。在弹奏连音时，我们需要的是具有颗粒感、棱角感的清秀的声音。所以，应当特别注意指尖触键时力量的集中感，指尖感觉敏锐，触键时间勿长，快速的音符要弹得有光泽，触键均匀，有穿透力，声音不要发粘，不可过重，要弹得爽朗、轻快，要有“大珠小珠落玉盘”的效果。
另外值得注意的是，在18世纪末期，海顿的创作晚期，他接触到经过英国钢琴制作师——布劳德伍德改进的古钢琴，这是一种体积更大，音量更强的钢琴，其特点是：音域扩大到五组半八度，触键感较重，并且是一音三弦，音板厚，所以音量大，共鸣强，声音深沉浑厚。经过改良的古钢琴，其共鸣已经可以更为准确地奏出具有乐队效果的音响。海顿的最后5部钢琴奏鸣曲，包括在英国创作的3部“英国奏鸣曲”是他专为改进后的钢琴创作的，这些作品被视为钢琴音乐宝库中最早的一批珍品。因此，当我们弹奏海顿晚期作品的时候，其音响效果和对音色的追求要区别于他的早期作品以及莫扎特的作品。在表现乐队全奏的和弦时，以及模仿其他乐器的音色时，要敢于表达，认真倾听所弹奏的声音是否符合作品的要求。
三、曲式发展与音乐的组织
在注重音乐表达以及音色等细节的同时，还要从音乐的整体上来把握演奏风格的准确，以确保演奏效果符合作者的要求。因此，了解海顿和莫扎特在奏鸣曲曲式上的区别是很有必要的。
海顿在钢琴奏鸣曲创作方面深受c.p.e.巴赫的影响，他潜心研究c.p.e.巴赫的奏鸣曲，热衷于奏鸣曲快板乐章中主、副部主题统一的处理手法，在音乐形象上的对比性质还不强烈，只是在调性上进行对比。海顿奏鸣曲式的连接部与展开部的规模增大，而这两部分含量的增加，体现出奏鸣曲式的乐思发展的原则，它以小动机作为核心，活跃于移动的调性与和声变化之中并推动音乐向前发展，到了贝多芬的时代，这个蕴涵着动力的因素被发挥得更加充分。
由此我们可以得知，在海顿的奏鸣曲中，音乐形象的统一、一致是至关重要的。他的音乐形象大多是充满朝气、富有幽默感的，要抓住和理解其内在的音乐气质，才能在弹奏中保持音乐形象的统一。由于调性上的对比，应当弹奏出声音色彩上的变化，要注意指尖上的控制以及听觉对色彩的追求，在海顿的音乐中是一个五彩斑斓的缤纷世界。
莫扎特在钢琴奏鸣曲曲式上的发展比海顿又前进了一步，无论在乐曲的结构规模、形式的均衡统一，还是在主题性格的对比、和声的应用方面都达到更为纯熟的地步。莫扎特的主题本身就很完整，不像海顿的主题留有较大发展余地。虽然古典钢琴奏鸣曲呈示部的第二主题直到贝多芬手中才被赋予全部的意义，但是与海顿相比，莫扎特在奏鸣曲呈示部中奠定了更有独立性的第二主题，并且往往通过连接部的准备才导入，从而更强调了它的意义。莫扎特的第二主题音乐个性丰富，但是往往在它们出现后，是一连串快速经过句或者是新的乐思，此后不复展开。这种随心所欲的创作方式成为莫扎特笔下特有的、兴之所至的轻松风格。
莫扎特对奏鸣曲式的发展使他的作品中有了更为丰富的音乐形象。在一首奏鸣曲中往往有多个角色，因此在弹奏中要注意角色的转变，所有的角色的独白、对白都要有分寸，都要有细腻的刻画。莫扎特的慢板乐章常常用咏叹调来表现他的旋律天赋。在他的音乐中，旋律始终是第一位的。
作为维也纳古典乐派同时代的作曲家，海顿和莫扎特这两位大师的作品在钢琴文献中占有重要的地位。从演奏的角度对海顿和莫扎特的奏鸣曲进行比较，对准确掌握他们作品的演奏风格有积极的作用，而正确掌握其作品的演奏风格需要我们不断地探索与追求。
参考文献 ：
[1]帕翠卡·法罗斯·汉蒙德著，冯丹、姚纯青、张凯译．钢琴艺术三百年，重庆：西南师范大学出版社，1998年6月第1版．
钢琴奏鸣曲范文3
一、莫扎特钢琴奏鸣曲的发展脉络
在欧洲，钢琴音乐艺术的历史非常悠久。钢琴奏鸣曲在16世纪兴起，一经推出立刻风靡全球，备受大众推崇和喜爱。在巴洛克风格的影响下，17世纪钢琴奏鸣曲得到了迅速发展。不仅突出了音色特征，也更加生机盎然、气势磅礴。古典音乐在18世纪末，到了鼎盛时期，像贝多芬、舒伯特和莫扎特等众多的音乐才子不断涌现。在这个时期，音乐作品风格趋向浪漫，钢琴奏鸣曲的发展日趋成熟，更加注重追求表达个性和情感，音乐家正是通过作品来倾注情感。在这个时期生活的莫扎特，一生创作的钢琴奏鸣曲达到18首。这些钢琴曲，对莫扎特的成长和情感，以及不同时期的思想，在一定程度上进行了映射。正处于启蒙时期的欧洲，具有非常复杂的社会环境，当时的人们追求自由、平等和人性的解放，而莫扎特与社会和时代的发展相顺应，其奏鸣曲表达了强烈的人文关怀、对民主和自由的渴望，并极好地诠释了作曲家内心丰富的情感。
二、不同时期莫扎特钢琴奏鸣曲的创作特征
（一）创作初期。莫扎特从18岁就开始进行钢琴奏鸣曲的创作，并在此期间创作了6首钢琴奏鸣曲。此时的莫扎特怀有对未来生活的殷切希望和强烈的求知心理。因此，在这6首奏鸣曲中青春气息极其浓郁。莫扎特在旅游返乡时创作了《家乡奏鸣曲》，该曲有着明快的节奏，曲中每一个跳跃的音符，都充分地表现了莫扎特积极向上的乐观心态。
（二）创作中期。1777-1118年，是莫扎特音乐创作的中期。此时的莫扎特人生陷入了低谷，他生活穷困潦倒，同时，经历了失恋和丧母的双重打击，前途未卜，精神备受摧残。莫扎特逐渐褪去了身上稚气、青春和单纯的一面。在这个时期，共有7首钢琴奏鸣曲问世，其中在巴黎创作了5首，在曼海姆创作了2首。和之前相比，莫扎特的钢琴奏鸣曲风格要深沉很多，他借助于音乐，将现实中的忧伤娓娓道来。同时，也表达了作曲家对美好未来的期望和未来生活的无限向往。
（三）创作后期。在莫扎特钢琴创作的最后几年时光里，他生活在痛苦和窘迫中，而环境的艰难，并没有使他的创作激情减退。在这段时期，他又创作了五部钢琴奏鸣曲。经历着病痛折磨的莫扎特，通过音乐作品，传递着坚强、乐观和满满的正能量。他的作品主题深邃而发人深思，带给人一种向上的力量。此时，其作品的方式是主副调结合，形式紧凑，并上升到一个新的艺术境界。莫扎特承受着现实生活的巨大压力，他的18首钢琴奏鸣曲体现了豁达乐观、积极向上的生活态度，反映了强烈的自由和民主思想。随着莫扎特音乐创作的日益深入，其钢琴奏鸣曲也取得了令人瞩目的成就，既开辟了西方音乐的发展空间，也为进一步发展钢琴奏鸣曲夯实了根基，为后世的音乐创作作出了巨大的贡献。
三、莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术风格
（一）利用调性与主旋律来诠释不同的风格。音乐艺术的生命是用旋律来诠释的，旋律对音乐的艺术风格发挥着重要的作用。在演奏钢琴奏鸣曲的过程中，莫扎特利用优美和丰富的旋律，对观众产生了强烈的吸引力。在莫扎特的艺术作品里，不同的旋律，所产生的艺术效果也是不同的。美妙的音符带给听众优美的视听享受，引领观众进入到一个如梦如幻的境界中。在钢琴语言演奏的过程中，莫扎特利用调性描述了不同的艺术色彩，特别是他的钢琴奏鸣曲，谱写了音乐艺术的华美乐章。在莫扎特的音乐创作中，还巧妙地融合了主调和复调。在演奏钢琴的过程中，主调和复调两种类型，是多声部音乐的结构。主调是莫扎特钢琴音乐的主要特色，其主调音乐体现的是演奏的有效融合和艺术的全新多变，在相互交织这两种音乐类型的同时，对其良好的独立性进行了展现。例如，在演奏D大调奏鸣曲的过程中，莫扎特对如何使用复调因素非常重视，由此使莫扎特钢琴曲的识别特点非常显著。
（二）莫扎特奏鸣曲的旋律歌唱性、自然的流畅性。钢琴演奏家莫扎特创作的钢琴奏鸣曲，是在打造艺术风格的过程中，最杰出的表现，也是其艺术创作的最独具特色的体裁。在具有代表性的钢琴奏鸣曲中，莫扎特对其艺术的表现手法和个性化的钢琴词汇进行了淋漓尽致的展现。在这些作品中，个性化地彰显了其高超的艺术品质。歌剧性是莫扎特音乐创作的主要特征，莫扎特所处的音乐时期，人声感受非常强烈。歌剧里不同的人物和角色，个性特性也是极其鲜明的。莫扎特奏鸣曲特有的交响效果，给人留下了清晰和深刻的印记。由于非常青睐歌剧音乐，莫扎特在创作奏鸣曲的过程中，常常采用歌剧的写作方式。莫扎特在创作钢琴作品的实践中，延展了歌剧里的音乐艺术特征。利用歌剧中细致的描绘刻画人物角色的特征，将奏鸣曲中的旋律赋予了歌唱性。通过对莫扎特奏鸣曲的欣赏，使人能够清晰认知不同角色的冲突和戏剧性的转变。而莫扎特的歌剧角色利用两架钢琴的艺术对比和有效配合，有机地表达和体现了其独特的艺术风格。莫扎特将高雅脱俗的音乐风格和旋律，通过艺术的方式，向艺术人生表达方式转变，使其艺术风格的识别性极高。莫扎特通过改变单调呆板的阿尔贝梯低音，使其在和弦和高低声部上面得到有效的分解，并且适时地出现。莫扎特将丰富的经过音穿插在和弦音之间，更加突出了旋律的美感，使旋律生动流畅，如小河流水般缓缓流淌。在音乐创作的过程中，莫扎特对库普兰的钢琴经典装饰艺术方法进行了充分的吸收，同时又巧妙地转化了洛可可音乐经常使用的八分音符、四分音符上的短小装饰音，通过有机的处理，向十六分音符、三十二分音符的长线条的经过句转化，通过高度融合，使其作品的旋律更加优美动听。莫扎特所创作的钢琴艺术语言极富个性化，其音乐风格特征极深刻地影响了肖邦等其他钢琴作曲家的音乐创作。
（三）莫扎特钢琴奏鸣曲融合创造力的强大。为了能更好地把握莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色，需要有机地结合莫扎特的创作生活和音乐特征。莫扎特从小就跟随父亲演出，正是这种童年的经历和对音乐的耳濡目染，使其更深刻地认识和了解了钢琴的风格和体裁，为后期的音乐创作夯实了基础。宣叙调是莫扎特经常使用的一种创作手法，同时也奠定了莫扎特的音乐格局。《D大调双钢琴奏鸣曲》是最具代表性的钢琴奏鸣曲作品，折射了莫扎特特有的感情流露方式和温婉的叙述风格。作品的表现过程有机地呼应着宣叙调独白的第一钢琴特征，在迟疑的过程中，让男女主人公表现出一种连贯的对话和忧郁的神情。在作品中，完美地展现了主人翁复杂的内心世界。第一钢琴与第二钢琴在作品的展开部分互换旋律，而在这段旋律中，莫扎特式的对话成就了其作品创作的经典。
四、结语
钢琴奏鸣曲范文4
普罗科菲耶夫于1891年4月11日出生在乌克兰的小镇松佐夫卡，自幼随母亲学习钢琴，5岁开始作曲，虽然是一首仅有九小节的简单写作，但已显露出难得的音乐天赋。他13岁考入彼得堡音乐学院时，已写了四部歌剧、两首奏鸣曲、一首交响曲和许多钢琴曲。在音乐学院，他师从里姆斯基·科萨科夫和格拉祖诺夫，在作曲和钢琴两个领域表现出色，并以优异成绩赢得鲁宾斯坦大奖。1918—1932年间，普罗科菲耶夫侨居国外，在欧美旅居多年，作为独奏钢琴家，他的巡回演出大获成功，并应邀作曲。普罗科菲耶夫的音乐融合了古典传统与富于个性的创造，两者之间平衡协调。他最显著的特点是抒情性，他晚年的作品显得尤为深情动人。
普罗科菲耶夫是一位独立于各派之外的音乐创作者，因为他的作品很难加以分类或定义，而且他本身从不隶属任何流派或创立任何乐派。他曾经对自己的风格加以分析，自认为他的作品中最重要的是“古典的因素”。当时除了“新古典主义”作曲家的某些作品外，普罗科菲耶夫的作品古典化倾向最明显，尤其在奏鸣曲和协奏曲中，更表现出新古典的表征或模仿18世纪的古典风格倾向。WWW.133229.cOm
普罗科菲耶夫的音乐很有特色，如突然的转调、大胆的和声、强烈的节奏以及迷人的旋律等。这些特色从他的钢琴曲中清楚地反映出来，钢琴从一开始就是他创作时不可缺少的工具，他以钢琴来思考音乐形象。他是现代作曲家中以钢琴为表现媒体，且成果最为丰硕的作曲家之一。普罗科菲耶夫的钢琴曲不但继承了19世纪的钢琴音乐传统，还在钢琴这种乐器上，加上粗犷而有魄力的表现，缔造了一个新的钢琴音乐时代。继德彪西之后，在钢琴这个领域中，最引人注目、最具成果的要数普罗科菲耶夫的钢琴作品。同时，普罗科菲耶夫还是一位杰出的钢琴演奏家，具有高超的钢琴演奏技巧。据说，他能轻易地弹出任何作曲家所写的困难乐句。他在钢琴演奏上的重要创新之处，是将钢琴视为打击乐器来使用。他在钢琴上寻求尖锐、犹如金属声般而又富于活力的颗粒性音色。弹琴时，正如他自己所说的：“我有钢铁般的手指，钢铁般的手腕，钢铁般的二头肌与三头肌。”他独到的现代钢琴演奏风格，为20世纪新古典主义钢琴演奏开辟了新的探索之路。
普罗科菲耶夫一生写有百余首各种体裁的钢琴作品，其中九首钢琴奏鸣曲是他钢琴曲中最具代表性、最优秀的作品，聆听这些乐曲便能了解普罗科菲耶夫整个创作生涯的风格变迁。《f小调第一钢琴奏鸣曲》（op．1）是他1907年18岁之作。最初有三个乐章，后来进行了改写，1909年仅正式出版修改后的第一乐章，使之成为单乐章奏鸣曲。从原曲的写作年代来看，这首奏鸣曲很少有普罗科菲耶夫个性的要素，许多地方有拉赫马尼诺夫和斯克里亚宾的影响，令人有浪漫派风格之感。曲中充沛的魄力与弱奏的效果，虽已显示出他晚年的风貌，但仍属于初期的习作。《d小调第二钢琴奏鸣曲》（op．14）写于1912年，是一首由四个乐章构成的奏鸣曲，作者独特的个性化要素开始在这部作品中萌芽，比如，大量使用切分音型的轻快节奏和崭新的和声处理法，其中第一乐章与第二乐章的旋律要素中，亦有浪漫派的气息。
1917年对普罗科菲耶夫来说是一个丰产年，那时他一个人住在彼得格勒的近郊，利用这个自我营造的宁静世界，他创作出许多作品。其中《a小调第三钢琴奏鸣曲》（op．28）与《c小调第四钢琴奏鸣曲》（op．29）就是这个时期完成的作品。这两首奏鸣曲最初创作于1907年，因而在两首作品的标题下，均附有“出自旧笔记”的副题。为旧作修改润饰，是普罗科菲耶夫创作中遵循的一种特有的方式。（op．28）是一首单乐章结构的奏鸣曲式，由于小巧精美且富于戏剧性，而成为钢琴音乐会的珍品。（op．29）则严守古典形式，由三个乐章构成，在内容上富于浪漫趣味，洋溢着冥想的气氛与抒情意绪，与前一首形成对比。乐谱上附有“为纪念m.a.史密特霍夫而作”的献辞，可能是为悼念这位英年早逝的人物而作的修订，乐曲之所以充满冥想的气氛与抒情意绪，大概也与此有关。
1918年普罗科菲耶夫离开祖国，开始了浪迹天涯的生活。为了在演奏与作曲这两种活动之间获得满意的平衡，他在西方呆了15年，度过了成功与失败交织的日子，作为演奏家他大获好评，受到欢迎，作为作曲家他却受到攻击，这种状况直到1922年以后才得到逐步改变。1923年他在巴黎写作的《c大调第五钢琴奏鸣曲》（op．38）是一首意义深长，真正显示普罗科菲耶夫实力的作品。曲中充满他独有的奇特效果与技巧。比如，第一乐章中，乐曲开始时不论是曲调或技巧都很平易近人，但逐渐出现一些临时记号，因而产生出无比新鲜的音响。普罗科菲耶夫在逝世之年又把这首作品进行了修改。这五首钢琴奏鸣曲都有着他晚年平易、明晰而抒情的作风。
在完成第五钢琴奏鸣曲之后，他有整整17年的时间不再写作钢琴奏鸣曲。1932年普罗科菲耶夫毅然回国定居。1933年在莫斯科音乐学院授课，不久第二次世界大战爆发，面对被希特勒大军入侵的俄国疆土，他一连创作了三首被称为《战争奏鸣曲》的钢琴曲。这三首奏鸣曲把前五首奏鸣曲的风格表现得更为彻底，更加率真，更加雄伟，可视为普罗科菲耶夫钢琴音乐中的代表性杰作。这些奏鸣曲于1939年开始写作，但完成的时间却不相同，其中《a大调第六钢琴奏鸣曲》（op．82）完成于1940年，这是真正显示普罗科菲耶夫创作奏鸣曲实力的大型作品，全曲由完整的四个乐章构成，作品中有着高超的钢琴演奏技巧和异常丰富的内容以及在古典结构中展示出来的俄国式的抒情性。
《降b大调第七钢琴奏鸣曲》（op．83）完成于1943年，又称为《斯大林格勒奏鸣曲》，这是一首用现代技法与风格写成的乐曲，被誉为20世纪现代钢琴音乐中最杰出的作品之一。第一乐章采用无调性手法，作者在打击乐般尖锐的音响中融入一些带有哀愁气氛的歌谣式曲调，表现出战争年代人们的情感变化；优美而抒情的第二乐章洋溢着作者年轻时的浪漫气息；最后是托卡塔曲般急速的终曲，坚决无情的技巧风节奏和尖锐的不协和音，以及大块的和弦织体，描绘出一幅前苏联人民不屈不挠夺取最后胜利的英雄画卷。
《降b大调第八钢琴奏鸣曲》（op．84）完成于1944年，在这里普罗科菲耶夫完全摒除早期的作曲风格，开拓出晚年作曲法的新境界。与前两首相比，音乐中的猛烈、尖锐性已有所迟缓，可明显看出他晚年简洁单纯的曲风。第一乐章《柔和的行板》，具有鲜明的和声色彩，旋律线条错落有致，音乐充满宁静的抒情性。第二乐章《如梦的行板》，乐曲自始至终漂浮着难以捉摸的神奇曲思，具有小步舞曲风的抒情旋律。具有运动性的第三乐章是一首含有华丽尾奏，长大而典型的回旋曲式。著名的俄罗斯钢琴家李赫特评论这首奏鸣曲“是普罗科菲耶夫所有奏鸣曲中最丰富的”，“它有复杂的内在生命和深刻的对立。有时它似乎静止不动，像是在听时代无情的进行。这首奏鸣曲沉重到有点难以掌握，不过它是丰富的沉重，像是一颗硕果累累的大树。”①
普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲以三首“战争奏鸣曲”达到了顶峰，1945—1947年间他又创作了一首《c大调第九钢琴奏鸣曲》(op.103),是他在尼可里纳山庄休养时的作品。从这部作品中可以看出，普罗科菲耶夫晚年借用明确的调性，重新树立抒情趣味的风格和采用平易技巧的特色。晦涩的和弦与复杂的对位法已消失，主题为平易近人的大众歌曲风旋律，左右手常借八度音程烘托出明晰的乐意轮廓。作者在此曲中尝试运用一种新的手法，也就是各乐章的尾奏预示下一乐章的开头主题，终乐章再回归第一乐章的第一主题，使全曲成为一个灵活的有机体。这是一首由四个乐章组成的奏鸣曲：第一乐章是具有俄罗斯民谣风的乐曲，令人联想起俄罗斯正教的圣歌；带有诙谐曲性质的第二乐章，使人有和谐宁静之感；第三乐章中，歌谣式的部分与激烈的部分交替呈现，犹如斯拉夫民谣《悲歌》的旋律样式，主题就像古老而令人怀旧的旋律，有着沉静安详的气息，华丽的钢琴奏出教堂钟声般的音响；第四乐章是充满活力、略带进行曲风格的回旋曲式，展开部轻轻地回想起第一乐章的第一主题，乐曲在此动机的呈示中静静地结束。
1953年初，他抱病谱写第十钢琴奏鸣曲，但是作品未及完成，他便于3月5日去世。普罗科菲耶夫一生谱写了许多伟大的作品，备受世人赞赏，历久不衰。他是20世纪众多音乐天才中作品被演奏得最多的作曲家之一。《战争奏鸣曲》《第五钢琴协奏曲》《左手协奏曲》《古典交响曲》《第五交响曲》《彼得与狼》《罗密欧与朱丽叶》等名曲，都是爱乐者耳熟能详的乐曲，至今依然震撼着人们的心灵。
注释：
①张式谷，潘一飞编著.西方钢琴音乐概论.人民音乐出版社，2006.第470页.
参考文献:
钢琴奏鸣曲范文5
[关键词]贝多芬 钢琴奏鸣曲 英雄性 表现特征
德国著名的演奏家贝多芬一生创作了众多的钢琴鸣奏曲，都具有很大的艺术创作力，尤其是在突出“英雄性的表现特征，在结合贝多芬创作的整体特征上，将声乐艺术与英雄气概联系在一起，能达到更加现代化的演奏魅力。
一、简述贝多芬钢琴奏鸣曲的创作艺术性
1、钢琴奏鸣曲的艺术风格
贝多芬一生创作了32首钢琴奏鸣曲，从不同时期的心里创作角度出发，贝多芬的音乐创作才华非常出色，尤其是在古典主义风格、传统思想表达、激情演奏、技术创新等优势，特别是在晚期的创作中，形成了独有的艺术风格，在曲式结构、演奏技巧等多方面都是艺术创作的典范，在对章节的安排、乐章排版等多方面都有着很大亮点，譬如，在例如《# c小调第十四（月光）钢琴奏鸣曲》的第一乐章用柔板代替了奏鸣曲式的快板；第二乐章以一种活泼诙谐的小步舞曲速度进行；第三乐章为激动的急板。
2、贝多芬钢琴奏鸣曲的曲式结构与艺术表现
贝多芬创作初期的作品在曲式上严格而简洁地遵循了古典原则：第一乐章均采用奏鸣曲式；第二乐章曲式一般多用复三部曲式或回旋曲式；第三乐章曲式多用复三部曲式；第四乐章采用回旋曲式最多。 贝多芬在中后期不断探索扩展奏鸣曲的表现力和套曲的结构功能，奏鸣曲式的运用非常多样化，主要表现在以下两个方面：第一，打破了第一乐章必用奏鸣曲式的常规。例如《bA大调第十二奏鸣曲》是从变奏曲结构开始的，而完全没有奏鸣曲式的快板；《# c小调第十四奏鸣曲》的第一乐章采用的是单三部曲式结构。第二，将进行曲引入了奏鸣曲。例如《bA大调第十二奏鸣曲》的第三乐章是极富魅力的《葬礼进行曲》，这无论是在思想上，还是艺术上都是一个大胆的尝试。
二、探讨贝多芬钢琴奏鸣曲“英雄性”的表现特征
1、节奏、力度音区的变化
贝多芬在展开部中经常会改变重音或者节拍。首先他将旋律的呼吸点进行调整或者将正规的节奏改变为切分。这都是他常用的手法。其次压缩或者扩展标准乐句的长度，分裂常规的段落。在他的第八奏鸣曲“悲怆“第一乐章中的展开部，开始是慢板的引自，从g小调开始，然后通过Ⅶ级的减七和弦的同音异名转换，转到e小调。从（139）小节开始 展开部转回快板，并只用主要主题和引子开始的动机发展，但取消了引子开始动机的附点节奏。改变节奏，分裂常规段落。在《F大调第八交响乐》第一交响乐中可以将这种手法观察的更为清晰 。有时，贝多芬也通过音区的转变给主题增加情趣，主题的性格通过从高音区变为低音区或从低音区变成高音区而发生着巧妙的不易觉察的改变。
2、主题思想的强劲表现
贝多芬是一位强调音乐创作的思想性而又善于运用音乐手段表达思想的艺术家。他的旋律常以古调式为基础，以及在一个主题内经常的调式突变，形成了一系列具有特殊表现力的乐汇。他的旋律富于朗诵性，尤其是器乐的宣叙性独白更是情味深长。他的和声很有特色，有时写得非常简单朴素，有时又异常复杂，富于刺激性，给赋格、帕萨卡里亚等古老复调形式注入了现代内容。如第9首E大调前奏曲，其中两条旋律均具有这样的特点：结构单纯朴素，富有歌唱性。乐曲开始时，低音部在E大调上奏出一个俄罗斯民歌形式的缓慢的旋律。当它停留在一个长音上的时候，高音部又在其平行小调升c小调上轻轻地奏出一个纯朴的带有民歌特点的音调。两者交替进行，反复出现，形成一种独特的饶有趣味的对话形式，也是俄罗斯民间音乐中常见的平行大小调的交替调式特点。
3、调性改变的技巧性运用
主题出现在不同于呈示部主题的调性上。这是必须的，也是必然的。但贝多芬展开部的调性转换基本可以划分为三个阶段，首先是离开主调的调性 ，其次向下属方向的调性作纵身的发展，最后要准备再现常用主部主题的调性的属和弦作为准备，同时也用属音作为持续音来期待再现部在主部主题在调性上的出现。调性的频繁频繁转换，是展开部创作的关键。调性如果没有改变，音乐就像没有发展，在贝多芬奏鸣曲式中我们更是深有体会。再他第三奏鸣曲（C大调）的第一乐章中，我们可以看到展开部（92—139）接触的调性很丰富，依次顺序：D大调，g小调，c小调，f小调，c小调。在展开部最后停留再 c大调的属和弦上 ，而这个属和弦扩展成为十个小节的段落。离开主调的调性再到下属方向的调性最后再现之前的属和弦，音乐张弛有力，对比冲突淋漓尽致。
三、结语
贝多芬钢琴奏鸣曲的“英雄性”在整体的表现中，既有情感引导的综合运用，也有艺术表达的综合模式，尤其是在整个情感表达的主题思想描述中，通过英雄性的技巧演奏，形成曲风独特的艺术创作魅力，对于整个创作都有很大的帮助。
参考文献
钢琴奏鸣曲范文6
一、 音乐风格的对比
音乐风格是作曲家的性情气质、思想感情和时代思潮风气的混合产物。从音乐史上看，处于同一时期的作曲家，其创作风格必然要受到那个时代的社会思潮、社会风尚和社会心理的影响，并且在作品中显示其历史的独特性。
如右表所示，通过几个方面进行分类比较，我们能够清楚地了解到两人奏鸣曲创作特征与音乐风格的异同性，从而能够在演奏中进行更好诠释。
二、 触键与音色
在弹奏海顿和莫扎特的奏鸣曲时，要将手上的动作与古钢琴的声音相结合来表达古典主义特有的典雅和高贵的气质。海顿的音乐充满了蓬勃朝气，富有幽默感。演奏时，要用晶亮透明的音色、均匀清晰的音律、生动活跃的节奏、流畅悠扬的气息、圆润优美的歌唱性来表现海顿特有的风格。在弹奏时手臂要多放松，要多用手指和手腕的力量，指尖要感觉敏锐，快速的音符要弹得有光泽，声音要像一粒粒珠子穿在线上，演奏如歌的音乐时，手、臂、肩要放松。遇到短小动机时，要充分利用手腕送手指的力量，向内滚动，表达诙谐幽默的情绪。
三、速度与力度
钢琴奏鸣曲中稳定的速度是极其重要的。海顿和莫扎特从未在他们的奏鸣曲中标有速度记号。在力度上，海顿和莫扎特的奏鸣曲的力度记号一般只在pf之间的范围内，依据当时的作品是为古钢琴而作。因此在处理上我们要对声音进行更好地控制。
四、装饰音的奏法
海顿、莫扎特的装饰音继承了巴赫的传统，其中倚音、回音、颤音为常见的。在弹奏时应遵循基本原则：长倚音一般具有留音的效果，并与主要音符对分时值；回音应当包括在主要音符时值内，装饰音的第一个音应该当在拍子上而不是在拍子前，回音有时从拍子上开始，有时在拍子后开始，应该根据具体情况而定，颤音可以奏为“波音”或“回音”的形式，也可奏成长倚音。
五、踏板的运用
