绘画专业论文范文1
中国近代自有了正规美术院校以来，课程中也开始注重传授人体结构知识，开设艺术解剖学作为美术专业的必修科目。在传统艺用人体解剖学教学实践中，教师一般携带幻灯片、人体模具和挂图等进入课堂，这些教学资料一部分可以购买到，一部分需要教师自己制作，资源极其有限。教师在课堂上还需花费大量的时间在黑板上绘图和板书，课程进展缓慢，效率太低，传统艺用人体解剖学教学方法使教师讲授很费力，学生学得也费神，教学手段的单一使学生学习兴趣不浓，对教学质量有很大影响。 在科技飞速发展的当代，普通高等美术院校在讲授技法理论课，如艺用人体解剖学、透视学课程的发展趋势，教师不仅仅是携带幻灯片、模具和挂图等进入课堂，已经不能满足学生们的需要。计算机数字多媒体技术的发展和网络的便捷，为艺用人体解剖学教学提供了新的支持和帮助，大大推动了其学科教学方法的进步。如数码高清图片、视频和三维动画技术都可以应用到艺用人体解剖学教学中，并有机结合这些资料和技术组合成完美的课件。 笔者在多年从事艺用人体解剖学的实践研究和教学中，有着丰富的教学经验，对于艺用人体解剖学在普通高等美术院校的教学现状研究掌握第一手资料，在理论和实践经验并重的前提下，曾主持大学生科技立项“艺用人体解剖学对艺术创作应用研究”的研究工作。并发表相关论文《人体造型解剖学与艺术创作》在艺术教育杂志上出版。以佳木斯大学解剖研究基地为依托，同时在佳木斯大学图书馆、佳木斯市图书馆以及佳木斯大学附属医院收集了大量的有关方面的书籍和资料，并在学术期刊网上查阅了大量的论文，来研究艺用人体解剖学在普通高等美术院校教学现状分析，逐步在艺用解剖学教学中，运用多媒体计算机技术，使课程讲授具有直观性、高效性、生动性和互动性等特点，目的是在高校教学中探寻更好的教学方法，取得更好的教学效果，也将成为今后课程教学研究的重点和难点。 一、采取趣味性教学方式。查阅资料、整理调查资料，通过分析调研资料，提炼行之有效的教学方法，形成理论体系，并在从中反思，实验教法改革教学的总结。艺用人体解剖多媒体教学中不管是高清图片和3D展示，还是视频播放，都能使学生非常直观地看到形象逼真立体感强的人体肌肉、骨骼的动态和形态特征，使学生对人体解剖结构有着全面、正确、完整的认识和理解。多媒体教学把图形、动画和声音等有机结合，屏幕上的形象不断变化，使教学变得极为生动。用不同的视角观察人体结构，打破了单一的思维定式和视觉习惯，调动了学生的学习兴趣。 二、为普通高等美术院校教学给出比较专业的材料和论证。 通过对艺用人体解剖在普通高等美术院校教学现状研究，为尽可能地加固学生在解剖学方面的记忆，通过手脑并用、“翻箱倒柜”的方式，将这门枯燥的课程转化成一门很有趣味的课程，提供借鉴和参考。为我国在普通高等美术院校艺用人体解剖教学理论提供材料。 人体造型解剖学是从造型艺术出发，研究人体形态结构的一门科学。我国普通高等美术院对艺用人体解剖学的这样一门理论技法的基础课程，应不应该加强？应该加强到何种程度？ 对普通高等美术院校，绘画专业教学如何更好地将人体造型解剖结构，运用到实践的绘画中，不仅仅只是为基础知识而基础知识，基础之所以是基础，就是因为它是为艺术创作的更高层次服务的。没有人体造型基本知识、造型的训练，所谓更高层次的艺术创作就是空中楼阁，这也具有非常重要的理论意义。 三、把艺用人体解剖学的理论知识运用到实际的绘画创作中，真正地做到理论和实践的结合。严格地以人体结构的科学理论为依托，并善于利用人体构造的理论知识，才能较为深入、真实地描绘和造型，解决人体造型中的诸多问题。人体造型解剖学是艺术创作的基础和美术基础教学的必要，而不是医用解剖学。二者对人体生物特性的观察及探索是一致的，差异是研究和探索的方向不同。所以，用艺术家的眼光对解剖学的认知，提高对绘画创作活动和教学实践指导，不断锤炼学生们绘画作品的艺术语言，提高艺术表现力，用艺术家的眼光对解剖学的认知，提高对艺术创作活动和教学实践指导，有非常重要的现实意义。 四、人体造型解剖学对高等美术教学实践的当代意义，增加普通高等美术院校绘画技法的厚度、审美深度。在课堂和绘画创作中，自觉运用人体解剖学知识。通过对学生和教师进行调查，不同种教学方法的比较研究，跟踪考查学生在学习了艺用人体解剖学课程后，能否将理论知识真正的运用到绘画作品当中，分别对素描课堂、油画课堂学科考察，并与教学实践相结合，对比教学效果。当今社会，经济全球化，西方后现代主义“反艺术”、“人人都是艺术家”等等一些思潮的强烈冲击下，人们变得疯狂起来，以前所未有的自信“表现着自己的艺术价值”，很多绘画作品削弱甚至完全没有了具体的造型。很多普通高等美术院的学生们的艺术创作没有了具体的形，曾经被实践证明行之有效的绘画基础训练方法被弃之不用，如人体造型解剖学，这种科学的方法，她的作用在哪里？如何看待这二者之间的关系？目前美术专业基础教学正面临冲击，如不很好地对待这个问题，势必影响到普通高等美术院美术专业的教学质量。 通过艺用人体解剖在普通高等美术院校教学现状研究，将人体这一个非常复杂的有机形体，通过长时间的研究与实践，对普通高等美术院校教学，给出较全面的论证。以论文的形式发表于专业美术刊物，为有关学者今后的研究提供参考。在不断增加教学容量与质量的前提下，在提高学养与技法的过程中，认真搞好艺用解剖学的教学工作。
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高等院校的图书资料工作,与教师、学生之间应该起知识信息的桥梁和引渡的作用。一个人的精力、时间毕竟有限,不可能涉猎到十分全面的知识领域。因此,怎样把他们引渡到所需知识的彼岸,这与如何发挥图书资料的作用,有着重要关系。 作为专业美术图书资料室,与图书馆的图书资料工作有着很大的区别,它的最大特点是个“专”字。唯其专,才更显出它在专业教学工作中举足轻重的地位。翻阅中外美术史,绘画艺术源远流长,有着悠久的传统。纵观国内外众多纷扬的美术诸流派,门类繁多,涉及的知识面极为广泛。绘画艺术随着历史的进程和发展,为人类留下了极为丰富和宝贵的文化遗产以及珍贵的绘画资料。作为专业美术图书资料,以其特有的形式和艺术价值,在美术教育、美术创作、美术研究中有着特定位置。 美术图书资料本身的生存与发展,就如同一个生命的有机体,总是不断地通过改变自己来适应外界不断变化了的需要。知识爆炸的挑战;新技术革命的挑战;社会主义市场经济大潮的冲击;美术领域中诸流派的引进等等。我国除中央美术学院等专业高等美术学院之外,全国各地的大专院校,专门的美术资料室就有上百个。美术图书资料室的规模,随着出版业的日异发展,对外开放外国文化遗产的引进,信息时代对图书资料的促进……美术图书资料也有了长足的发展。 美术类图书资料的分类是按其美术理论、各国艺术概况、绘画、书法、篆刻、摄影艺术、工艺美术、建筑艺术而划分的。就绘画而言有绘画理论、绘画技法、中国绘画、各国绘画等。要搞好美术图书资料工作,除了要有资料管理的专业知识,还应有对绘画知识的了解和绘画艺术的修养。比如讲,对绘画画种的分类、艺术特征的了解,对画种的表现方法的鉴别,对绘画艺术风格流派的发展变化,对绘画基础课(素描、色彩等)知识的认识等等。只有具备美术专业特定的基本艺术素养之后,才能在日常繁杂的教学工作中,更好地发挥美术图书资料应有的作用。 作用之一:为美术教育服务“书籍是人类文明和进步的阶梯”。图书资料,是当代人之间、上代人与当代人、当代人与下代人交流的桥梁,使人类文明得以保存和再创造的宝库。可以说,图书资料是社会的大脑,是人类大脑智慧的延伸,它解决了人类“集体记忆”的问题,把人类文明几千年来的文化艺术和结晶贮存起来,并且源源不断地为教育服务。 从美术教学实践中可以看出,美术教育与美术图书资料有着密切的联系,它主要表现有:(1)学生们进行的中外美术史课程的学习;(2)文艺理论课的学习;(3)对绘画基础课(素描、速写、色彩等)的技法学习;(4)国画、油画、版画、工艺、装饰、装潢等各专业课程的学习;(5)教员和学生进行美术创作、毕业论文、理论文章;(6)系里举办的各类美术培训班;(7)承接社会上的美术创作、装修任务;(8)学生为社会服务等等。这些都离不开用美术图书资料来引导、借鉴和提示。“以智力开发智力,以智力开发财力,以智力开发生产力”,在这里得到了充分体现和展示,美术图书资料工作在美术教育和美术研究方面起到了一定的作用。比如上工艺课时,教员们为了介绍甘肃彩陶纹样图案的演变,就在资料室反复查阅有关资料、彩陶的图谱和甘肃专辑画册成为研究此项教学必不可少的案头资料。在素描教学中,教员除了自身应具备一定的素描功底和必备的教具之外,同样离不开美术图书的帮助。人民美术出版社出版的《素描技法》,从素描造型训练到艺术提炼的概括,既有严格的科学性又有造型的艺术性,可以说是一本比较系统的素描参考教材。国画教学中,图书资料室保存的《荣宝斋画谱》、《芥子园技法》、《艺苑辍英》等书籍,为学生们在绘画中如何去执笔、如何运笔找到了依据。学生们充分运用这些资料,临画册中的笔墨技法、练线描、认识构图规律、体会各种不同风格的表现……这些书籍,成了他们学习中无言的良师益友。还有《室内外装饰设计》、《世界建筑画分类图典》、《立体构成原理》等书,对现代平面设计、平面构成、立体构成等,都有系统的全新阐述,给装潢、装饰专业课程增加了新的内容。 正是通过这些美术图书资料的帮助、引导,经过教员的理解、消化、分析,有针对性的科学合理地安排教程,从而在美术教育中取得了满意的收获。比如,我系装饰、装潢班的部分学生,已能将在学校学到的专业知识,利用寒暑假通过社会实践,学用结合,为社会服务。既及时发现自己学习上的不足,同时还得到了一定的经济报酬,从而增强了学生在校期间学好专业知识的信心,懂得了自己如何去学、怎样去学、学些什么的道理,提高了学习的自觉性和紧迫感。 作用之二:学生的启示学生是美术图书资料的服务对象之一,掌握不同年龄、不同专业、不同学习程度的学生的借阅兴趣、特点,是高等院校图书资料工作重要的环节。 有的学生,遇到专业基础课中出现的问题,往往会不顾一切地查阅名人画册中的范作,研究他们的技法、造型以至表现方法,及时地用到课堂作业当中去。有的学生在毕业创作时,构思、想法确定之后,往往会犹豫不决、不敢下笔,总习惯翻翻画册中大师的作品,翻翻国内美术刊物中选登的优秀作品,对自己的创作有了信心和勇气。有的学生对画册中作品技法的临摹,学到了大师们在作品中的艺术追求。有的学生看画家的传记文学作品,对自己有所启示和感悟……。 学生时代是长身体、长知识、长思想和世界观形成的重要时期,最需要大量的书本知识来丰富自己的头脑,也最容易接受书籍中的知识和思想,如何更好地发挥美术图书资料为学生服务,这正是我们进一步研究的重要课题。 作用之三:美术研究、美术创作的“助手”作为高等院校的美术专业教育,走专业教学与美术创作、美术研究相结合的道路,不断提高教员自身的艺术素养,是十分重要的,要进行美术创作与研究,教员仅靠现有的专业知识和创作水准还远远不够。只有从大量的美术图书资料中进行再学习、再研究,才能在艺术实践中得到提高。大量的事实表明,处在知识爆炸的现阶段,科学研究质量的高低,有相当大的程度上,取决于对别人已取得的成就的掌握程度。因而,充分运用美术资料,对教员美术研究的提高也尤为重要。#p#分页标题#e# 教员们通过学习、查阅美术图书资料所提供的中外艺术大师的艺术面貌和风格,分析、研究、思考适应自己艺术风格和面貌的优秀作品,从而站在新的起点和高度之上审视自己,为创作出具有崭新的艺术语言,具有个性的新作创作了条件,不能不说,这都是由于美术图书资料起到了十分重要的间接作用和特定的启示。 从另一意义上讲,就美术的特殊性、美术教育的最终目的而言,往往也还要体现在教员对学生,在美术创作的教学中的示范和表率作用上。教员们自身的创作能力和专业水平如何,与学生的艺术水平的提高,有着十分密切的关系。有道是“名师出高徒”,这一点也一直被美术教育所重视,也是一贯强调的不断深化美术教育机制的重要措施之一,实践证明:只有要求教员们在教学的同时,不断地提高自己的修养,拿出好作品,出成果,出成绩,才能进一步带动学生对专业知识的学习,树立起信心来。优秀学生的美术作品,往往与指导教师是分不开的,学生们对艺术的灵动、启示及艺术个性的发挥,与教师的自身素质有一定的联系,只有充分发挥美术图书资料的作用,形成师生之间良好的美术研究和探讨的学术空气,才能将美术教育推向新的台阶。 西北民族学院美术系的教授、教师们,大部分是全国、全省有一定影响的画家、艺术教育家,许多作品在全国、全省获奖,并在各自专业绘画领域里有着自己独到的见解。在他们的美术创作和美术研究的过程当中,对美术传统和现代艺术观念的学习,往往都离不开对美术图书资料的借鉴和参考。比如在油画创作中,油画风格的形成,无论是古典的、现代的、抽象的、具象的,在《世界美术全集》、《世界美术巨匠》等珍贵画册中,世界著名的美术大师们,都以不同的出色表现,为我们提供了丰富的创作依据,从而使作者在创作当中,对自己作品画风的确立、技法的追求和突破,起到了一定的借鉴作用。在美术理论和美术技法的探索中,美术图书资料同样发挥着不可缺少的重要作用,尤其是对中外美术史的学习,美术史当中著名画家的考证,也都离不开珍贵的美术图书资料的帮助。只有本着科学的治学态度,认真学习和借鉴优秀的文化遗产,做到“知之为知之,不知为不知”的虚心学习心态,在占有和消化了扎实的材料之后,才能有锐敏的眼光、独具的慧眼,善于发现问题,并准确地把握问题的实质,使美术图书资料在运用和实践当中发挥作用,变成我们自己的具有一定艺术价值和理论水准的学术成果。我校不少教员在美术理论的探索中,许多论文也都先后参考了不少美术图书资料,从而使自己的见解升华为有一定深度的独到的学术价值,部分理论文章,被学报和部级的学术刊物发表和采用。 展望美术图书资料工作的发展趋势,从当前的现状来看,前景十分广阔,有着很大的潜力。 同时,还应该看到存在的困难,虽然国家每年都能拿出专项资金,保证购置必要数量的美术图书,但同样存在着经费不足的问题。主要原因是目前由于世界性的印刷材料和成本的大幅度涨价,尤其是进口的国外美术图书、画册的大幅度涨价,给美术图书资料工作带来了一定的困难。但是,我们相信,随着我国文化艺术教育事业的发展,改革开放之后许多措施的进一步深化,在教学、科研、管理、效益各方面水平的提高,美术图书资料工作也一定会有新的起色
绘画专业论文范文3
关键词：高中美术绘画教学模块教学法
目前，高中美术教学以鉴赏教学为主，学生从鉴赏课中能够了解古今中外较多的优秀美术作品。人类历史发展中存在多元化的文化内容，这些优秀的作品展现出的美感和表达的思想情感能够促进学生健康成长。但是，美术鉴赏课程在提升学生的绘画能力方面存在一定的局限，学生通过鉴赏课程能够爱上美术创作，但部分学生会因缺乏绘画技能而对创作望而却步，甚至逐渐丧失对绘画艺术的兴趣。因此，教师在高中美术教学中应注重研究美术绘画模块的教学模式，设计出有效的教学方法，促进学生快速掌握绘画技能，进而实现美术课堂的有效教学。
一、模块教学与固有教学的区别
模块教学模式与固有教学模式具有如下的区别。首先，从教育理念角度分析，固有教学模式主要以理论知识为核心，注重的是理论知识的传授；而模块教学的教育理念是以素质培养为核心，注重的是能力的培养，不仅要求学生掌握基本的理论知识，而且要求其做到学以致用[1]。其次，从教学内容的角度分析，固有教学的教学内容中理论知识占据的比例较大，技能教学环节占据的比例较小；而模块教学模式高度重视对学生能力的培养，在教学中，理论知识与实践环节并未有明显区分，而是在理论中有实践、在实践中验证理论。再次，从教学方法的角度分析，固有教学模式注重的是传授知识，教学方法以教师语言阐述为主；而模块教学模式注重的是对学生素质与能力的培养，通过案例教学法、探讨教学法、情境教学法、合作学习法、研究性学习法、发现式学习法等以学生参与探究为主的教学方法传授知识，同时提升能力，特别是在专业课程教学中，教师边讲解边示范，学生在学习时也通过边聆听边动手实践的过程掌握知识点及其应用方法。
二、高中美术教学中绘画教学逐渐缺失的原因
目前，部分高中在美术教学中逐渐缺失绘画教学，分析其原因，主要涉及如下几个方面。一是部分教师将绘画教学理解成针对小学生或初中生开展的教学内容，部分高中生也认为不需要学习绘画知识，认为绘画教学意义不大。二是部分学生在高中阶段的学习中长期缺乏正确的绘画训练，绘画水平不高，难以创作出成型的艺术作品；并且高中阶段的学习压力较大，一周一次的美术课程难以让学生掌握足够的绘画技能。三是部分高中生认为自身的绘画水平有限，对绘画学习不感兴趣，不愿作画。因此，在多种因素的影响下，绘画课程在高中美术教学中逐渐缺失[2]。
三、模块教学模式应用于高中美术教学，可促进绘画教学恢复自身地位
针对绘画教学在高中美术教学中逐渐缺失的原因，高中美术教师除了需要重视绘画课程教学，还需要应用有效的教学方法让学生喜爱绘画课程，采用正确的绘画训练方法，在让学生喜爱绘画的同时，培养学生良好的绘画技能，使其具有创作绘画作品的自信[3]。将模块教学法应用于高中美术绘画教学，可以达到上述要求，具体表现在以下方面。第一，可有效提升教师的业务能力。高中美术绘画教学的目的是促进学生深入地体验绘画学习，进而培养学生喜爱绘画。而要想实现这一目标，充分发挥绘画教学的作用，教师就需要拥有专业的绘画能力，具有不断提升自身专业水平的意识。在绘画教学中，教师要充分发挥出绘画水平，不断感染学生，进而实现培养学生绘画兴趣的目的。模块教学具有非线性与生成性的特点，对教师的教学能力提出了更高的要求。教师要善于归纳与整理学生存在的问题，并且要将教的思路与学的思路有效结合，让学生在学习中具备探究精神，并在学生积极探究的过程中完成教学目标。第二，可提高学生的绘画水平和艺术感悟能力。美术是学生高中阶段的必修课程，学生学习绘画艺术可以有效提升自身的审美能力，并且在绘画过程中提高实践能力与创新能力。过去受应试教育观念的影响，部分教师、学生在学习绘画时存在功利思想；部分学生在学习绘画课程时会产生枯燥、烦闷等心理，这也影响了教学质量的提升。在绘画教学中实施模块教学法，可以显著提升学生对绘画学习的兴趣，进一步提高学生的审美能力和创新思维能力。另外，教师在应用模块教学法时要注重培养学生的绘画技能，开展各种绘画活动引导学生实践。学生在绘画活动中能够提高综合能力，在参与的过程中实现各项能力有效提升的目标。
四、高中美术绘画教学中模块教学法的应用策略
1.尊重学生存在的个性化差异现象并因材施教
不同的学生具有不同的性格，并且在学习绘画时也会因自身能力差异而存在学习效果差异化的现象。因此，教师在实际绘画教学中应尊重学生的个性差异，采取因材施教的教学方式，针对不同学生设计差异化的教学方案与教学内容。教师可在前几次教学中积极了解每名学生的学习特点，进而在之后的课堂上将学生分组，布置不同的任务。教师不应单纯根据学生的学习能力分组，而应结合绘画技能的特点，根据思维活跃度、手工能力、学生对绘画艺术的认知三个方面分组，保证每个小组都包含有这三方面优势的学生。然后，教师在引导学生学习绘画知识时，可向小组学习任务，由思维活跃的学生构思策划，由手工能力强的学生制作，由对绘画具有较高认知的学生点评。最后，小组内展开艺术讨论。通过这样的教学过程，每名学生都能够表达出自己的情感，也会对绘画学习产生较高的兴趣。如，教师在带领学生学习莫奈的作品《日出·印象》时，在引导学生学习这幅作品的艺术特征和表达的思想情感后，可以让小组内的学生合作创作出一幅《日出·印象》。作品的构思由小组内思维活跃的学生完成，构思后向负责绘画创作的学生阐述；负责绘画的学生将作品创作出来；最后由对艺术认知较高的学生评价作品。三者要进行良好的沟通，找出创作中存在的不足并作出改善，以敲定最终的作品。通过这样的过程，小组内的每名学生都得到了绘画艺术的培养，并且提升了创新思维，绘画课堂的教学目标也得以实现。
2.利用趣味教学法活跃绘画课堂氛围
绘画教学除了能够提升学生的鉴赏能力，也有助于学生利用绘画实践的过程抒发自己的情感。因此，教师在绘画教学中不能采用呆板、模式化的教学方法，而要尊重学生的创作思想，让学生积极地参与教学，将自己的创作思想充分表达出来。要想让学生积极参与教学并充分表达思想，教师就需要利用趣味教学法活跃绘画课堂氛围，让学生在放松心情后大胆地表达自己的想法，进而达到引导学生充分表达创作思想的目的。如，教师在带领学生鉴赏毕加索的作品《卡思维勒像》后，可以利用趣味教学法吸引学生的注意力。如，教师可以采用猜谜的教学方式，要求学生认真观察自己所画的内容，让学生猜一猜自己画的是谁。此时，教师画的人物应是学生中的一员，而非知名人士，因为学生虽然可能认识知名人士，但是未必对其有着较多的情感，而创作学生画像会因学生之间较为熟悉、存在较深的情感而吸引学生的注意，并且能够激起学生画肖像的兴趣，使学生能够在脑海中勾勒出同伴的样貌并熟悉绘画步骤。
3.注重绘画技能传授的方法
学生在学习绘画时需要充分运用自身的创作思维和动手能力。教师在采用有效的教学方法激发学生的绘画兴趣后，需要注重绘画技能传授的方法。教师应改变以往的教学理念，总结自己学习绘画时所用的学习方法并传授给学生，这是教师学习绘画的经验，可帮助学生少走弯路。教师还可以将绘画技能教学划分成若干个环节，针对每个环节开展精细化的教学和反复训练。因为要想保证绘画作品具有较高的质量，学生就需要熟练掌握且灵活应用每一项绘画技能。另外，教师要慎重对待反复训练的环节，因为反复训练容易降低学生的兴趣。教师可在每次训练时设计有趣的训练方式，从而始终保持学生的训练兴趣。
4.情境教学中要注重实效性
学生要想在绘画学习中获得一定的进步，就需要感受绘画艺术作品的美感。因此，教师在实际教学中需要利用情境教学模式，让学生在情境中感受绘画艺术的美。教师在设计情境时需要将理论知识与技能融入情境，从而让学生在情境的感染下产生学习兴趣，并在积极学习的过程中掌握理论知识与技能。教师可以在教学中引入学生的生活元素，但要合理地引入，避免因大量引用而导致学生缺乏新鲜感，从而降低教学效果。
五、结语
教师在高中美术教学中要注重绘画教学，并采用模块教学法，让理论知识与实践过程有效结合、相辅相成，进而使学生不仅能够掌握了绘画的理论知识与技能，而且能够将其灵活应用于作品创作，从而在绘画方面获得更好的发展。
参考文献：
[1]张淑惠.浅谈在高中篮球模块教学中小组合作学习教学模式的应用[C]//中国教育教学丛书编委会.中华教育理论与实践科研论文成果选编（第七卷），北京：北京燕山出版社，2014：225.
[2]余红燕.合作学习在高中篮球模块教学中的应用研究[C]//中国智慧工程研究会智能学习与创新研究工作委员会.2020年教育信息化与教育技术创新学术论坛（昆明会场）论文集（上），2020：151-155.
绘画专业论文范文4
诗体画则是以诗歌的内容，意境为题材作画，把语言艺术再现为视觉艺术。宋代梁楷《李白行吟图》中李白的一件斗篷，只用了不到十根线条，便勾勒出人物身体的结构，衣褶的变化，抓住了诗人在构思诗篇，斟字酌句中微末动态的一刹那，把李白豪爽洒脱、浮想联翩的神态勾画出来。着墨虽然不多，却收到耐人寻味的效果。好的诗词不重絮言，寥寥数字便是欣赏者得到美的享受，情感的熏陶，心灵的净化。诗情画意相映成趣，相得益彰，创造出一片和谐统一的意境美。“诗不能尽，溢而为书，变而为画”古诗词与中国画，作为语言艺术与造型艺术的两类典型代表，都能较集中的体现中国艺术的精神本质。领略二者优美的意境，钻研中国古典诗学画论，探究二者的根源，无论是直观感受还是冷静思考，你都将获得一种强烈而相同的印象:中国诗画艺术存在着千丝万缕的联系，虽形态各异但本质相同，殊途同归。
2、论文总述
我曾有幸看到这样一段话，仔细体味咀嚼，越来越觉得是至理名言，这段话是这样的说的:“诗文书画不成家数，便是枉费精神，然成家尚不从诗文书画起，要从做人起，自身心言动，本末始终，自己打定主意，做个什么人，真积力久，自然成就。”确实，既然选择了研习中国画，就要有一种“板凳一座十年冷”的准备。陈绶祥先生认为，“对于画家素养最值得重视、最直截了当的要求，应该还是读书、写字、作诗、作文和郊游了”。读万卷书等于行万里路，内外兼修，积淀深厚，自然会赋予艺术家源源不断的创作灵感，这样艺术表现才能有感而发，引起大多数人的共鸣，才能创造出诗情画意的画面。国画研习者自身的文化自觉为国画的振兴提供了保障，研读深奥的中国传统文学，心追手摹经典画作以继承笔墨画法，经年之后，最后一定会实现读书明理、阅历事故、学问深厚，画境超凡的境界。历史上许多国画大师都有深厚的文化修养为基础，东晋画家顾恺之曾提出了“传神写照”的美学命题。他认为传神离不开写形，神是通过形表现出来的。南齐美术理论家谢赫的“六法论”更是对中国绘画的美学原则做出了理论论述。现代绘画大师齐白石也说绘画“妙在似与不似之间”。造型作为一种移情的媒介物，是创作过程中感悟对象时所产生的视觉形象，“不似之似”这个形象是中国传统美学的现代审美观念的产物，在艺术作品表现中，意象造型是情感的体现，没有感情的投入也就没有艺术。
3、论文启示
在整理论文的同时，由于翻阅了大量资料，心里颇多感触，特总结如下:
3．1对生活与造型的认识
研习中国画一定要热爱学习、热爱生活，审视生活。艺术来源于生活，是对生活理论上的升华。生活中，故事每时每刻都在发生，为我们提供丰富多彩的创作题材，关键看如何取景、提炼以及上升到艺术的高度。一棵树、一束花、一个人、一只动物都可以成为创作的对象，生活中那些我们经常被我们看见的却不留意的感动，被优秀艺术家们捕捉到了，才有了优秀艺术作品的问世。生活中从来都不缺少美，缺少的只是一双发现美的眼睛。艺术家看见开得娇艳的花朵，会考虑色彩，看见集市上的人群，会不由自主地考虑组合以及节奏。看见一大群觅食的羊群，会考虑生命的意义，斟酌创作题材。当然，这一切必须要以深厚的文化底蕴为基础，而且对艺术的探索之路的方向必须是正确的。
3．2对创作与修养的认识
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关键词：数字绘画艺术;传统美术设计;表现方式;融合;冲突
社会始终处于发展的过程中，艺术也不例外。艺术的发展是有规律的，艺术发展的规律性体现在两个方面：首先是艺术自身的发展规律，艺术始终在继承和创新中，不断吸收各个民族、各种文化中的有益成分进行融合发展；其次是艺术受到其他因素发展的影响，如经济的发展、政治的要求以及科技的创新等。数字绘画艺术的出现引起了艺术界的广泛关注，如今，数字绘画艺术的生命力越来越强大，对传统美术设计表现方式的影响也越来越大。
一、传统美术设计与数字绘画艺术设计的特点对比
其一，传统美术设计是从美术绘画技能开始学习，如素描、色彩、速写等课程的学习，训练绘画构图、造型、技法等能力；同时，结合美术理论，如美术史课程的学习，提高艺术审美能力和鉴赏能力；最后，利用绘画能力、审美能力和鉴赏能力完成对现实事物的艺术加工。以上的过程就是传统美术设计，由此可见，其重点在于培养美术绘画基础能力和艺术修养。数字绘画虽然可以利用软件功能弥补美术绘画基础能力的不足，但是艺术修养仍然需要慢慢养成。其二，数字绘画艺术形式主要指利用手绘板通过绘画软件进行绘画，绘画软件主要包括Photoshop、Painter、Flash等软件。数字绘画软件提供了强大的设计功能，可以方便、快捷地完成艺术设计，设计的数字化相对于传统纸质设计明显节约了时间，提高了效率，而且支持多种设计软件的相互导入或输出，能直接生成预览效果。其三，在便捷性方面，数字绘画艺术作品的数字符号可变化，绘画软件提供了强大的编辑功能，如图层工具、笔刷工具、调色工具等，还有大量的特效效果，如滤镜特效工具。这些都极大方便了艺术家的创作，省略了大量的重复劳动，创作效率明显提高，设计师可以把大量时间放在创意构思上，从而提高设计作品的质量。此外，数字文件易保存，可以保存成多种格式；易传播，信息时代提供了便捷的传播途径，网络为数字绘画艺术创作提供了丰富的设计素材。总的来说，数字绘画艺术具有易操作、易修改、易复制、易传播的优势。
二、数字绘画艺术与传统美术设计表现方式关系的解读
数字绘画艺术的兴起与计算机的发展是密不可分的，科技是数字绘画艺术发展的关键因素之一。数字绘画艺术能否超越传统美术设计的表现形式而成为一种独立存在的艺术？传统美术设计的因素和形式在数字绘画艺术中有没有用武之地？从这个方面思考，数字绘画艺术与传统美术设计表现方式之间是存在冲突的。但是，我们必须清楚，数字绘画艺术的兴起为传统美术设计注入了活力，两者在不断融合中发展。从本质上讲，数字绘画艺术是无法完全取代传统美术设计的，只是在创作效率、艺术普及、互动和交互性上拥有较大优势。数字绘画艺术的发展离不开传统美术设计的因素和观念。
1.数字绘画艺术形式是传统美术设计表现方式的升级
传统美术设计以手绘为主，其他工具为辅。信息时代，通过互联网进行的图像传播与传统的传播形式相比更具优势，人们在互联网上能更加直观、迅速、准确地获取信息。利用这个特点，设计者通过软件创作出数字绘画艺术作品，可以快速进行传播。表现形式只是艺术表达的一种手段和方式，现代艺术家进行创作可以使用计算机图形软件模仿出一些创作需要的质感，将其作为绘画创作的参考，从而增强整个作品的表现力。现阶段，人们往往将数字绘画艺术与传统的美术设计进行融合，从而更好地表达绘画作品想要表达的情感。传统的美术设计形式创作出来的作品能给观者带来感动和震撼，而数字绘画艺术的传播性又优于传统的美术设计。将这两种不同的形式进行合理融合对于美术设计的发展有着非常重要的意义。
2.数字绘画艺术体现了传统美术设计观念
数字绘画艺术虽然是一种新兴的艺术，但它的发展离不开传统美术设计。在数字绘画艺术中随处可见传统美术的影子，透露出传统美术观念。数字绘画艺术无法取代传统美术设计的表现形式而单独存在，数字绘画艺术中的造型离不开传统绘画中速写、素描、色彩等绘画知识。由此可见，数字绘画艺术的发展离不开传统美术设计，数字绘画艺术家创作艺术作品的前提是必须掌握一定的传统绘画和美术设计能力。从传统美术设计到数字绘画艺术设计只是工具的数字化改变，表现艺术的形式、方式和方法发生了一定程度的优化，但艺术家观察世界、体验世界和表达世界的敏锐性并没有改变。
3.数字绘画艺术与传统美术设计价值观的体现
数字绘画艺术的发展是迅速的，它具有虚拟性、开放性、互动性和动态性的特点，它与现代人生活节奏较快的状态比较贴合，它的传播速度非常快，而且不会受到时间、空间的限制，可以广泛进行播放、转发、下载等，受众面非常广。这些特点决定了数字绘画艺术是为商业服务的，其价值体现在客户的满意度、受众的接受度方面。传统美术设计作品受作品性质的影响，只能通过印刷或展览等形式进行传播，高质量的传统美术设计作品需要花费大量的时间与精力进行创作，这也就决定了它不能大范围复制。所以，在这一点上，数字绘画艺术优势明显。但是，数字绘画毕竟是通过代码生成的，在某些方面达不到艺术品的要求。如，利用数字绘画技术创作国画，只要点点鼠标，水墨的晕染效果就出来了，虽然画面效果很好，但国画独特的韵味是软件不能模拟的。国画经过几千年的积淀，线条概括的抽象性、浓墨淡彩的表现已经不再是单纯的绘画技法，已变成绘画者个人修养、主观思想情感的体现，即通常所说的“意境”。国画大师的不朽作品就具有耐人寻味的意境，这才是传统美术设计价值的体现。传统美术设计的表现方式会受到数字绘画艺术的冲击，但传统美术设计形式自身所具有的真实性和价值是数字绘画艺术所无法代替的，它也会对数字绘画艺术的发展产生影响。
4.数字绘画艺术和传统美术设计相互影响
数字绘画艺术的核心内容依然是传统美术设计，只要认识这一点，就能理解数字绘画艺术和传统美术设计是一个相关联的整体。随着越来越多的艺术家不断进行创作实践，数字绘画艺术与传统艺术的关系也越来越密切。数字绘画艺术受到传统美术设计的影响，创作者将传统美术设计的观念和元素运用在数字绘画艺术的创作过程中；传统美术设计也受到数字绘画艺术的影响，新的绘画种类发展壮大，产生了越来越多的优秀的艺术作品。数字绘画艺术设计师需要具备良好的传统美术设计基础知识，熟练掌握运用绘画软件的操作技能，还需要巧妙地把两者结合起来，较高的审美和艺术修养也是必不可少的前提条件。随着时代的发展，数字绘画艺术与传统美术设计的表现方式不断进行融合，数字绘画艺术的兴起与发展也给传统美术设计带来了挑战，它们之间相互影响。
（1）数字插画
插画作为一种艺术形式，是设计的主要视觉传达形式，在现代设计中占有重要的位置。插画分为艺术插画和商业插画，在书籍、广告、影视中运用广泛。传统插画艺术以艺术插画为主，形式主要为壁画、版画、书籍文学插画等，以手绘为主。随着近年来计算机技术的普及，数字绘画的优势逐渐突显。常州艺术高等职业学校艺术设计专业如今的插画课程分为两阶段：第一阶段为传统手绘，材料有水粉、水彩、蜡笔、马克笔等，主要教授内容为熟悉插画造型设计知识和不同材质效果插画的体验；第二阶段为计算机软件插画，主要是学习利用Photoshop、Painter、Flash等软件进行数字插画艺术创作。
（2）设计创作习惯的改变
数字绘画技术的普及直接影响设计创作习惯。以常州艺术高等职业学校艺术设计专业的学生为例，原来在艺术设计创作时，学生习惯手绘，但由于手绘技术不熟练、线条不流畅或想法表达不出来，反复用橡皮修改，这样导致设计稿很不规范。近些年，随着手绘板的普及，学生在艺术创作时大量运用数字绘画技术进行创作，手绘技术不熟练、线条不流畅或想法表达不出来等问题，都可以用软件自带的功能进行弥补。因此，数字绘画技术正在慢慢改变学生的设计习惯。
三、结语
数字绘画艺术与传统美术设计表现方式既存在融合又存在冲突。一方面，数字绘画艺术形式丰富了传统美术设计的表现方式，体现了传统美术设计观念。数字绘画艺术与传统美术设计相互影响，在这种相互影响下，数字绘画艺术与传统美术设计的表现形式又进行着不断的融合。另一方面，数字绘画艺术具有传统美术设计所不具备的优点，与此同时，传统美术设计又有优于数字绘画艺术的地方，两者各有优缺点。对于生活在现代社会的艺术家而言，他们只有对艺术和技术之间的关系形成正确的认识，并将技术更好地应用在绘画中，才能创作出更多符合时代审美的艺术作品。绘画艺术就是在这种不断融合和冲突下一步步发展起来的，我们必须对数字绘画艺术和传统美术设计表现方式的融合与冲突进行深入研究，以便更好地将这两种表现方式结合起来，从而创造出更多的优秀的艺术作品。
参考文献：
[1]马宁.论电影美术设计中的色彩陌生化.中国美术学院硕士学位论文，2015.
[2]范丽敏.传统绘画与数码艺术之间的关系.西安美术学院硕士学位论文，2014.
绘画专业论文范文6
关键词：创造性思维训练;绘画创作;设计素描
在美术学专业的课程体系中，基础课程一般包括素描、色彩、装饰画等课程。很多基础课程以写实造型训练为主，以培养学生创造性思维为主的基础课程较少。虽然课程作业强调学生的创造性，但是部分学生缺乏创新能力，在毕业创作时往往半写生半模仿。笔者在长期的教学实践中发现，设计素描不仅包含传统素描的造型方法，而且包含许多创造性思维的训练方法，在教学过程中具有可操作性，对学生的创造性思维具有很好的启发性。在经过设计素描的学习之后，学生对于创作有了更加明确的方向和方法，也对基础课程和其他课程有了更深刻的理解与认识，包括当代艺术的发展和美术理论。美术教学中的理论知识与基本技能是培养学生创造性思维、创新能力的基础，而在美术教学中注重对学生创造性思维与创新能力的培养，又有利于学生对理论知识和基本技能的掌握。因此，二者完美结合才能实现美术教学效果的最优化。
一、设计素描教学中创造性思维训练在美术学专业教学中运用的必要性
第一，美术学专业的基础课程体系中缺少以培养学生的创造性思维为主的课程，大多基础课程以训练学生的造型能力为主要教学目标，如，素描课以全因素素描表现方法训练为主。学生长期以造型能力为训练目标，缺少创造性思维的训练，不利于之后的绘画创作。学生如何创作、创新是绘画创作课中的教学重点和难点。因此，教师应在立足本专业的基础上，借鉴一些创造性思维专项训练课程教学方法指导学生的绘画创作，为学生的毕业创作奠定良好的基础。第二，创造性思维不受现有知识的限制，不受传统方法的束缚，是学生在面对问题时，能多角度、多层次、多结构地思考并解决问题的思维。解决问题的方法不是单一的，学生需要在多种方案、多种途径中探索和选择。因此，创造性思维具有广阔性、独特性、灵活性等特点。设计素描中的创造性思维培养是该课程的核心内容之一，贯穿于设计素描训练的每个环节。设计素描中的创造性思维训练也因具有科学性、指导性，可以被广泛运用于各类设计、绘画创作。第三，设计不仅是一种创作活动，而且是一种思维方式。设计素描课程是根据艺术设计专业的教学需求而发展形成的一门专业基础课程。早期的设计素描课以结构的分析为主要教学内容，后来随着有关创造性思维教学研究的不断发展，设计素描已经发展为融合了创造性思维的一门综合分析的基础课程。以高等教育出版社出版的周至禹的《设计素描》为例，这本教材中不仅包含造型能力的写生训练、观察方法的写生训练、结构分析的写生训练，而且包含解构、重构的方法训练，材料的表现方法的训练，等等。这些内容丰富了素描的语言表现力，也促进了学生思维的发展，为绘画创作提供了具有可操作性和指导性的训练方法。从某种意义上说，《设计素描》这本书展现的不是狭义上的只为设计专业服务的设计素描，而是具有表现性的绘画素描与培养创造性思维的设计素描的结合。正如周至禹提出的“大素描”概念：“在一个‘大素描’概念下形成多样化的教学方式，以便于学生根据自己的需要加以选择，这样的素描就会对当代真正的艺术和设计的发展起到促进作用，因为，现代设计与现代艺术的联系在当今是前所未有的。”
二、设计素描教学中创造性思维训练对绘画创作的启示
1.表象的训练
学生在表现物象的表象时，可以选择完整的物象，也可以选择自己感兴趣的某一局部。学生会通过观察寻找自己感兴趣的事物，在这个过程中，创造性思维训练能引导学生观察生活、开阔视野，学生由被动变为主动，而不再像以往那样，在教师摆放好静物后选择角度写生。传统素描的教学以培养学生的造型表现能力为主要教学目标，其中，造型能力包括明暗、虚实、透视、比例、结构等方面的能力。而在形态的表象研究中，学生可以将这些科学的、理性的造型方法暂时放下，更加注重自身的感知和观察。在这样的体验和感悟下，由于每名学生的情感和喜好不一样，其个体差异性将会被释放，其作品也能呈现出多样化的效果。没有了束缚，学生可以重新回归创作主体的体验和感悟，其在教学过程中的主体性地位也能得以体现。素描不再是程序化的处理，也不再是素描本身，学生通过素描建立一种观察和体验的方式，以表现客观物体，正如中国画理论中的“迁想妙得”，从而达到“物我交融”的状态。通过这样的方式，学生表现出的物象不再是千篇一律、程序化的，而是融入了情感、富有生命力的。在这个过程中，学生将发现一些被忽视的物象所具有的表现力，挖掘出新的题材，丰富自身的绘画创作题材。
2.肌理的训练
现代科技的发展使人们对观察物象的方式有了更多的选择，如照相机、显微镜等。通过这些工具，人们发现了物象表面的特征——肌理。肌理包括质地、光泽、纹理等，是现代艺术表现中重要的艺术语言之一。随着生活水平的日益提高，丰富的物质生活为创作带来了新的视觉语言。学生可以采用拓印、复印等方式进行创作。教师在课堂中可以介绍一些肌理表现方法及其在绘画创作中的应用案例。以工笔画创作为例，王冠军在表现许多男性人物的衣着时运用了肌理的表现方法，表现出当代男青年的时尚感。学生不能仅仅复制肌理，更重要的是创造肌理，如，通过洗、刮、擦等方式形成肌理。郑力在工笔画创作中运用了揉纸的方法，使画面形成了斑驳的艺术效果。江宏伟的花鸟画创作运用了擦洗的方法，画面表现出静谧的古典美。学生通过创造肌理，可以为今后的创作积累一些视觉经验和肌理制作方法。
3.画面结构的训练
在对物象结构的分析中，学生可以通过延长线、斜线、中轴线等骨架线分割负空间。通过以骨架线切割画面，学生会更加清晰地认识到形态在空间中的意义，这有助于其把握形体空间在平面中的秩序，从而真正理解构图的重要性。同时，学生也能突破过去的三角形稳定构图形式，探索更加丰富的视觉形式。以现实形态写生为例，学生选择自己喜欢的一组瓶罐或静物进行表现。这些静物的摆放位置是随意的，因此，学生需要多角度、多方位地观察，选取自己最感兴趣的角度，将对象安排在画面中。学生可以根据画面的需要对形态进行拉伸、缩放、夸张处理，并自觉调整形态的间距，以获得画面中的平衡、和谐的关系；同时，利用形态的中轴线、透视线、辅助线、延长线拆解画面中的正负空间，使形态似乎消失在画面中，形态之间的关系由此变成画面的结构关系，自然的空间关系变成画面关系，具象的形态逐渐向抽象形态转化。这个转化并非易事，学生需要根据直觉和分析进行选择，从而建立起新的视觉形式。这个转化过程虽然并不容易，但是通过这样的转化，学生对画面关系和视觉形式有了动态、直观的了解与审视。这将提高学生构图的分析能力和审美判断力，使其建立起自主意识，形成独特的审美方式，为其创造性思维的发展提供了可能。
4.黑白灰的训练
为了丰富画面的关系，加深对画面关系的理解，学生需要进行更加深入的训练——黑白灰的训练。黑白灰的训练在现实形态和人工形态写生分析中都可以进行。以人工形态写生为例，经过分解后的画面和形态，需要进一步调整和分析。运用黑白对比关系能突出画面的主体，黑白灰的面积大小和秩序也会影响画面的主次与形式感。平面化的黑白灰关系可以表现出理性、冷静的画面关系和情感；加入光影的黑白灰会使画面更加丰富，既能塑造出三维的空间感，又能表现出物象的立体感；加入了点、线、面的黑白灰画面会变得更加富有装饰意味。这些不同的黑白灰表现方法适用于不同的绘画形式，学生可以根据自己的兴趣和专业发展需要选择，强化训练。
5.材料的训练
传统的素描工具以铅笔和素描纸为主，随着美术的不断发展，美术的表现形式越来越多样化。人们对审美的包容性越来越大，对审美的需求也越来越强烈，因此，学生不能满足于运用传统的工具材料进行表现，教师应鼓励学生探寻更多的材料语言的表现形式。对材料语言的重视，是现代艺术发展的趋势之一，也是现代美术教育的发展途径之一。只有不断探寻新的材料语言的表现形式，才能创作出更加丰富的艺术作品。同时，对材料语言的探索能激发学生的潜能，激发他们的创作兴趣和灵感，培养他们的创新精神。经过艺术教育几十年的实践和发展，艺术院校中开设了越来越多的培养学生创造性思维的设计课程。这些课程虽然在某种程度上更具有专业性，但是在艺术发展日新月异的今天，学科之间的融合趋势已经日益凸显。美术教学的基础课程需要融入一定的创造性思维训练，以培养学生的创造性思维，激发他们的创作热情，培养他们的创新精神。从近年来的美术大展中也可以看到，许多绘画创作已经融入了一些设计元素和现代元素。绘画创作的发展必须紧随时代的发展，这样才能创作出符合当代审美需求的优秀作品。在美术教学过程中，教师培养学生的创造性思维和创新精神是时展的需求，也是让学生适应时展的需求。
参考文献：
[1]周至禹.设计素描.高等教育出版社，2006.
[2]王丽婷.图形联想在美术教学中的应用研究.湖北大学硕士学位论文，2013.
[3]涂超.绘画性素描与创造性素描的对比研究.大众文艺，2011（13）.
[4]常雁来.创意思维在设计素描教学中的探索与应用.艺术评鉴，2017（5）.
绘画专业论文范文7
一、日本动画教育课程内容和中国动画教育课程内容比较
1.中国动画学校的课程
中国的动画专业主要设置在各类大学，包括公立大学，民办大学，学校教育制度分为4年制和2年制。日本的动画专业，主要设置在大学和专门学校。其中大学多为4年制，专门学校多为2年制。大学的动画专业和中国一样，除专业课程外，还包含基础教育课程（公共课）如美学论，外国语等。2年制的大学，如专门学校，主要以专业课程为主，注重学生的实际制作能力，没有基础课程教育。目前，在中国的动画教育在教学实践中，部分学校还没有完整的教育体系，没有使用统一的教材，也有部分学校没有教材。下面就对中国各大学的动画教育的大致教育课程做简单介绍：(1)专业教育课程第1学年素描色彩平面构成立体构成色彩构成线描电影论动画概论第2学年素描色彩透视人物设定运动规律插画场景设计第3学年雕刻定格动画漫画技法3D技术（3DMAXMAYA）网页设计FLASH动画第4学年毕业作品毕业论文(2)基础教育课程第1学年英语古典文学法律基础体育形势与政策马克思主义哲学道德思想修养政治经济学现代文学中国美术史第2学年外国文学外国美术史形势与政策体育思想概论艺术概论当代世界政治经济第3学年形势与政策美术学概论邓小平理论音乐简史戏曲鉴赏
2．日本动画教育课程
（1）四年制大学
东京工艺大学动画是一个涉及面较广的专业，东京工艺大学的教育体系有着与动画有关的广泛领域的综合教学理念，在动画学科实行综合的动画教育和研究。主要通过从对传统动画的制作技法的学习和实践制作到数字化电脑技术的运用及表现方法的学习，通过对动画与之相关的广泛领域的详细了解，充实动画知识面，注重综合素质培养。1）专业教育课程第1学年动画特别讲座A（选修）动画概论A（选修必修）动画史AB（选修必修）动画技术论ⅠⅡ（选修）基础演示ⅠⅡ（选修）基础造型实习（选修）动画表现基础（选修必修）电脑基础ⅠⅡ（选修必修）动画Ⅰ（选修必修）剧本基础（选修）动画背景Ⅰ(选修)素描A（选修）基础技法AB（选修）第2学年动画特别讲座BC(选修)发达心理学（选修）电影史AB（选修）动画史CD（选修）漫画论AB（选修）动画心理学（选修）动画构成技法（选修）新媒体AB（选修）素描Ⅲ（选修）3D技术设计Ⅱ（选修）第3学年领域研究（选修）动画特别讲座D（选修）电影构成论（选修）广告媒体论（选修）设计论（选修）著作权制作论（选修）电视节目制作论（选修）电视剧论（选修）动画演示课（必修）新媒体C(选修)动画制作（必修）第4学年毕业创作研究（必修）2）基础教育课程工艺制作艺术学A照片学概论B影像学概论B设计学概论B媒体表现概论B漫画学概论B艺术学B美学美学心理学艺术学色彩学视觉传达论西洋美术史A日本东洋美术史A西洋美术史B日本东洋美术史B造型心理学认知科学艺术学特别讲座美术史特别讲座现代艺术欧美话剧论文艺理论音乐学法学概论社会学概论日本文化史造型基础学图像和数字物理学概论光和视觉俄语英语法语德语外国文学社会和思想等
（2）专门学校
大阪动画学院动画专业大阪动画学院是日本动画学校中具有代表性的学校，向日本的各大动画公司输送了大量的动画人才，其中较多的为动画师。大阪专门学院动画学科的课程是从通过对初级动画技术到高级动画技术的理论学习，再加以实践的自作理论学习，包括基础绘画，色彩，场景画，后期的上色，合成编辑等动画制作过程知识的全方位学习。①对制作现场的现场状况的了解和基本动画知识的学习。一边通过对动画的历史和发展，动画的制作流程等的学习，在这同时，同步开展动画的实践制作学习，如对物体的观察能力的培养，拷贝绘画学习，物体质感的表现学习。
制作现场状况和基本动画的学习主要包括以下几个方面的学习内容：基本绘画Ⅰ：原画的拷贝学习，中间动画的理解基本绘画Ⅱ：人体各角度的形态，静物素描，动物画基本绘画Ⅲ：对比表现，错觉效果的理解基础教养Ⅰ：动画专业用语的理解，制作现场的现状基础教养Ⅱ：分镜表和动画时间表的理解角色创作Ⅰ：动漫人物素描和人体基本动作角色创作Ⅱ：角色感情表现及演技表现角色创作Ⅲ：动物的动作研究和绘画练习人物表现Ⅰ：人体的结构和人体素描，风景人物表现Ⅱ：动作姿态，人体服饰质感表现：石膏素描，静物素描，风景绘画分层的构成：帧数的对比，构图法，视觉效果角色设计：角色设计及设定a动画制作现场的流程在学习立体感的表现，透视，背景美术的基础上，开始把动作的表现加入到动画的实践制作中。教学课程要遵循动画制作现场的流程来进行。动画实践Ⅰ：分层动画动画实践Ⅱ：摄像机镜头动画动画实践Ⅲ：后期合成，特效动画b把握制作流程，专家现场指导通过策划，剧本，分镜，原画，动画的制作，中间帧，色彩，背景，CG，合成编辑的作业练习，完成一个完整的动画作品。制作演示：动画电影，电视剧版动画的制作过程了解策划，制作：工作进程安排，故事版设计和分镜制作实习Ⅰ：动画制作设备和工具，CG软件的理解制作实习Ⅱ：自创剧本的策划和制作制作实习Ⅲ：数字化电脑应用动画制作c动画制作的CG技术的学习在现场的实践制作中，按照日本动画业界的动画制作流程，开展对CG技术的学习。影像表现Ⅰ：自然物体的动画和质感的表现影像表现Ⅱ：摄像机的指定及特效表现取消基础教育课程。
二、中国动画教育体系的改善和发展
1.教学课程
从课程的内容上来看，中国的动画课程虽然已经有针对专业性的课程，但是与日本的动画课程相比较还相对较弱，就动画的表现技法和技术而言直接对动画有利的专业课程还不够完善。因此，为培养优秀的动画人才，首先，改善我国的动画教育课程的设置是很必要的。我们应该参考世界先进水平的日本的教育体系，开发更有效的动画人才培养教育体系。
首先，我们的教师要不断的提高对动画的认识和理解，加大力度学习提高自身修养。动画教育的培养可以分为剧作方向的培养和动画制作人员的培养。这就如同日本的动画学校分动画专门学校和动画研究所。动画研究所就是以动画的历史，发展，动画内容等的相关内容为中心，进行理论研究。而动画专门学校是以动画制作为重点，培养动画公司所需要的动画绘制人员，而这个环节的动画绘制人员也是需求量最大的。所以笔者认为，我们的动画教育方向的定位，应该定位于动画制作的人员方向的培养，以培养一个优秀的动画人才应该必须具备以下几个条件为基础，如1素描能力2对物体特点的表现能力3角色演技（外形特征，心理特征，感情变化，剧情发展）的理解力4趣味性的创造力和表现力5故事内容的理解力，把握力和敏锐力6对动作的观察力7对整个工作流程的把握能力，和团结性。应该本着以上条件，开发开设有效的，更为完善的教育体系和教育课程。#p#分页标题#e#
其次，在课程设置上，我国的动画课程与日本相比较，我国的动画课程虽然以涉及到了动画运动规律及原理的课程，但仍然是偏重于理论上的研究，学生实际的动手操作，实践时间远远不足。从之前提到的日本动画学校的课程来看日本的动画实践课是占有很大的比例的，无论是日本的综合类大学还是动画专门学校通常在课程安排上先是专业课的演示课程，也就是我们的理论基础讲解课程，然后紧接着就是专业课程的实践课程。而我们的课程设置里几乎是没有动画实践课程的，大部分的动画学校都是在学生4年级快毕业时才接触到动画制作，然而动画是需要通过不断的练习和揣摩才能掌握到其中的规律和技巧的学科。通过短短的4年级半学期的动画实践是完全不能到达训练的作用的。所以我国的动画教育课程也应该大量投入实践创作中，教师要提高自身专业水平能力。认真研究动画绘制方法，帧数的时间把握，把理论和实践有效的结合起来。达到真正意义上的动画教育目的。
再次，树立正确的动画教育理念，在动画技术日益发展的今天，3D技术，电脑CG技术已经成为了制作动画比不可少的技术。但与此同时一定不能忽略传统的绘画基础教育。据调查统计，日本的动画公司和游戏公司（光荣，任天堂等）在招聘动画制作人员时，仍然以制作人员的绘画能力为首要基础。所以传统绘画能力的培养是不容忽视的。要有效的把传统绘画技术的培养和CG技术的有效结合起来。
最后，与日本的动画学校课程相比较，我国动画教育课程接触动画专业的相关课程的时间上相对较晚。从日本的课程设置来看，日本的动画学校无论是综合类大学还是专门学校，从一年级一开始就让就直接入正题，直接进行动画概论，制作流程，动画专业用语，动作制作基础的课程，及场景的制作，角色设计等课程。而我们的课程基本在一年级几乎没有涉及到动画专业相关知识，还是停留在传统绘画基础上，传统绘画基础虽然是不容忽视的学科，但也置后了学生接触专业的时间。我们在引入动画专业的学生时，在他们考入大学之前就应该提高对他们的绘画基础要求，也就是说绘画基础要求是他们在高中就应该解决好的问题。在跨入大学校门后就应该尽快让学生接触相关动画专业知识。
绘画专业论文范文8
关键词：高职院校;美术教学;素描训练
素描起源于西方美术中对造型能力的培养，具体指代一切单色的绘画。素描呈现的艺术形式是艺术家对观察的事物进行造型、思考、信息反馈的综合结果，其实质是一种对物象认识思维方式的形象表现。初学者通过对这种艺术形式的学习和训练，能够获得对自然对象的形态体验，从而形成对绘画造型的初步认识，建立基础的绘画理论体系。当前，高职院校美术教学中常见的素描训练方式主要分为两种：写实素描训练和构想能力素描训练。如何更好地进行素描训练是当前高职院校美术教学中亟待解决的问题。
一、写实素描训练
写实，顾名思义就是对现实事物的再现和反映。写实素描训练的主要内容是学生观察事物本来面貌，运用透视原理等绘画基础理论描绘出事物的根本状态，包括形状、造型、体态等具体的外在现实。写实素描训练主要包括以下三种层次能力的锻炼与培养。
1.整体观察
素描造型过程中最根本的法则就是对整体的观察。美术教育家契斯恰科夫曾说过，绘画造型的关键不在于运笔、线条，而在于由点及线、由线及面的整体形态表现和动态关系。这意味着整体观察是素描基本造型的灵魂。如果写实的对象失去整体的统一性，就会破坏事物内在的有机联系，从而失去写实的内在意蕴，违背了写实素描训练的教学初衷。
2.结构分析
事物内部的结构决定物体外在的形式表现。绘画艺术的素描训练不仅仅在于对整体外在形象的描写，更在于对事物内部结构的观察与描绘表现。学生通过学习一定的绘画理论基础知识，有意识、有方法地分析所观察物体的形状、结构，从而整体把握事物的基本结构，获得深层次的写实素描训练体验。学生能获得这种情感体验、绘画理念与技巧相融的深层认识，就是素描训练结构分析的练习目的。
3.结构表现法
学生能够将通过观察与分析获得的物象描绘、表达出来，是结构表现法的教学目的和训练方式。通过结构表现法的素描训练，教师能够帮助学生建立起认识、分析自然物形式的内在知识体系，从而培养学生对自然与生命的感受力和表现力。这种素描训练一般是通过对模型、静物、石膏、真人头像、人体等实物的摹写进行的，其主要的表现方式分为结构式、体面式、光影式和以线代调法四种。结构主要指事物的内外轮廓；体面主要指事物的空间存在；光影主要指事物的表现反映；以线代调主要是指事物构成的基本要素。需要注意的是，这种素描训练必须遵循先易后难、先简后繁的规律，切忌急功近利、揠苗助长。
二、构想能力素描训练
构想是洞悉物象造型的变化，进而通过素描的方式进行再现、反映的表达。教师通过对学生进行构想能力素描训练，不仅能充分锻炼学生的绘画技巧，巩固学生的理论知识基础，还能极大地刺激学生艺术创造思维能力的发展。构想能力素描训练是学生素描创新设计与表达的主要训练方式，主要包括两种形式。
1.构想的练习
在当前高职院校美术教学的素描训练中，常见的构想能力练习方式主要有五种：一是让学生观察形体与空间的基本性质和联系，从中发散绘画造型的创新设计思维；二是让学生将物体的内在结构分解为线段的形式进行素描表达，使学生在拆解物象中提高对事物造型的认识；三是让学生将具体物质的肌理特征抽象出来，运用纹理组织的方式进行素描表达；四是让学生按照物体与空间的力学特征进行力向的素描练习；五是让学生遵循物象内部固定的结构规律，进行运动部分的形体变异练习。
2.造型的发展
素描的造型过程是时间积累的发展、变化过程，对物体的写实素描和对物象美感的反映是素描造型训练的主要内容。线条的明暗交错形成了物面的光影辉映，在素描造型的过程中，现实中的物在视觉中再生，又忠实地反映在素描本上，这整个过程就是物象造型的发展过程。对这个过程的不断练习就是构想能力素描训练的主要方式。
三、结语
高职院校中美术教学素描训练的主要教学目标是帮助学生建立起内在的绘画理论基础知识体系，锻炼学生的绘画基础技艺。教师通过写实和构想能力的素描训练，能够提升学生对绘画艺术的认识层次，提高学生的艺术创新能力，从而促进学生绘画技艺与综合能力的发展。
参考文献：
[1]祁敏.浅析高职素描教学的策略与方法.美术教育研究，2013（16）.
[2]杨栋昉.如何优化高职院校美术专业素描教学.西部素质教育，2017（5）.
