现代艺术范文1
摘要：
随着社会的不断进步，人们在关注经济发展的同时，也开始提高了对生态环境的重视.传统的环境艺术设计注重物质表现，通常采用很多材料堆砌景观，不仅浪费了大量的资源，还可能会由于材料不达标产生对人体有害物质.现代环境艺术设计应以生态文明观为指导，以天然、简约、自然、环保的方式构建对环境友好，对人体有益的居住环境和活动场所.
关键词：
生态文明管；环境艺术设计；简约；环保
1引言
目前，经济和科技的迅猛发展，极大的改变了人们的工作方式和生活方式，这些方式的转变提高了我们的工作效率，方便了我们的生活，但同时这些转变是以大量的能源消耗为代价的，因此也带来了一系列诸如能源紧张、环境污染等问题.尤其是环境问题，是当前全人类面临的共同问题，它关系到人类的生存和未来发展，应当引起我们的关注，由此生态文明观被不断提及，并开始渗透到我们的生产过程、工作过程以及生活的方方面面.在生态文明观的影响下，如何用全新的眼光和科学的方法进行现代环境艺术设计，是本文要解决的主要问题.
2生态文明观及现代环境艺术设计
2.1生态文明
生态文明是继物质文明和精神文明之后的又一个发展阶段，是人类在遵循人、自然和社会协调发展的同时，获得物质文明和精神文明.生态文明是的主要目的是促进人、自然、社会互利共生，实现社会的全面发展和可持续发展；生态文明是人类保护、建造优美环境所得到的物质结果和精神结果的叠加，贯穿于经济建设、政治建设、文化建设和社会建设的全过程.人类要实现在工业文明中健康发展的目标，就需要积极发展生态文明，这是人类对社会发展理念和实践经验的总结；只有物质文明和精神文明在生态环境的层次达成高度一致，才能实现人类的可持续发展.
2.2生态文明观
生态文明观是一个新的概念，并且其概念内涵会随着时代的发展而被赋予不同的含义，可以说生态文明观是一种理论体系，由多个互相关联和互相支持的生态理论观念所组成.生态文明观是人类发展和社会活动过程中产生的一种思想意识，是一种动态的思想观念，在不同的经济环境下或社会环境下，会进行适当的调整和改变，以适应和指导人类的生产和生活.生态文明观起源于可持续发展观，与多种生态价值观有着紧密的联系，如生态价值观、生态经济管以及生态科技观念等，这也就决定了生态文明观是以尊重自然价值为前提，强调对环境的保护，减少对环境的破坏，建立适合人类生存和发展的生态环境.
2.3生态文明观与环境艺术设计
环境艺术设计是一种综合型、应用型的艺术，在设计时应包含两个内涵：景和情.景主要包括自然景观和人文景观，是景的具体表现形式；情是设计者生活态度的表现，需要依靠景进行展现.环境艺术设计的基本框架都是以美术为基础，以建筑载体得以表现；在进行环境艺术设计时，要尽量维护人、自然和谐发展的平衡，并将其作为环境艺术设计的主要原则，在这一原则指引下进行的环境艺术设计就会满足人们的审美需求.因此，环境艺术与生态文明观有着不可分割的联系，生态文明观是环境艺术设计的指导原则，而环境艺术设计是生态文明观具体实践活动.
3生态文明观对现代环境艺术设计的影响
3.1生态文明下环境艺术设计的原则
3.1.1自然的回归
工业发展和科技的进步，给人们带来了许多现代化产品，借助这些现代化产品的优越性能，人们的生活环境得到了极大的改善，这是人类物质文明高度发展所取得的成果；与此同时，生活节奏不断加快，社会文化发展也已经严重失衡，同时环境污染问题和环境破坏问题逐渐显现，危及人们的健康和生命.而在生态文明观的指引下，人们对环境保护的意识越来越强，回归自然的意识也随之增强，因此环境艺术设计者在进行设计时，要通过一些设计方式使人们的身心能够亲近自然，回归自然.
3.1.2重视文化精神的渗透
设计师的生活态度和精神情感需要通过作品展现，因此好的设计者，应该使他人从环境艺术作品中感受设计者对环境的爱护，对人文情感的尊重，并激发他人的人文情感.遗憾的是，现代设计师在进行环境设计时，过于重视环境艺术的形式表达，而忽略了内在情感的表达，也没有将生态文明渗透到作品中，这就导致艺术作品缺乏创新，毫无特色.设计者要重视环境艺术设计中的精神文化的传递，增加对美学的客观认识，提高自身的审美情趣，用多元化的思想和方式表现生态、人文以及情感等内容，提高作品的艺术创造力，使设计作品贴近大众的审美要求；设计者应在不同的空间环境内表达不同的精神情感，使受众群体能感受到真、善、美的艺术魅力.
3.2室内环境设计如何体现生态文明观
3.2.1建筑模式应体现生态文明观
随着社会的不断进步，人类的思想也发生了极大的变化，传统的建筑模式已经无法满足现代室内设计的需求，也不符合现代生态文明的思想.因此，要建立良好的室内空间环境，首先就要解决建筑模型问题.设计师应根据现代环境艺术设计的需求，建立适应的生态模型.第一，做好建筑地点的考察工作，根据建筑地点所在的自然环境特点，利用建筑学和生态学的理论，通过先进的科学技术，统一规划对建筑内部和周围环境有影响的因素，使建筑与周边环境相融合，利用建筑自身的调节能力，满足人们对居住环境的要求.如太阳能、风能等可再生、无污染能源的利用，新型材料在隔声、隔热方面的应用.第二，减少对环境的影响.在现代艺术设计中，可利用非黏土砖减少对土壤的破坏，保持室内环境良好，为后续的室内装修提供更多便利条件，即在保障打造舒适环境的基础上简化装修程序，减少装修对环境的影响和破坏.
3.2.2建筑材料应体现生态文明观
现代室内环境设计，要注意对空气、光线的合理利用，以打造良好的室内生态环境.装修时，所使用的建筑材料应当是纯天然，健康环保，对人体，对环境无害的绿色建材，如竹、藤及其他可循环产品或材料；禁止使用环保系数低，不达标的油漆或人造板等装饰材料；室内设计可充分、合理的利用绿色植物净化室内空气，提升室内的可观赏性；利用透明玻璃窗和建筑物自身的朝向将自然光线引入到室内，保障室内空气流通，使室内废气得到及时的排出；供暖设备和照明设备的设计和选择也要坚持节能，减少资源的浪费，降低能源消耗对环境的污染.
3.2.3装修过程要体现生态文明观
在进行室内装修时，要尽量减少装修材料的使用量，利用艺术创新达到降低能源、材料消耗的目的.另外，在装修过程中要注意废弃物的处理，禁止随意堆放建筑垃圾及其他废弃物，做好装修过程中的环境保护工作.
3.2.4室内造型要体现生态文明观
传统的室内设计和装修多采用材料堆砌的表达方式，设计出来的环境空间给人以繁琐和复杂的感觉，这种设计方案与现代人们所追求的简约大方的审美理念相差甚远，而且这种设计方式需要大量的材料，很容易造成自然资源的浪费，若选取的涂料、地板、墙纸等含有挥发性有毒气体，更会影响人们的身体健康，这是应当避免的.现代环境艺术设计应建立简单、大方、得体的设计理念，通过科学设计，利用天然材料进行细节处理，这样设计出的室内环境才能满足现代人的需求，并符合环保的生态理念.
3.3室外环境艺术设计如何体现生态文明观
3.3.1合理规划景观形式
室外环境设计的关键环节是景观设计，设计师在设计景观时，应对景观的形式进行合理规划和布局，对景观设计的成本、能源消耗等问题进行综合考虑，避免成本预算过高，能源浪费严重、体积或重量过大的情况发生.如，在设计喷泉等水体景观时，尽量不使用成本高，占地面积大的设计形式，可采取竖向空间扩展的形式进行立体设计；另外还要根据人流量设计水量、照明设备的用量，确保方便人们生活的同时，降低资源浪费.
3.3.2绿色景观的设计
室外景观设计要提高对土地、自然资源的利用率.城市环境的发展离不开绿地，绿地设计可为城市居民营造健康、舒适、清新、愉悦的生活空间，还能对周边的气候和环境起到良好的调节作用.设计师在进行室外环境设计时，要对建筑周边的空间环境进行充分利用，设计和建造更多的绿色景观；在对景观空间进行布置时，可运用山、水、植物营造具有层次感的绿色植物景观，而且多种植物的搭配还可以维护生态平衡，减少病虫害的发生.景观设计时，要在强调欣赏性的同时，还要加强实用性，为人类更好的亲近自然提供便利条件.
3.3.3环境自然属性及植物生态功能的设计
室外环境艺术设计要尊重自然规律，不能破坏原有的生态平衡，而应使人在景观与周围环境融为一体.在设计和建造时，要充分利用现有的自然条件，尽量减少大规模的改造工程，减少对植被、土壤等自然资源的破坏，保护当地的微气候和生态平衡.在确保原有生态平衡的基础上，增加绿色植被和绿地面积.
3.4现代环境设计发展趋势
在生态文明观的指引下，和谐已经成为现代环境艺术设计的主要发展方向.和谐，不仅是社会中人与人的和谐，更重要的是人类与自然的和谐、生产与自然的和谐以及经济发展与自然的和谐.只有实现了真正的和谐，社会经济才能保持健康的发展态势，人类赖以生存的自然环境才会更加健康.在经济快速发展的今天，生态问题已经成为影响经济发展、生活水平、健康水平提升的关键因素，我们只有坚持生态文明观，在生活、工作、生产、学习的各个方面融入生态文明观，才能构件环境友好型社会，才能推动提升整个国家，整个民族的文明层次.
4结语
随着经济的不断发展，现代工业生产对环境的影响越来越严重，已经严重影响了人们的健康生活，生态问题成为全人类关注的话题，生态文明观由此被提出并发展，至今已经影响了多个领域的生产方式.环境艺术设计应到改变传统的设计理念和设计形式，利用自然能源和天然材料进行室内和室外环境设计，在降低能源浪费的基础上为人类构建环境友好的生存环境.
作者：姚定 单位：安徽建筑大学
参考文献：
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第二篇：现代艺术设计教育实践教学作用探究
摘要:
借助于教学经验总结，陈述现代艺术设计教育的产生过程，揭示我国现代艺术设计教育的现状，并提出建立规范艺术设计专业的实践教学模式、培养学生的实践意识等艺术设计专业的实践教学策略。
关键词:
实践教学;现代艺术设计教育;艺术设计专业
当前，随着市场经济和信息技术的发展，广大民众的行为方式和价值观念都发生了深刻变化。国人的生活方式、生活标准、消费观念均与计划经济时代大不相同。商品从此不再是权贵们的专利，艺术与审美也并非高贵与贤达的代名词。人民大众也可以享受到艺术设计所带来的美感、情趣与便利。这就要求从事艺术设计教育及实践的人们，必须从传统的教育观念中走出来，从消费者的心理及需求出发，要求从产品设计到生产制作，既要考虑美学价值，又要注重产品的实用性，更不能忽视受众的接受性，还应兼顾古今中外优秀的美学文化元素的传承。因此，现代艺术设计教育必须从商品经济及信息经济时展的视觉出发，从人民群众的审美志趣出发，从受众的实际利益出发，尤其是高校艺术设计教育专业的“产品”———学生，必须是符合社会需求，契合时展需要的复合型高素质人才［1］。
一、现代艺术设计教育的产生
在艺术设计教育专业中，实践教学是其不可或缺的教学环节。在工业革命和市场经济的推动下，19世纪末至20世纪中叶，现代艺术设计教育体制已经趋于完善，而实践教育作为艺术设计教育的考量要素也已初见端倪，并逐渐形成完整的艺术设计教育体系。该体系不再是传统意义上的绘画思维和美学思维的教学体现，而是在教学中更多地体现为理论与实际的结合，审美与创造的交融，精神需要与物质消费的统一。在这一时期，艺术设计教育倡导一个主要观念，即艺术与技术相结合、专业与市场经济发展相结合等。当然，在该领域取得辉煌成果者，自然离不开西方国家灿若繁星的艺术大师们的非凡奉献与天才创造。在艺术设计教育的发展过程中，德国包豪斯［2］学院的师生们也做出了巨大的贡献。他们的成就不仅仅是个人能力的展现，更多表现为先进的、科学的教育理念，以及给全世界艺术设计教育所引领的发展道路。在那里，老师和同学们在失败和挫折中的不断尝试，思维的不断交流与碰撞，设计思路的不断创新，设计方案不断完善，并通过其丰富的教学及艺术实践经验的总结，最终建立了相对完善的艺术设计教育体系，尤其是他们的“双规教学体系”，已成为开启世界艺术设计教学思维的钥匙。即使在今天看来，该教学体系依然十分科学和适用。包豪斯学院十分看重对学生的创造思维和实践能力的培养，注重艺术设计的文化修养和动手能力的塑造。包豪斯学院校长格罗皮乌斯所开创的“双轨教学体系”，在艺术设计教学中被誉为经典艺术教学体制的表率，以此为主导理念的教学主要表现出两个特征:一是“造型导师”，主要教授学生具体的造型设计和材质方面的知识，特别强调学生对艺术加工所需材料的掌握;二是“形式导师”，主要培养学生的设计修养。这里的设计修养具有较为宽泛的外延，譬如设计思维、色彩、构图、文字、内容、审美法则等方面，旨在有效提升学生对文化创意和形式语言的认识与感悟。“建立工作室”，则是德国包豪斯学院的又一极具创新性的艺术设计教育理念。最初的“工作室”，实际上就是一个艺术产品的加工作坊。在这里，学生随着基础知识的掌握，便开始各尽所能式地实践操作及创造活动。对于订单要求的艺术品，每个学生必须严格按照客户需求、设计创意、草图、最终设计稿、制作生产等的设计制作流程进行。经过理论与实践的高度结合，包豪斯学院所培养的学生，大多数在未毕业时就已经成为成熟乃至成名的设计师，并能很快融入到艺术设计需求旺盛的社会市场。总之，包豪斯学院的艺术设计教育，不仅看重学生设计修养的培养和设计理论知识的学习，更注重学生艺术设计实践能力的有效提升。包豪斯学院的艺术设计教育理念开创了现代艺术设计教育之先河，为现代艺术设计教育的发展奠定了坚实的基础。它的优秀教学模式更是世界艺术设计领域的领航者，其独到的课程设置，迄今也被世界众多高等院校的艺术设计专业所沿用!
二、我国现代艺术设计教育的现状
我国现代艺术设计教育的发展比较晚。1903年，清政府颁布了《奏定学堂章程》，又被称为“癸卯学制”，自此，我国学校教育才正式开设简单的手工艺课程［3］。1906年，“图画手工课”在南京两江优级师范学堂正式开设。1912年，刘海粟和一些进步人士共同筹资在上海创办私立图画美术院。随着该学院的不断发展壮大，1919年又独立设置了工艺图案科，表明我国正式开始了工艺美术专业人才的独立培养。1918年，在梁启超先生的倡导下，政府全力支持并在北平创立一所国立美术专业学校，该校开设了许多与工艺美术相关的课程，校内还建造了许多车间，譬如陶瓷、印刷、金工等［4］。在20世纪初，由于我国的艺术设计及艺术设计教育水平均大大落后于西方，处于济世情怀的考量，一些有识之士便提出了艺术救国之理念，他们躬身于留洋学习与出国考察。如雷奎元、陈之佛等学成归国，带回了国外先进的艺术教育理念，并开始独立探索与实践，意在寻找一条适合我国现状的艺术设计教育模式。到上个世纪中叶，一代又一代的艺术设计家及教育家，经过近半个世纪的不懈努力，逐渐充实与完善了我国艺术设计教育的体系与体制。到了1956年，中央工艺美术学院成立，此举标志着我国艺术设计教育的发展又上了一个新台阶［3］。从新中国建立至上世纪70年代，“图案与工艺学”已经成为我国艺术设计的主流学科［4］。从此，我国民间的艺术类工作室便呈现为多样化发展态势，除了前述的“陶瓷工作室”外，还新增了染织、工艺美术、装潢等“工作室”的新秀。进入上世纪80年代，现代艺术设计教育思潮开始在中国流行起来，成为一个历史性的突破。工艺图案教育演化为艺术设计，并且成为国家艺术设计的主流。1990年，原国家教委把以前的“工艺美术”专业更名为“艺术设计”专业，标志着现代艺术设计学科的诞生。进入21世纪后，我国的艺术设计从创意到制作都呈现出空前的飞速发展状态。从生活中的衣食住行到大工业、制造业、传媒、文化、民俗等均在不断提升着艺术设计的地位。艺术设计也从此不再是简单的图案设计，已经成为经济社会与文化发展的主要手段和必然途径，也成为了承载中华民族伟大复兴、实现中国梦的系统工程。随着社会对艺术设计类应用型人才需求的日益增长，我国大凡有艺术设计以及与之相近的美术学师资的高等院校，均争相开设艺术设计教育专业，以求其学科结构的完备，实现人才培养的多样化。从专科学校到二本院校的艺术设计专业招生额度的增长情况来看，均出现了中国教育史上前无古人的井喷状发展态势，也可以说是中国高等教育的泛化发展或以市场为导引的功利化掠夺式发展。这种发展所造成的假繁荣的背后推手，少不了学校领导挖空心思找寻的创收增长点的功利性思维模式，并将其眼光置于可以不断扩大招生规模的艺术设计专业上。又由于该类院校在教育教学管理方面缺乏成熟的教学理念、教学思路、教学条件，尤其是制约教育教学方案实施的高质量师资队伍的严重匮乏，最终致使原本设想美好的艺术教育产品质量不尽如意。通过调研发现，诸多院校除了动手完成三大构成(设计素描、设计色彩、设计构成)的手工涂抹外，基本没有实质意义上的实践教学的介入，至于与艺术设计相关的机器设备近乎于零，致使教师以照本宣科为能事，最为可怕的是从事艺术设计教学的许多教师，面对最基本的艺术设计教学软件却是陌生的，完全忽略了实践教学及必要的见习环节。有的学校甚至把艺术设计专业演变为绘画专业，在课程教学的实施方面，一年级画素描、二年级画色彩、三年级开设构成设计、四年级方开设美术理论。严酷的现实告诉我们，当成批量的艺术设计专业毕业生进入社会后，每每遇到实际问题便不知所措，缺乏相应的实践操作及应对能力，尤其缺乏独立的创新能力，究其原因不外乎实践教学的理念与方法过于单一和老套;实践教学的基本条件不完备，譬如严重短缺的优质配套教材，以及学生在校期间严重不足的校外实习;双师型教师的严重短缺;实践教学系统化、科学化管理的缺位等。
三、艺术设计专业实践教学的策略
现阶段，我国艺术设计教育专业处于多元化发展的过渡期。若将其与其它专业的实践教学环节及效果相比较发现，艺术设计教育专业明显滞后与落后。因为，艺术设计是一门实践性极强的学科，要求学生必须具备极强的实践设计及制作能力，如动手能力、计算机应用能力和社会活动能力等。实践教学也是艺术设计专业教育的重要组成部分，更是艺术教育的特色所在。以理论学习为主的人才培养模式，已经远远不能满足社会及市场对艺术设计专业人才培养质量的基本要求。因此，变革陈旧的教育模式，重新构建适应市场要求的艺术设计教育评价体系，挖掘实践教学在现代艺术设计专业教育教学中的重要价值，培养顺应社会发展、富有艺术设计素养、艺术创造的求实态度，以及具有积极进取和高尚审美情怀的高级艺术设计应用型人才，便成为艺术设计教育专业在今后相当长时间内不得不直面的严肃课题。
(一)建立规范的艺术设计专业的实践教学模式
艺术设计专业不仅包括系统的艺术设计理论教学，还包含艺术设计专业所必须的各类实践教学。艺术设计专业教学不仅要求学生具有扎实的理论基础，也要求学生具备超强的实践创作能力。艺术设计专业的实践教学，要求以学生为主体、教师为组织者和引导者，以实践创作为中介的教学相长的过程。同时也要求“艺术设计专业的实践教学应与‘产学研’相结合”［5］，旨在开拓学生与社会的接触路径，注重对学生自学能力、创造思维以及综合设计素养的培养。当然，“产、学、研”平台的构建，也有利于打破学校与企业相隔离的传统格局，使学校、企业以及相关的社会组织在这一平台上实现积极互动与互利共赢。1．只有建立完善的实践教学体系，制定科学合理的人才培养方案，才能贯彻艺术设计专业教育教学理念，有效实施教学过程、安排教学任务、落实教学管理规范，进而提升艺术设计专业的人才培养质量。2．整合资源，加强合作，实现多学科融合的艺术设计专业全新的、综合的教育教学体系。譬如聘请工科类实践教学教师参与观摩课、实习课、见习课，并通过座谈、交流，分享实践教学课设计思路之心得，为艺术设计教育专业教师提供有指导价值的实践教学方法［6］。3．加强校外实践教学基地的建设力度，保证实践教学环节的正常开展。艺术设计专业的实践教学基地建设，不仅是可能的、必须的，而且是由艺术设计专业的学科性质所决定的。4．加大艺术设计专业教师的培养力度，尤其是实践教学教师或双师型教师，这也是有效破解制约艺术设计专业教育教学质量瓶颈的唯一路径。5．切实加强实验、实习、社会实践、毕业设计(论文)等实践教学环节的组织管理与科学设计，保障教学时数以稳步提升教学效果。6．加大实践教学设备的投入及师资的建设力度，争取与地方政府及有关社会团体的有效合作与交流，尤其是通过帮扶、助教、援建等途径，将地域空间较近的地方中小学校定点为教学实践与实习、见习基地，为艺术设计专业的实践教学方案的落实创造条件。
(二)培养学生的实践意识
高校艺术设计专业的教育教学过程，应当把艺术设计专业的理论教学与实践制作教学有机统一起来。只有在学生牢固掌握基础理论知识的同时，进行实践设计与创作活动紧密结合的教学活动，才是有效培养高质量学生的必要保证［7］。在教学过程中，学校应尽可能多地为学生创造实践机会，设置有针对性的制作训练课程;实践教学应该贯穿于艺术设计专业学生学习的全过程，通过丰富的实践教学，学生不但获得了艺术设计的丰富知识、设计经验、制作才能，也体验了艺术理论应用于艺术设计实践的成就感、自豪感和愉悦感;有效激发学生的专业学习兴趣，提升学生对艺术与设计美感的认知水平，增强学生对艺术设计与创作价值的自信水平。1．创设轻松愉快的学习环境，充分调动学生学习的积极性，培养学生艺术反思与设计创造的主动性。2．“实践是认识的源泉”，学校要加强对课外实践活动的引领与指导，学生只有置身于艺术设计的殿堂，才能心领神会艺术设计的无穷魅力，其艺术设计的潜力才能被发掘，创造性制作的敏感性才能被激活，追求艺术设计价值的人生信念也才会因此而坚定。
四、结语
通过教学实践证明，艺术设计教育应牢固把握专业与社会需求的关系，尤其是目前的就业现状，应针对市场需求对高校艺术设计专业的人才培养方案进行不断调整;高校培养的艺术设计专业人才不仅仅要具有深厚的设计修养，还应具备独到的设计理念、传承美学文化的崇高志趣;艺术设计教育专业的教学，必须全面贯彻实践教学主线，以培养经济社会所需要的具有强大艺术设计、艺术创造与艺术制造能力的、综合素质过硬的复合型艺术人才。
作者：邢博川 邢梦婷 单位：陇东学院美术学院厦门大学艺术学院
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第三篇：现代服装艺术设计传统服饰元素创新运用
【摘要】
本文简要介绍了传统服饰和现代服饰的特点，指出了两者之间的差异，通过一些创新性的设计，我们可以将传统服饰元素运用到现代服装艺术中去，旨在促进现代服装艺术的发展和文化的传承。
【关键词】
传统服饰元素；现代服装艺术；创新随着社会经济的发展和人们对物质生活和精神生活要求的提升，现代服装艺术设计行业的发展呈现出日新月异的态势。但在现代服装艺术蓬勃发展的同时，我们不能忘记和忽视传统服装艺术。随着社会的发展，我们不能直接复古传统服饰，但是我们可以将传统服饰元素创新的使用到现代服装艺术设计中去，为我们提供更多更舒适美观的服装，促进服装设计行业的发展。
一、传统服饰的特点
（一）宽松长款为主
传统服装的一个鲜明的特点就是宽松，它们以平面结构和上下联属为基本特征[1]。很多衣服都不够贴身，靠腰带来束紧，就像长袍。宽松的设计会让他们感觉到十分的舒适，不会给人束缚感，但实际上这种宽松的设计会让他们的行为受到限制，在行动的过程中容易产生一些无法察觉到的附带动作。而且很多衣服都是上下一体的长款，衣袖比手臂要长，即使是在夏天，他们也都是穿长款的衣服。
（二）以手工为主，工艺精细
由于生产力和生产工具的问题，传统服装都是以手工缝合为主。而它们精细的手工缝合技巧是它们的一大特色。特别是传统的刺绣，通过针线的穿插给我们绣出来一件件美丽的服装，精巧的图案加上完美的手工，传统服饰十分具有观赏性，很多技巧都已经失传，就连现代工艺都无法再现那些图案。（三）色彩传统服装在色彩的搭配上比较温和，大多以冷色调为主，看上去给人一种很平和的感觉。但是对一些特殊人群或者特殊时刻，他们的服装色彩就会变得鲜明。例如对于皇族，他们的衣服色彩以紫色和黄色为主，例如在办喜事的时候，大红是主色调。（四）装饰丰富这主要是针对少数民族而言，他们在服装的搭配上很有创意，而且极其具有时代的特色。花哨美观而且种类繁多各具特色。少数民族服装给我们传统服装文化增添了浓厚的一笔，是传统服装文化的重要组成部分。
二、现代服装的特点
（一）人性化
现代服装更具有人性化的特点，根据人类生活的实际需要和环境的实际情况设计服装。因为冬天天气冷的关系我们会在衣服里面加绒来保暖，在夏天的时候会减短衣服的长度来散热。人性化的设计是现代服装最重要的因素，它不仅让我们感受到舒适，而且这种相对开放的态度也能够满足我们不同的穿衣风格。
（二）修身设计
为了体现出形体美，现代服装会有一些修身的设计，可以勾勒出人体的特点和线条，更加贴身和符合形体特点的服装让人看起来更加精神、帅气或者性感，尤其表达穿着者心理对美的诉求。而且修身设计在一定程度上节省了布料。修身设计越来越受到人们的青睐，人们也更加愿意穿着一些能够显示他们完美身材的衣服。
（三）开放设计
文明社会的发展让我们思想越来越开放，这种开放直接体现在服装的设计上。现在我们走在夏天的街上，会看到人们穿的衣服越来越少。同时衣服的款式和式样也很少受到束缚，我们可以充分发挥自己的想象去设计自己想要的衣服，这种自由给我们带来了极大的想象力和创造力，也对我们的服装行业的发展有着极大的促进作用。
（四）工艺进步
随着科技的发展，无论是轻工业还是重工业都有着极大的进步。在服装行业，我们的工艺水平更加的先进，利用纺织机、缝纫机、印花机等机械设备在服装的设计上展现出不同的效果，用以达到我们想要的目的。这些先进的科技能够使我们的衣服更加的美观舒适，能够让衣服更加工整精细，在细节的处理上也更加完美。
（五）专业化
现代服装设计已经成为一个专业化的行业，我们有专门的服装设计学校和服装设计专业。通过系统培训能够让我们学会如何去进行服装设计，让我们具备专业的服装设计的知识。同时我们有一批专业的人员去进行服装设计的研究，促进服装设计行业的发展。
三、传统服饰元素创新在现代服装艺术设计中运用的意义
（一）文化传承
传统服饰元素蕴含丰富的文化内涵，这是一笔宝贵的文化财富[2]。我们需要继承和发扬这些传统服装艺术，这是一种文化的传承，这是我们的责任。我们无法摒弃这些传统服装文化，我们无法忽视它们，我们需要去学习。我国历史文化悠久，服装艺术经过了几千年的发展，这些文化沉淀将会迸发出无穷的力量。
（二）促进现代服装艺术的发展
由于时代的原因我们无法直接复古，但是我们可以将传统服装艺术与现代服装艺术进行融合，充分发挥出传统文化艺术的魅力和内涵，在继承和发扬传统服装艺术的同时不断的完善现代服装艺术的发展，促进现代服装艺术行业的进步。从传统服装艺术中我们可以得到不同的启示和创造灵感，让我们更加具有想象力和创造力。我们可以借鉴传统服装艺术的优点和长处，可以在对传统服装艺术的学习过程中借鉴他们优秀的一面，取其精华，去其糟粕。再将这些好的东西与现代服装设计进行融合，补充我们的不足，最后创造出属于我们自己的东西。通过借鉴、融合和补充，促进现代服装行业的发展。
四、传统服饰元素创新在现代服装艺术设计中的运用步骤
（一）学习
想要很好地运用传统服饰元素，那么首先需要学会它们。我们需要通过学习来了解我们的传统服饰元素，了解我们的传统服装文化。我们要学习它们的组成、它们的含义、它们的内涵和它们的一切。这是我们能够正确使用它们的前提，是我们能够创新的应用到现代服装艺术设计中的前提。同时，学习的过程能够让我们充分的感受到传统服装元素的魅力，能够让我们走进传统服饰元素的世界，让我们更加深入地了解到传统服饰元素对我们的重要意义。
（二）取舍
当我们学习和掌握了他们，接着需要有所取舍。传统服装元素并不都是好的，也不都是适合现代社会的。我们不能强行使用传统服装元素，我们需要取其精华，去其糟粕，我们必须要有所取舍。例如，传统服装艺术中的那种宽大的袖口设计很明显不适合现代人的生活。但是取舍的过程是一个因人而异的过程，由于所处的环境、接受的教育程度和喜好等不同，每个人进行取舍的标准都是不一样的。所以好坏有时候只有在针对特定对象的时候才有意义，也许你觉得不好的地方别人觉得很不错。因此我们在进行取舍的时候一定要有自己的观点和见解，不能人云亦云。由于我们已经经过了学习了解的过程，所以我们很容易就可以得到取舍的标准。只有适合自己的才是最好的，也是我们需要的。
（三）改良
创新性的运用并不是直接照搬硬套，而是要有所改良，通过改良让传统服饰元素更好地使用到现代服装设计中去。我们要保留传统服饰元素的精华和内涵，通过改变一些表现形式或者是使用条件，让这些传统服饰元素更加适合现代社会人们的生活。当然，根据实际情况的不同，我们可以有不同的改良方案，改良的工作并不是固定不变的。我们要充分发挥我们的想象力和创造力，从多个角度对传统服饰元素进行改良，既要保存传统服饰元素的内涵，同时又要让它给现代服装设计增光添彩。
（四）融合
通过我们的改良，将传统服饰元素与现代服装设计有机的融合在一起，在深入配合中不仅发挥出各自的特点，同时还能在他们的共同作用下展现出不一样的效果，让人觉得耳目一新。融合并不是生硬地将传统服饰元素应用到现代服装设计中，这样会给人一种格格不入的感觉，会破坏我们对服装整体的美的感受，这样生硬的融合不仅无法达到我们的目的，甚至会破坏整个服装设计。真正的融合是要他们浑然一体，让他们在发挥出各自的特点的同时，能够让人从视觉上完成由传统到现代的过渡，让人容易接受同时也真正的给人以美的享受，真正地满足人们的需求，这才是最重要的。我们要找到传统服饰元素和现代服装设计的契合点，做到真正的融合[3]。
（五）创新
创新是现代服装艺术发展的力量源泉。我们之所以融合传统服饰元素，就是为了要在进行现代服装设计中有所创新。我们要利用前人留给我们的传统服饰元素，通过传统服饰元素给我们灵感，在融合使用传统服饰元素的过程中有所启示，激发我们的想象力和创造力。只有这样，我们才能够将传统服饰元素创新在现代服装艺术的设计之中，为现代人设计出更多更有创意的服装。例如唐装，唐装的就是基于传统服饰元素的创新，它将传统服饰元素和现代服装设计的特点有机的结合在一起并有所创新，才有唐装的成功。
五、结语
创新是一个过程，是一个需要力量和想象力的过程。传统服饰元素不仅给我们留下了众多美的享受，而且为我们提供了创新的力量和想象力。在现代服装设计过程中，通过对传统服饰元素的创新性应用，能够让我们获得更多好的服装设计，满足现代人对服装的要求，促进现代服装设计行业的发展。
作者：王卿 单位：大连工业大学服装学院
参考文献：
[1]王彦岭.论现代服装设计中的传统服饰元素的创新性运用[J].社科视点，2011.
[2]肖瑶.浅析传统服饰元素在现代服装设计中的应用[D].天津科技大学，2013.
[3]胡雅丽.现代服装艺术设计中传统服饰元素的运用[J].大众文艺，2008.
第四篇：地域文化对现代包装艺术设计影响分析
把地域文化因素巧妙的运用于现代商品包装设计之中，可以让商品的文化内涵更加独特，从心理上暗示消费者，不仅可以提升商品的知名度，为企业赢得赞誉，更会提升商品的销售量，提高企业的经济效益。对此，笔者本文中首先分析了地域文化和现代包装，然后探讨了现代包装艺术设计受地域文化的影响。着国内经济的发展，为了让消费者在消费层次上的需求得到满足，需要把地域文化和现代包装艺术有效的结合在一起，提升商品的文化内涵，激发消费者的购买欲。笔者本文中首先分析了地域文化和现代包装，然后探讨了现代包装艺术设计受地域文化的影响。
1.地域文化与现代包装艺术设计
所谓的地域文化指的是不同的区域、民族，在具有差别的环境中经过较长时间的发展，演绎出具有独特的文化、价值和语言等。其主要的表现为生活方式、古迹、环境、利益等。所谓的包装艺术指的是不同程度的保护和美化商品，以便于其更好的展示自身的优点和形象，吸引消费者的眼球，提升商品销售量的活动。包装设计灵感的发源地为区域间文化的差异，其在商品包装的过程中发挥着重要的指导作用，包装设计中运用区域文化特色，对包装设计风格的形成极为有利，是设计人员长时间以来的战略定位。在现代包装艺术设计中，由于文化和区域的差异，为了便于商品便于沟通和提升销售量，把商品的形态和性质更好的展示，通过特定的区域色彩、图案、文字等并充分的使用现代包装技术，让包装艺术设计更加人性化、区域化、生态化，让人们的精神需求和物质需求均获得满足。影响包装设计的最重要因素为消费者，要是消费者不认可市场上的商品，那么对商品进行包装就显得毫无意义。所以消费者对商品的认知水平以及经济水平决定商品的包装价值。商品包装的富有区域特色，不让商品独有的文化性和特性得到体现，更会提升认知程度，获得市场的认可，提高销售量和企业的经济效益。也就意味着作为设计师应该深入研究消费者的心理以及有效的把握市场，然后有针对性的包装商品。
2.地域文化对现代包装艺术设计的影响
（1）以现代包装设计的色彩表现来看，包装设计中最重要的表现手段为色彩，让消费者的联想和想象被激发，提高消费者的购买欲。区域文化特色中有很多特定的颜色，赋予颜色不同的文化内涵，在长期的生活中人们已经认可特定色彩所代表的意义。因此，对商品进行包装设计的过程中，想要凸显商品的区域特色，可以使用固定的色彩，在色彩区域特定的暗示下，激起消费者的联想，吸引消费者的眼球，迅速的打开销售市场。如呼伦贝尔某清真商品，包装颜色为清一色的绿色，消费者一眼被其吸引的同时会联想起呼伦贝尔，不仅让消费者的视觉受到冲击，也会体会到独具一格的区域文化，对其市场竞争力的提升很有帮助。
（2）现代包装设计在表现地域文化的时候可以使用图形实现目的，消费者的购买意愿会被独具区域特色的图形所影响。区域的不同，语言也会不同，通过语言进行沟通会存在问题，但是，区域的不同对图形的认知差异不大，甚至没有差异。就现代包装设计而言，设计者在体现设计思想的过程中大都借助图形元素，在文字的辅助下把商品的内涵很好的传达，对消费者的感官造成直接的刺激。因此，充分发挥图形的直观性特点，设计者在包装设计中使用独具区域文化特色的图形作为其主要元素，提升商品的外在形象，把独具情感内涵的产品内涵向消费者展现，体现该商品与众不同的特殊性和风俗性，消费者接受感官的直接刺进，会产生强大的购买欲。
（3）包装设计中应用符号元素是区域文化对现代包装艺术设计的又一影响因素。作为现代包装艺术设计中不可缺少的重要元素之一，符号具有独特的作用。丰富的区域文化内涵可能用语言无法表述清楚，但是使用独具代表性的符号可以淋淋尽致的表现，展现出不同时代人们的审美观念。如中国的太极图符号的识别性较强，在商品上科学的使用符号可以把独具区域文化的商品很好的传达，在众多的商品中脱颖而出，吸引消费者的注意。
（4）在现代包装设计中，充分的运用区域文化特征，树立品牌形象对企业而言具有重要的作用。当前阶段，国内商品包装中文化特色类包装占有比例较高，仅仅观察其形式就可以对地域文化的精神有所了解，同时设计师的自我修养会在文化内涵中展现，便于包装设计层次的提升，唯有通过这种方式才能够在商品包装设计中巧妙的表现文化内涵。通过设计师新生命力的赋予，让消费者在视觉上的享受更高，不仅让区域文化特点强烈的体现出，更把富有时代的精神淋淋尽致的展现。
3.结束语
通过上文的论述，现代包装设计中区域文化的影响较大，借鉴区域文化不仅仅可以让现代包装艺术设计展现出特有的中国特色，升华包装设计的文化内涵，同时还可以继承和发扬我国传统文化。
作者：向馗 单位：湖南工业大学包装设计学院
第五篇：现代艺术设计对民间美术元素吸收与应用探析
【内容摘要】
中国民间美术元素是文化艺术宝库中的瑰宝，现代艺术设计与民间美术元素的结合，从本质上讲，就是现代与传统的有机融合。尤其是民间美术创作过程中的构思方式、大胆想象以及夸张技法等，都与现代艺术设计的思维特点有着诸多相通之处。民间美术凭借其独特的创作思路与创作技巧，以及深厚的文化底蕴等，为我国的现代艺术设计提供了强大的支撑。
【关键词】
艺术设计;民间美术;美术元素;文化艺术
民间美术作为中华民族传统文化的一个重要构成部分，深刻反映出我国人民特有的审美情感、意识与准则。民间美术已经成为现代艺术设计的根源与基础，其主要包括宗教文化艺术设计、宫廷文化艺术设计与现代文化艺术设计。民间美术和现代艺术设计的哲学思想以及在追求概括、简单等艺术特色方面也存在着一系列的共同点，同时，两者在打造真实、自然、返璞归真以及色彩应用等方面也有着诸多交叉点。民间美术所蕴含的丰富内涵与多样化的形态，都体现出了中华民族最本质的审美精神，更是现代艺术设计的创作源泉与母体。所以，针对现代艺术设计对民间美术元素的吸收与应用的研究具有重要的现实意义与价值。
一、我国现代艺术设计的发展现状
(一)起步时间较晚。
艺术设计在我国的起步时间较晚。在工业革命快速发展的二十世纪六十年代至八十年代，我国甚至对艺术设计这一概念还未有任何的认知，以至于这一历史阶段中我国的对外贸易常出现代人作嫁的惨重损失。直至改革开放之后，我国相关管理部门才逐渐认识到艺术设计的必要性与重要性，艺术设计也自此开始在我国生根发芽。［1］
(二)“崇洋媚外”现象严重。
随着改革开放力度的进一步加大以及经济全球化的快速发展，西方的艺术文化迅速进入我国，其中也包括艺术设计行业，西方成熟的、时髦的艺术设计风格对我国陈旧的艺术设计造成了巨大的冲击，诸多设计者也纷纷照抄照搬西方的艺术设计，使得我国当前的艺术设计领域出现了严重的崇洋媚外现象。［2］在市场上流通的一些艺术设计产品，放眼望去很难看到汉字，如果不加以仔细辨认，很容易误认为是进口产品。甚至部分标志性的建筑物也要专门请国外的设计师进行设计，比如北京市的国家大剧院，以数千万的设计费聘请了国外的设计师，所设计出的作品也是与周边的环境极为不相称，从而备受争议。
二、民间美术的重要特征
(一)实用性。
实用性是任何艺术形式的最初要求，同时也是最基础的要求与标准。实用性从一定程度上讲，是民间美术最显著的特征，无论是人类的居住环境设计，还是服装设计与食品包装设计等包括衣食住行在内的方方面面，都体现出了人们在美术创作过程中坚持的实用性原则。民间美术与人们的日常生活息息相关，是将现实生活中最为普通、最为真实的状态以艺术形式呈现出来的创作。所以，实用性也成为民间美术的主题与主要风格。
(二)民俗性。
民俗特征作为文化的主要构成部分，是对人类社会的独特认识与理解，也正是这种认识推动了民间美术以另外一种艺术形式呈现出来，比如，民间美术中的年画、风筝等。这些艺术形态已经脱离了原本的功能，形成了一种全新的民俗文化形式，通常应用于祭祀、祈福等民俗性的活动之中。其中，放风筝预示着人们将一年中所遇到的晦气全部释放出来或者赶走，年画则是人们祈福的一种主要形式等，这一系列艺术形式都体现出了浓郁的民俗风情。［3］
(三)审美性。
民间美术的审美性不但自始至终都存在于创作中，更是构成民间美术结构框架的一个主要组成部分。同时，民间美术的审美性还经常存在于其本身的其他特征中，这主要是因为民间美术长期处于生活与艺术的交界点，一方面具有明显的艺术特性与审美特征，另一方面也具有显著的实用性。从某种程度上讲，民间美术不但具有独立的审美性，而且在其实用性中也同样蕴含有一定的审美性。
三、现代艺术设计对民间美术元素的应用
(一)观念。
我国民间美术以民族性作为创作的根本观念。纵观古今中外的经典艺术作品，只有具备显著的民族特色，才能够在世界艺术领域中产生更深更远的影响力。民间美术的实用性、民俗性以及审美性特征无不体现着民族性的创作思想。民间美术独特的个性风格、淳朴形式以及深厚的传统文化底蕴与真实的审美标准，都使其在艺术设计领域中占据着重要的地位。特别是民间美术所表现出的真挚的民族特性，深刻反映出了中华民族特有的民族精神与鲜明的民族意识。［4］将民间美术的民族观念引入到现代艺术设计之中，必定会推动现代艺术设计的可持续健康发展。具体来讲，在现代艺术设计过程中可以摄取更多的原创性元素，采用更多的民族性设计元素，应用具有民族代表性的色彩、图形以及纹饰等等，充分促进现代艺术设计与民族特性的融合，有助于构建中国化、民族化的现代艺术设计。
(二)色彩。
民间美术对现代艺术设计的发展具有重要的功能与作用，更是现代艺术设计不可替代的资源。我国民间美术比较注重对回归自然的追求与意境的表现，尤其是在色彩的应用方面则表现得更为突出，其中红绿蓝或者红黄蓝是民间美术的基本色彩。现代艺术设计可以借用民间美术创作中色彩应用的特征，汲取民间美术色彩元素选用或者搭配的精华，进而提升现代艺术设计的水平与层次。比如，在现代艺术设计中适当运用红色，以此表示喜庆、昌盛、红火等意义。科学合理地参考与借鉴民间美术中色彩元素的应用规律，可以很好地增加我国现代艺术设计的市场竞争力与影响力。［5］
(三)造型。
我国民间美术作品造型多种多样，这些优秀的作品不但体现出了劳动人民讲究实用性的特征，而且还蕴含了丰富的审美思想，即在朴素的作品创作中融入了对美好生活的希冀与期盼，常常采用谐音与象征等创作手法，促使不同的创作技法代表不同的含义，比如，葫芦与石榴等是多子的象征;仙鹤、松树等是长寿的象征;牡丹则是富贵的象征等等同时，民间美术所具有的装饰性功能，例如，民间美术对物象特征的大胆捕捉与表现，促使民间美术包含有趣、怪诞的特色，都对现代艺术设计具有十分重要的参考价值。［6］将民间美术中的造型元素应用于现代艺术设计的创作过程中，可以有效丰富设计作品的形态与造型。
四、总结
总而言之，具有显著本土文化特色的民间美术元素，构成了现代艺术设计灵感的源泉与创作的基础，其特有的审美思想、造型手法与造物原则等都极大地拓展与丰富了我国现代艺术设计的内容。比如，在现代艺术设计领域，对民间美术元素中最具代表性特征的样式、色彩与图形等的应用，就是对传统艺术设计与现代艺术设计相结合的研究和探索。现代艺术设计领域的相关人员要进一步努力将民间美术的传统优秀文化与我国的现代艺术设计融合在一起，创作出既有中华民族特色同时又符合世界审美思想的现代化艺术设计。
作者：李丽 单位：河南职业技术学院
【参考文献】
［1］袁浩鑫，肖宇窗．传承与超越———民间美术对现代艺术设计教育的几点启示［J］．重庆文理学院学报(社会科学版)，2007，4
［2］麻可．解构与重建:中国民间美术在现代艺术设计中的创新性应用［J］．通化师范学院学报(人文社科科学)，2013，5
［3］严爱林．浅谈民间美术在中国现代艺术设计中的应用［J］．黄冈师范学院学报，2009，12
［4］杨薏．民间美术造物的人性化对现代艺术设计的启示［J］．科教文汇，2006，6(上半月)
现代艺术范文2
1.泥、工具等制作材料
泥、工具等制作材料是陶艺创作的前提和基础，它们制约影响着陶艺语言的特征，是陶艺语言的重要组成部分，陶艺家要创作陶艺品，必须拥有和自我艺术理念相应的物质材料，因为不同的材料所具有的特性往往会在后期产生截然不同的艺术效果，这些相异的材料从源头上来说就是不同的语言表现形式。常用泥料大致分为四种：黏土、瓷土、陶土、特种土。不同泥料的性能也存在差异，具体的工艺性能表现在黏性、可塑性、结合性、收缩性、烧结性、耐火度等方面。与此同时，泥的多变性和经过窑变后的不可预见性尤为突出，泥由最初的柔软状态，经过火的煅烧，变成质地坚硬的陶瓷，在陶泥由此变彼的演化中，经历了物理的、化学的变化，与此同时，在其间所产生的各种开裂、收缩、变形以及颜色的变化等现象，不仅为陶艺家提供了创造的灵感，也为陶艺家构思再创造的对象提供了多样性的选择方案。另一方面，因为陶艺成型的方法多种多样，这也就导致了其所用的工具不尽相同，具体如拉坯成型中常用到的切割线、刮板；泥板、泥条成型中用到的丝网、滚子、泥条机、泥板机；雕塑成型中的各种刀具；注浆成型中的各种模具等。不同的工具在制作中作用于泥料后所产生的肌理、形态又是各不相同的，由此形成的陶艺语言也就有所区别。肌理作为现代陶艺中的语言形式之一，呈现了泥土的自然肌理效果，同时也有陶艺家精心制作的人工肌理语言特质表现，人工肌理是陶艺家通过各种手段运用不同的工具，对泥料进行划、印、刻等过程，创造出来的肌理。肌理的表现使得陶艺作品的艺术形态语言变得更加丰富多彩，极大地增强了作品的艺术表现力和感染力。
2.釉料装饰、彩绘装饰、色料装饰等陶艺装饰语言
陶艺的装饰表现语言丰富多彩，手法表现有很多。常用的有：釉料装饰、彩绘装饰、色料装饰、模印装饰、堆塑装饰、刻坯装饰、刮划装饰、贴花装饰、镂空装饰、捏塑装饰、综合装饰等。陶艺成型后，装饰效果体现了陶艺家的个人意念，是艺术构思的重要组成部分。各种装饰手法之间可以互相交叉利用，使陶艺作品展现出更加丰富多变的装饰效果，体现出陶艺装饰语言的多元化。釉料和色料是现代陶艺中主要的外在表现物质，陶艺的色彩是其形式语言的重要组成部分，它们的使用得当能让陶艺作品和造型锦上添花，或者能弥补造型上的缺陷，帮助陶艺家充分表达自己的艺术构思，使造型和艺术理念相得益彰。在火的煅烧下，釉色呈现出的神秘而又瑰丽奇特的性质，具有其它任何艺术手段都无法替代和实现的基本特征。追溯古代，以釉色体现陶瓷形式美的艺术品不胜枚举。如商代早期的原始青瓷、青釉；秦汉时期的酱色釉、青釉、黑釉、黑瓷；隋唐时期南方的青瓷、青釉，北方的白瓷、白釉；两宋时期的青釉、粉青釉、白釉、酱红釉，冰裂釉；元代时期的青花釉、斗彩釉；明清时期的青花釉里红、五彩……无所不臻其极致。在现代高科技迅速发展的背景下，陶艺的装饰语言也日渐丰富，釉料可以借助于丝网印刷技术直接将要表达的艺术形式装饰在陶艺作品上，还可以利用摄像技术把画面转移到陶艺作品上，这种技术主要是将照片底片加工成贴花纸，然后装饰于陶器上，逼真而又具有强烈的趣味性。有的陶艺家还在自己的作品创作中引入其它的现代材料，以此来丰富自己陶艺作品的个性语言，如运用玻璃、金属以及其它可塑性材料等，这些元素使得陶艺家的作品极富个性语言特征。随着制陶过程中的种种规则被打破，制陶的手法趋向于多样化发展，现代陶艺的语言表现形式得以不断拓宽和丰富，这有利于陶艺家通过其形成自己独特的艺术语言形式，增强自己艺术作品的表现力和感染力，最终创造出具有独特艺术语言特征的作品。
3.陶艺制作及烧成工艺技术
在对陶艺作品艺术语言的构建中，陶艺制作技术的运用和研究显得极其重要，在陶艺的艺术语言显现中凸现了陶艺技术的特有韵味和魅力。陶艺制作技术渗透于陶艺创作活动的各个环节，其本身也是一个工具和程序的客观实体，陶瓷技术为制作陶瓷的艺术行为提供了一种独特的陶艺语言表现模式，它作为技术性创造活动存在而赋予艺术以本质特征，同时，卓有成效地运用陶艺制作技术创作出富有审美情趣、艺术价值的作品，是陶艺家义不容辞的责任所在。在陶艺的后期制作中，陶艺家往往还采用各种烧成方式，如一次烧成、多次烧成、氧化烧成、还原烧成、薰烧、埋烧、乐烧等烧成技术，增强了作品颜色的丰富性，使其艺术作品更具表现力。有的陶艺家甚至直接利用氧化枪，充分利用其性能在烧成的坯体上来做颜色，在制作过程中，采取或纯氧化、或弱还原强氧化等技术手段，使陶艺的色彩表现力得到极大的增强，丰富了色彩的变幻。陶艺家的各种技艺通过陶艺语言形式的存在而体现，在完成水、泥、釉、火的完美造化时，陶艺家实现了对陶艺作品的艺术创造，与此同时，这一过程也为陶艺家艺术语言表达的实现提供了有力的技术支持。陶艺作品通过陶艺家纯熟的制陶技术、具有艺术美感的创造性眼光，充分释放并呈现了具有陶艺艺术语言形式的独特之美。
二、现代陶艺的内涵语言
在现代陶艺的制作过程中，艺术家以制陶材料为创作媒介，以个性化的手法表现现代人的思想、个性、情感、意识以及审美等哲学理念，侧重表达人的内心世界和社会意识。现代陶艺在延续传统陶艺技法的同时，还积极研制新材料的开发利用，尝试着新式的烧成技术，赋予了陶瓷新的功能和内涵，表现领域的扩大更是丰富了陶艺的艺术语言。现代陶艺的这些特性促成了其内涵语言的丰富性、极具个性化以及关注精神领域传达表现的特质的形成。在陶艺的内涵语言表达中，陶艺家的个性化语言表达是其重要的表现形式。不同的设计制作风格昭显出了艺术家不同的个性、审美观点、艺术技巧，体现了陶艺作品的不同内涵特质。个性化语言集中体现了艺术家的智慧、修养、审美情趣以及自身的综合素养，同时，它还反映了艺术家独特的艺术感悟力。这种艺术语言的独特性是通过艺术家对于艺术的个人理解、对于世界的感受而形成的，它演绎了艺术家的独特心灵感受、各不相同的世界观、审美情趣，表达了作品的内涵特质。
个人经验是形成个性语言特征的精神性来源，而从本质上讲，艺术又是一种极具个性特征的个人活动。个人经验的形成源自于艺术家的个体情感体验，与此同时，每个人的情感体验又是千差万别的，这种差异性在艺术创作中通过艺术家的艺术表达方式表现出来，从而形成了丰富多彩、极具个性特色的艺术语言表现形式。现代陶艺和其它的艺术表现形式一样，是艺术家感情和观念表达的媒介形式，是艺术家沟通外界的艺术思想表达载体。陶艺家从自己的人生体悟出发，运用不同的艺术语言呈现形式，通过陶瓷材料这一独特的艺术语言表达形式，表达自己的情感、艺术思想，表达自己对人类社会、周遭环境，乃至对于宇宙的认知和反思。比如，通过美国陶艺家温•黑格比的《大峡谷》《岩石之门》及其《雨夜的记忆》等作品，我们看到了他极力要表现的自己的故乡科罗拉多。黑格比的表现源泉来自于让他难以忘怀的童年记忆、优美的故乡山水，这些带有独特个人记忆的创作诱因使得他的作品别具个人风格。可以说，陶艺家个人的经历、人生的体悟、不断丰富的世界观都促使其呈现出来的艺术语言显得格外个性鲜明而又独特。
在陶艺的内涵语言形成中，陶艺家在从作品的构思、制作到烧制成型的各个环节，都在努力寻求能充分表现自己思想的陶艺语言，当陶艺家发现与自己审美情趣相契合的陶艺形式特征时，会不遗余力地利用各种制作媒介为其感情和个性的附着提供支撑，在陶艺家重视挖掘、发现和选择富有审美特征、能有效表达个人艺术理念的泥的个性语言时，陶艺家的这种自我实现和超越，为陶艺的内涵语言建设提供了强有力的动力支持，是现代陶艺内涵语言形成的动力源泉。
现代艺术范文3
中国传统戏曲是中华民族文化的一个重要组成部分，堪称国粹，主要是由民间歌舞、说唱和滑稽戏三种不同艺术形式综合而成。它起源于原始歌舞，是一种历史悠久的综合舞台艺术样式。经过汉、唐到宋、金才形成比较完整的戏曲艺术，它由文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术综合而成，约有三百六十多个种类。它的特点是将众多艺术形式以一种标准聚合在一起，在共同具有的性质中体现其各自的个性。比较著名的戏曲种类有：京剧、昆曲、越剧、豫剧、粤剧、川剧、秦腔、评剧、晋剧、汉剧、河北梆子、湘剧、黄梅戏、湖南花鼓戏等。 在现代生活中，戏曲作为一项传统的艺术，有它特殊的地位和特殊的文化价值。本文将从戏曲在表演和观赏两个角度来讲述传统的戏曲艺术与现代生活。 戏曲艺术变迁的原因 中国的戏曲很大程度上是表演的艺术，有演出才有戏曲，演出的兴衰也正反映了戏曲的兴衰。然而在现代社会中，传统戏曲演出的衰落，其趋势不可避免。究其原因，有以下三个方面。其一是现代文化娱乐活动的发展带来了多种文化形式能够代替京剧。在19世纪和20世纪上半叶，欣赏京剧是逢年过节或平常时日常有的休闲娱乐活动。而现在电影院成了人们休闲的去处，电影、电视剧、话剧作为新兴的艺术形式都很大程度上取代了京剧。大批观众倾情于电视文化，已“首不复东”，而且戏曲在挣扎中的“复兴”幻想也要依赖电视传媒去“实现”。其二是戏曲赖以存在的观众愈益寥落。据报道“：广州城里铁杆的粤剧迷仅有2000人，与戏曲‘活化石’昆剧在上海的固定观众数不相上下”。其三，在经济文化全球化的冲击下，中国的文艺研究过多依赖西方文艺思想，京剧艺术也逐渐失去了其原有的特色，现代戏曲的创作也面临各种瓶颈。 走进现代生活之路 在这样的情况下，传统的戏曲艺术仍然要走进现代生活，要将其妙趣横生的艺术观赏价值充分发挥出来，将其表演艺术发扬光大就是尤为重要。戏曲的创作者表演者应该起到主导作用，他们的工作主要是以下三个方面。首先是在文本的创作上，要演好一台戏，不光是要好演员好乐师，戏曲的创作是必不可少的。在戏曲文化繁盛的汤显祖王实甫那个时代，戏曲美，美在戏词，“碧云天，黄花地，西风紧，北雁南飞，晓来谁染霜林醉，总是离人泪。“”良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院”这些经典的戏词一直在街头巷陌传唱至今。第二，戏曲的内容也切合当时社会实际，说得出人们的心声。在现代戏曲的创作中，选择题材则要注意在反应现实的同时还能够焕发活力。戏曲适合于表现比较清晰的人物关系与情节结构，擅长以小见大来反映与折射时代和历史。戏曲表现当代生活的手段，仍需恪守京剧艺术的美学原则，兼收并蓄，扬己长，避己短。第三，在表演上，要传承、坚持戏曲的内核，要着力发挥独特的表现方式，凸显风格。唱念做打舞，手眼身法步，这些老的东西要继承，在舞台上可以更加发挥，加强现代感。戏曲在融入现代生活这方面可以说是做了很多功夫的，如白先勇先生的青春版《牡丹亭》就在现代的背景下演绎了一出古典的情怀。老戏要多演、精演，新戏要少走弯路。进入新世纪的戏曲要巩固自己的文化地位，必须依靠精湛的老戏；要提升自己的文化地位，必须依靠成功的新戏。要让戏曲古典加现代，用两个翅膀飞向未来。对于戏曲，文化心态要平和、健全，欣赏趣味既要执著又要拓宽，要支持戏曲内部艺术取向的“和而不同”，“和”则发展，“同”则衰落，要创造一种氛围：消解对峙，强化融通，各美其美，多样共荣。将戏曲演得不僵不死不遮不掩才是成功的现代艺术。 戏曲的观众是让古典戏曲融入现代生活的重要动力。 戏曲演在舞台上需要观众来看，需要有人捧角，捧场。在现代生活中，戏曲的存活和发展和它的观众也是息息相关的。现代的观众不能一味苛求演员苛求戏曲，我们更应该做的是放下心中关于现代生活的那些芜杂，怀着一份古典的感悟，去欣赏戏曲。要学好欣赏戏曲的唱腔欣赏京剧的音乐，戏曲的唱腔和音乐，有其独特的韵味和魅力。和其他中国戏曲不同，戏曲（包括昆曲）唱腔的变化多，生旦净丑又各有不同的特色，听后耐人寻味。还要学会欣赏京剧的道白，就是剧中的说话，有韵白和京白之分。有的戏，主要不是唱而是说，即一道白为主。其实道白比唱难，以道白为主的戏，更不好演。戏曲的丑角以道白为主，没有点功夫，是演不好的。像萧长华那样京白韵白都说的那样好的，不多。萧长华演的“连升点”的店主，对穷书生的那分刻薄，用道白表现的活灵活现。全靠一口流利的京白。再如萧长华演的蒋干，全靠一口有滋有味的韵白。马连良演的“审头刺汤”，精彩就在和汤秦在大堂上的精彩对话。一大段的道白完了，就赢得满堂喝彩。 在物质的现代生活，或有一天，能在剧院听戏曲，看戏曲，喝茶，对于现代人是幸福的事情，无论是观众还是演员，无论是乐师还是剧作者，懂得戏曲的发展沿革，才会看到戏曲在现代生活中的价值。作为中国的文化，戏曲曾经是浓墨重彩的一笔，以后也会书写更美的诗行。
现代艺术范文4
在实践的现代高等艺术设计教育中，只有先按照现代社会的需求，从人才培训计划入手，先抓好各艺术设计专业的较为扎实的艺术素质教育，又有合理的技能教育，合理安排理论和实践时间，有针对性地对待各艺术专业的基础课程与专业课程。
在现代高等艺术设计教育中，首先应该确定传统和现代两种教育模式应该是并存的，缺一不可的。高等艺术设计教育培养的学生，应该是具有比较高的艺术素质功底和艺术创造能力，又有很强的信息处理和软件操作能力，以及社会实践的能力的。通过对我国高等艺术设计教育现状的分析，我认为加强传统艺术设计的教育是当务之急。高等教育中艺术设计的教育，不仅是一种技能的教育，更是一种社会行为和文化行为，这就要求职业院校的艺术设计教育不能庸俗化、简单化和遵从简单的实用主义。
理解“学以致用”要从精神之用和物质之用、间接之用和直接之用、即时之用和长期之用多角度去思考艺术设计教育和教学工作。加强传统艺术设计的教育就是强调艺术设计是一种社会行为和文化行为，从根本解决简单化、庸俗化去对待艺术设计教育，提高学生艺术素质的同时，开创学生的艺术创造能力，艺术设计不能只讲究实用，更应从精神方面去满足人们对美的需求，作为一个合格的高等院校的艺术设计系，教育教学的目的就必须使学生达到艺术和实用相结合，符合社会的需求和发展。
我们应该知道，有很强艺术功底的人，学习信息处理和软件操作技术是很快就能掌握的，但一个计算机信息处理和软件操作人才，要想很快地提高艺术创造水平，那是很难做到的。因此，高等艺术设计专业教育教学的思路应该先重点加强传统艺术基础课的训练和提高艺术素质，再施以现代艺术设计中的信息化处理和软件课程，两者相结合，才能造就适应社会的人才。
现代艺术范文5
纽约现代艺术博物馆(MOMA)于1929年创建，伦敦当代艺术研究所(ICA)成立于1947年。两者的一个最高目标，就是为先锋派艺术培养知音。尽管两者的成立时间相差20年，却都面临着同样的问题:’鼓励、信息和教育。由于伦敦当代艺术研究所有意效仿纽约现代艺术博物馆的作法，这样，这个英国第一个严肃介绍先锋派艺术的机构在阐述其理论发展方面理应受到后者的启迪。 沦敦当代艺术研究所成立的明确目的是要培养高知识水平的人才、从事当代艺术活动并进一步致力于艺术理论的发展。该所的研究涉及到了所有的视觉艺术、造型艺术和表演艺术，如摄影、电影、诗歌、戏剧和建筑。其早期最突出的成就是在绘画和雕塑领域，但是后来却忽视了塞尚和罗丹以后的艺术家。伦敦当代艺术研究所无疑是英国最重要的、最富于创造力的实验展览中心，在这个意义上，它的成功取决于吸引观众的能力。但是，它的第一批观众必须被它所吸引并从中受到教益，因此在它成立的前10年中，其主要工作是招募人才。 伦敦当代艺术研究所的早期活动很不系统，因为它对，、才的选择十分挑剔，很难形成一个颇为综合性的机构。它侧重有意地引导“普通的个人”从事先锋派艺术的创作活动，而忽视了艺术传统的常规。它突出强调某一创造性风格一定会比其他艺术更有教益，强调诱导大众洞察力的重要性。 该所的主要创始人有诗人、艺术评论家兼理论家H.里德和毕加索、马蒂斯的朋友、超现实主义者R。彭罗斯。彭罗斯对那些努力拓宽艺术范围的艺术家们深感兴趣。里德做为教育理论家，他的尝试为他近期出版的《艺术教育》提供了素材。在20世纪40年代，英国的艺术院校仍受着维多利亚时期“全国课程指导大纲”的影响，全国没有一所专门管理现代(即刚出现的)艺术的机构。 因此，伦敦当代艺术研究所「没有成为一个学术研究机构，而成了一个类似于博物馆的机构，这无疑使当时的人们感到惊奇。 除了一些讲座，英国几乎没有涉及20世纪艺术的大众博物馆教育。在伦敦当代艺术研究所以前，从没有一个主要博物馆鼓励大众来掌握、从事或学习现代艺术。当时的艺术博物馆关心的是展品是否流行，衡量展览的标准是参观的人数。它们只是起了旁观者的作用，至于观众是否接受，则漠不关心。 对研究所的成员们来说，“逼真”就如同康斯太布尔和透纳以后的雕刻和印象派的深棕色照片一样。作品本身以及被歪曲的原意，会由于年头短而显得“逼真”，因为它们的“真实性”已经被劣质的复制品破坏了。然而，这些复制品却因人们刻意地解释其含义和技巧而身价倍增。博物馆墙壁上的艺术真品看上去既熟悉，又非常陌生，这种陌生不仅是视觉上的，而且是概念上的，因为习惯上的分类和归类是由出处而不是由传播的广度决定的。研究所唯一的好兆头是当时博物馆存在的弱点:博物馆怎样教育其观众并无一定之规;多数20世纪的艺术品的复制品尚未发表，因而能够通过教育引导而被人们所理解。 1947年，对于伦敦的鉴赏界来说，“当代”艺术意味着源于欧洲大陆的现象、文化进口”并带有后天学到的品味。印象主义在20世纪的头10年里在英国扎下根，至今仍在流行。R.弗赖对后印象主义的著名解释在191。一1912年间遭到人们的唾弃，人们普遍认为后印象主义风格是精神不正常者的艺术，弗赖的阐述被说成是一个受人尊重的学者的古怪行为。1936年，“国际超现实主义展览”在伦敦展出。翌年，“国际构成主义展览，，随之展出，同时做了大量宣传工作，但是却有些自吹自擂，结果适得其反。1946年，维多利亚和艾伯特博物馆展出了毕加索和马蒂斯战时的作品，大大触动了温文尔雅的欣赏品味。另外，包豪斯的原理被广泛接受。战前，许多著名人士都把伦敦当成庇护所‘，以从事建筑、摄影、电影或印刷工艺等行业谋生。但其主要表现形式—几何主义、机能主义在被排除在艺术范围之外的同时，已经自成体系。 英国广播公司出版的《听众》周刊中的一个固定栏目是唯一介绍当代艺术的大众出版物，它对这些派别产生了很大影响，并介绍了其中的精品。然而，订阅象《建筑设计》或《建筑评论》一类杂志的人都是有着广泛的鉴赏力的，他们感兴趣的运动包括未来主义、俄国的构成主义和风格主义。批评家们和理论家们试图把英国的先锋派艺术与欧洲大陆的艺术现象联系起来。H.里德却强调英国文学中土生土长的超现实主义和带有本国特色的、崇尚自然的英国式的结构主义，不断把英国绘画和雕塑的各种主题结合和联系在一起。但是里德的这些看法很少在这一时期发表，而在伦敦当代艺术研究所控制的社会文化团体中，人们只相信，重要的美学发展成就都是舶来品。 旋涡画派却是个例外，它在1947年几乎被人遗忘，30多年后，却又迅猛而突然地出现在伦敦。它的创始人、自称是一切“被确•认事物”的“敌人”的W.刘易斯选择了一种时髦的肖像画法以掩饰他那从未间断的严肃的美学画法。但是他的旋涡派技巧的抽象作品竟然被皇家艺术学院完整无缺地保存了下来。W.莱撒比是皇家艺术学院的第一位设计教授，尽管他早在1918年就辞职了，但他提出的现代艺术应当“精确、巧妙、凿实”的标准却给后世留下了深刻的影响。最能反映这种标准的最可靠的旋涡画派的复制品是从1914年开始保存的。紧接着，在其后相似的实践中，皇家艺术学院追求一种画幅减小的、色彩单调的表达法，它被美学印刷性能所限制，在这种情况下，就缺少一种宏大的创造魄力和进取精神。尽管如此，直到伦敦当代艺术研究所成立，从旋涡画派派生出来的画派继续在皇家艺术学院的设计系中流行，并为该所吸引知名人士尽了微薄之力。 1947年以前，英国出现的其他两个现代艺术潮流是超现实主义和构成主义，然而，它们的成立宣言一直是带有防御性的，缺少来自旋涡画派的支持。1936年，超现实主义第一次大亮相，其追随者竭力贬低传统的价值观，这就变成了一种众所周知的破坏力量。通过反映无意识的、非常规的意象来扩大对美的认识，超现实主义基本的、明确钓要旨被曲解了。到1947年，艺术家们对超现实主义的目的和图像的回忆是建立在鄙视租曲解其原义的基础上的。由于1936年超现实主义在亮相时仅仅通过展览、故意加深难度和费解的讲座进行宣传，因而无疑使人们进一步认为，当代艺术是大逆不道的。#p#分页标题#e# 作为超现实主义美学的拥护者，构成主义从中汲取了教训。他们在伦敦举办第一次展览会(1937年)时，强调引导，使这个流派接近于人们普遍的认识水平。构成主义的起源被详尽地描述，并通过列举如圆形石林、现代桥梁工程、娱乐建筑以及植物的有机结构等这些在一般人们意识中旦已存在的现象，来阐述其理论。如果说构成主义通过上述方法成了流行的运动，那就错了，但它并没有引起英国超现实主义的敌意。实际上，它由于在一个著名的博物馆展出而得到了人们的接受。这是来之不易的:所有英国的当代艺术的主要展览(1910年和1912年的后印象主义、1914年的旋涡主义、超现实主义和现在的构成主义)都曾受过小型商业画廊的影响，直到1946年，维多利亚和艾伯特博物馆展出毕加从和马蒂斯的战时作品时，主要的公立机构才取代了小型商业画廊。因此在20世纪的最初30年间，英国当代艺术在人们认识中的最大特征不是博物馆未能宣传其理论，而是它们完全自我封闭起来。这与美国的情况不同。纽约现代艺术博物馆树立了鼓励、扶持、教育公众的榜样，其结果证明，公众是可以经过培养而参与当代艺术狂勺。 纽约现代艺术博物馆:伦教当代艺术研究所的典范纽约现代艺术博物馆成立的背景是英国所没有的。18世纪，伦敦是古典艺术的主要中心，一个偶然的机会使得大英博物馆和其后的机构发展起来。那时，正值法国大革命时期，法国贵族变卖了大量文艺复兴时期的杰作，这成为国家美术馆收藏的第一批作品。而19世纪20年代，纽约则集中力量收集现代派早期的素描和油画，它还拥有一大批印象派、后印象派和立体派的狂热支持者。 如果不是这些收藏家们欣赏莫奈、修拉、高更、凡高和毕加索的作品的话，这些精神财富也许就会流落在某些艺术市场上。纽约现代艺术博物馆的建立就是要向公众集中展示这些杰出人才的作品，使纽约不仅成为收集现代艺术品的中心，而且成为研究现代艺术的中心。 问题在于，由于大众媒介的有意挑拨，造成了公众普遍的误解甚至敌意。这种情况与第一次世界大战以前，印象派和旋涡派作品在伦枚展出时一样。1913年的“军械库展览会”和1912年在大都会博物馆的“现代艺术展”，虽然引起了私人收藏家的极大兴趣，却疏远了毫无准备的公众。公众对这些作品的理解和衡量主要是随着报刊对现代艺术的贬低、歪曲和污蔑而左右的。这些成功的展览(以参观的人数衡量)不计其数，在某些方面，这些展览却损害了现代艺术的普及。因为多数人是带着反感情绪来参观的。 与伦教的那些展览一样，这些现代艺术展览旨在使公众对图像和物体有所认识，但是它们对于使公众自觉地认识现代艺术，没有提出引导，这暴露出现代主义易受信息不灵的伤害，从而表明进行可靠的引导的重要性。 正是在这种意义上，纽约现代艺术博物馆的管理人员从二开始就认识到，他们创办的机构必须是一个教学机构，在当时没有现代艺术的一般教学课程的情况下，在美国的学位制度还停留在戴维制、安格尔制或德莱克鲁瓦制时，学习现代艺术的唯一模式就是自学和自我探讨。A.巴尔之所以被认命为该馆的第一任馆长，正是因为他进行了一次游历伦敦、巴黎、阿姆斯特丹、德绍和莫斯科的旅行。1927年，刘易斯警告他，忽视向公众进行先锋派艺术的宣传是危险的。巴尔就是在那时拜访了在巴黎的毕加索和科比西埃，在荷兰的J.奥德，在德绍的G.克利、康定斯基和法宁格，最后在莫斯科，拜会了俄国当代艺术、建筑、戏剧和电影界的一些代表人物。 然而，巴尔对现代主义的理解是感性的，除了后印象主义和(纽约收藏家最感兴趣的)立体主义，还包括绘画、雕塑、书画刻印、建筑、电影和戏剧。在博物馆的最初几年中，他把纽约公众的欣赏力逐渐吸引到现代艺术上来，小心谨慎地同各种流派接触，以减少人们对现代艺术的神秘感，并不断为建筑和产品设计提供资料。纽约现代艺术博物馆的第一次展览是为塞尚、高更、修拉和凡高举办的，时间是1929年。这次展览激发了后印象派富有远见的意识，并使之真正地形成一种风格。展览为宣传雷东、克利、马蒂斯、里维拉和莱热的观点找到了依托。后印象派时期的资料不断表明，现代主义被人接受的日子为期不远了。 同时，巴尔指出，现代主义既非前无古人，也非后无来者。他曾推荐阿兹台克、玛雅和印加人的绘画参加“美国现代艺术起源展览妙(1933年);在“非洲黑人艺术展览”(1935年)中，他重新评价了原始艺术的深远影响。他通过展示现代建筑和产品设计来拓宽公众的欣赏范围，还进行了也许是他最艰难的工作(因为美国人曾一直相信，现代主义无疑是一种只属于欧洲的文化现象):把美国的现代艺术融入先锋派的历史，并展示它与民间艺术的连续性。 所有这些可以看做是为人们的广泛接受所做的巧妙安排:最初介绍一些现代艺术中最易于理解的方面，逐渐附之以比较激进的作品，以证明它既是全人类的，又是土生土长的，不是深奥莫测的，而是每个人都可以掌握的。实际上，这也引导了现在被认为是纽约现代艺术博物馆最富于创新精神的展览:“立体主义和抽象艺术展”和“荒诞艺术、达达主义和超现实主义展”。这些展览面对的是1936年知识渊博的公众，与之形成鲜明对比的是，那一年的“国际超现实主义展览”大大震惊了毫无思想准备的伦敦人。 他们还发起了标准实践活动:详尽向公众介绍这些艺术，而不是保持它们的神秘性;举办绘图背景和谐的展览，而不是附庸其他美学时尚，从而使该博物馆闻名天下。巴尔在欧洲进行宣传，他用多种语言编纂了大量的提要和目录，试图包括所有的他所知道的机构。他还为大量的展品制作说明，认真记叙了艺术家们的生活方式、绘画背景、交际交往和奋斗目标。 这一事业是一次把最新的研究成果立刻传播给公众的最早的大规模的尝试。因而，它有些不确切也是在所难免的。值得注意的是，巴尔在这方面存有两种偏见:他那种认为当代抽象派艺术主要是从欧洲传来的，少数是由美国人创造的观点，遭到了人们的怀疑;同样，他的艺术是一种因果关系控制的连续进化的现象的观点也是不能令人信服的。巴尔在研究欧洲艺术时发现了两种流派:第一种始于塞尚，包括立体主义和以几何图形绘画的方法。第二种流派起源于高更，涉及即兴作画、无定形和不明确画法。#p#分页标题#e# 后一种发现使巴尔推断出，有机性造型的抽象艺术将是现代艺术下一阶段的发展。这一阶段要求艺术家们密切注视超现实主义的自发性，发现其偶发事件，用一种奇异的手段将机械形式和生物形式结合在一起。勿庸置疑，巴尔的这种思想影响了伦敦当代艺术研究所的创始人，并经过10年的认识，这两种主要的、富于创造力的流派被称为“构成主义”和“印象主义”抽象艺术。
现代艺术范文6
语言是人类交流的工具，在人类交流中出现了不同的表达方式和语言形式。人体行为是人类最初的语言，而舞蹈作为一种行为艺术，是人类通过舞蹈来表达情感的方式。直至今日，舞蹈得到了更大的发展。因此，了解语言艺术，将语言艺术运用到现代舞蹈中至关重要。
关键词：
语言艺术；现代舞蹈；运用
舞蹈作为一门行为艺术，它集人体动作、音乐、服装、舞台效果、色彩、灯光于一体。通过人体动作来塑造艺术形象，并进行情感表达。语言艺术的表达在舞蹈艺术中是非常重要的，许多舞蹈艺术工作者正是认识到语言艺术的魅力才不断将语言艺术运用到现代舞蹈中。那么如何更好地将语言艺术运用到现代舞蹈中，下文就语言艺术在现代舞蹈中的运用提出几点建议。
一、舞蹈语言艺术的内涵
舞蹈是人类最古老的行为艺术之一，舞蹈以人为主体，以动作行为为表达方式，在一定时间和空间下通过人体行为来进行思想和情感的表达。舞蹈是一种独特的语言表达方式，通过舞蹈的抒情美、韵律美、意境美等方式来进行语言的表达和思想情感的沟通。舞蹈语言艺术和一般语言艺术是一样的，也是一种语言文化。诚如今天我们所见到的舞蹈艺术是人类文明与地方民族特色相结合的产物，是人类物质文明和精神文明长期发展的结晶。舞蹈语言艺术与其他语言艺术一样是不断变化的，并且具有很强的继承性和创造性。因时代的变迁，舞蹈语言艺术的发展就是在人类文明发展中不断发展和创新的过程。舞蹈作为一种独特的语言表达方式，以人体行为作为语言表达的桥梁，是人类语言发展中重要的组成部分。随着艺术形式的不断发展，将语言艺术运用到现代舞蹈艺术中是非常重要的。通过语言艺术在舞蹈创作、舞蹈表演、新形式舞蹈艺术等舞蹈艺术中的运用，推进舞蹈语言艺术的进步，不断丰富和发展现代舞蹈艺术[1]。
二、语言艺术在现代舞蹈中的运用
随着现代舞蹈艺术的不断发展，舞蹈不再仅仅是结合人体行为，舞台效果，灯光等进行表演，而是将现代各种因素融合到现代舞蹈艺术中。语言艺术所表现出的独特魅力是吸引舞蹈工作者关注的重要原因。将语言艺术运用于现代舞蹈中，通过在舞蹈创作中，舞蹈表演中充分的运用，很大程度上扩展了现代舞蹈艺术的范围，丰富了现代舞蹈艺术的表现形式，促进现代舞蹈艺术的不断发展[2]。
1、将语言艺术运用到现代舞蹈创作中
现代舞蹈通常是以歌编舞的形式出现，是以歌曲的旋律和歌词的意境为基础所创作的舞蹈。在歌编舞形式中，语言是以歌词形式出现的，加上音乐的旋律，用舞蹈作为歌曲的伴奏，极大发挥出音乐的情感和魅力[3]。这种歌编舞的形式在现代舞蹈创作中最为多见，也是观众喜闻乐见的一种艺术形式。将观众喜闻乐见的歌曲通过舞蹈创作来表现出来。将语言艺术运用到现代舞蹈创作中，很大程度上丰富了舞蹈的艺术形式。
2、在现代舞蹈表演中体现语言艺术
歌伴舞是最常见的一种舞蹈表演形式，是以演唱为主、舞蹈为辅的表演形式。将朴实、简单易懂的语言音调和音乐曲调相结合，通过简单的舞蹈动作将歌曲中的情感表达出来。另外，说唱舞是新时期兴起的新型舞蹈形式。表演者通过用快速多变的节奏和抑扬顿挫的音乐说出较长的语言段落，再结合舞蹈表现出歌曲当中所表达的情感。但在这种说唱舞形式中用词简单直接。在说唱舞舞蹈表演形式中，重要的歌词常常以重音处理，歌词一般不用抽象、难懂的文字，选择简单易懂且快速理解的语言。这种新型的表演形式不需要多的伴舞，通常是表演者自己进行演唱和舞蹈的结合，是现代舞蹈艺术发展的创新，是大众喜闻乐见的一种舞蹈表演形式。
3、语言创新方式在现代舞蹈中的运用
随着现代舞蹈艺术的发展，舞蹈的表演形式不再仅仅是歌伴舞等形式，多种元素相结合的舞蹈形式越来越成为观众常见的舞蹈表演形式。解说式，是现代舞蹈艺术发展应用语言艺术的一种新形式。通过利用解说词介绍时间、地点、年代、人物等背景信息。在舞蹈表演艺术中，舞蹈主要用于情感的表达，但疏于对叙事的表现[4]。因此，将语言艺术运用到现代舞蹈艺术中，利用解说词的形式，将舞蹈无法表现出的事情通过语言来表达，并且还可以通过解说词推进剧情的发展，将观众的情绪推到高潮，或者在表演开始或结束的时候进行情景解说。通过将解说词这种新型的语言形式运用到现代舞蹈中，不仅加深观众对故事情节的理解，而且简单明了。另外，吟诵和加对话也是一种新型的语言创新方式，将其运用到现代舞蹈艺术中具有较好的效果。通过在舞台上由单人或男女两人有节奏地进行吟诵，根据舞蹈内容或者创作新一节内容，在音乐的韵律下，有节奏地进行吟诵。通过这种语言形式更易于理解，并且富有舞蹈所不能表达的韵律感，使观众能够听懂，并且理解其中的情感。加对话，是现代舞蹈艺术通过语言表达所创新的一种新的表演形式。表演者通过对话直接交流，明确清晰地介绍人物关系，表达情感。使观众对舞蹈内容有一个更全面的了解。从国外引进的这种新型语言对话舞蹈表演形式，在我国还是新兴的表演形式。如果将这种新型的语言艺术创新方式运用到现代舞蹈艺术中，不仅仅丰富了现代舞蹈的艺术形式，同时也极大程度上促进了我国现代舞蹈表演艺术的发展。还有另外一种语言创新形式就是插科打诨。表演者通过幽默滑稽或者富有地方特色的语言与相应的舞蹈动作相结合，使舞蹈表演不再仅仅是抒情的，也能够带来轻松愉快的美感。这种表演形式，很大程度上带动观众融入到舞蹈表演中，起到提高舞蹈表现效果的作用。
三、总结
现代舞蹈作为一种独特的语言表达形式，与语言特性相比，不具有沟通快捷、易于理解等特点，这就要求舞蹈工作者要结合生活将语言艺术运用到现代舞蹈中，通过在舞蹈创作、舞蹈表演等方面进行合理化运用，丰富舞蹈表演形式，也给舞蹈艺术带来新的生机与活力，使观众能够简单易懂地融入到现代舞蹈欣赏中，从而促进现代舞蹈艺术的发展，并且激励舞蹈工作者创作出观众喜闻乐见的现代舞蹈作品。
作者：雷天恒 单位：都匀市文化馆
参考文献
[1]追求理想的中国现代舞蹈——中日现代舞蹈家的对话[J].舞蹈.1998(03)
[2]陈丹丹.现代舞蹈编创之我见[J].音乐时空.2014(09)
现代艺术范文7
［关键词］现代酒店；装饰艺术；设计要点
所谓现代酒店装饰艺术，主要指的是结合建筑物的使用功能与相关标准，采用先进的设计理念与美学原理，创建出符合人们精神需求的酒店环境。伴随我国居民生活水平的不断提升，人们的业余生活越来越丰富，现代酒店的建设数量不断增加，通过对现代酒店装饰进行艺术设计，能够保证现代酒店内外环境更加优美，让人们能够更好的感受到现代酒店的艺术魅力。鉴于此，本文主要分析现代酒店的装饰艺术设计要点。
1分析现代酒店装饰艺术设计的重要性
现代酒店的装饰艺术设计的独立性较强，与传统酒店相比，现代酒店的内部装饰与外部装饰具有更大的魅力，现代酒店内部的服务环境更加完善，能够满足不同年龄段人员的需求。通过分析现代酒店装饰艺术设计要点，能够保证现代酒店装饰艺术设计风格得到更好的提升，将酒店装饰艺术设计理念与实践进行有效结合，为人们提供一个更加舒适、优美的娱乐环境。除此之外，通过分析现代酒店的装饰艺术设计要点，能够保证酒店内部的布局更加合理，提升酒店内部的艺术装饰效果。在国民经济持续发展的今天，原有的酒店装饰艺术已经不能够完全满足社会发展需求，在新时代背景之下，现代酒店的装饰艺术得到了快速的发展，现代酒店的装饰艺术设计重点发生了了很大的转变，保证现代酒店的内外环境更加优美[1]。
2现代酒店的装饰艺术设计要点
2.1明确现代酒店装饰设计原则
现代酒店装饰设计原则如下：第一，以人为本原则，现代酒店装饰艺术设计并非普通的建筑工程，具有较强的操作性，能够有效满足生态文明的发展需求，真正实现人与自然和谐发展的目的。第二，现代酒店的装饰艺术设计具有较强的实践性，将生态设计理念与酒店艺术设计理念进行有效结合，保证现代酒店周围的建筑环境得到更好的改善，有效提升了现代酒店的美观性。第三，现代酒店的装饰艺术设计受环境因素影响较大，在装修的过程当中，设计人员要结合外界环境因素对现代酒店艺术装饰设计的影响，对原有的装饰艺术设计方案进行改进。为了保证现代酒店建筑周围的自然资源得到更好的利用，装饰艺术设计人员在实际工作当中，要将外界自然条件与现代酒店内部的装饰艺术进行有效结合，保证现代酒店的生态调节能力得到更好的提升，为客人提供一个更加舒适的娱乐环境。由于现代酒店的装饰艺术风格比较多，在一定程度上增加了现代酒店的装饰设计难度，因此，装饰艺术设计人员要对酒店的各个功能区进行合理设计，保证现代酒店的格局更加合理，提升酒店格局的层次感[2]。与传统的酒店布局不同，现代酒店内部结构比较简洁，对各项设计材料的要求比较高，为了保证现代酒店内部布局更加合理，充分体现现代酒店的艺术效果，装饰艺术设计人员要做好相应的布局工作，并制定完善的现代酒店装饰艺术设计方案，保证现代酒店的装饰艺术风格得到有效体现。
2.2酒店内环境装饰艺术设计要点
在对现代酒店内环境进行装饰艺术设计时，设计人员要结合酒店外部的布局特点、酒店风格与档次，对原有的内部环境装置艺术设计方案进行改善，并结合现代酒店内部环境装饰艺术设计方案实施过程中经常出现的问题，制定有效的解决方案，进一步提升现代酒店内部环境装饰艺术设计效果。现代酒店内部环境的艺术装饰，能够保证酒店的设计风格得到更好的体现，因此，设计人员可以采用主体设计理念，对酒店中的各个功能区进行主体艺术装饰，保证现代酒店内部的装饰艺术风格更加立体。另外，现代酒店装饰设计人员还要根据建筑环境特点，做好酒店内部装饰环境的规划工作，结合酒店内部空间的利用情况，对各个空间进行合理的装饰，摆设相应的装饰艺术品，保证现代酒店的装饰艺术丰富更加得体。对于酒店的装饰设计人员来讲，可以将酒店的商业功能与文化艺术进行完美结合，形成独具特色的酒店格调，并选择相应格调的装饰艺术品，保证现代酒店内部环境更加和谐。通过对现代酒店内部环境进行装饰艺术设计，能够更好的体现酒店内部环境的艺术效果，保证现代酒店内部环境更加温馨。现代酒店装饰艺术设计人员在实际工作当中，也可以结合艺术装饰品的形态，对酒店装饰艺术设计方案进行完善，在提升现代酒店装饰艺术设计方案实施效果的同时，不断提升现代酒店内部环境的吸引力。
2.3酒店外部环境装饰艺术设计要点
在进行现代酒店外部环境装饰艺术设计时，设计人员要重点注意以下问题：第一，结合酒店内部环境装饰艺术设计特点，对酒店外部环境的装饰设计进行细化处理，保证现代酒店外部装饰更加精致。第二，采用不同的装饰艺术设计手法，保证现代酒店的内部环境与外部环境有效融合，酒店的外部环境与周围的自然环境能够实现有机结合，满足人们的审美要求。第三，由于现代酒店具有一定的时代特征，在对其进行外部环境装饰艺术设计时，设计人员要运用先进的创新理念，采用新材料与新工艺，保证酒店外部环境更加优美。此外，现代酒店内部的餐饮配套设施可以与外部环境有一定联系，能够让客人享受酒店服务的同时，提升客人的满意度。通过对现代酒店外部环境进行装饰艺术设计，能够保证现代酒店内外环境更加和谐，提升酒店的装饰艺术审美性。
3结束语
通过详细介绍现代酒店装饰设计原则、酒店内环境装饰艺术设计要点、酒店外部环境装饰艺术设计要点，能够保证现代酒店的装饰艺术设计方案得到更好的实施，提升现代酒店艺术装饰效果。对于现代酒店的装饰艺术设计人员而言，要不断学习先进的装饰艺术设计知识，提升自身的专业技能，从而为人们提供更好的酒店服务。
参考文献
[1]熊团辉.合肥铂骊酒店室内装饰设计施工管理实例研究[J].建材与装饰，2018，（25）：84-85.
现代艺术范文8
一、民间美术的基本特性
1、民间美术的生活实用性
民间美术的基本特性之一就是生活实用性，这种民间艺术品更多的是为了更好地运用于生活。因为在我国古代长期小农经济的经济背景下，人民多追求自给自足的生活理念，在这种观念引领下衍生出的民间艺术，也多是和经济适用性具有相关性的生活用品，只是这些生活用品经过长期的发展，与当代社会流行趋势不相吻合而逐渐没落，但是其中蕴含的是古代人们的艺术精神的结晶，其中的很多元素已经成为当今中华民族的标志性元素。比如，古代的小孩子穿的鞋子样式就有很多种，虎头鞋、无毒花鞋等，都是具备了很多美好的寓意，但其主要目的还是讲究实用性，是实用性与少许观赏性的有机结合，这种民间美术源于生活，最终又服务于生活，是民间美术生活实用性的典型体现。
2、民间美术的审美性
民间美术体现的另一显著特性就是审美性，但是这种审美性并不是贯穿我国古代社会发展的始终，只是在特定时展下衍生的产物，其体现的是当时社会中人们生活中的一种闲适状态，是在经济发展较为迅速的阶段才产生出来的，其艺术作品的审美性也是对当时社会生活状态的一种影射。只有经济发展能够满足人们的物质需要，人们才有可能在生活中有超越物质性的精神方面的追求。以清代的青花瓷为例，当时的经济政策为重农抑商，农业实现了较快发展，农民丰衣足食，也就有了闲暇在一些器皿上作出精美的图案以满足自己的审美需要。这种艺术品主要是为了满足精神上的需求而不是为了生活实用性，是为了给生活增添一种美感而实行的专门性的创造性活动。
3、民间美术的民俗性
我国的民间美术大多数都是与民俗有着千丝万缕的联系的，由民俗活动中衍生出来的民俗文化，大多都包含着人们对于美好生活的一种期许，因此，这些民间美术多有着其美好的含意，其本身的文化价值已经超越了物质性价值。比如我国民间美术中的一些象征性的事物，风筝、年画等，其制作材料并不是一些稀缺珍贵的资源，但是在式样成型后，却总能带给人们心理一种美好的感受，使人们的精神寄托。
4、民间美术的本原性
民间美术是由最初的本原进而发展到二元和多元的，也就是说，开始的艺术创造是不讲究实用性和审美性的，只是一种单纯的适应性行为，随着人脑的开化和生存环境的逐渐舒适化，人们才有了最初的实用性和审美性的模糊界限，将实用性和审美性明确分别开来又需要经过漫长的演变，进而才实现了最终的民间艺术的实用性偏向和审美性偏向。民间美术主要通过物质形态表现一种精神寄托，寓意会产生变化，但是物质载体却很少改变。
二、现代艺术设计的基本特性
1、现代艺术设计的经济性
首先，我们要明确一个概念，就是艺术设计和艺术创作在本质上是不同的。艺术创作主要是作者为了向世人传达自己的某种价值观而进行的艺术活动，其只注重最终的形象传达，对于实用性没有要求。但是艺术设计的目的之一便是能够产生实用性，为人们的生活提供相应的便利。这与当今的社会经济发展形势不无关联，艺术设计要想在注重物质化的环境下存活，就一定要具备一定的功利性特点，满足人们对于艺术品经济性的需求。
2、现代艺术设计的高科技性
科技为人们的社会生活带来了诸多便利，这是不争的事实，因此，高科技在现代艺术设计的广泛应用也是一种常态。电子计算机技术的飞速发展，为现代艺术设计带来了灵感，各种高科技物质设施和设计软件的出现为艺术设计这个行业注入了新鲜的血液，这种高科技性也确实能够完成诸多人力无法完成的项目制作，因此高科技的使用已经在现代艺术设计中实现了长驻。
3、现代艺术设计的社会性
社会性也是现代艺术设计所无法规避的现实，因为人们对于艺术设计的需求已经不再是从前的小众效应，现代艺术设计已经成为涉及社会方方面面阶层的一种必需品，遍及社会生活的各个角落。比如，楼梯的式样需要设计灵感的注入，现代意义上的楼梯已经超越了之前只注重实用性的时代，注重的是一种美感，要能体现出人们生活的一种态度，用当今社会的话来说就是要有一种“设计感”。一个简单的楼梯对于设计的需求尚表现如此，那么扩展到整个社会需求，可想而知，现代艺术设计已经无法规避社会性这一倾向了。
4、现代艺术设计的文化性
现代艺术设计不能规避的一个问题便是文化性方面的问题，不同的国家、不同的地区、不同的民族对于文化符号的运用都是不尽相同的，甚至会对一种文化符合的使用产生完全相反的含义。以此，在进行现代艺术设计时，就不得不考虑到这种状况。比如，许多国家是很喜欢绿色的，认为绿色是生命的象征，但是在日本、马来西亚、埃及等国家，人们认为绿色是不吉祥的，是灾难的象征。因此，在进行艺术设计时，这些文化因素都要被考虑在内，否则就不能实现理想范围内理想程度的传播。
三、民间美术与现代艺术设计的关系
民间美术与现代艺术设计在表现形式上看似毫无关联，许多人也认为民间艺术已经不能展现出当代人的生活状态和风采了，是一种过时的艺术。但是，只要对现代艺术设计稍有研究的人，便会明白一个亘古不变的道理，那就是现代艺术设计离不开民间美术艺术灵感上的激发，民间艺术与现代艺术设计有着共同的民族和心理起源，民间美术是对现代艺术设计的重要支撑。
1、民间美术与现代艺术设计关系的误区
有许多人认为，民间美术与现代艺术设计产生的经济背景、文化背景、政治背景和社会背景都不甚相同，因此民间美术是一种过时的艺术，并不能为现代艺术设计提供灵感上的支持，给予民间美术创作出的现代艺术设计也必将无法满足当代人们对于艺术的需求，必然是一种艺术上的失败品。这是一种对于艺术设计不甚了解的错误言论。中华文化源远流长，民间美术中蕴含的民族精神和民族特性不管经历了多长时间的演变，也不管社会主要形式发生了多少变化，只要是中华民族儿女，在民族心理认同感方面是有着无法改变的统一性的，民间美术相对于当今的现代艺术设计，也必然吸收了更多民族文化的精华。而且随着经济全球化的发展，现代美术设计还需满足国际上对于设计美感的接受度，民族的就是世界的，要想艺术设计在国际舞台上绽放不朽光彩，也一定要立足于民间美术，立足于民族的本源，只有这样，才能摆脱现代艺术设计无本之木的尴尬局面。
2、民间美术与现代艺术设计同源同宗
民间美术与现代艺术设计不管在表现形式上如何创新发展，其实两者都是由同一个艺术源头泛化出来的，我们暂时称之为原始美术。原始美术的产生最直接的目的是为了给其物质资料以装饰作用，在满足了物质需求的大前提下才会考虑到精神美感的需要。而且反观民间美术与现代艺术设计，都是将实用性摆在了首要位置，审美特性虽然是一个不可缺少的存在，但是它还是实用性的附属品。所以说，民间美术与现代艺术设计是有着相同艺术源头的艺术表现形式，两者同源同宗，现代艺术设计是可以从民间美术中汲取大量民族文化营养以增加自身文化积淀性的。
四、民间美术对现代艺术设计的启示
1、现代艺术设计必须走民族化的发展道路
在当今艺术设计领域流传着“民族的就是世界的”这句经典俗语，从这一观点中我们也可以得知民族文化对于现代艺术设计的中坚支撑作用，没有了民族化的东西融入设计中，设计就相当于没有归属，也自然无法使人们对此作品产生共鸣，那么这种设计产品也是五意义可言的。因此，现代艺术设计必须走民族化的发展道路。以服装设计为例，我曾经在日本一家高档百货大楼里看到过一件日本民族服饰与现代流行装扮有机结合的衣服，这件衣服充满了现代感，又可以使人在第一感觉上就能知道是融入了日本文化在其中的，为流行加入了沉重的民族文化积淀，这件衣服也吸引了众多人的驻足观赏，由此可见民族特点在现代艺术设计中的应用是多么重要。
2、现代艺术设计必须走人性化发展道路
民间美术十分讲究人性化，在情感表达与审美外形出现冲突时，其会不惜舍弃原定的审美外形，而力求将主要的情感表达完整展现出来。对于现代艺术设计者来说，人性化是必须遵循的一种设计理念，外形的表现力是掩藏不住其蕴含的真实情感传达的。
五、结语
民间美术对于现代艺术设计来说蕴含着无限的民族文化宝藏，现代艺术设计不能脱离民间美术这样一个具有长久中华民族文化积淀的文化源头。现代艺术设计应对于民间艺术采取取其精华，去其糟粕的借鉴方法，将古代审美灵活的运用到现代设计中去，以求更好地展现出现代设计的现代美感，这两者并不是相冲突的，只是在民族文化元素的使用上有所差异，其最终效果都是能够唤起人们内心的共鸣，使设计真正能够称之为艺术。
作者：王希 单位：陕西学前师范学院美术系
