民间文艺论文范文1
关键词:民间艺术;图腾;猪文化
在我国传统民间艺术中，有着丰富多彩的装饰着猪形象的生活用品，如给孩子做的猪头鞋、猪头帽，脚踩元宝的猪形存钱罐，春节时糊在窗格上的小猪剪纸，贴在大门上的肥猪拱门年画，这些猪形象无一例外都整体丰腴圆融、色彩丰富艳丽、造型憨厚可爱。在现今社会人们的观念中，猪是懒惰、蠢笨、肮脏、不思进取的代名词，为什么在有着丰富历史传统和广大民众基础的民间艺术中却被塑造得如此多姿多彩、可亲可爱呢?
一
猪，在古文中称作豕，《尔雅•释兽》有“彘，猪也。其子曰豚，一岁曰豵”的说法。可见，彘、豚、豵、豕都是猪的意思，区别在于成长的不同阶段。在悠远的原始陶器中，以猪作为造型和纹饰的就有大量发现，如出土于甘肃秦安县王家阴洼的猪面纹彩陶壶(图1)，腹部绘有一圈猪面纹，憨态质朴。出土于浙江余姚县河姆渡遗址的黑陶猪纹钵(图2)，两侧各阴刻一猪纹，身上刻有花纹，脊背上鬃毛直立，猪的头部前伸低垂，双目圆睁。出土于辽宁红山文化遗址的玉猪龙，双耳直立，两眼圆睁，吻部凸出且鼻间有横纹，具有明显的猪头特征。商代青铜器同样也有以猪为造型的尊形器出土，如出土于湖南湘潭的豕尊(图3)，头部细长、嘴巴向上拱起，露出尖利的牙齿，塑造了一头凶猛的野猪形象。同一时期，还有出土于上海炼艺铜厂的豕卣、出土于湖南汨罗的豕磬以及出土于山西的西周猪尊(图4)，等等。这些都说明，在早期人类社会生活中猪有着重要的地位和影响。猪的形象在在文人墨客的笔下较少见，多存在于有着广泛群众基础的民间社会生活中。每逢新年，农家小院自然红红火火、张灯结彩，映亮了窗花里憨厚的小猪、大门上憨态可掬的肥猪拱门，洋溢着喜庆气息。厨房里热气腾腾的面花礼馍之中，也少不了肥嘟嘟的猪形象。屋子的墙上必定悬挂着背驮元宝、张大嘴巴的肥猪，意寓招财进宝、财源广进的美好希望。此时在北方、尤其是陕西农家，小孩必定会脚穿猪形鞋，头戴猪形帽，吆三喝四、成群结队地放着炮仗。到了晚上，玩累了的孩子抱着满身绘花、憨厚稚拙的泥塑猪形玩具，头枕绣着花朵的猪形布枕酣然入梦。正如原始人以虎、熊等动物的面孔装饰自己一样，用猪装扮的习俗同样因为猪有着超越自然的能力，与虎头帽、虎面具、虎玩具一样有着相似的驱邪功能。民间美术的主体是普罗大众在生产力极不发达的社会背景下，深信万物有灵而产生自然崇拜的艺术形式，既不同于精工细作、装饰华美的宫廷艺术，也不同于畅神抒情、含蓄蕴藉的文人士大夫的艺术，最大的特点就在于其鲜明的功利色彩，体现着强烈的目的性，是以具体对自然的要求为导向的。原始时期，人们对极端的自然现象如惊雷闪电引起的山火、狂风暴雨引起的山洪、生老病死引起的的离别等现象无法理解，企图用某种仪式去控制自然，使自然服从人的意志，这种仪式就是巫术。当巫术无法达到目的的时候，便转而对自然产生敬畏，对那些具有超越人的特别能力的动物产生图腾崇拜。比如勇猛无比但又威胁人类安全的老虎，作为重要食物但又难以征服的野牛、野猪，具备强大生育繁衍能力又能够在水里自由游动的鱼、水陆两栖的蛙等等。图腾是以图像符号为手段的原始崇拜，因此被认为是人类最早的艺术活动。这些图像符号包含了人类长久以来对自然的认识和对美好生活的向往，一直延续至今，成为民间美术最核心的内容。
二
猪是勇猛的象征。在东北民间有句俗语叫一猪二熊三老虎，意思就是山林中最危险的动物是野猪，第二是熊，老虎第三。原始时期，动物是人类最主要的食物来源，但工具很落后，今天猎人拿着枪去打猎，原始社会则拿着石头、木棍与动物较量，捕猎成本很高，动物对于人类来说是既爱又恨。《淮南子•本经训》就有“封豨修蛇皆为民害”的记载，封豨就是野猪。因为青面獠牙、勇武剽悍，由畏惧而产生敬畏，希望借助它的力量避邪镇妖，抵挡自然灾难保护自己，野猪就有了超自然、超人性的神格功能，成为人们战胜邪恶、驱疫祛祟的精神图腾。《庄子•大宗师》列举古今得道之神，其中就有一个与猪有关的狶韦氏，列在伏羲、维斗、日月等之前生天生地，是名副其实的创世猪神。“豨韦氏得之，以挈天地。伏羲氏得之，以袭气母。”［1］汉代也有治水猪神张渤，他在治水时变化为一头大黑猪，用长长的大嘴巴拱掘泥土、引水疏流。《山海经》中有许多以猪为形象的山神存在。如《山海经•北山经》:“凡北次三经之首，……其十四神状皆彘身而载玉……其十四神状皆彘身而八足蛇尾。”［2］98《山海经•中山经》:“凡苦山之首，……其十六神者，皆豕身人面。”［2］161“凡荆山之首，……其神状彘身人首。”在今天四川北部地区乡村，路边的神龛里仍然能够看到被当地人认为能够消除猪瘟的“猪神土地”。俗语说人如其名，人的名字在很大程度上代表了家族对他的希望，既然野猪是具有神力的，自然受到人们的普遍崇拜。二十五史中，以野猪命名的人物就层出不穷。《晋书•石勒载记》中就有“堂阳人陈猪妻一产三男”的陈猪，因为妻子产下三胞胎男孩而得到政府奖励;也有赫赫有名的燕云十八骑的“孔豚”，豚泛指小野猪。《陈书》记载有被高祖斩于建康的傅野猪，“己未，斩刘归义、徐嗣彦、傅野猪于建康市”［3］。《旧唐书•安禄山传》记载:“立庆绪于户外，庄持刀领竖李猪儿同入禄山帐内，猪儿以大刀斫其腹。”李猪儿操刀入室，刺死了安禄山。《金史》中有“元帅完颜猪儿”。当然，最有名的应该是汉武帝刘彻，刘彻原名刘彘，彘就是野猪，据《汉武故事》记载:“景帝亦梦高祖谓己曰:‘王美人得子，可名为彘。’及生男，因名焉”［4］。彘是汉高祖托梦给景帝的。除人名以外，也有以猪为军队命名的。《汉书•王莽传下》记载:“匈奴寇边甚。莽乃大募天下丁男及死罪囚、吏民奴，名曰猪突豨勇，以为锐卒。”［5］王莽将敢打敢拼、不怕死的勇士和死囚及奴隶作为精锐部队，取名“猪突豨勇”，希望他们像野猪一样勇猛、所向无敌。《南史•王琳传》记载:“琳将张平宅乘一舰，每将战胜，舰则有声如‘野猪’，故琳战舰以千数，以‘野猪’为名。”［6］无独有偶，日本语里，“猪”有“乡村狮子”的含义，猪突猛进(ちょとつもうしん)，意思就是不顾一切地往前冲。猪是灵异之兽。从目前所掌握的考古资料来看，原始社会的人们在器皿上雕刻或涂绘的纹饰图案，有某种特殊的意义，或崇拜、或图腾、或神灵。不管在河姆渡遗址、仰韶文化遗址抑或马家窑文化遗址，都有猪纹或猪形塑品的出现，这本身便说明猪在原始先民思想意识中有着不寻常的地位，是作为某种吉祥之物或灵性的化身而受到崇拜的。《山海经》里面记载了大量具有灵异征兆神力的猪形动物，如《山海经•东山经》:“有兽焉，其状如豚而有牙，其名曰当康，其鸣自叫，见则天下大穰。”［2］118当康是兆丰穰的瑞兽，样子像小猪，有大牙齿，这个叫当康的动物一叫，天下就会大丰收。《山海经•中山经》:“又西二百里，曰昆吾之山，其上多赤铜。有兽焉，其状如彘而有角，其音如号，名曰蠪蚳，食之不眯。”［2］130这种叫蠪蚳的动物像猪，头上长角，叫起来像人哭，吃了它就不会做噩梦。《山海经•中山经》:“又东三百五十里，曰凡山，其木多楢、檀、杻，其草多香。有兽焉，其状如彘，黄身、白头、白尾，名曰闻獜，见则天下大风。”［2］198这种叫闻的动物形状像猪，身子是黄色的，脑袋和尾巴是白色的，它一出现就必定有大风。《山海经•东山经》:“有兽焉，其状如豚而有珠，名曰狪狪，其鸣自叫。”［2］104名字叫狪狪的动物外形与一般的猪相似但体内却有珠子。《山海经•东山经》:“有兽焉，其状如夸父而彘毛，其音如呼，见则天下大水。”［2］103形状像猿猴却长着一身猪毛的动物，发出的声音如同人呼叫，一出现天下就会发生水灾。《山海经•东山经》:“有兽焉，其状如彘而人面，黄身而赤尾，其名曰合窳，其音如婴儿。是兽也，食人，亦食虫、蛇，见则天下大水。”［2］119身形像猪，长着人的面孔，全身是黄色的，尾巴是红色的合窳，一旦出现天下就会发生大水灾。也有一种说法，认为猪与龙相通，是雷神的象征。在辽宁牛河梁遗址女神庙出土了一件玉器，整体弯曲呈C形，双眼突起，鼻端齐平有鼻孔，背部近头处都有一小孔，与传说中龙的造型相似，被称为C形大玉龙，又因为头部像野猪，有的学者称其为玉猪龙。根据《辽宁牛河梁红山文化“女神庙”与积石冢发掘简报》“墓中随葬三件玉器，一玉箍形器横置于头骨下，二猪龙形玉饰并排倒置于胸骨上，背靠背，吻部向外”的描述［7］，冯时先生认为墓主“应为巫长一类的人物”，而墓主“胸前摆放的两件猪形礼玉便是巫长交通天地的道具”［8］。除玉猪龙外，女神庙还出土了泥塑猪形龙，内蒙古文物考古研究所陆思贤认为，泥塑猪形龙是雷泽中的雷神形象。［9］《山海经•海内东经》有“雷泽中有雷神，龙身而人头，鼓其腹”［2］252的记载，《山海经•大荒东经》有“东海中有流波山，其上有兽，……苍身而无角，一足，出入水则必有风雨，其光如日月，其声如雷，其名曰夔”［2］265的记载。“鼓其腹”“其声如雷”都说明雷神与鼓是一体的。不管是C形大玉龙，还是泥塑猪形龙，都具有猪一样的大长肚子，“鼓其腹”，目的是用来擂鼓打雷。龙是中国古代文化中最受尊崇的神灵，龙崇拜起源于原始社会的农业生产，雨水决定着农业生产的丰歉，而下雨往往伴随着雷电，龙作为雷电云雨之神，在不同的文化区域以不同的组合形式出现在社会生活中，既不是对某一种图腾的神化，也不是对多种图腾形象的融合，而是以多种动物特征综合表现的图腾神灵。红山文化的猪形龙，头部像野猪但没有角，身体像蟒蛇但没有鳞片，背部有鬃鬣飘扬外卷，与中原地区原始文化的龙神形象和商周时期的玉龙造型有所不同，应该是具有东北原始区域文化的某种特性。这也说明在原始宗教信仰中对猪的崇拜早已形成。猪是财富的象征。虽然凶猛、强悍，相对于老虎、熊却易于捕捉驯化，而且肉质肥美、易于储存。随着生存方式和生活方式的改变，野猪的神力对于人们来说不再重要，经过驯化的肥美家猪成为生活的保障和财富的象征。从新石器时期主要遗址出土的“六畜”遗存统计数据看，不论是绝对数或百分率，都以猪为最高。［10］猪已经是“六畜”中经济地位最重要的一畜，成为家庭密不可分的组成部分。“家”字，甲骨文写作“”，由一个尖顶房屋和一头“豕”构成，“豕”就是猪，可以理解为有家必有猪，有住的，有吃的，才能安身立命，才能成为真正的“家”。民间俗语“教子不离书，种田不离猪”“耕田不养猪，等于秀才不读书”，既包含农耕文化下猪在生活中的重要地位，也涵盖了人们的思想情感寄托，带有质朴的原始思维痕迹。清代张英等人的《渊鉴类函》中有一句古老的民谣:“猪入门，百福臻。”［11］《墨子•非攻上》记:“至攘人犬豕鸡豚者，其不义又甚入人园圃窃桃李，是何故也?以亏人愈多。”［12］犬豕鸡豚比桃李价值更高一些，所以偷盗猪狗鸡家畜损人更大，不仁更突出，罪过也更深重。《史记•货殖列传》记载:“泽中千足彘……此其人皆与千户侯等。”［13］542“羊彘千双……此亦比千乘之家，其大率也。”［13］542《礼记•曲礼》说:“问庶人之富，数畜以对。”［14］可见，猪的多少显示着财富的多寡。在民间美术中，猪形象的出现往往伴随着聚宝盆、蝙蝠等福瑞符号，年画中的“肥猪拱门”的“拱”字，不管是寓意还是形象，更是表达了福财堆聚、向上的美好愿望，深入民心。
三
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（一）提高审美能力
审美性是山西民间艺术的首要特征。种类繁多、绚丽多彩的艺术品在山西民间文化的百花园里悄然绽放，各领风骚。其中，广灵窗花精巧绝伦，红火喜庆；霍州面塑憨态可掬，寓意吉祥；云冈绢人形神兼备，惟妙惟肖；孝义皮影栩栩如生，呼之欲出；等等。这些民间艺术作品以鲜艳的色彩和饱满的形象表达了山西人民对美好生活的向往。引导幼儿欣赏、感受不同表现形式的民间艺术作品，了解山西独具特色的民间艺术风格，帮助其理解其中的内涵和意义，不仅能丰富幼儿的审美体验，提高对民间艺术的敏感性，还能培养他们独特的民族审美意识，促进审美能力的提高。
（二）促进全面发展
生活性和实践性是山西民间艺术的重要特征。山西民间艺术源于劳动人民的日常生活，充分反映了山西人民的历史、习俗和思想感情。如山西面塑通过捏、压、撮、剪等方法，将普通的食物化为饱含情感和艺术意蕴的精神食粮。在民间艺术活动中，幼儿对各种工具和材料的使用能够促进他们观察能力、手眼协调能力、动手操作能力的发展，而处理材料的搭配和组合、不同材料间的空间关系、材料的数量和质量等不仅有利于幼儿的思维发展，而且能够满足幼儿喜欢自由想象和表达的欲望，发展幼儿的想象力和创造力，同时也能养成专心、投入和创造的品质。
（三）培养民族意识
民族性是民间艺术的本质特征。山西民间艺术真实深刻地反映了本民族的风土人情、气质品格和审美情趣。如山西民歌《走西口》，高亢嘹亮，悠长舒展，唱尽山西人民怀揣梦想、背井离乡、拼搏奋斗的酸甜苦辣。山西民居如乔家大院、王家大院等轴线分明，左右对称，外雄内秀，独具特色，凸显了明清晋商的盛世繁荣，也将朴实厚道、勤俭诚信的晋商精神表现得淋漓尽致。将山西民间艺术引入到幼儿园课程中，让山西民歌在幼儿的世界中流传，让民族英雄成为幼儿的偶像，让晋商精神融入幼儿的生命，使新一代从小耳濡目染传统文化，潜移默化中熏陶他们的民族情感，在他们稚嫩的心灵中植入民族之根，激发幼儿的民族认同感和归属感，培育和弘扬民族精神，使民族文化的血脉传承下去并不断发展丰富。
二、幼儿山西民间艺术教育的目标
幼儿山西民间艺术教育的目标应以幼儿的发展为本，立足山西广博丰厚的民间艺术资源，充分培养和发展每一位幼儿的艺术素养，帮助他们初步形成民族归属感和认同感，积极传承和发展民族文化。根据《纲要》和《指南》对艺术领域教育目标的要求，可以把幼儿山西民间艺术教育的目标分为感知与理解、表现与创造、情感与态度三类。感知与理解：感受不同形式和风格的山西民间艺术作品，体会并欣赏山西民间艺术作品的美，初步理解其中蕴含的意义和内涵。表现与创造：掌握简单的山西民间艺术表现技能，尝试运用不同的表现形式，大胆表达自己的想法和情感。情感与态度：喜欢山西民间艺术，对山西民间艺术感兴趣，积极参与山西民间艺术活动，萌发初步的民族意识和民族情感。
三、幼儿山西民间艺术教育的内容
山西民间艺术种类繁多、丰富多彩，可选择贴近幼儿生活，符合幼儿兴趣，适合幼儿身心发展的内容，将之纳入幼儿山西民间艺术教育体系中。
（一）民间工艺
山西民间工艺形式多样，包括绘画、手工、雕塑等。民间绘画有木板年画、炕围画、壁画等，民间手工有剪纸、面塑、绢人、皮影、布艺、推光漆器等，民间雕塑有砖雕、木雕、根雕等。这些不仅是山西人民智慧的结晶，也是我国民间工艺中的奇葩。教师可选取一些造型简单、色彩鲜艳的民间工艺品供幼儿欣赏把玩，帮助幼儿了解其中的内涵意蕴，鼓励幼儿大胆创作自己的民间工艺品，这样不仅有利于提高幼儿感受美、表现美的能力，而且能让幼儿了解丰富的民族文化内涵，传承民族文化。
（二）民间音乐
山西被誉为“民歌的海洋”“民舞的故乡”，民间音乐有民歌、戏曲、舞蹈、器乐等。《走西口》《想亲亲》《绣荷包》《桃花红杏花白》等民歌家喻户晓，广为传唱。山西的晋剧唱腔优美，板式丰富，是戏剧艺术中的瑰宝。这些民间音乐形式深受山西人民的喜爱，也是幼儿民间艺术教育非常宝贵的资源。通过欣赏晋味儿浓郁的民歌、抑扬顿挫的晋剧和场面壮阔的锣鼓秧歌，可以让幼儿初步领略山西民间歌曲、舞蹈、器乐的文化风格、动作特点，从中感受山西民间音乐的浓郁特色和独到韵味。
（三）民间文学
山西历史悠久，传说、民谣、故事等民间文化源远流长。“女娲补天”“大禹治水”“愚公移山”“夸父逐日“”精卫填海”等都同山西有着密切的联系。《诗经》中的“硕鼠”“伐檀”，合辙押韵，朗朗上口，成为历代人民的启蒙读物。此外，古代山西多名臣勇将，“赵氏孤儿”“武圣关公”“介子推”等妇孺皆知的感人故事至今流传不息，这些神话传说、韵文童谣、民间故事等不仅能使幼儿充分感受山西民间文学作品的语言美、形式美和意境美，还能让幼儿初步了解三晋人民的个性特征与独特精神，萌发初步的民族意识和民族情感。
（四）民间美食
“平遥的牛肉太谷的饼，闻喜的煮饼赛点心，清和元头脑暖人心，小飞刀削面香煞人。”这些流传于民间的歌谣形象地描述了山西各种独具地方特色的名吃特产，山西的面食更是以花样多、味道好、技艺精名扬海内外，深受广大人民的喜爱。幼儿园可以因地制宜，就地取材，制作一些山西特有的传统面食作为幼儿的餐点，还可以带幼儿到厨房参观师傅们制作面食的过程，鼓励幼儿大胆尝试，亲自制作山西美食，这都有助于幼儿了解本民族的美食特产并认同本民族的饮食文化。
（五）民间社火
山西的民间社火是春节期间民间的自娱自演活动，有秧歌、高跷、旱船、背棍、抬阁、舞狮、花灯等。民间有“南庄的火、太谷的灯、徐沟的铁棍爱煞人”的谚语。幼儿园应带领并组织幼儿参加这些内容丰富、形式多样的民间庆典和民俗文化活动，让幼儿充分感受黄河流域浓厚的文化特征和山西人民独特的精神气质，在浓浓的山西味儿中激发幼儿对山西民间艺术的认同感和归属感，激发幼儿热爱家乡的意识与情感。
四、幼儿山西民间艺术教育的途径
（一）创设富有民间艺术特色的教育环境
在幼儿园中创设具有山西艺术气息的教育环境能使幼儿在潜移默化中受到感染和熏陶，发挥环境的潜在作用。首先，将山西民间艺术融入幼儿园的整体环境中，大厅的主题墙饰、楼梯、过道、角落等都可以选择一些典型的民间艺术图案和物品等进行布置，如红红的剪纸、窗花，鲜艳精致的风筝、绣品，憨态可掬的面塑、布玩具等。走廊里可以陈列一些幼儿的民间艺术作品，让幼儿相互欣赏交流，既能激发幼儿参与民间艺术活动的愿望，又能让幼儿感受到浓浓的民间艺术氛围。其次，在各班的室内环境中，教师可根据幼儿的兴趣和年龄特点，创设不同的游戏活动区域。如创设“山西面食”一条街，微缩拉面、刀削面、猫耳朵、擦尖、搓鱼等各种特色面食，张贴拉、削、抿、擦、搓等多种技法的图片，提供各种工具和原料，鼓励幼儿动手制作美食。最后，周边社区是影响幼儿较大的环境，其中蕴藏着丰富的民间艺术教育资源。幼儿园应抓住时机，组织幼儿多参加社区的各种民间庆典和民俗表演，让幼儿在充满山西气息的氛围中感受节日的快乐，受到传统民间文化的熏陶。
（二）组织丰富多样的民间艺术欣赏活动
大量接触并欣赏民间艺术作品是幼儿民间艺术教育必不可少的途径，因此，可采取“走出去”和“请进来”的策略。“走出去”即带领幼儿参观民间手工艺展和民俗博物馆，参加各种民间艺术表演，让幼儿亲自感受其中的氛围，近距离接触民间艺术。如在“晋剧探秘”活动中，可以组织幼儿到剧院欣赏悠扬流畅、美轮美奂的晋剧表演，亲自感受晋剧的独到韵味，并和晋剧表演艺术家近距离接触，交流有关的话题。“请进来”即邀请民间艺人到幼儿园表演剪纸、面人、刺绣、布艺等，让幼儿与艺人面对面地交流与对话，并在艺人的指导下尝试操作。如在“山西面塑”活动中，则可以邀请民间艺人来幼儿园为大家演示面塑的整个制作过程，鼓励幼儿大胆构思，巧妙制作，将面团变成自己喜欢的艺术作品，既动手又动脑，激发他们的想象力和创造力。
（三）开展适宜幼儿参与的民间艺术实践活动
幼儿处于直觉行动思维和具体形象思维阶段，他们通过直接感知、实际操作和亲身体验等方式来学习。因此，提供操作和创作材料比仅仅呈现静态的民间艺术作品更能激发幼儿的兴趣，让他们在动口、动手、动脑的自由探索中学习和发展。如在民间艺术活动中，教师可提供纸、泥、面、布等简便易得的工具和材料，引导幼儿通过剪、叠、画、捏等方法及组合，在看、玩、说、想中创造出具有山西地域特色的民间艺术作品。在民间文学活动中，教师可以在幼儿熟悉故事内容的基础上，鼓励幼儿制作道具、创编动作、分角色饰演，在儿童剧场中表演贤臣名将的事迹，发扬传承山西人民的个性特征与独特精神。
五、结语
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中国民间美术博大精深，从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化，再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观，同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深，其中很多生动的设计元素，能够给予设计师巨大的灵感和启发，使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势，可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件：人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源，有针对性地为学生增加各种民间美术课程，如历史典故、风土人情、传统工艺等内容，并且根据今后的职业需要，向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术，是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试，也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。
二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学
我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库，但大多数原生态形式并不适合被直接利用，必须经过筛选、解构，再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点，唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中，形成了蒙古族独特的审美：他们产生了“对天神的崇拜，对蓝色和绿色的钟爱，对辽阔景象的憧憬，对动物灵性的感悟等”情感，也形成了独特的思维，“追求与苍天的呼应，思维境界自然率真，艺术格调自然质朴，群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此，在艺术设计教学中，教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念，还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度，建筑类、服装类等等；从造型特征角度，单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”，在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程，加强了形象的记忆力、理解力，为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计，不是简单的继承传统，而是“取其精华，弃其糟粕”，用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤：一是“知其然，亦要知其所以然”，深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵；二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道，从民间美术中精炼代表元素，再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念，又能表达传统民间美术思想；既开拓了艺术设计取材的眼界，又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。
三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新
1.转变思想，对民间美术科学地传承与创新
黑格尔说，艺术的要务不是收集，是创造。因此，艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展，艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感，两者相得益彰。在教学中，教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识，二者的本质是相通的，仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来，再将其应用于艺术设计之中，依照这样的思路才能既继承了民族特色，又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源，是地下水；艺术设计是地表水，通过利用二者共同性的方法，是把地下水抽取到地表上来，让地下水不断补充地表水，这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍；若是本末倒置必会误入歧途。
2.采用多种教学方法，吸取内蒙古民间美术精髓
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（一）现代主义设计源流
现代主义设计，即功能主义设计，主张以理性主义为出发点，重视功能和造型简洁，反对多余装饰，奉行“少即是多”的原则。1919年包豪斯的成立，奠定了现代主义设计的基础，从建筑领域开始，影响到城市规划、环境设计、家具设计、工业产品设计、视觉传达设计等艺术设计领域，形成了一场现代艺术设计运动。现代主义设计由欧洲席卷全球，并形成了众多的设计流派，适应了当时生产力发展的需要，成为“国际设计主义”风格。然而，在现代主义设计流行近一个世纪里，这种过分强调功能的设计形式逐渐受到了质疑，人们生活在一个高度的复制时代中，从建筑到产品都是千篇一律，富有民族化特征的人文精神和传统文化在现代设计中不复存在，世界趋于单调同化。
（二）西方文化主导下的艺术设计教育
中国高校的设计教育起源于近代社会，从清末民初开始，工艺教育、手工教育、图案教育传入中国，中国的艺术设计教育便走上了向西方的学习之路。改革开放以来，高校的现代设计教育再次掀起了学习西方教学经验和方法的热潮，通过“走出去、请进来”的方式，到国外了解先进的办学经验，同时邀请国外专家来华讲学、办展览，翻译西方的设计教育理论著作和教材，德国包豪斯时期创立的“三大构成”的基础构成教学体系也在这个时候引入并推广开来，至今长盛不衰。同时，《世界工业设计史》《工业设计概论》《销售学》《广告学》等教材通过翻译传入国内，“材料学”“产品设计分析”“商业摄影”“商业插图”“商业漫画”“影视广告”“广告文案”“包装结构”等现代设计教育课程也逐步开设起来，对原来高校的工艺美术专业以图案写生为主的课程教育模式产生了很大的冲击。在当时设计教育落后的背景下，借鉴西方先进的现代设计教育方式，无疑具有重要的进步意义。变革之初，这种引进的现代设计教育模式的利弊引发了激烈的讨论。老一辈工艺美术家郑可曾在工艺美术教学座谈会上指出，现在一些新东西，什么立体构成、平面构成等，是否能适合于中国的需要，要经过实践的检验、市场的检验，你的东西没有人买账迟早会被淘汰。高校进行现代设计教育改革是必然的，但是否适合还需要看实践和市场的检验。在以西方设计教育模式为主导的背景下，各校也纷纷进行了社会实践化尝试，建立了设计工作室，配备了生产车间，使计划经济时代的工艺美术教育逐步完成了向市场经济的现代设计教育模式的转型。20多年的实践表明，这种从西方引进的现代设计教育方式是中国现代艺术设计教育所需要的。
（三）高校现代艺术设计教育工作者的反思
包豪斯开创的现代设计教育模式无疑具有重要的意义，然而在物质生产高度繁荣的今天，包豪斯的负面影响也越来越突出，一度引起人们的反思。这种完全讲究功能、技术和经济效益的设计模式，使民族文化全部瓦解，以往的文化差异不复存在，到处矗立着钢筋水泥结构的混凝土建筑，生产的产品完全一致，世界越来越小，它是技术复制时代西方主流话语霸权全球化的结果，是欧洲原则和西方主流理性主义意识形态的体现。中国曾在清末民初引入西方的工艺、图案教育，改革开放初期引入以构成为代表的西方现代设计教育，是因为同时期西方设计教育的先进与我国落后的教育模式形成了鲜明的对比。构成教学源于日本设计界、教育界对包豪斯基础设计训练方法的整理，使之系统化、公式化，以便于掌握，但也存在将灵活的教学实验转变为教条主义教学方式的危险。20世纪末，中国的高等教育开始扩招，高校纷纷兴办艺术设计专业，经过10多年的发展，培育出的艺术设计人才不断增加，中国一跃成为了世界最大的设计人才输出国，尤其以中东部发达地区的毕业生居多。随之而来的矛盾也较为突出，一方面设计院校同质化严重，缺少自身特点，照搬照抄国外和先进院校的办学经验；学生的动手实践能力下降，难以适应社会及市场需求；教师队伍实践能力不足，整体水平不高。另一方面，西方设计教育模式在国内不断的复制中，变成了满足国内教育市场的工具，存在模式化、教条化的问题；西部欠发达地区的院校资讯落后，对国际现代设计趋势及西方设计教育经验认识不足，仅停留在对中东部院校的学习上，加上经济发展落后，其教学水平不高，仅仅对西方现代设计进行模仿，缺少民族文化内涵。学习西方现代艺术设计带来的问题一度引发了高校设计教育工作者的反思，作为一个拥有五千年文明和56个民族的文化大国，如何走出自己的设计教育特色之路，如何植根传统、学习西方、办出特色，成为高校设计教育工作者面临的首要问题。
二、云南高校现代艺术设计教育的探索之路
（一）现代艺术设计教育现状
云南省的本科高校共有65所，其中开设艺术设计类相关专业有：“视觉传达设计”20所、“环境设计”19所、“产品设计”12所、“服装与服饰设计”8所、“数字媒体（技术或艺术）8所”、“动画”7所、“戏剧影视美术设计”2所。从资料看出，开设设计相关专业的院校约占省内高校总数的1/3。“视觉传达设计”和“环境设计”由于社会需求量大，开设院校最多。在这些院校中，云南艺术学院设计学院建立最早（1984年），从工艺美术系发展为设计学院。云南高校设计类专业起步较晚，建设之初学习国内外高校的办学经验，并逐步摸索，开设新专业，形成了自己的专业特色。
（二）反思与探索
云南处于边疆地区，设计专业如何办出特色，现代艺术设计如何教学，高校的设计教育工作者对此进行了反思。认为西方的设计教育方式并不完全适合我国国情，重要的是把外来经验内化，形成适合自己需要的教育方式。民国初年，我国在学习西方学制经验时，著名教育家陶行知提出，当今改革之时，我们对于国外学制的经验，应该明辨择善，决不可舍己从人，轻于吸收。对外来经验应选择吸收，并使之中国化。然而，我们在选择时未能做到去粗取精，各院校纷纷兴办设计专业，互相借鉴，同质化严重。艺术家何怀硕在《传统的再认识》一文中指出，真正具有世界性的艺术，绝不是诞生在民族艺术贫乏颓萎的地方，而是诞生在民族艺术繁荣茁壮的土壤上。中国丰富的民族文化，只要加以开发利用，无疑是设计艺术茁壮成长的土壤。云南具有深厚的历史文化、秀丽的自然风光、丰富的物产、众多的少数民族和灿烂的民族文化，有多项世界自然遗产和非物质文化遗产。云南是少数民族最多的省份，由于地处偏远，富有特色的手工艺和非物质文化遗产得到了很好保护。云南高校相对于中东部地区的高校，对外学习、交流不占优势，但却有丰富的旅游和民族文化资源。在办学过程中，云南高校的设计教育工作者将办学目标投向了民族艺术，扬长避短走出了自己的特色之路。针对云南旅游热门而旅游产品却存在特色不足的状况，发展较早的云南艺术学院于2000年开设了“民族艺术与特色产品设计专业”，尝试将民族艺术应用到现代旅游产品的开发设计中。从2004年开始，教师带领学生深入喜洲、富民、峨山、香格里拉、石林等地考察自然景观、民族文化、手工工艺，并以现代设计方式进行全方位的阐释，注重体现云南特色的民族和手工艺文化。2013年开展了“美丽云南”主题活动，2014年将“校地合作”升级为“校企合作”，将民族文化资源转化为社会效益，并将教学成果转化为生产力。云南艺术学院的主题创意活动办出了特色，体现了对专业建设的反思和探索。
（三）方法和成效
云南开设艺术设计的高校实施了具有浓厚民族色彩的人才培养方法，包括对民族文化艺术进行研究学习并将其元素吸收、应用到现代设计中，进行课程建设、教材建设、科学研究；将民族民间手工艺导入到课程中，建设民族民间工艺实验室，并完成现代设计作品；进行主题性实践教学；请非遗文化传承人、民族民间工艺大师进课堂讲解民族民间艺术，学生到工艺大师的作坊中观摩手工艺生产；以民族文化艺术为依托打造艺术设计特色专业。这种方法的实施取得了较好的成效，民族文化艺术得到了较好的整理和吸收使用，设计专业的学生对民族文化艺术有了深入的认识并进行再设计，使设计作品具有丰富的内涵而不再是市场上简单拼贴民族图形的作品；课程中民族民间手工艺的导入，提高了学生的动手能力，并能将传统手工技艺应用到现代设计中；非遗传承人进校园和学生到工艺作坊中考察，使民族艺术和手工艺能直观地展现在学生面前；依托云南民族文化艺术打造特色专业，办出了特色，为中国特色设计教育改革之路提供了借鉴。
三、高校艺术设计教育中的民族化价值体现
（一）文化反思与民族自信
在信息科技发达的今天，地区间的差异化逐渐缩小，“全球化”越来越突出，在“现代主义”功利化的泛滥之后，差异化就显得尤为重要，地域和民族文化再度回到人们的视野中。以开放的视野将西方的现代设计精神和设计教育方式融入到传统的民族文化之中，并进行创新发展，使传统文化之精神在设计文化创意产业中传承下去，并以创意产业带动经济发展，是高校设计教育肩负的重任。文化反思与非盲目崇拜西方文化是对民族文化的自信，更是科学认识全球化的人文精神的展现。
（二）对外借鉴与对内重新认识
一方面应学习西方先进的设计理念和设计教育方式，并灵活运用，不能模式化地照搬套用。中国近代闭关锁国以致落后挨打，足以说明封闭之害。鲁迅先生曾以南亚锡南岛上的昧达族为例，说他们始终不受其他民族的影响，于是人口年年减少，几乎灭绝。对西方的设计教育方式，我们可以根据办学的实际需要进行调整。另一方面，在全球化的竞争下，世界各国都在形成自己的设计文化，以差异化诠释自己的民族文化精神，而华夏五千年文明创造了优秀而丰富的设计资源，我们没有理由不使用这些资源。对云南来说，既要继承和发扬丰富多彩的民族文化，也要对民族传统文化进行审慎的继承，注意创新发展，认识其内涵，而不是简单的拼凑和照抄照搬。对于非物质文化遗产的传承问题，云南艺术学院设计学院院长陈劲松在接受香港《文汇报》采访时说，非物质文化遗产属于过去的生活状态，满足过去时代生活要求……，要活化传承，必须符合当下的生活方式，否则只能变成死东西，进到博物馆。弘扬民族文化是一个传承和创新的过程，没有传承就没有基础，就会显得苍白无力，失去自我；没有创新，文化就不能发展，而只能停留在原来的基础上。在创新时，要在保存原有文化内涵的基础上进行设计创造，并体现设计作品的意境。如在当今的民族民间手工艺传承中，存在着手工艺人重传承轻创新、重技艺轻意境、重经验轻文化的现象，原因是民间手工艺人文化水平普遍不高，缺乏系统的艺术设计教育，且认识不足。在高校教育中，在学习西方现代艺术设计的名、形、质的同时，要重新认识传统，增加设计教育中的本土民族设计内容，从而克服这些问题。“设计形式乃是民族精神的一面镜子，而民族精神则是民族设计的灵魂。”优秀设计中的民族元素，是对民族精神的宣扬，而民族精神的注入，使设计不再浅薄。目前，本土民族文化的吸收利用已经广泛应用在云南的高校设计教育中。
（三）对民族民间手工艺的导入
民族民间手工艺是各族劳动人民创作、生产工艺美术品的生产技艺。云南民族众多，民族民间手工艺丰富，具有深厚的传统民族文化内涵，形成了大量的手工艺村落，成为独特的民族文化现象。汉族的紫陶、乌铜走银、斑铜、珐琅银、斑锡，白族的木雕、银器、扎染、造纸、瓦猫，彝族的刺绣、剪纸、月琴制作，傣族的慢轮陶、手工纸，藏族的黑陶，摩梭的编织，苗族的蜡染，拉祜族的背包，壮族的织锦等都是具有代表性的手工艺，至今长盛不衰，深受游客喜爱，成为当地的经济来源之一。将这些手工技艺用于设计中，可提高学生的实践动手能力，与西方现代设计中的技术与艺术相统一，开设工作室生产的现代设计教学方法也是统一的。在手工艺的导入中，云南高校在设计教育中均进行了不同程度的探索，请非遗传承人、工艺大师进课堂，到民间工艺作坊考察、实习，建立实训基地，开展特色工艺研修等，民族民间手工艺在云南高校开始扎根，学生结合手工艺完成设计作品，并将作品推向市场，得到了广泛的社会认可，并频获各类设计奖项。
（四）对民族元素的吸收
将民族元素应用到现代设计和设计教育中，展示本土民族艺术的魅力，可弘扬民族文化价值。民族元素主要体现在民族图形上。“民族图形是各民族在特定的时空环境和认知方式下，为传达民族的审美情趣、文化主旨和哲学观念，借助一定的载体，以工艺美术的手法表现人物、动物、植物、器物、景物、天象、神话、宗教、意念等的图画形态。”民族图形以神话史诗、器物、宗教活动、民族民间习俗、工艺美术、课堂教学为载体在民间传承，存在于建筑装饰、服饰、民族器皿、民族美术作品、民族宗教中，种类繁多、形态多样，是丰富的设计资源，其他如民族神话、少数民族文字也是可用的民族元素。民族图形和少数民族文字如今已广泛应用于设计中，民族神话则可为动画的发展提供素材。对民族元素的吸收使用应理解其中蕴含的意义，应用现代设计手段进行创新设计，并在设计中合理使用，切忌盲目照抄、生搬硬套、胡乱应用。
（五）丰富的主题性实践教学
主题性实践教学，即以本土民族化为基础设定主题，并围绕主题开展设计实践训练教学。主题性实践教学的意义在于有针对性地对本土民族文化进行挖掘，并在理解的基础上结合实践环节进行专题实践训练，以提高学生的动手实践能力和对本土民族文化的认识。云南高校设计专业针对云南本土文化，结合民族民间手工艺，在主题实践教学上进行了有益的尝试，如古滇青铜文化、曲靖爨文化、文山壮族文化、大理白族文化、丽江东巴文化、迪庆藏族文化等等。
（六）传承民族民间艺术
民族民间艺术是民族文化的瑰宝，然而，当今从事民族民间艺术的艺人在逐渐减少，很多年轻人宁愿外出打工也不愿意再从事劳累的传统民族民间艺术。民族民间艺术正在从实用中衰退，走向博物馆和故纸堆中。对民族民间艺术进行保护，不应仅仅停留在整理研究上，而应当应用到市场中，通过设计进行传承。“保护应该是让传统的民间文化、民间艺术形式在现代的生存环境中找寻到自己恰当的位置，重新焕发生命的光彩。”高校设计专业承担了这一任务，通过设计增加其价值，进行活化传承，使民族民间艺术后继有人。
（七）走艺术设计特色教育之路
高校艺术设计教育依托民族民间手工艺，吸收民族元素进行设计教育，形成了“人无我有”的特点，走出了一条特色办学之路。特色专业建设是高校在长期的办学实践中形成的具有良好社会影响，各方面水平较高且具有特色的专业，是办学水平的体现。如云南大学旅游文化学院艺术系在创建时，对于地处滇西北腹地的现代设计专业如何办学，系主任刘春老师说这里有深厚的民族文化，是最好的资源。他提出了“理论结合实践、实践结合市场、现代设计结合民族元素”的理念，建设民族工艺教学实践示范中心，请民间工艺大师、非遗传承人到校授课，带领学生考察民族艺术并完成主题设计，五年来申报了“艺术设计”省级特色专业，开拓了一条特色教学之路。
四、结语
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艺术院校的民间舞蹈教学课程主要就是传承者一定历史的环和氛围，那么教学过程中的民间氛围就显得尤为重要了，教师在教学的过程中就不能忽略为学生营造良好的民间广场氛围，让学生在感受良好的民间广场氛围的基础上学习民间舞蹈，这样可以有效的促进学生对民间舞蹈内涵的理解，因为学生在跳舞的过程中，其质量不仅体现在肢体语言上，还包括面目表情，学生只有对民间舞蹈的内涵理解到位，才能真正的把感情投入到舞蹈中去，这样学生在跳舞的时候才能真正的吧民间舞蹈的含义真切的表演出来，使其表演更加具有灵性。例如，艺术学院民间舞蹈教室在教学的过程中，首先可以把班级布置成类似于民间广场的环境，营造民间广场氛围，另外在教学和组织学生练习舞蹈时，再播放民间音乐，为学生营造良好的民间环境和氛围，让学生感觉身临其境，激发学生跳舞的积极性和主动性，同时良好的民间广场氛围也能够激发学生学习的兴趣和激情，从而在环境和氛围上达到了良好的教学效果，提高了教学效果。
2为学生介绍民间舞蹈的背景
每一个舞蹈都蕴含着某种情感，民间舞蹈也不例外，可以说我国的民间舞蹈所包含的情感是比较丰富的，同时也是比较抽象的，所以教师在教学的过程中，为学生讲解和提供民间舞蹈的背景是非常必要地，每个民间舞蹈都是不同的情感和背景。如，社会背景和风土文化等，教师在为学生介绍背景时，要采取有效的形式或者氛围，即可以用音乐作为讲述和介绍的背景音乐，这样学生就想听有趣的故事一样，随着音乐的旋律波动起伏，将学生引入忘我的聆听状态中去，成功的激发了学生的兴趣，对民间舞蹈的社会背景有所了解，通过这样的感性化教学方式，不但丰富了学生的内心情感，而且能够让学生根据民间舞蹈相应的社会、文化背景等进行发挥想象力，从而对民间舞蹈进行更好的改革和创新，体现出更加风韵的民间舞蹈的姿态。
3多媒体技术辅助教学
近几年来我国社会经济迅速发展，科技不断进步，我国已经逐步进入信息化时代，为我国教育事业的发展带来了新的生机，尤其是多媒体教学已经成为教学过程中不可缺少的一部分了，多媒体教学的最大优势就是可以把抽象的事物转化为具体的、简单的，同时也可以把课外的资源迁移到课堂上来，这样不但可以拓宽学生的事业，还可以将较难的知识点化为简单具体，便于学生理解和牢记。多媒体教学改变了传统的教学模式，能够调动课堂教学和学习的气氛，课堂的活跃性直接影响学生思维发展的程度。例如，在民间舞蹈教学的过程中，一些舞蹈课程中的动作和表情等都是比较抽象的，所以教师可以采用多媒体进行辅助教学，先把本节课的民间舞蹈用视频的方式播放给学生，让学生对本节课的民间舞蹈的表情动作等通过观看视频能够有初步的了解，这样有利于教师在接下来的理论教学过程的顺利完成，达到良好的教学效果。另外，还可以使用多媒体教学为学生播放民间或少数民族的生活环境氛围等，让学生在课堂的学习中了解到更多的信息，不断地丰富自身的民间舞蹈资源，从而更好地投入到民间舞蹈学习中去，激发学生学习的积极性和主动性。
4组织学生赏析优秀的民间舞蹈视频
艺术学院的民间舞蹈课程的主要教学目标就是培养学生跳舞的能力，更好地演绎出民间舞蹈的内涵，那么教师在教学的过程中就要处理好理论教学和实践教学的关系，主要应该让学生多多练习，学生在练习的过程中教师进行及时的纠正和引导，教师可以采用优秀视频赏析来作为纠正学生的参考和依照，也可以有计划的引导学生进行观看优秀的民间舞蹈视频，让学生在观看的过程中，潜移默化的受到其中氛围和环境的影响，更重要的是吸收其中的优秀部分作为经验，结合自身学习的实际情况，不断地完善自身学习的方式和习惯。例如，在学习少数民族舞蹈时，教师在备课之前就要在网络里收集一些优秀的视频，包括少数民族的风土人情，生活的环境等，还包括少数民族民间舞蹈云集视频，让学生通过观看视频，感受少数民族民间舞蹈的特点，从而能够激发学生的兴趣，成功的将学生的注意力集中到教学中来，有利于达到本节课的教学目标和教学效果，进而提高学生学习的效率。
5参加地区民间汇演活动
教师在教学的过程中，教学地点不仅局限于教室之内，每个地区都会有常见的民间舞蹈汇演，教师可以抓住机会报名，组织学生积极的参与实践活动，让学生感受真正的民间舞蹈的特点和艺术，学生经常参与实践汇演，可以激发学生的动力。教师在学生参加汇演实践的过程中观察学生的不足之处进行及时的引导，学生把课堂之内学习的内容运用到实践中时，通常会出现错误或误差，教师要引导学生理论与实践正确的相结合，在这一过程中，也能够培养学生的实践能力和创新精神。另外教师可以根据地区民间汇演活动的形式有计划的为学生创造这样的活动形式，让学生有更多的机会参与实践，也可以采取比赛的形式，激发学生的竞争意识，从而提高了学生的综合能力。
6结语
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传统包装设计属于一种开环设计，主要是为了实现包装的最初功能，它的运作模式是包装材料→包装产品生产→包装产品使用→包装废料弃入环境。很明显，这种包装设计几乎不考虑包装的环境属性，往往在生产过程中消耗大量的能源与资源，并对生态环境产生一定的负面影响。与传统包装设计明显不同，生态包装设计主要强调以系统集成观点凸显包装的环境属性，其以保护生态环境和自然资源为核心，在考虑包装基本功能要求的同时也注重生态系统安全的生态设计，因此，生态包装设计属于一种闭环设计，其运作模式是包装材料开采→包装材料生产→包装产品生产→包装产品使用→包装废料回收→二次材料循环再利用。
二、在民间工艺品中应用生态包装设计的意义
在国家越来越重视民族文化的时代背景下，人们开始重视民间工艺品的艺术魅力，尤其是一些具有特定含义的民间工艺品，往往会使人回想起那些已经逝去的美好时光，因而更加受到人们的青睐和追捧。在以前，民间工艺品基本没有特定包装，只是简单的一块布或者一张油墨纸而已。在今天，随着市场经济的不断发展和政府的有力支持，民间工艺品市场日益繁荣，直接带动了民间工艺品包装产业的兴起和发展，逐渐焕发出勃勃的生命力。毋庸置疑，成功的包装可以在无形中提升商品的魅力，产品包装虽然没有声音，却能达到“此时无声胜有声”的境界。一方面，包装可以在商品流通过程中成为地域文化的解说员，将当地文化大力弘扬出去；另一方面，包装还能提升产品的艺术欣赏价值，使商品更容易地被大家所接受。所以民间工艺品要重视包装设计，使其成为文化传播的有效载体。当然，民间工艺品要想在竞争激烈的市场格局中占据一席之地，仅仅依靠自身特质是远远不够的。“地方特色”是民间工艺品的不二特色，除了在内容、题材等方面苦下功夫，民间工艺品在包装方面还要与时俱进，不能囿于传统的藩篱，要形成自己独具特色的包装风格。生态包装设计在21世纪已经成为主流设计趋向，在社会经济迅猛发展的今天，人们开始意识到，自然资源的过度消耗和生态环境的严重破坏已成为社会可持续发展的最大威胁。节约能源、保护环境等新兴价值观已被逐渐接受。民间工艺品是民间艺人创造的智慧结晶，在响应生态包装设计理念方面承担着重要使命。而积极应用生态包装设计理念，与民间工艺品的内在精神是不谋而合的。在民间工艺品中应用生态包装设计，是时展的要求，也是民间工艺品凸显产品价值，焕发生命力的要求。
三、在民间工艺品中应用生态包装设计的策略
在悠悠历史长河中，每一次社会变革、每一项科技发明，以及人们生活方式的改善和生活环境的变化，都会对包装的形态和性质产生巨大的影响。纵观包装设计的发展演变过程，我们能清晰地感受到人类社会发展进步的轨迹。毫无疑问，包装设计可以说是人类社会文明中的一种文化印记。随着时代变迁，人们对于生态包装设计这一本原艺术的认识也在不断深化。在民间工艺品中积极应用生态包装设计，已经成为业界的普遍呼声。具体而言，在民间工艺品中应用生态包装设计可以从以下几点入手：
1、选择合适的包装材料
民间工艺品在选择包装材料时不仅要考虑包装材料必须实现其保护功能，还要强调包装材料的生态影响，只有使用生态包装材料，才能体现出生态包装设计理念。鉴于包装材料生产会对自然资源产生消耗，在包装生产和使用过程中也会产生各种废料，所以民间工艺品在选择和使用包装材料时，要充分了解包装材料的性能，尽量选择可以回收再生、能够重复使用或者能够自行降解的包装材料。同时，要选用单一包装材料，这样可以减少包装材料种类，节约资源。实在要使用两种或两种以上的包装材料时，要使包装材料易于识别，不能喧宾夺主，减弱了民间工艺品的自身价值，甚至可能产生“买椟还珠”的尴尬现象。另外，尽量不使用原材料短缺的包装材料以及废弃后需要特殊处理的包装材料，否则会违背生态理念。其实，我国幅员辽阔，地大物博，自然资源十分丰富，生态包装材料随处可见，比如棉、麻、丝绸等，这些材料具有浓浓的民族气息，将其应用于民间工艺品包装，可以产生相得益彰的良好效果。
2、设计合理的包装结构
民间工艺品在设计包装结构时，要在确保产品在运输、销售和消费过程中不会因为受到外力作用而产生变形、损坏的基础上，以减少包装材料消耗为目标，坚持“简而美”的设计原则。一方面，民间工艺品要实现包装结构组合和拆卸化设计，即包装的不同材料以及各个零部件之间要容易拆卸、组合和维修，这样才能尽量延长民间工艺品的生命周期，也有利于包装材料的循环利用，减少新包装材料的消耗，体现生态设计理念。另一方面，民间工艺品要实现包装模式化结构设计，即提高包装结构零部件的灵活性和实用性，促使各个零部件容易快捷更换，或者在同类产品中可以重复使用，以此延长生命周期。另外，民间工艺品还要重视包装结构零部件的环保设计，尽量减少零部件的数量与类型，即实现整体化设计。在我国，诸多材料可以实现合理的包装结构，比如饱满的葫芦有着流动的线条，坚挺的竹节有着笔直的线条，这是任何人工雕琢所无法实现的。民间工艺品可以从自然形态的材料中寻找设计灵感，运用天然的包装结构提升民间工艺品的独特魅力。比如葫芦外壳坚硬、保护性佳，不仅外形美观，而且便于携带，可以积极应用于民间工艺品的包装设计中。
3、采取适宜的包装装潢
产品的包装装潢设计即指用文字、图形和色彩等视觉元素美化产品表面，以此吸引人们的眼光。在生态包装设计理念的指引下，民间工艺品的包装装潢设计不仅要考虑画面装饰以及产品信息的审美传递，还要注重包装装潢需要的原料、废料对生态环境产生的种种影响。鉴于民间工艺品的本质特征是“本真”，所以在包装民间工艺品时要避免过度装潢，在色彩、薄膜、电镀材料等方面要加以一定的限制。一方面要避免使用含有重金属的油漆、染料等有毒物质包装民间工艺品，保障人们的身体健康；另一方面可以使用不含有毒成分的、分离时易于分解的粘合剂，提高工艺品的使用寿命。在色彩方面，可以运用与工艺品本身相近的色彩，起到相互衬托的作用；在文字方面，要选择能够凸显工艺品本土地域特色的字体，比如楷体、篆体、隶书等；在图形方面，要将民间艺术的元素提炼出来，并与现代设计有机结合，既体现地域特色又凸显时代色彩。
四、结束语
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民间美术艺术承载着来自古代的文化、哲理、审美、民俗等多方面的集合，是中国历史文化的瑰宝，呈现出色彩斑斓的赋色体系和丰富的文化内涵，并以富有深意的造型和充满地方特色的材质代表了某一时期某一地域内呈现的人文环境。民间美术艺术也因文化中心的多次迁移而表现出多层次、多元化的现象。在国内，对于民间美术的分类也有多种看法，如李锦璐先生在《对民间美术的一些认识》中进行的分类，包括：“日常活动、节日活动、祭祀活动所表现出来。”而邓福星先生则在《论民间美术》中将其归为：“供奉、宅居、服饰、器用、贴饰、游艺等六类。民间美术的分类繁多，工艺也各有千秋，在人们日常生活中的各个部分都有所表现。小到陶瓷玩具、剪纸、刺绣，风筝。大到雕塑、泥塑、建筑石刻，还包括一些特色的小吃玩意儿：糖人、面花面点等。它美化了物品的功能，并赋予它们新的审美意义，全方位的体现了当时社会环境下人民生活的现状。
二、美术设计中可对民间艺术的选用
（一）民间色彩
我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵，其在色彩的选用上更是五彩斑斓，富有深意。就像瑞士心理学家卡尔．琼曾说的：“色彩是潜意识的母亲，它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性，是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一，具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定，根据情感来搭配，而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理，或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代，而色彩在视觉中带给人更多的情感导向，让人在第一感官中产生或明快，或沉静，或绚丽，或素雅的印象，与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调，很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式，更需要来自民间色彩搭配的借鉴。
1、单色崇拜
人类对色彩的最初认识就是从单色开始的，根据科学调查，人类从婴儿时期开始识别黑白两色，也就是说从出生开始到4月后，人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的，到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配，也被赋予了“一生二，二生三，三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇统一六国之后认为：“今秦变周，水德之时。昔秦文公出猎，获黑龙，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月为年首，色上黑，度六为名，音上大吕，事统上法。（《史记•封禅书》）”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记，确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中，设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意，而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力，对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调，二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象，完成对信息的传递与输出。
2、五彩彰施
从单色到五色，人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起，成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指：“青、赤、黄、白、黑”，与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应，如董仲舒在《春秋繁露．五行之义》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的，所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大，而且多使用补色、冷暖对比，显得较为浓烈或夸张，极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中，为了让整个色调更加有节日的喜庆效果，用“红配黄，喜煞娘。”等搭配方式，让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼，无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中，充分借鉴民间色彩搭配，能对文化内涵有更深刻的认识，如一些复古的服装服饰，将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽，创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签，将城市所象征的颜色作为某种文化输出，实例是北京的出租车就将黄色作为基本色，与北京“皇城”的身份相匹配，然后选择四方的八种色，代表祖国的四面八方。
（二）民间艺术造型
民间美术作为一种造型艺术，呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式，同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的，极富有想象力和主观能动性，但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说，中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点，如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说：“人类趟过的是同一条河流。”即便如此，各个地区的人民也因各种因素的影响，还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流，展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点，也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义，如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”，泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等，都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天，我们越来越开始关注文化的民族性和本土化，在诸多的现代商品中，在功能作用得到极大满足的前提下，人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注，如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中，还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。
三、结语
民间文艺论文范文8
民间工艺美术源远流长，具有广泛而深厚的群众基础，蕴含着最丰富历史文化内涵，其民族地域特征最鲜明，其民族文化表征最显著。民间工艺美术来源于群众，具有广泛的识别性和鲜明的个性。平面广告设计作为现代艺术的一种形式，无时无刻不在受着民间工艺美术的影响。但是这种影响往往是被动、自发的，而不是主动、自觉的。这种被动与自发性主要体现在：或仅是平面广告设计个案中采取或选取了民间工艺美术的某一种形式，或在平面广告设计个案中受民族文化、民族美术的影响而潜意识地体现一些民族文化、民族美术的特征。事实上，作为现代艺术的特殊表现形式，平面广告设计的一条最基本原则——易读性，即能准确传达信息，让受众清晰理解广告所表达的意思。把民间工艺美术的思维、理念、特殊表现手法、表现形式、造型特征运用在平面广告设计中，更有利于为群众与广告架起一座沟通的桥梁，从而更有效地形成广告效应。尤其是品牌推广本身必须具有入乡随俗的特点，民间工艺美术为品牌推广的平面广告设计地域化、特色化提供了依据。平面广告设计要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，并进行具有创造性的转化。
二、郴州民间工艺美术及对平面广告设计的启示
（一）郴州民间工艺美术郴州民间工艺美术，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性。但是在长期的实践中，郴州民间工艺美术并没有得到应有的重视、传承和运用。在分析整理郴州民间工艺美术的基础上，充分挖掘郴州民间工艺美术的积极因素，并创造性地应用于平面广告设计和平面广告设计教学中，在理论和实践两个方面进行探索，具有一定的积极意义。郴州民间工艺美术是湘南民间工艺美术中的一个重要部分，目前，专家学者们研究以郴州市民间工艺美术为主要，然后辐射整个永州市和衡阳市，即湘南地区。其研究主要从湘南古民居、湘南民间工艺美术、湘南民间石雕、湘南民间木雕等几个方面，对民间工艺美术进行了归类、分析和整理。依据研究角度的不同，对有关湘南民间工艺美术研究著作的代表作进行简要概括：（1）具有地方特色的湘南古民居著作，如唐凤鸣著《湘南民居研究》、范迎春著《湘南宗祠——建筑及装饰艺术研究》、王铁著《2012中国高等教育设计专业名校实验教学课题：湘南民居印象》等。（2）有关湘南民间工艺美术的课题与论文，如陆岚的湖南省社科基金课题《湘南民间工艺美术资源的挖掘利用与理论研究》、论文《浅析蓝印花布的色彩观》等。（3）湘南民间石雕的研究课题和论文，如何次贤的课题《湘南民间石雕的人文内涵、艺术价值及其保护与利用研究》、论文《湘南民间石雕艺术的文化寻绎》《从湘南民间石雕艺术看中国民间文化的崇德立德意蕴》等。（4）湘南民间木雕的研究论文，李曦《湘南民间家具的装饰特征研究》《湘南古民居的木材选用与木雕装饰》《湘南古民居木雕艺术》等。以上这些课题、论文、著作主要从研究郴州民间工艺美术自身的特征入手，广泛收集郴州民间工艺美术的作品，阐述民间工艺美术的概念并将其分类，系统的分析其造型、色彩及美学特征，部分著作还进一步研究了民间工艺美术产生与发展的历史文化背景。
（二）郴州民间工艺美术对平面广告设计启示（艺术造型的直接借鉴）
1.为平面广告设计注入新的设计灵感。
传统民间工艺美术是现代设计的土壤并影响其的发展，传统民间工艺美术来源于群众，并为群众所熟知，平面广告首先得被广大群众认识、认同并接受，因此将民间工艺美术引入平面广告设计，既对民间工艺美术加以提炼与创新，又能让平面广告为人民群众所理解，从而引起情感上的共鸣，以达到广告宣传的目的。改革开放以来，国际先进的平面广告是国内学习和引进的主体，西方文化也在其中自然而然的传入，从而使中国传统文化面临严峻挑战，特别是民间工艺美术正面临消亡的边际，将其引入到平面广告设计中，既为中国平面广告设计注入新的设计灵感，又为民间工艺美术的继承和延续寻找到新途径。
2.为郴州地区的民间工艺美术传承寻找到新的载体。
郴州民间工艺美术具有独特的审美情趣、艺术形式和表现方法，它存在于人民的日常生活中，是中国人民群众辛勤劳动的结晶。由于受我国工业化、城市化的影响，民间工艺美术的创作者和消费群体大量进入城市务工，使得郴州地区民间工艺美术的生存环境日益恶化，许多民间工艺美术正在加速消亡。将郴州民间工艺美术引入平面广告设计中，将为其生存找到新的传播载体，在传达给广告受众的同时，促进其转型与可持续发展，也将为现代民间工艺美术再设计与开发应用提供参考依据。
3.是中国民间工艺美术研究的一种有益补充。
从文化传承角度的考虑，郴州民间工艺美术是中国民间工艺美术中的一部分，具有浓郁的地域特色和独特文化的不可替代性，对其文化艺术特点进行深入分析研究，是对中国传统民间工艺美术研究的一种有利的补充与完善。虽然郴州是中国的一个市，但其工艺美术是人民群众对大自然最纯朴、最直观的审美感受和情感体验，这种自然与纯真也是现代平面广告设计所追寻的。在经济全球化的今天，对郴州民间工艺美术的探究，既是对中国工艺美术的一种补充，又是对中华传统文化精神魅力的进一步挖掘，也将影响着现代平面广告设计作品的创作。
三、郴州民间工艺美术在平面广告设计中的应用
郴州民间工艺美术从源头上分析，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，其对包括平面广告设计在内的现代艺术的启发和借鉴意义是可以预期的。但在可见文献中，还没有发现把郴州民间工艺美术应用到平面广告设计教学的研究，因此，这属于尚未涉足的领域，本研究具有一定的突破意义。
（一）平面广告设计教学中如何应用郴州民间工艺美术
1.情感的继承。
平面广告设计者只有在真诚理解郴州民间工艺美术创作者情感的基础上，才能深刻的挖掘劳动人民的艺术成果，并把他们的情感融入到自己的设计作品中。例如，在平面广告设计实践教学中，研究郴州大布江拼布艺术的一组同学，一开始只是在网络上搜寻整理资料，缺乏对拼布艺术实物的真实美感的体验，在老师的建议下，联系了非物质文化遗产大布江拼布绣传承人何娟，走进了她的公司，了解她的创作历程与民间工艺美术创作的情感体验，接触与了解到真实大布江拼布作品的魅力，他们满怀激情的研究进程PPT汇报，感染了每一位同学，也让班上所有同学了解了大布江拼布艺术绣，为后期拼布艺术在平面广告设计中的应用打下坚实的基础。平面广告设计与民间工艺美术虽然在思维方式、表现手段、传达载体上有很大区别，但是对生活的热情、对劳动的赞美、对祖国的热爱是相同的，广告设计者在情感上的继承，也将为平面广告设计作品融入生命力，恰如其分的情感融入，不仅可以为平面广告设计作品增资天色，又可以使其具有亲和力，拉近广告受众的距离，让他们自然而然接受，做到润物细无声。
2.造型的借用与发展。
郴州传统民间工艺美术造型丰富多彩，既有表达吉祥幸福的人物、动物花卉、文字、云纹、回纹、几何抽象形态等，又有广为流传的典故和成语，还有一些约定成俗的造型寓意组合。如果将这些丰富多彩的造型借用于平面广告设计中，将为平面广告设计开拓新的创作空间。如：陈秀同学利用郴州民间剪纸的造型形式制作了“南京青奥会欢迎您”平面广告作品，在全国大学生广告艺术大赛“南京青奥会”专题设计大赛中荣获三等奖。郴州民间工艺美术造型的借用与发展，既丰富了平面广告造型语言，又为广告主融入消费群体奠定基础。将郴州民间工艺美术融入平面广告设计课堂教学中，既是对郴州民间工艺美术造型艺术的传承，也是对郴州民间工艺美术造型艺术的发展。民间工艺美术造型经过提炼再设计，既吸收其造型的精髓，又承载着广告主赋予的消费理念、价值引导、审美情趣等，是将造型特点、形式美感、大众识别性等融入到平面广告设计中，为平面广告设计注入新鲜血液，促进平面广告设计的发展。
（二）理念的创新
郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中，主要是三个方面的创新：郴州民间工艺美术传承的创新、平面广告设计形式与内容的创新、课堂教学的改革创新。
1.郴州民间工艺美术传承的创新
在全球经济一体化的大趋势下，现代化工业文明的迅速扩展，物质消费方式和生存观念的急剧改变，导致许多民族的民间工艺美术在不断消亡和流变，郴州民间工艺美术也正在消逝。2014年全国两会，全国政协委员潘鲁生就工艺美术的传承和延续指出，设计是其中一个很重要的环节，精彩的创意设计可以使传统工艺美术焕发新的生机，既可以成为时尚产业的一部分、成为制造业人文工艺的增值部分，也可以以当代艺术的形态出现，重新建构审美、文化、生活之间的联系。高校具有文化资源优势，地方高校通过其教育幅射功能，可以对地方传统民间工艺美术传承发挥直接的、有针对性的作用和影响，地方高校平面广告设计与地方民间工艺美术只有合作互补、相得益彰，才能促进彼此之间的良性互动和可持续发展。
2.平面广告设计形式与内容的创新
在“地方高校应用转型”的形势下，我院将艺术设计专业定位为“服务地方经济”，作为其主干课程之一的平面广告设计，将本地的工艺美术资源请进课堂，通过教学手段进行继承和延续，对平面广告设计表现形式进行创新的探索，对平面广告设计内容进一步丰富，将郴州民间工艺美术的吉祥寓意、造型特点、审美情趣引入到平面广告设计中，是对平面广告设计形式与内容的创新。
3.郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中是对课堂教学的改革创新
