影视艺术设计范例

前言:一篇好的文章需要精心雕琢,小编精选了8篇影视艺术设计范例,供您参考,期待您的阅读。

影视艺术设计

影视艺术设计范文1

关键词:艺术设计;影视动画;分镜头;教学模块

艺术设计影视动画相关专业有一个基础的也是必备的课程——分镜头脚本,该课程对于学习影视动画的学生来说是很关键的,能让学生明白一部影片如何从文字化的剧本到达最终的成片。分镜头脚本在这个过程中起到了中间媒介的作用,还能让学生明白镜头的概念,以及对于故事情节和影片节奏的走向控制。在进行分镜头脚本教学的过程中,如何进行循序渐进并且符合业界生产过程的教学,让学生能够富有成效地学习到有用的知识经验是很重要的。

一、分镜头概念模块

这是课程一开始的环节,主要为学生讲解分镜头的相关含义、内容、作用等知识。分镜头又被称之为摄制工作台本,也是将文字转化成试听形象的中间媒介[1],主要任务是根据剧本来设计相应画面,把握影片的节奏和风格等。可以通过一些实际的、形象的案例来把抽象的定义转化为具象的内容,让学生更好理解。并且重点强调分镜头脚本是介于剧本和最终成片之间的中间媒介概念,可以通过已经上映过的影片的剧本、分镜头脚本、成片进行讲解。为学生细致地介绍分镜头脚本的内容,出示详细具体的分镜头脚本表格,一一讲解表格内包含的场号、镜号、画面、描述、旁白/对白、景别、机位、音乐、音效、时长、备注等内容。对于容易混淆的场号、镜号进行说明,对每个镜头画面的内容要求、比例进行讲解,以及旁白/对白如何区分、音乐音效如何注解说明也为学生做出演示,还有单个镜头时长如何进行估算、景别和机位如何描述等方面都做出细致的讲解。还需要为学生概括性地讲述分镜头脚本在实际工作中的具体作用,比如,分镜头脚本是作为前期拍摄的工作台本,导演以及相关人员可以看着分镜头脚本安排具体的拍摄事宜以及现场调度;分镜头脚本可以作为后期剪辑制作的依据,后期制作人员可以看着分镜头脚本梳理影片素材,整理故事线,能极大地提高后期制作的工作效率;分镜头脚本还可以为时长、经费预算等提供参考,能够通过单镜头的时长估算整片时长,通过计算涉及到的人员、场景、道具等预估出需要的经费预算。让学生切实地理解分镜头在实际工作中的重要作用。

二、分镜头拆分模块

待学生有了对分镜头脚本的基本理解和认识后,可以让学生进入分镜头拆分环节,分镜头拆分模块可以提供一个分镜头脚本模版发给学生,让学生挑选一个自己喜欢的影片片段,实拍类、动画类都可以,让学生按照脚本模版把自己选的影片片段进行拆解,按照单个镜头的格式,填入模版内,10个镜头左右就可以。同样也要提醒学生,按照标准的镜号、画面、描述、旁白/对白、音乐、音效、时长等正式的分镜头脚本规格来进行填写。在学生填写完成后,还可以让学生自主地进行分享,讲述自己为什么选择这个片段,为什么这么划分镜头,描述这么写的意义是什么,旁白/对白的切分有什么注意事项,音乐音效怎么表达比较好理解等等内容。该模块的主要作用是可以通过比较简单、容易上手的方式,让学生开始介入到正式的分镜头脚本实操上,自由选择影片进行拆分,一个影片片段不会让学生觉得一下子压力太大,容易上手也比较喜欢;同时,这个过程可以让学生在实际的操练中,自主地、深入地开始建立对分镜头脚本的实际认识,明白单镜头画面、画面描述、旁白/对白、音乐音效等相关内容和相互关系;还有就是选用的影片片段是比较出名的作品的话,还可以让学生在分镜头拆分的过程中,深切地感受到一部优秀的影片进行故事衔接、镜头切换、节奏把握上的细致和用心。

三、小剧本撰写模块

虽然学生学习的是影视动画偏制作类的方向,但仍然可以引入剧本这个内容,让学生尝试着去写剧本,能让学生对一部影片整体的结构把控力更好。小剧本这个模块,可以布置学生以自己、宿舍、班级、学校或学习、生活、工作中遇到的记忆深刻的事件进行剧本撰写。告诉学生该剧本是为后续的分镜头脚本做准备的,简短的一篇小剧本就够了,不用写太长,这样也方便后续的流程,学生也不会觉得工作量太大。学生写完,可以让学生上台以富有感情的方式朗诵自己的剧本,做一个分享,吸取他人和老师的意见。小剧本的实践训练,能让学生对影视内容的源头——剧本有比较深入的认识,让学生明白一个故事的出发点、情节的设置、节奏的把控,让学生有影视剧本的概念,增加对剧情的掌控力;同时,因为是自己写的剧本,也是基于自身感受过的事件,所以学生撰写时,比较有感触,容易写,也写得比较深刻,能比较认真地对待;使用自己的剧本在后续的流程中也比较好操作,因为学生了解比较深,过程都在自己脑海里,进行文字分镜、图像分镜等环节都会相对比较容易一点。

四、文字分镜头模块

在学生有了小剧本后,就可以进行文字分镜头模块的教学了。这里先不那么快进入图像分镜头,而是先让学生进行纯文字化的分镜头拆分,按照单镜头的规则,把自己的剧本文字填入文字分镜头脚本模版内[2]。当然,这里也要告诉学生,填写文字分镜头不是按照每句话填一个镜头的方式来,而是要考虑到后面按照单镜头文字绘制图像分镜的必要性和便利性来的,总的就是说文字分镜是为图像分镜服务的。文字分镜头的训练,能让学生从纯文字的剧本,慢慢过渡到分镜头上;让学生明白分镜头跟剧本还是有差异的,不是直接复制剧本内容就可以,而是要基于镜头切分和影片需要来的,可能一句话可以切出三个镜头,也有可能三句话只要一个镜头;先使用文字进行镜头拆分,不直接进行图像分镜的绘制,还可以避免直接绘制出现重大偏差和错误造成的巨大浪费,节约时间精力,提高效率。

五、图像分镜头模块

有了文字分镜头,这个时候进入图像分镜头模块,对于学生来说就相对容易很多,因为可以对照着文字构思画面。这个环节可以让学生使用手绘板、Pad、纸笔等工具进行单个镜头的图像分镜绘制,提醒学生要注意画面的比例、画面的内容、人物的关系、场景的设置、动线的安排等方面事项。图像分镜是非常关键的内容,是分镜头脚本核心的呈现形式。可以安排更多的课程时间来进行实操,在这个过程中,可以进行数次的提交、点评、修改过程,让学生的图像分镜趋于完整、趋于质量较高的状态。图像分镜头让学生看着自己的文字,进行镜头构思,并绘制出来,可以非常有效地提高学生从抽象到具象的演化能力;在制作的过程中,不断地绘画、修改,对细节的不断完善,也能比较好地提高学生的绘制能力;更关键的是,学生在这个过程中,自主地去安排镜头、设置场景、调度人物、控制情节和节奏,能对学生的导演意识起到一个很大的提升作用,能比较好地提高学生全局调控的综合素质。

六、动态分镜头模块

那么是不是做完了图像分镜头就完了呢?其实我们可以更进一步,让学生将自己的图像分镜头制作成动态分镜头。动态分镜就是让学生将自己的分镜头图片加载到Premiere、AfterEffect、FinalCut、Animate等视频或动画制作软件中,把镜头图片按照顺序衔接起来,再加上一些必要的特效、字幕、旁白\对白、音乐音效,还可以根据影片需要对每张图片设置各类动态效果,经过剪辑合成,组接成一部由分镜头图片构成的动态影片。[3]这样的动态分镜头影片能够帮助学生在动态播放的过程当中查看分镜的完整性、连贯性;也可以请其他人帮忙看下是否能看懂故事情节,吸取他人的意见;还可以在这个过程中检查画面上的问题、还存在的缺失等,进行查缺补漏,修改制作;同时还能锻炼学生的后期制作能力,让学生能逐步熟练运用后期制作软件。而在业界,动态分镜头也是很常用的一个工作步骤,可以让学生提前熟悉,以期更快地达到业界需求的标准。

七、影视短片模块

在课程时间充裕的情况下,还可以往前再多走一点,在动态分镜头已经成型的情况下,让学生参照自己的分镜,尝试着去完成一部正式的影片,如果是动画类影片制作周期太长的话,可以选取一个片段,把分镜的中间帧补上,就可以形成一个动画小片段。如果是实拍类影片内容,就可以让学生进行实拍,学生之间自由组成小组,并形成导演、摄像、剪辑、特效等分工进行协作,自己当工作人员也当演员,具备条件可以使用专业拍摄设备来进行,不具备条件可以使用手机拍摄,最终形成一部影视短片。这个影视短片的模块,可以在实践中锻炼学生的动画制作能力、拍摄能力;在后期制作上,学生需要全方位地使用到剪辑、特效、音频、合成等技能,也能锻炼学生的后期整合能力;还能让学生制作一部属于自己的完整的成片,提高学生做成作品的自豪感。

八、展示点评模块

随着影视短片的提交呈现,可以设置展示点评的模块,把学生提交的图像分镜、动态分镜、影视短片等内容在课堂上展示播放,让学生自己讲述作品创作中的故事,遇到的问题,问题又是怎么解决的,学习到了什么,吸取到了怎样的经验等。教师同时也从专业的角度为每个作品进行点评讲解,指出作品好在哪里,不足的地方在哪里,可以进行怎样改进,让同学们有更加清晰的认识。还可以进行评比环节,评选出最佳作品等。在这个过程中,可以让学生学习到别人的好作品、好思路、好方法;通过展示评比还可以增加学生的荣誉感;同时也作为课程的最终成果汇报、复盘总结,以期在未来的课程中取得更好的效果。

参考文献:

[1][意]克里斯提亚诺.分镜头脚本设计教程[M].赵嫣,梅叶挺,译.北京:中国青年出版社,2007.

[2][美]贝格莱特.从文字到影像[M].何煜,译.北京:人民邮电出版社,2015.

影视艺术设计范文2

一、光影艺术与美术设计统一性研究

(一)艺术内核的统一性

影视艺术作品实质上是在艺术设计学视阈下,由艺术法则、艺术元素、艺术过程、艺术内容、艺术表现等所有机组织起来的一种意识实体,在这种意识实体之中,光影艺术与美术设计起着举足轻重的关键性作用,同时,光影艺术与美术设计二者又是不可或缺的。正是光影艺术与美术设计,才使得观众能够在观影的过程中,以意识中的伪自我参与了艺术中的伪现实,并徜徉于超现实的意识实体幻象之中。光影艺术的内核在于拟真现实幻觉,美术设计的内核在于拟真平面直觉,实际上,从拟真的目的与意义观察,二者具有艺术上的统一性。因此,以艺术设计学视阈而言,二者所拟真的自我意识并非关系型的,在光影艺术与美术设计的驱策下的拟真自我意识的陌生化游离,早已摆脱了本体自我意识的关系限制,这种光影艺术与美术设计驱策下的自我意识拟真悬置,仅仅只是光影艺术工作与美术设计工作的一种表象而已,深入光影艺术与美术设计内核,我们看到,二者的统一性恰是开启观众艺术幻境之旅的唯一钥匙。[1]

(二)艺术内聚的统一性

由光影艺术与美术设计的艺术内核统一性可见,光影艺术与美术设计,具有相同的衍生内核,这一衍生内核均聚焦于拟真目的,在针对拟真目的聚焦过程中,光影艺术与美术设计工作在影视作品的制作过程中都是离散性的,这种离散性表象之所以未能使得影视作品分崩离析,其中的一个最根本的原因就在于,光影艺术工作与美术设计工作均具有艺术设计学的内聚性。并且,由于影视作品原始文本的规约,二者的内聚性无论是从表象上,还是从意象上都必须具有最终的统一性。美术设计的拟真平面直觉与光影艺术的拟真立体幻觉内聚的统一性,最大限度地平滑了整个影视艺术时空的陌生性,以至于令观众在这种拟真直觉与拟真幻觉的潜意识驱动及牵引之下,已经意识不到现实时空的背反,由此可见,这种深度融合的时空幻像技巧,已经成为了营造隐喻世界、艺术世界、幻像世界,并打通视觉知觉的唯一钥匙。例如,在《西谎极落之太爆太子太空舱》中,即以后现代的光影艺术技法与美术设计的艺术内聚进行了多元化、多层次化、多时空化的剪切拼贴,从而形成了一种光影艺术与美术设计的高度统一性表达。

(三)艺术内涵统一性

从学界视角而言,艺术设计学是技术、艺术、设计术三者有机融通的一门新兴实用学科,而沟通三者,使其得以有机融通的关键要务则在于为艺术作品确立由艺术规训的,由设计术规约的,由技术规范的趋于完美的统一内涵。众所周知,影视艺术实质上是一种基于陌生视觉氛围营造的异化认同,显然,这种异化认同,不同于现实镜像,因此,如何令观众在观影过程中,不至于产生现实排斥就成为了影视艺术创作过程中的关键要素,在这一关键要素与现代视觉效果技术的约束下,无论是光影艺术,还是美术设计都着力侧重于艺术内涵的塑造。并且,二者的塑造在其形而上的意义上而言亦必然具有统一性。光影艺术与美术设计,在现代视觉效果的促成之下的艺术内涵的统一性,事实上已经由其震撼的视觉冲击性,与其强烈的艺术设计性,而成为打开影视艺术由现实而象征,由象征而意象的唯一钥匙。

二、光影艺术与美术设计融合性研究

(一)动态与动感的融合性

艺术设计学由于是一门新兴的交叉学科,因此,所渗透于其中,影响于其中的其他学科因素较多,同时,这些因素之间的相融情况亦较为复杂,既往的研究过多地聚焦于艺术设计学的静态性,因此,本节内容将主要针对艺术设计学的动态性加以研究。从影视艺术的动态性与动感性视角而言,一方面,影视艺术的动态性为光影艺术与美术设计提出了动线与动势以及动作与动作设计等方面的较高的艺术设计学要求;另一方面,影视艺术的动感性则为光影艺术与美术设计提出了以动线与动势所曳引着的,以形体动作与动作设计元素表现出来的形诸于艺术设计学规律、规训、规范的要求。由此可见,在影视艺术的动态性与动感性的双重要求之下,光影艺术与美术设计必然会在影视艺术场域内最终形成相互渗透、相互观照、相互融合。例如,在《失业生》一片中,我们看到在表现男女主角浪漫爱情的场景中,即以独运匠心用美术设计进行了巧妙的设计,而光影的运用更是绝妙,无论是男主角手中的灯光,还是映照着男女主角的灯光等,都与美术设计达到了相映成趣的动态与动感的融合性。

(二)动线与动势的融合性

在影视艺术作品之中,光影艺术的动态拟真,与美术设计的静态拟真等都是影视艺术创作过程中不可或缺的基本要素,影视艺术作品中的动线与动势所带来的由视觉感官对人体各感应机能所产生的运动效应刺激,恰是越来越多的观众喜爱动作片的关键原因所在。光影艺术与美术设计在动线与动势方面也存在着较为强烈的融合性,这种融合性表现为以轨迹的显性或隐性诱导,为关键要素或关键路径的艺术设计学行为,在视觉梯度、视觉位移、视觉透视、视觉消隐等作用之下,形成一种艺术驱策之下的动线与动势的艺术化心理诱导。在更高阶的影视艺术研究过程中,这种动线与动势显然是表现影视作品张力的不可或缺之物,事实上,并非所有导演都能较好地将这种技巧在影视艺术作品之中运用自如。拙劣的动线与动势显然有损于整部影视艺术作品的艺术性,而恰到好处、张力十足、灵动的动线与动势则足以征服世界上最挑剔观众的视觉与心灵。

(三)动作与设计的融合性

光影艺术与美术设计中的动线与动势,为进一步建构光影艺术与美术设计中的动作,提供了必需的建构基础与动作行为指引,在这种动作行为指引之下,所塑造出来的影视艺术作品,使得观众在观影过程中,在视觉应激感应下,可以快速地做出“不动而动”的动作感应效应。而能够产生这种动作感应效应的,不仅包括外物的运动,而且亦包括外物运动过程中的暂态静画的情景交融。显然,外物的运动过程需要光影艺术在艺术设计下,以物体的运动速度、运动节奏、运动幅度、运动方向等加以表现,而运动过程中的暂态静画则需要以美术设计的图形、色彩、色块、色界、线条、形状、曲直、色度等加以表现,而一旦光影艺术与美术设计在艺术设计的融合之下相辅相成,则美轮美奂的影视艺术作品画面也就由此应运而生了。光影艺术与美术设计动作的融合性在现代视觉效果技术的介入之下表现得愈加明显,所有的光影艺术动作的雏形,都需要首先建构于美术设计的运动架构之中,由此可见,影视艺术的先进技术反而更依赖于美术设计与光影艺术,以及二者的深度融合。

三、光影艺术与美术设计的超文本皈依性研究

(一)超文本性

光影艺术与美术设计的统一性与融合性,分别为影视艺术作品的艺术设计学视阈提供了“共同”与“共通”的艺术性观照。诚然,光影艺术与美术设计同样均为美的造型魔法,而现代视觉效果对影视艺术的支柱性支撑,更使得光影艺术与美术设计这两种造型魔法,在视觉效果的牵曳之下,开始越来越多地融冶于一炉。美术设计与光影艺术相互之间的愈加紧密的协作性,亦更使得二者之间快速地形成了较强的融合性。而正因如此,光影艺术与美术设计的物质性工作成果,才能够最终在影视作品之中,集中地表现为视觉上与精神上的愉悦享受。事实上,光影艺术与美术设计的融合及其为观众所带来的视觉意义上的不可分割性,在艺术设计学的视阈之下,二者深度融合的影视艺术已经一体两面地完形为一种“诞于文本、衍于现实、成于艺术”的超越了原始文本的艺术设计学皈依。

(二)超现实性

在艺术化超越文本的同时,亦以其艺术性而进一步衍化为一种超越现实性与昭示现实性。客观现实的三维空间,以及客观现实与艺术意象的二元对立鸿沟,为观众更加深刻理解影视艺术作品,与更加沉浸感受影视艺术作品带来了隔阂。而光影艺术与美术设计的深度融合不仅能够完成瞬时的过去、现在、未来的三维光影闪现,而且亦能够完成现实、象征、想象的三维光影展现。突破时空体系三维与突破拉康体系三维,恰恰是影视艺术学界自始至终将一力追求的艺术自由王国的极致境界,这种极致境界在艺术设计学视阈下则表现为一种经过概括了的超现实性。影视艺术作品不应像一堵墙一样碍事地挡在观众审美意识对象的客观现实与艺术意象之间,而应如灵魂使者一般,既不知不觉又自然而然地将观众迎入光影艺术与美术设计所一体建构的,艺术设计学视阈下的灵魂殿堂。[2]

(三)光影艺术与美术设计的殊途同归性

光影艺术与美术设计在经历了超文本性与超现实性进阶过程之后,已经分别由艺术皈依与艺术自由实现了深度融合的艺术设计学意义上的艺术升华,艺术设计学所研究的其实就是一种对于拉康三维世界中的底层实在界的一种想象式超越,这种想象式超越的结晶,最终表现为一种观众观影之后大脑中的意象反映。正面或者直接描述实在界的光影艺术与美术设计实际上是一种基于视觉建构所形成的视觉规训,与传递视觉感受的以艺术化表达的光影艺术表现。由此可见,影视艺术中的光影艺术与美术设计显然最终是殊途同归的。影视艺术作为一种超越文本的一种超文本存在,其中的光影艺术与美术设计在不同象限的深度融合性,及其在超文本意义上的皈依性,最终汇聚成为同一象限的殊途同归,这种殊途同归性不仅符合艺术设计学在其视阈下的规训,而且更加符合影视艺术于艺术视域下的规范。

四、结语

美术设计的拟真直觉与光影艺术的拟真幻觉,在艺术设计学的影视艺术视域时空之中,以光影艺术与美术设计共同共通的塑造审美的魔法,为观众谱写了一幕幕美术设计拟真直觉“静中有动”,光影艺术拟真幻觉“动中有静”的二者深度融合所造就的活态艺术范式,这种活态艺术范式以其光影艺术性与美术设计艺术性而不断地定格于全球数以亿计观众的脑海之中,并由艺术幻觉与艺术直觉对观众的现实视觉与现实知觉进行了潜意识的规训。同时,光影艺术与美术设计,二者也在统一性、融合性、皈依性的过程中实现了艺术设计学之于影视艺术的最终完形。

参考文献:

[1]杨晓飞.我国电影美术设计要素及观念研究[J].赤峰学院学报:自然科学版,2013(17):143-144.

影视艺术设计范文3

关键词:环境设计;影视动画;交叉;融合

一、环境设计与影视动画专业概述

环境设计与影视动画隶属于艺术设计的大专业方向,亦是艺术设计中两个主流的专业方向,环境设计专业的研究对象空间环境;影视动画专业的研究内容是动画片的设计与制作。虽然研究的方向与内容各异,但其原始的设计思想基本是一致的。在强调专业融合的今天,作为专业老师越来越深刻的发现,在许多专业内容上各自都存在短板,需要跨专业学习才能补齐。于是,我在全校教学改革的浪潮中实验性的将环境设计影视动画这两个专业的某个课程进行联合交叉,最终收到了理想的效果。

二、环境设计专业短板

环境设计是以空间环境为研究对象的应用型学科,实际的应用方向是从事室内外环境装饰设计,具体内容是制作室内外设计图和效果图,随着时代的发展,静态单一的效果图越来越难以满足甲方的要求,场景动画漫游成了行业的发展方向。那么问题来了,传统的环境设计教学体系只针对于场景的单帧图片设计,而动画渲染、剪辑和后期制作隶属于动画的专业范畴,至此,环境设计教育出现了一个短板——现行的培养计划缺乏有场景漫游动画课程。

三、影视动画专业短板

影视动画专业是培养动画设计人才的专业,具体来说是培养具有二维和三维动画设计的创作,教学和研究等方面的知识及能力,能在影视动画的创作、绘制、教育、科研等单位从事动画设计和创作、教学和科研等方面的专门人才。影视动画专业中,有一门课程是《动画场景设计》,主要内容是设计动画中的场景环境,主要方向是为动画片、游戏、广告影视设计场景。而对于空间环境,显然是环境设计专业的强项,环境设计的老师能够给予更专业的指导。所以,影视动画专业的短板是场景设计。

四、专业交叉性实验

(一)实验准备明细

以上是本人作为艺术设计专业教师对专业短板的认识。针对于这些短板,我邀请动画专业的老师进行专业交叉研究,通过研究,我们展开了一项教学实验,实验中有两个班,A班和B班,各30名学生,其中A为环境设计专业班,B班为影视动画专业班。在A班上《环境设计高级效果图》课程的中期,由动画专业的老师任教,讲授场景漫游渲染、剪辑、后期配音等动画领域的内容;而在B班上《场景设计》课程的中期,由环境设计的老师任课,讲授空间环境场景设计与制作。

(二)实验过程

1.A班实验过程

A班所学的《环境设计高级效果图》课程是一门设计室内外空间环境的应用型必修课程,课程所用到的软件是Lumion,(Lumion能够快速的输出场景动画)。但是在以往的过程中,环境设计专业所作的场景动画基本是默片(没有配音),并且在镜头的运用,转场过程非常不专业。针对这两项问题,动画专业的老师教学生使用Aftereffects软件对场景动画进行编辑,以专业的角度教学生运用镜头和剪辑,然后教学生使用麦克风配音作旁白,并为动画添加相符合的背景音乐。

2.B班实验过程

B班所学的《场景设计》是针对于动画中对场景的设定于制作,所用的软件是3Dsmax。在课程中期,环境设计专业老师的任课带来了很多不一样的教学体验。首先是搭建场景,通过剧本来对场景进行设定,环境设计的老师将剧本设定类比为甲方要求,以专业敏锐的视角快速构建初符合剧本设定的场景,同时老师还对空间造型、结构、色调搭配以及时代风格的特点进行了细致的讲述。

(三)实验结果

经过短暂的学习,A班的学生都能做出有声有色的场景动画漫游作品,相较于之前的默片动画,提升非常明显。B班的同学对空间环境有了更深刻的认识,所做的场景设计作品也有明显的提升。综合来说,环境设计与影视动画交叉性实验取得了圆满的成功。

(四)学生反馈

经过学科交叉性实验,A班和B班的学生都认为非常有收获,而反映的不足之处在于教学时间太短,没能充分的了解这些跨专业的知识内容,如A班学生认为还没学完影视后期特效,希望增加课时学习;B班的学生认为理解消化的时间不够,场景设计练习时间太少。

(五)教师反馈

对于教授外专业同学课程,专业老师的反馈是学习到了很多跨专业的新知识,这种学习并不仅仅是学生向老师学习,老师也在向学生学习。通过教学,老师的知识面得到了补充和拓展,为今后的教学提供了有力的支撑。

五、结论

影视艺术设计范文4

关键词:融媒体时代;数字媒体;艺术设计;教学方法;媒体设计

随着时代的发展和进步,新闻媒体行业已经发生了巨大的变革,产生了许多新兴的专业和学科,其中,数字媒体艺术设计就是一项近年来才兴起的普通高等学校专科专业[1]。其主要针对数字媒体与艺术设计领域的基础理论与方法进行学习,从而培养具备艺术数字媒体制作、传输与处理的专业知识和技能,具有美术鉴赏能力和美术设计能力,熟练掌握各种数字媒体制作软件,能利用计算机新的媒体设计工具进行艺术作品的设计和创作的专业学生,学生的就业去向包括电商网页的美术设计制作等。目前,社会对数字媒体艺术设计专业的学生需求仍较大,但现有的数字媒体艺术设计专业教学培养方法仍然存在许多问题,许多学者对此开展了研究,取得了大量的成果[2]。例如,胡睿等认为信息革命给传统的媒体带来了巨大的冲击,而数字媒体艺术正是这个时代孕育而生的朝阳产业,教育规模在逐年增长,出现了一些制约其发展的问题,包括专业教育质量参差不齐、生源选拔不合理等[1];陈星海等在分析“翻转课堂2.0”教学模式原理与当前高校数字媒体艺术设计课程教学弊端的基础上[2],提出了高校数字媒体艺术设计课程实施“翻转课堂2.0”教学模式的条件与基础[2],并以浙江工业大学界面交互设计课程为例,分析了其实施环节与内容。本文根据数字媒体艺术设计专业的特点和发展方向,提出专业教学中存在的问题,并开展专业教学的提升方法研究,对专业的发展、学生学习能力的培养以及就业竞争力的提升意义重大。

一、数字媒体艺术设计教学中存在的问题

数字媒体艺术设计专业与传统的媒体传播专业具有明显的区别,其中之一就是数字媒体艺术设计专业需要结合新媒体技术,因此时代背景对其影响较大,该专业的发展提升不能局限于传统的教学思路,但由于专业发展的时间还较短,因此在教学中还存在以下问题。

(一)缺乏面向融媒体时代背景的教学目标定位

现有的数字媒体艺术设计教学的目标定位很不明确,缺乏一个明确的、具有先进理念的角色定位。对于整个专业而言,教学目标与学生培养的目标是息息相关的,教学目标决定着教学课程应该包括哪些内容、教学过程怎么区分先后、教学评价是否合理等内容,而现有的数字媒体艺术设计专业教学中,许多院校的相关专业仍没能真正认清时代发展的重点和方向,不能突出学生毕业后岗位所需要的目标需求,导致学生难以从现有的教学目标上获取真正能够适应社会对数字媒体艺术设计专业要求的综合能力。因此,我们必须认清时代的发展背景,形成对应的有需要、目标地专业发展,才能从根源上解决数字媒体艺术设计教学中出现的种种困境,避免教师和学生在教学过程的实施中产生茫然和迷惑[3]。

(二)没有形成明确的产学研结合发展体系

对于数字媒体艺术设计专业而言,其培养学生的目标还是让其适应社会岗位的需要,但是现有的数字媒体艺术设计专业仍然是以抓学生的日常学习为主,往往只是以单纯的教学为手段,教学与产业发展和研究之间并没有存在固定强有力的联系,从而忽视了在融媒体时代下的数字媒体艺术设计产学研结合发展体系,导致了教学与时代的发展相脱节。在数字媒体艺术设计教学中对学生的培养是以虚拟项目等为主,要求学生设计数字媒体艺术设计的主题并制作影视广告、宣传资料等内容,因此在学习中的限制条件非常多,并不能很好地结合数字媒体艺术设计专业运用的实际,偏离了企业对学生工作的实际需求。同时,学生进行数字媒体艺术设计的学习过程中如果不以产业发展和研究为结合体系,就会导致学生的日常学习都是以形式为主,总体来说,还是因为对数字媒体艺术设计教学与产学研的结合中,缺少与企业、研究机构的联系[4]。

(三)过于注重理论知识考核

现有的数字媒体艺术设计专业考核中,往往是以理论知识考核为主,并不能很好地展示专业实践的重要性,例如,专业教学中使用了较为系统的名词结构和方法实施案例,在考核中使用了应试体系来对学生学习的效果进行评价,而对教学考核中的实践部分则较为欠缺,现有的数字媒体艺术设计教学考核中的实践分数占比还较低,对于实践知识的掌握部分常常使用模拟练习等方式,并不能真正有效地实现对数字媒体艺术设计专业的综合教学考核。同时,实践考核过程中常常是团队合作的方式,因此对于个别学生的评价还不能很好地展现出来。由于数字媒体艺术设计教学中过于注重理论知识考核,学生也容易轻视实践教学中的重要性,从而造成学生不能很好地掌握实践技能。学生只是以一些较为空洞的知识为学习目标,但是在进入社会后才发现只有将数字媒体艺术设计中的理论能够准确地运用于实践,才能真正发挥专业的作用[5]。

二、基于融媒体时代的数字媒体艺术设计教学提升方法

(一)设计面向融媒体时代的数字媒体艺术设计教学目标体系

为了提升数字媒体艺术设计专业在教学中实际效果,首先得建立一个合理有序的教学目标体系。数字媒体艺术设计专业的教学内容十分复杂,涉及的学科多样,具体包括媒体制作的专业技术能力、媒体宣传的背景和精神、信息整合分析处理的能力、美术赏析和设计的技能,其中最为关键的还包括对计算机能力的使用,而对数字媒体艺术设计专业的理论知识体系应进行合理的控制,不单要注意理论知识网络的前后关系、铺垫关系以及交叉运用关系,还得认识到理论知识体系与实践学习结合的可能性,从而在教师进行数字媒体艺术设计专业教学过程中,应合理地安排教学课程的排序,并在教学过程中掌握理论知识的教学进度,使学生能够在理论知识的深入学习下,还能够熟悉、掌握和运用实践知识。对于数字媒体艺术设计专业而言,理论知识应当系统化,对于实际运用方面,则应要求学生能够将实践能力与理论知识进行充分结合,因此需要让学生认清单纯的理论知识并不能够满足毕业后进入社会岗位中的需要,而应提升对实践能力的掌握,对于理论和实践应在教学目标上进行充分结合,才能实现对教学过程和目标的提升。在融媒体时代,数字媒体艺术设计专业社会岗位的需求往往是从多个方面展开的,现有的相关岗位不仅需要学生具备相关的理论知识和实践能力,还要求学生具备充分的综合能力。例如,在社交能力方面,学生需要形成实现媒体宣传的基本功底,在媒体宣传过程中,不单应对宣传的基本方法和过程进行控制,还应对人格心理的判断和猜测有一个基本的思维逻辑。

(二)实现以学生为本的教学理念

现有的数字媒体艺术设计专业教学中存在的问题,究其根源,都是由于现有的教学理念并没有实现以学生为本的基本原则,而以学生为本的教学理念的实施需要全面充分地从学生学习的角度出发,考虑学生在学习过程中可能遇到的障碍,猜测学生学习过程中有可能利用的方法,从而能够有效地掌握学生学习的全过程。尤其是在现有的融媒体时代的新浪潮中,在数字媒体艺术设计专业中,教师不能以传统的教学思路来开展教学,由于专业的需求是从大众的媒体传播出发,必须充分考虑观众的感受和意见,因此在数字媒体艺术设计专业教学过程中首先就应当以学生为第一观众,从而全面实施专业教学路径。尤其是面向融媒体背景,每个数字媒体艺术设计专业学生的就业发展思路都可能有较大的区别[6],因此还需要根据每名学生的性格、特长和意向来为其做针对的发展计划,在教学中突出融媒体时代背景的包容、合作等特点,从而显现出专业与时代的结合性,也让每名学生能够有机会发挥自己的长处,提高专业在社会中的被认可度。

(三)实施“看、临、教、学、做”结合的教学思路

在传统的数字媒体艺术设计专业教学中,往往只使用了部分的手段,主要是教师教授相关的知识、学生观看相关的知识以及学生进行相关的课程实践等方面上。但是,现有的教学思路仍然较为古板,老旧的教学思路不能满足专业发展的需要,因此可以从“看、临、教、学、做”等方面上进行充分结合运用,“看”是指学生能够充分观看相关的知识,“临”是指学生能够亲临数字媒体艺术设计的现场和全过程,“教”是指教师能够实现教学的充分全面过程,“学”是指保证学生的学习过程和学习效果,“做”是指使学生能够在数字媒体艺术设计中实现充分的实践。对于上述五个方面,应当进行各个元素上的充分实现,同时进行元素与元素之间的结合联系,最终能够实现对五个元素进行整合使用的教学思路[7]。

(四)加强现实情景训练和阶段性总结

对于数字媒体艺术设计专业而言,其专业运用的环境可能性较大,需要结合具体的现实场景进行具体的学习和运用,即实现情景训练,指的是需要根据设计好的媒体传播事件的由来、环境与限制条件,经过教师在教学设计阶段实现精心准备的引导过程,从而能够帮助学生进入专业知识技能的全方位模拟的实现状态,完成相应的数字媒体艺术设计专业所要求的任务,例如影视广告策划与脚本制作、影视广告拍摄、影视广告剪辑制作以及影视广告后期合成与输出等内容。此后,还应当实现对现实情景训练后的阶段性总结,只有对训练中的过程进行监控,从而总结经验,并分析不足,才能够实现对现实情景训练过程后的教学过程优化。在阶段性总结中,可以运用学生竞争比赛的方式促进学生在学习中提升积极性,并通过阶段性的评比来展现学生学习成果的优劣,督促后进学生。

(五)形成项目标准的课程考核方法

在使用了现实情景训练和进行阶段性总结之后,只是在学生学习的阶段进行了实践能力的初步掌握,仍然与数字媒体艺术设计中可能涉及到的问题存在差距,因此还必须根据情景设置的不同来设置不同的课程考核方法,而最好的方法就是以项目标准来进行具体的课程考核,考核过程中应当将学生情景实践之后的项目作为能力评价的标准,例如可以分为影视广告项目设计、方案汇报、影视广告制作实施、成品展示等各个阶段,在课程考核时可以充分结合现有的项目标准,从多元素上实施教学过程的评价以及后续优化[8]。值得注意的是,当前国内外开展了大量的职业技能竞赛,而技能竞赛往往都是以项目标准的考核方法来进行实现的。对于数字媒体艺术设计专业而言,这是能将学生学习到的实践能力进行准确运用的有效渠道,因此在专业教育中应当大量提倡对课程和课赛结合的模式和方法。

(六)与相关企业建立产学研合作关系

要实现数字媒体艺术设计专业的长期发展和提升,还需要以融媒体时代的背景为考虑重点,而融媒体时代的专业知识运用性和交叉性都很强。在运用性上,现有的数字媒体艺术设计专业都是以投入产业的实施为主要的目标,而在交叉性上,则是以多学科融合发展为路径,而常规的教学方式方法还不能满足数字媒体艺术设计专业现在发展的需要,因此必须进入深化研究。所谓的专业知识运用性和交叉性实际上都是与产业发展和研究为目标,结合专业学习的过程,应尽可能地实现与相关企业建立产学研合作关系,从而真正做到数字媒体艺术设计专业发展的科学化、长效化,具体的实施方法上,可以使数字媒体艺术设计专业的学生定期到企业进行一定时间和工作量的实习活动、邀请企业技术人员到学校内进行讲座和指导、通过企业和学校之间的合作竞赛等方式,让学生能够真切体会到生产研发一线的相关工作和氛围,从而提升学生的专业能力。此外,还应当鼓励学生在学习和实习过程中锻炼创新能力,以创新的理念进行专业的学习,从而提升自身就业时的资本和价值。

三、结语

影视艺术设计范文5

 

在动画艺术创作中,中国的动画艺术家运用中国特有的美学思想及艺术元素(如国画和戏曲等),以独特的艺术魅力征服了世界的观众,为中国动画艺术史写下了辉煌的篇章,同时,中国动画也以其鲜明的民族性屹立在世界的东方。其中,中国传统美学思想的滋养使得中国动画具有了独特的人文内涵与美学品质。20世纪50年代中期出现了大批优秀的动画精品,如水墨动画《小蝌蚪找妈妈》《牧笛》;剪纸片《猪八戒吃西瓜》《鹬蚌相争》《草人》;动画片《渔童》《过猴山》《大闹天宫》《哪吒闹海》《三个和尚》等。   中国动画艺术的美学思想,是中国动画的精魂,它的形成对中国动画的发展影响极其深远。它不仅长期影响着国内动画的创作风格和创作方向,而且为世界动画艺术发展注入了生机,以至影响到了其他国家的动画创作。动画艺术中的美学思维是动画艺术创作和理论研究中不可缺少的重要组成部分,它既涉及动画电影艺术创作的思想和方法,也涉及影视银幕设计造型运用的规则,对中外动画艺术中的最新表现形式、蕴藏内涵、美学背景及其流派纷呈做细致研究和深层挖掘,对我国动画艺术的发展和创新具有现实意义。   (一)着重动画艺术美学思想的研究。与电影文化研究领域、美术及艺术设计领域、音乐艺术领域和建筑设计领域相比,中外动画艺术创作尤其是相关理论的研究还较为薄弱,由于处在微弱的基础理论研究阶段,还没有引起动画艺术影视学者们足够的关注,尤其缺乏在哲学文化背景下的系统性研究,这说明动画影视艺术专业和行业还没有能够成熟深化到一定程度,需要学术上的进一步推动。   (二)动画艺术影视美术设计作为电影创作中重要的一部分,同时也是艺术形式的组成部分,其设计观念和美学思考也应是遵循艺术哲学思潮的,它与社会的经济文化和哲学思潮不可分割。特别是当代动画艺术短片中的设计美学和思维处于一个开放的领域,一些前卫的美术师和导演已经把新的思维和哲学带入到动画艺术设计中,在某种意义上,当代动画美术设计正在变成一种更具辐射性、内在性和观念性特征的视觉艺术,赋予当代动画艺术造型美学以独特的魅力。任何形式的艺术创造活动,都和时代的美学相对应和契合,而动画艺术设计美学的确立与发展,无疑与当代社会的思想、文化和经济的演进和发展密切相关。动画艺术作为一种艺术创作形式和活性的造型文本,是和时代的哲学思潮与艺术风格紧密联系的。   (三)从目前大的视觉艺术环境看,当代艺术的蓬勃发展为动画艺术影视美术设计的创新提供了丰富的滋养土壤,其所具有的时代性、综合性和前卫性使得当代动画艺术设计乃至当代动画创作可以吸收很多营养,能够获得不可预测的未来生命特征。关注当代艺术哲学的发展趋势,扩大视野去了解相关艺术与技术的实践和探索,站在兼容并包的角度和现时文化情境的高度来整合新的艺术经验,应是动画艺术研究者的时代使命和责任。中国动画艺术的美学思想研究的方向,一方面直接面对当代的最新艺术设计和思潮,并把它作为对中外动画影视美术理论前沿动态的一种追踪描述;另一方面,就本文的选题意义和实用价值而言,旨在通过分析当代电影艺术表现、造型与叙事的关系,使其创作经验和思维对于现在或将来的动画美术创作实践有着借鉴作用。当代动画艺术的美学思想是多元共生、相辅相成的,因此,动画艺术所表现出的美学观也不是单一的,而是多种美学观的多元共生,它是以多种观念混合形式产生。   笔者认为,针对我国动画艺术的美术思想研究中出现的问题,有以下几种解决方式:1.选择具有代表性的中外经典动画影片,以及能够体现动画艺术中美学思想上具有典型特征和独特设计的影片做有针对性的个案分析。影片大多是早期动画作品中的经典片子;个别独异的片子选自欧洲动画艺术短片中一些先锋之作;筛选具有当代动画艺术美术设计新思想和新思维的代表性,同时这些影片大多是在各国际电影节尤其是奥斯卡获得美术设计方面奖项的影片。2.从理论分析和实践考察的双重视角进行分析。如从美学思维入手,对中外动画艺术中先锋设计的多元构架进行梳理分类、研究剖析,在本研究领域内具有全新的切入视角和分析框架。3.从理论高度研究动画艺术中美学思想与艺术设计、艺术表现的活性思维,突破一般性的总结概括分类,直接针对动画电影中美学思想与艺术设计和实践、思维方法,为银幕造型实践创新提供参考和指导。4.从美学的角度综合分析评价当代中外动画艺术美学上的多元化现象,体现理论型文章的思辨意识,并且始终用一种开放的当代观念和辩证态度进行论证。5.从广阔的视觉艺术视角和现时文化情境中关注中外动画艺术的美学思想,涉及当代艺术的众多领域和哲学流派,具有艺术美学普遍的一致性和跨学科的参考性。在研究方法上,动画艺术专业属于美术、文学、音乐学和电影学的交叉方向,其以美术设计为主体,为动画的艺术语言和拍摄制作过程服务,本质上应归为艺术设计或艺术造型的一个分支。因此,运用研究艺术设计的方法来研究动画电影美术设计是较恰当的方法。   哲学介入艺术创作,艺术实践引证哲学,是艺术理论研究深度的核心标准之一。动画艺术是一种具有特殊目的的视觉艺术和造型艺术,遵循造型艺术的规律,参考当代造型理念、观念艺术的方法和当代哲学观念对其进行研究,应该能切入本质,探索出对新时期的动画艺术美学具有指导理论思考和创作实践的双重学术结果。

影视艺术设计范文6

关键词:人物造型化妆;色彩设计;艺术分析;色彩搭配

造型化妆中的主要依据为人物的职业、身份、生活环境或特定经历等,人物造型的色彩也会随着头饰、场合、时间与年龄的变化而发生改变,其整体色调也会受到人物的情绪与环境影响,与剧情相符的化妆能帮助演员更好地找到表演的感觉。

一、人物造型化妆的各类要求

(一)造型化妆的要求。人物造型化妆会出现各类变化,其最为重要的变化即属色彩,无论何种化妆造型都要为人物服务,其化妆后的人物应反映出该剧作的主题,这也成了演员塑造人物的根本目的。对于一个化妆师来说,其不但要拥有较强的造型化妆技术,还要拥有极强、极丰富的艺术修养,才能利用化妆造型将更多真实与鲜活的人物呈现给观众。比如,在影视剧《八路军》中,该剧作对于造型化妆的要求,除了每个人物要贴近历史史实外,还要利用化妆反映出该阶段战争的不易,通过良好的造型将中国共产党带领全国人民抗战的历程演绎出来。在造型化妆的技巧上,该影视剧采用了特效与色彩,比如,在处理眼伤时,化妆造型师需将受伤的眼角向下拉伸,并把剪好的胶带放置在该演员的外眼角部位,再涂上少许红色,增强真实感。

(二)舞台剧与影视剧在人物造型上的要求。从影视剧与舞台剧的造型化妆可看出二者的区别,具体来说,舞台剧人物的化妆,其主要的功能与要求为其造型要符合剧情需要,利用配饰、发型或妆容等造型手段来凸显出人物,让角色与演员间的距离迅速拉近,有效打破了角色形象与演员自身容貌的差异感;从职能角度上看,影视造型与舞台造型相似,在观演关系上却出现了较大差别,影视剧会聚焦于每个演员的面部表情,即在细节上对人物造型的要求更高,因而影视剧中的造型化妆多采用减法式或因地制宜,依照演员本身的条件来降低面部痕迹,从而增强人物特色。而在化妆的技巧上要不留痕迹,最大限度地做到和谐自然[1]。例如,在拍摄歌剧《拉贝日记》时,由于该人物原型的发量较稀少,在舞台剧中只需运用乳胶头套即可;在影视剧中随着镜头的像素愈加清晰,只采用乳胶头套会给观众带去极强的粗糙感,因而影视剧内的造型问题则要利用适宜的造型技巧。比如,为做出光头效果,演员可在光头的基础上在头上粘贴发片,以此来凸显出头发稀疏的视觉效果。而从妆面上看,在舞台灯光的映衬下无论是色彩还是面部结构都会显得苍白、扁平化。在拍摄《拉贝日记》的过程中,由于该剧是由中国人与外籍演员共同扮演,在灯光下若中国演员不进行适当的妆面修饰,在与外籍演员对比后,其饰演的人物难以具有说服力,也会降低观众的观影效果。因此,在造型化妆上,无论是舞台剧还是影视剧虽没有明确规定,但造型设计师要依照剧本,充分分析人物,利用不同的艺术手法与材料来创作出更加生动的人物形象。

二、色彩设计的基本原理

(一)色光原理。造型艺术的重要灵魂为光,通过光的衍射让人们拥有色彩感,而人物造型设计的色彩感就更加重要,具体来说,相较于色彩学,光学原理与之相似,其可主要分成互补色、复色、间色与三原色等。在诸多光谱内的色相中,其大多会被分解成三种颜色,即红、黄与蓝,此三种颜色也被称作三原色。三原色通过合理的搭配,两两一组,即红黄、红蓝或黄蓝即可组成间色,也就是人们常说的橙、紫、绿三种对应性颜色,当前最为纯正的六种颜色为间色与原色,即红、黄、蓝、橙、紫与绿。针对复色而言,每类复色都会带有三原色,其主要区别在于色彩的倾向性,当三原色处在复色中时,由于其混在一处会提升色彩的柔和度,继而对色调起到调和与缓冲的作用。针对互补色而言,其主要是指色相环中的比对距离在180度时的颜色,属极端对比型。若两个补色放置到同一画面内会形成较强烈的对比,当其使用合理时会极大地增强视觉效果,若使用不当就会使画面显得较为平庸。与互补色形成对比的颜色类型又叫作调和色,其主要为色环中相似的颜色[2]。

(二)色彩冷暖。当观众在观看一个带有颜色的画面时会因该颜色而形成联想与内心感受,也就代表着该色彩的冷暖,比如,当人们看见橙色或红色时会出现激动、热烈与温暖的感觉,也就是常说的暖色;而黄、绿与蓝类的颜色会给人冷静、清凉的感觉,此类颜色则被称为冷色,由于色彩的冷暖是由对比而来的,无绝对的暖色或冷色。基于色彩中带有的属性,在开展人物造型设计时,造型设计师需通过色彩间的冷暖与关系来把握人物造型,继而达成预期的设计效果。

三、色彩艺术设计在人物造型化妆中的实际运用

(一)色彩元素。1.色彩元素间的比对。人物造型设计的重要手段为色彩设计,优秀的造型设计师会将色彩艺术设计与人物造型化妆高效结合,比如,在我国著名的影视剧《甄嬛传》中,其主要描写了清雍正年间后宫各嫔妃明争暗斗的故事,其人物形象站在了历史的高度,由于该剧整体的基调较肃杀,因而其整体色调选择了冷色系,其所有人物造型都在写实的同时用上了适度的表现与夸张,尤其在造型与妆容上更是运用了色彩艺术设计,将各个嫔妃的性格、命运与地位都一一呈现出来。比如,华妃的造型与妆容主要为红色调,其性格与红色特征极其相似,即斗争、激情、旺盛、奔放与热烈,利用红色妆容展现出其好胜心;而与之相对应的为紫色的眉庄,其颜色特征极为多愁善感、清冷孤傲、追求完美与心思细腻等,带有极为敏锐的洞察力与观察力,该颜色特点符合眉庄性格,即典雅脱俗、端庄得体、宁折不弯等,通过人物造型能展现出该人物在剧中的整体命运,增强观众的代入感。与该影视剧相似色调的电影为《拉贝日记》,由于该影片的主要题材为战争,无论是人物造型还是色彩设计都带有极强的冷基调,造型设计师为凸显出战争的残酷,使各类颜色造型的特征更为鲜明,部分暖色调的颜色在该环境的映衬下显得更为伤感。2.色彩元素的转换。造型设计师在设计人物造型与颜色时不会只用一个造型或一种颜色,比如,某个人物在一部影视作品中会经历较大的心理起伏,当其一开始为暖色调随着剧情的发展转变为冷色调时代表着该人物的性格或命运发生了较大转变,通过色调的转变映衬着人物性格的变化,影视剧中的每个人物随着其性格与命运的变化,让观众为之揪心[3]。

(二)色彩搭配。无论是影视剧还是舞台剧,剧中人物的颜色造型不可能仅为一组,因而巧妙的颜色搭配极为重要,若颜色搭配合理,不仅能展现出该人物在剧中的命运与性格,还会凸显出不同阶段人物的性格变化。比如,仍以《甄嬛传》为例,在每个人物搭配颜色的过程中,其妆容与服饰都带有较大转变,在进行色彩搭配时虽然在妆容或服饰上出现多种颜色,但仍会以一种颜色为主基调,也就是说,即便是同样的色调,当开展不同的搭配时其格调不同,效果也会有较大差别。具体来说,在甄嬛入宫的初期,与其年龄相仿的另一位姑娘唤作浣壁,其与甄嬛的表面性格相似,为博皇帝的注意却在一身绿服上佩戴一朵红花,红与绿的结合从色彩搭配上看较为奇怪,由于红与绿为互补色,若是使用不当,在人物造型上就会形成较大的反差,该剧的造型设计师为展现该人物性格,选取了并不适宜的互补色,也给该人物增加了极大的讽刺意味。与《拉贝日记》相似题材的话剧《殇城》,因题材的敏感性在设计人物造型或颜色搭配时要力求真实,继而增加观众在情感上的共鸣。为了更加凸显出真实,该作品展现出了战争过程中人物的生活轨迹,其整体的造型设计较为细致。该作品的创作者与造型设计师在设计人物时反复研读剧本与相关真实的历史材料,将该阶段人们真实的生活呈现出来。具体来说,造型设计师针对人物发丝的走向、伤痕的位置、灰头土脸的状态都进行了详细的分析,并设定出了对应的造型与色彩。为了力求舞台的真实,在场景设计上还设置了场景转换等写意方法来增加观众的视觉效果。在人物造型的设计与色彩的搭配上,相较于影视剧,该话剧存有诸多不足,从写意上看不够具体、较粗糙。从颜色搭配上看,该话剧利用色彩鲜明的颜色增强了观众的代入感,在其细致入微的处理下会使观众生成较细腻的情感共鸣。利用巧妙的色彩艺术设计与人物造型设计,有助于演员对该人物的塑造,给其表演锦上添花。通过各类舞台剧、影视剧中的人物造型可了解到每种色彩既带有自身含义又带有创作人的设计诉求,即使是同一种颜色也会因环境因素、表象特征的改变而发生变化,在进行色彩间的搭配时需更加看重和谐性、合理性与艺术性,只有进行科学的颜色搭配才能使人物形象更为立体,也增加了人物造型的说服力。

四、结束语

综上所述,无论是舞台剧还是影视剧,若想取得成功离不开人物的造型设计与色彩艺术设计,造型设计师在设计人物造型期间需认真了解该人物在剧中的背景,通过色彩艺术设计与人物造型设计的高效结合,使人物的整体设计更贴合原作,使演员更快进入到角色中,增强观众观影时的代入感。

参考文献:

[1]李云凤.动画艺术构图与色彩设计中的崇高美探究[J].湖南大众传媒职业技术学院学报,2020,20(01):42-45.

[2]何琦.包装色彩设计艺术探讨[J].湖北农机化,2019(16):30.

影视艺术设计范文7

下面笔者从艺术设计管理在影视动画设计项目的制作过程中是如何发挥作用进行浅谈解析,如何组织、协调、管理团队合作及如何控制、协调、完成项目制作流程中每一个环节。影视动画设计不管是二维技术还是三维技术,其制作流程从前期到中期再到后期都是一个非常繁杂的过程。在影视动画制作前首先应该有一个整体的策划,这个策划实际就可以归结为艺术设计管理。对制作整个动画的目的、针对对象、主题创意、风格、时间、成本预算、收益、制作工期、预期效果、衍生产品、人员分工等进行详细的艺术设计策划与管理,然后严格按照此策划执行后续工作。整个策划越详细越完美,后续工作就越明确,便可更有效的避免浪费人力、物力、财力,更好的节约成本,体现出了艺术设计管理在行政管理上的目标、计划、组织、控制等作用。

艺术设计管理不仅在影视动画设计的总体策划中作用明显,且在后续整个项目工作制作流程中的每个环节都发挥着重要作用。根据总体策划,开始着手前期准备工作,在总策划中有了主题,或者是一个创意点子,不等于就完成了剧本创作,首先要将创意点子发展成一个故事,为了使故事更完整,还需要精心设计和观众的互动与沟通。了解针对对象喜爱什么样的潮流动向及审美情趣,在细节构思上尽量投其所好,满足对应年龄段的个性化需求,从而引起观众共鸣和喜爱,达到预期效果。这些便需要通过艺术设计管理来正确的定位,基本过程开始于创造性的头脑风暴,之后是细致和有选择性的观察、探讨及删减,由此慢慢整理出动画文学剧本。而文学剧本仅是针对对动画片创意将头脑风暴后的故事的时间、地点、人物、故事情节等做一个阐述,并不能直接应用于动画制作。而具体每一个镜头如何呈现则需要导演来指定,这个指定的过程也是艺术设计管理的过程,是导演对整个动画片画面的规划过程,是根据蒙太奇手法将剧本分成若干个镜头画面,依次编上镜号,表明用什么景别,写明拍摄处理要求和音效对白、字幕等处理方法的文本,即文字分镜头台本。这个文字分镜头台本的画面感很强,看文字如看画面一样,是绘制画面分镜头台本工作及中后期制作的依据。

有了故事及文字分镜头台本后开始角色设计创作及场景设计创作。首先,动画角色也就是动画片中的演员,是动画造型设计师根据剧本中的文字描述的抽象形象,通过想象完成绘制的。它们的生命由编导者给予,它们的性格、情感、心理等也是源自编导者的主观意图。动画造型表现形式多种多样,有各种类型,什么样的才是适合的,什么样的才是能赢得观众喜爱的及让观众印象深刻的,这个在设计过程中就要进行创意创新,如在外形特征上夸张一点、奇特一点,有个性一点、时代特征强一点,有特色一点。

当然动画形象也不是凭空乱画的,而是对现实生活中的形象进行筛选、提炼、概括、综合的创作过程,另外动画造型设计的创作还要考虑到衍生产品的营销问题。其次,动画场景设计,是随着故事情节的需求,按照一定的美术风格、围绕在角色的周围,与每个镜头的动画演员发生关系的一切景物,包括有动画演员在活动或表演的特定场所、陈述的道具、自然、社会、历史环境以及一些群众演员等。场景设计不是任意随便画的,而是为动画剧本及角色演员表演服务的,而是要根据需求完成它的使命,如:交代时空关系、营造情绪气氛、刻画角色性格、担当动作支点、强化矛盾冲突、叙事功能、隐喻功能等。因此在创作过程中必须充分的考虑及设计好每一个场景应该如何来发挥其作用。动画造型及场景设计的过程体现了形象策划学、美术学、心理学、消费者行为学、营销学等在艺术设计管理中的交叉综合应用。

接下来是根据文字分镜头台本进行画面分镜头的绘制,动画影片中每个镜头都对应着一副样本图画,主要是表明镜头中角色与场景直接的比例关系,在图片的旁边或底部会有对该镜头的内容及镜头运动的处理方式、时间、对白、动作等简单陈述。实际也可以作为对整个动画中后期制作的艺术设计管理标本。在中期制作中,二维与三维动画的制作流程是不同的,目前基本都以水流线设计的形式,但都需要大量的工作人员,每个工种所需掌握的技能专长也不同,如传统二维动画中,原画设计师完成原画后要给动画设计师加动画,动检师进行动画动作流畅检查,再到上色师根据色指定完成动画的上色工作,最后将上色好的镜头填好摄影表进行渲染处理。这个过程是复杂的,每个环节都有很多的设计师,如何协调他们有序工作,共同顺利完成创作,这就体现了艺术设计管理中有效的分工及协调管理团队合作的作用。最后观众所看到的影片效果都是通过后期特效及编辑软件来完成的。后期制作包括镜头画面较色、镜头特效合成处理、转场效果、片头制作、片尾制作、对白字幕制作、声音编辑、镜头剪辑与顺序编排、影片输出等内容,可概括为特效合成制作、非线性编辑和影片输出三大部分。在制作这部分时,在掌握技术后应该有良好的审美趣味,色彩感官强。这个过程与前期及中期制作的好坏关系很大。

影视艺术设计范文8

文学思想就是关于文学的观点和看法,是对文学的理性认识,比如对文学本质、功能、起源和创作原则等方面的认识都是文学思想的问题。文学和人物形象设计都是艺术形态或者审美形态,只不过二者借助的媒介不同,文学是通过语言来建构美,而人物形象设计是通过活的人体的装饰(发型装饰、妆型设计和服饰设计)来展现美。从它们所借助的媒介可以看出,文学更抽象一些,人物形象设计更现实具体一些。但无论怎么说,二者在本质上都是属于艺术审美形态,它们在一些基本问题的看法上是可以打通的。人物形象设计既然是审美性的实践,那这个专业就必须树立一个基本的教育理念:追求美塑造美是它的最终目的。第二,人物形象设计专业教育必须面对市场实际。这个专业的教育一般是为舞台、影视和现实生活中的人物形象设计提供专门性的人才,充分研究当前的市场,考察舞台、影视和现实生活人物形象设计的审美趋势是教育的一个重要任务。人物形象设计教育从市场出发,才能做到有的放矢,使学校教育与社会生活保持同步发展的态势,但也要避免被市场这个现实牵着鼻子走;第三,人物形象设计专业教育必须面对个人的实际。每个人的身体外形特征、身份地位和文化修养是不同的,人物形象设计专业教育必须教会学生一个重要的原则就是量体裁衣,要在具体的设计中充分研究个人的这些不同,才能做到从个人的具体实际出发,通过外在形象描绘触及到他的内在精神风貌,因为“在塑造人物形象的过程中,对人物的内在体验或内部环境的描绘是更具有决定性的手段,而对人物内在生活体验的描绘便是对人物的`智慧风貌’的描绘。”

二、人物形象设计专业教育的品质提高与文学意境

有人在评价中国当代的艺术设计时说:这种过度盲目和自我的失去,最集中地体现在片面强调突出设计的视觉化等形式因素的追求上。,片面追求形式因素的确是现代艺术设计占领市场的一种方法,但这个追求本身是背离艺术设计宗旨的。作为艺术设计的分支学科人物形象设计也存在这种趋势,虽然人物形象设计是为现实的工作和生活服务,但它的内容绝不仅仅包括外在形式,如服饰、化妆、发型等,并且应该也包括内在性格的外在表现,如气质、举止、谈吐、生活习惯等等。从这一高度出发的形象设计,化妆师或服装设计师就要通过对主体原有的不完善形象进行改造或重新构建,来达到有利于主体的目的,传达主体的内在个性心理和精神要求。因而,真正的人物形象设计的目的是为了用优质的外表展现个人完美内涵,需要深入了解人类群体共性中的个性化元素。作为一种以活的人体为对象的艺术设计,不仅仅是现实性的运用,还有注意通过体型、妆面和服装款式的设计传达这些具象后面所隐藏的具有美学意味的个性心理和文化品位。也就是说人物形象设计要“充分考虑了人的精神需求———其中包含审美、功能、价值等一切相关因素,我们可称此为艺术设计。”文学意境是中国文学的最高审美形态,与西方的文学典型相对应,指“创作主体以内心营造的情景交融的意象为基础,能表征作者对宇宙人生万象的体验,又能唤起读者无限情思和丰富想象的艺术审美世界。”文学意境的实质在于通过营造具体的意象来传达隐藏在意象背后的东西,在文学理论中把它称之为象外之象或者象外之味。

三、人物形象设计专业教育与文学人物形象