美术论文范例

更新时间:2022-11-16 04:06:37

美术论文

美术论文范文1

一般来讲,作为美术设计专业的学生,都应该具备较为丰富的想象力和创造力,这样才能设计出更多新颖优秀的美术作品。而若没有任何依据和素材,单凭想象,就是闭门造车,也是无法设计出好作品的。因此,在美术设计教学中,教师应该帮助学生开拓视野,多学习一些丰富多样的艺术形式,这样会对学生今后创作能力的提升有重大帮助。而民间美术有着丰富多样的载体,正是一种具有很大学习价值的艺术形式,因此将民间美术引入到美术设计教学中具有重要意义。具体来讲,其作用主要体现在以下几点:

1.1增强学生的民族意识。

民间美术我国传统民族文化的重要载体,学生在学习民间艺术的同时,能够感受到古代劳动人民的智慧,并深刻体会我国博大精深的中华文化,这能够激发学生的民族意识,使其对国家和民族更加热爱,从而激发更多的创作激情。

1.2增强学生的审美情趣。

由于民间美术的形式种类较多,形式美法更是表达的非常彻底,每种民间艺术形式都有其独特的形式美法和艺术价值,学生在学习各种民间美术时,能够很好的陶冶情操,增强自己的审美情趣。同时,还可以帮助学生提升文化素养,为今后的艺术创造提供更多支持。

1.3拓展美术设计元素。

由于民间美术的载体较为丰富,学生可以从中领略到不同的艺术形式美法,这将会极大的丰富美术设计的素材,使学生在创造的过程中将更多的元素和内容引入到设计中,促进我国美术设计水平的提升。

1.4提高创新能力,参与文化传承。

学生在学习民间美术的过程中可以结合本土文化与西方美术文化进行创新,因为民间美术在运用时不能照搬硬抄,必须要对其进行加工和改进,提炼出精华部分,才能充分发挥传统美术的优势,使其获得新生,在这一过程中,学生不但可以提高自身的创新能力,还能够实现对传统文化的传承与发扬。

2美术设计教学中如何运用民间美术

2.1解读民间美术样式通过民间采风、实地调研、收集资料,文字、图片,从形态学角度研究民间美术的生存基础、造型特征、图案纹样。

了解民间美术样式的历史沿革与现状,分析其前景、危机和潜力。对构成的特点、形式法则和配色规律进行临幕整理.分析记录民间美米的装饰状态。研究各种纹样的称谓及特殊含义和传统,并分析其文化内涵及工艺制造特色,即附着于何物之上,客观分析记录原因。

2.2挖掘文化内涵在熟悉民间美术样式的基础上,以文化背景为前提,深入挖掘民间美术的内涵。

将民间美术放到民族历史文化和思维方式的大背景中去,在对其本质和美学特征的探求中,求得规律,吸取有价值的成果。文化是一个民族、历史发展长期积淀的结果,是民族存在、发展的根基所在。它是设计的文化积淀和永恒动力,是物质生活、精神生活和社会生活的综合体现。任何一个民族都是统一的文化共同体。民间美术的文化内涵受“天人合一”“阴阳五行”观念的影响,这是中国人特有的宇宙观、世界观和方法论。这一哲学观、美学观是中国人代代相传的文化链条。只有把握民间文化的本质,挖掘民间文化的内涵,激发民间文化的力量,才能找到最佳的设计定位,创造出富有文化内涵的设计形象。

2.3设计与运用在经过从感性到理性的认识之后,将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代设计中

并以自己已掌握的设计技巧再现出来,从而使设计作品在信息飞速更替的今天更具时代性和永久性。直接运用:直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法,借用到设计之中。在创作过程中,将民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材,直接运用到实践中去,以借题发挥的方式传达自己的意图,设计出的作品与民间美术之间必然有着密切的联系,使现代的艺术设计更具有民族特性。这一阶段的重点是掌握民间美术样式的各种表现方法和形式语言,掌握好民间美术词汇的运用。间接运用:总结民间美术造型的形式法则,寻找适合自己需要的形式语言,如强烈的色彩、特殊的寓意,经过融合、消化,成为自己的艺术语言。使民间美术作为一种民族文化的营养,充实和丰富自己的思想、情感与修养。创作的作品与原始素材既有联系又有区别。再创造:好的设计不但美在形式而且美在内涵,它应该既有高科技的形式美,又有理性思辨的艺术美;既有符合时代潮流的崭新样式,又能体现民族文化的内涵。只有拥有技术含量的本土艺术语言结合深入浅出的直接情感表达,创作出的作品才能给人既带来感官的愉悦,又能唤醒人们心中潜藏的情感体验。教师在设计教学中指导学生对民间美术进行全面的分析、整理、归纳和提炼,寻找民间美术与时代特征的结合点。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮,并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来,通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果,使民族传统文化在设计中不断地被重新诊释和定位。

3结论

美术论文范文2

就目前服装美术设计基础教学情况来看,还存在一些问题,具体表现在以下几个方面。其一,学生兴趣不浓。在实际的教学过程中,采用“你听我讲”式的教学,学生缺乏学习的兴趣,总是处于被动的学习。第二,教学方法落后。在课堂教学中,部分老师依然采用传统教学,导致课堂气氛沉闷;其三,学生的绘画能力不高。服装美术设计基础课程中,培养学生的绘画能力是教学的重要手段之一。但是,目前教学中,由于各方面因素的影响(比如重视度不高、教学方法不恰当等),导致学生的绘画能力不高。

二、提高服装美术设计基础教学效果的具体措施

针对目前服装美术设计基础教学中存在的问题,教师需要予以足够的重视,然后采取相应的措施加以解决。具体来讲,可以从以下几个方面入手。

(一)培养学生的学习兴趣

兴趣是做好的老师,教师只有激发学生的学习兴趣,让学生主动学习,才可以保障课堂教学效果。

1、转变角色

在服装美术设计基础教学中,老师应当转变角色,从课堂的主导者逐渐转化为课堂教学活动的组织者和引导者,让学生主动参与到教学活动中,从之前的“被动接受”转向“主动学习”,让学生真正成为学习的主人,激发学生的学习欲望。

2、结合学生的特点

要想培养学生的学习兴趣,教师还要分析学生的特点,从而选择合适的教学内容。比如有的学生比较喜欢动漫,那么老师就可以在网上找一些动漫人物,让学生分析其服装搭配特点,并指出其不足之处,然后再采取相应的措施加以解决。这样一来,可以有效吸引学生的注意力,培养学生对服装美术艺术设计基础的学习兴趣。

3、加强师生互动

传统课堂教学中,老师不重视与学生的互动,仅有的互动也只是提问学生,而且学生大多不愿意被提问,故而互动效果不明显。为了有效加强师生之间的互动,教师要善于营造良好的课堂气氛,不断活跃课堂教学气氛。这就要求教师在平常的教学中,与学生养成和谐、平等的师生关系,或者是与学生做朋友,鼓励学生在课堂上大胆质疑和提问。当学生对老师所讲的内容表示质疑时,老师不能一味指责,而是应该耐心倾听学生的想法,然后再详细讲解,实现良好的互动,让学生在互动的过程中加深知识的理解

(二)采用多样化的教学方法

在服装美术设计基础教学中,教师自身要转变教学观念,紧跟时展的步伐,综合考虑教学内容特点和学生特点,选择多样化的教学方法。

1、多媒体教学法

作为服装设计的重要组成部分之一,服装美术设计需要学生根据自身的设想,通过多种形式(比如时装画、款式图等)。因此,如果采用传统的教学方法(黑板和粉笔式教学),学生难以理解。因此,教师应采用多媒体教学法,利用其独特的优势,比如丰富的图文信息、多样化的视频资料等,将教学内容直观地展现在学生面前,让学生理解色彩搭配的不同效果、图案构成等多方面的知识,从而有效提高教学效果。

2、小组合作教学法

在服装美术设计基础教学中,为了充分调动学生学习的积极性和主动性,教师可以采用小组合作教学法,将学生分成若干小组,让学生之间进行交流和沟通,促使他们互相启发,共同进步,同时还能有效培养学生的合作意识。此外,根据教学内容的不同,教师还可以采用启发式教学法、案例教学法等多种教学方法,有效提高教学效果。

(三)加强学生绘画基本功方面的教学

1、重视人体结构教学

服装设计的服务对象是人,所以要想保障教学效果,教师必须要重视人体结构方面的教学,让学生了解人体的构造,为学生的服装设计提供重要的帮助。在具体的教学中,老师要将重点放在人体结构、比例等方面,然后结合具体的人体实例,讲解服装与人体结构的联系,让学生善于根据每个人的不同特点,设计出合适的服装来。

2、加强素描教学

素描是绘画的基础,对学生绘画能力的提高起着重要的影响。因此,在实际的教学中,教师应加强训练学生的素描能力。但是,由于素描的技术强、要求高,对于那些美术功底比较差的学生,刚学习的时候会觉得比较困难。教师可以遵循先易后难的原则,比如先让学生进行临摹,然后再逐步鼓励学生独立写生,从而有效提高学生的素描能力。3、加强默写、速写方面的教学在绘画教学中,默写和速写是其主要内容,主要是为了让学生快速掌握人物动态、结构等,提高服装设计的质量。教师平时要向学生讲解默写和速写额重要性,鼓励学生持之以恒地进行训练。此外,根据学生的特点,可以灵活安排训练方式,比如让学生在室外练习、学生轮流做模特等。

三、结束语

美术论文范文3

组织专业教师团队进行市场调研,深入了解和掌握企业对人才培养的需求,根据调研反馈的信息和研究结果,确定专业的建设方向和人才培养目标和方向。在专业建设工作中,市场调研是专业建设的探路石,为后期的专业建设提供重要的参考依据。

1.通过市场调研,可以掌握劳动力市场需求程度、生源的有效供给情况以及开办该专业所需的师资设备条件,能够在很大程度上消除新开专业的盲目性。

2.通过市场调查,了解本校毕业学生就业情况,能知晓有关专业及学生的社会适应性,及时弄清教学中存在问题,从而能为改进教学、调整专业奠定良好基础。

二、根据调研结论,组建专家团队科学制定教学计划,构建课程体系

在充分调研论证基础上制定专业教学计划,专业教学计划是为实现学校的培养目标而制定的,既要遵循教育发展的内在规律性,同时还要满足企业市场需求以及学生特点,体现中职特性和培养目标要求,为使专业设置能有效对接社会与企业岗位,学校可以聘请相关企业的技术人员或高校的专业人士,组建专业建设专家指导委员会,建立校企合作的专业建设团队,校企共同制定专业课程体系和教学大纲,定期开展市场调研和相关论证活动,对相应职业岗位进行广泛调研和深入分析,掌握企业市场动态,动态调整和完善课程建设体系。

三、以行业标准为前提,开发和完善校本教材建设

目前许多中职学校都存在着专业教材体系混乱,教材内容比较自由宽泛,技能操作缺乏统一规范,执行行业标准不一致,跟不上企业发展的步伐等问题,为学校教学带来了一定困难。组织专业教师和企业技术人员共同开发校本教材,是解决这一问题的最佳途径。教材开发应根据企业需求确定教学内容,坚持行业标准和规范为前提,“以就业为导向”的原则,依据学校现有的资源,开发适应岗位技能的专业校本教材,注重教材的整合、提炼,力争使教材体系同时兼备理论性和实用性。

四、加大师资培训力度,打造一流教学队伍

1.师资队伍是专业建设的保障,培养和打造师德高、业务精、能力强、技术硬的专业教师队伍是学校发展提升的必备条件,学校鼓励在职专业教师积极参加学历提高进修和国内外各种形式的专业技能培训学习。

2.在教学上要不断的推行新手段新方法,加大多媒体教学力度,提升教师信息技术和多媒体的应用能力,进而促进信息化教学资源的开发运用以及教学质量的提高。

3.安排专业教师参加不少于2个月的企业顶岗实践,让老师们不断将企业的新知识、新工艺、新技能应用到教学当中,为培养适应社会的优秀人才做好铺垫,保证技能教学的高质量运行,大力推动“双师型”教师的培养。

五、创新教学模式,开放教学课堂

探索和实践“工学结合”的人才培养模式,建立企业项目导向、任务驱动、理论教学和项目课程相结合的实践教学体系。开放教学内容,转变课堂教学模式,带领学生到企业参观访问,了解企业文化、行业发展动态和最新技术,将教学由课堂走向课外,引领学生走进生活,走近企业,到大自然中去创作,到工作岗位中去体验的同时提升学生对生活的观察、认识及感悟体验,更好地熟悉岗位技能,提高专业能力和职业素质培养,为今后进入企业用人单位零距离对接打下良好基础。

六、深化校企合作、加强实训基地建设,为专业建设奠定良好基础

美术论文范文4

在中国近代美术之前,美术作品不是成为宫廷庙堂上的装饰,就是远离尘事,作为文人墨客的把玩之物,显然当时的画家并没有因为缺少观众而意识到艺术上的“寂寞”。毕竟,追求闲适是中国艺术文化特点之一。直到中国社会受到内忧外患的冲击时,直到中国美术发展遇到颈瓶时,对美术功用才开始重新进行思考。当时,为了艺术为政治服务的需求,艺术家开始对社会、文化、政治等现实问题的展开关注和介入,国家开始强调艺术和公众的关系。随后,中国进入和平时代,绘画形式与语言继续发生着变化,但是没变的是美术与公众的紧密性,并且愈演愈烈。当然关系维持不再是受要求,单一的宣传某种主题,而更多的是画家主动采用展览的方式,来赢得观众的亲身参与。这种“中国绘画从宫廷庙堂、私人宅所,进入面向社会大众的公共展览会时代,是20世纪中国绘画史上的重大转变”。作为视觉艺术,美术本不该是孤独的,它应是通过展示来使更多的人参与其中,从而影响人们的思想精神,而能够提供合适展示空间的就是美术馆了。美术馆是陈列历史上遗留下来的美术作品或当前的美术创造成果,可以说是展示人类文明的场所,是提高全民素质的理想课堂,是人们接受和领会艺术的殿堂。美术馆文化,虽然属于艺术的范畴,但它必须借助于大众文化传播方式向公众推广。其实美术家、作品与观赏者本来就是一个整体,可惜的是中国美术过去长久的忽视第三者的存在,不过历史变革和时展使美术家意识到公众的重要性,告诉我们“美术家需要公众,作品也需要公众”。当然美术家对公众的“依赖”绝不是消极、被动的,他们是互助的,因为公众也从美术作品中得到了东西。

二、美术馆与公众

“学生不是常在学校的,又有许多已离学校的人,不能不给他们一种美育的机会,所以又要社会的美育。”正如20世纪蔡元培先生所倡导的美育方针,任何人都应该接受美术教育。那么,艺术普及的任务,让美术馆承担再合适不过。目前,美术馆越来越成为百姓驻足的地方,而在早期,美术馆常被误解为只有艺术人或者文化人才去的地方,而自认为不懂艺术的人则望而却步,但如毕加索所说:任何人都是天生的艺术家。每个人都有审美能力,在人们对艺术品进行欣赏时,这种能力就会表现,进而提高观者的审美情趣,艺术品位,帮助人们完成了道德与艺术上的融合,最后促进人的精神升华,这其实就是美术教育了。美术家在美的方面是领导者,他们的思想、意志以及对美的理解通过作品被观者感悟,在观者的精神领域里,美术发挥出它自身具有的普遍感染力,从而让观者受到教育。美术馆的教育作用在中国受到重视比国外要晚一些,很多早期的中国留学人员成为了先于国人享受国外美术馆教育的幸运儿,比如著名画家徐悲鸿在留法期间就对美术馆留下了深刻的印象:“因其为民众集合之所,可以增进人民美感,舒畅其郁积,而陶冶其性灵。”同样为中国美术教育做出突出贡献的刘海栗旅欧三年,却未踏入任何艺术学校或师从某位大师,而是将美术馆当成最好的老师,最后依旧载誉而归。当中国在南京建立国立中央美术陈列馆时,就提出“将美术展览立足于教育,想通过美展来提高人民群众的审美情趣和素养”。民国时期的美育要求直接促进了美术馆在中国大地上的出现和发展,随之美术馆便产生了比预想还要好的效果。艺术家需要观众的理解,观众也需要艺术的精神,美术馆在观众与艺术家之间架起互动的桥梁。中国的美术馆正在不断拓宽艺术大门,不仅重视为美术家服务,而且面向公众开展美术普及教育。

三、美术馆美术教育与学校美术教育

美术论文范文5

我们可以这样理解,如果没有舞美设计,那么对于大型类晚会来说本身的意义是不复存在的,大型晚会不同于一般的活动及小型表演,它需要舞台设计的绝对成熟与对现场的充分把控。因此,舞台美术设计在大型晚会当中的主要作用表现为三点:第一,运用灯光、布景、服装、道具、化妆等构建我们需要设计的晚会场景,为大型的综艺或主题晚会带来现场的实际效果。舞台美术设计在使用道具、布景、灯光调试及科技元素的融入,呈现出不一样的风格与特色,当然这与晚会的主题策划所相应,因此舞台美术设计在大型晚会主题策划中的第一个作用在于构景,这也是最为基础的部分。第二,对于节目中气氛的渲染。我们可以在大型晚会当中发现这样一个特点,随着节目的流程展开后,舞台美术的增加让节目的编排达到更好的效果。例如,舞台场景的更换、灯光的渐变与道具的添加等等,这些元素的融入与变化是为了能够让舞台设计充满神秘感和变化感,同样它与晚会的主题是保持一致的,运用舞台美术设计的相关技巧使得现场的场景与表演更加精彩。第三,与策划主题保持一致,为节目策划带来舞台效果。在大型晚会举办的过程里面,舞台设计是最为重要的一部分,因为运用一切艺术设计与其相关的场景布置都是与节目策划息息相关的。因此,我们从另一种角度来说,舞台美术设计也具备一定的节目性与内容性,因为它必须围绕策划内容展开,同时它也是为策划所服务的。因此,我们对舞台美术设计的理解将得到拓展,它不仅仅是舞台的基础布置与灯光调控,同样它运用高价值的艺术表现力为我们呈现出不一样的魅力。对于国内外举办的大型晚会来说,想要真正地达到舞台表演的效果,必须先从现场的美术设计能力着手。现代舞台美术设计,它的定义越来越宽广,除了上述提出的三个方面以外,还具备许多新鲜的元素。例如,它可以使主题晚会充满立体视觉,同样在色彩的运用和道具的搭配上突出与创新,因此舞台美术设计是实现晚会策划目的的根本,我们运用这种艺术与实践能力,通过搭配、渲染、感受等多方面的能力去实现艺术所呈现的效果与目的。

2舞台美术设计在大型晚会主题策划中的重点

2.1空间设计的美感

对于大型的演艺活动来说,空间布置较为复杂化,我们以一个主场的物理空间去拟定控制范围。例如,露天晚会、大型的户外晚会或是剧场型室内晚会,根据不同的空间性质去设计与拟定,让整体保持个性与独立。而舞台的呈现也多样化,如现在所流行的伸出式舞台,或是中心与局部的舞台设计等等。因此,保持空间设计的美感是根据这些布局位置和整体表现而定的,下面笔者说一下空间设计应该具体把握哪几个要点:首先,我认为应当保持晚会设计的整体视觉感,它应该具备多角度、全方位的特点,这样才能够缩短因距离而造成视觉障碍。而色彩、灯光以及运用新型视觉技术都可以在设计当中避免这个问题。通过对场景的合理的布置和演员表演的位置去体现空间呈现的准确感,很多设计灵感中,舞台美术设计可以通过外在因素的改变去缩短因室内或是室外场景存在的不足,我们可以看到大型晚会的背景板或LED屏幕的呈现感,这些都是通过设计来实现现场位置的不足。空间呈现的灵感体现在科技和设计者的觉悟,真正拥有艺术天赋的人不是刚愎自用,而是运用现代元素与科技改造空间,以最美的视觉去呈现空间的优势与独特。而这种独特是独一无二的,虽然物理空间会受到一些限制,但是对于设计师来说,他们会避免其中的缺点,将空间的优势完美地表现出来。其次,注重设计的灵感与观众的感受。大型晚会的举办不等同于一般的小型活动,它对于空间设计的层次感与视觉影响要求非常严格。或者说,空间设计决定灯光效应和整体的美感,也就是根据不同层次和场地的特征进行设计与布置,运用道具、灯光、布景弥补场地存在的缺陷,或是对于优势较为明显的场地来说,充分利用其优点发挥特征。所以我们在舞台设计当中,一定要以空间设计的美感为主,因为只有在设计环境的把控下,才能够更好地发挥才能,创造出不一样的空间感,给观众带来绝对的视觉盛宴。

2.2舞台媒介的多样与新潮

在时展的今天,舞台美术设计已经不仅仅局限于灯光和布景,它运用新的媒体技术去实现现场的立体感与视觉体验。我们可以密切关注这几年的中央电视台春节晚会,大约在十年前,央视还采用灯光与舞台的设计进行布景,可是时展到今天,我们所看到的是一种科技元素的融入,大家可以在不少舞蹈的编排当中感受到身临其境的体验。例如,采用新媒体和新介质的加入,如应时代而起的多媒体3D布景,运用信息数字技术为我们呈现出来独具特色的三维立体背景,让我们观察出立体的景象,给观众以绝对的视觉冲击等等。在大型的晚会当中,我们所强调舞台媒介的多样与新潮,其原因在于,科技的成熟为人们带来更多的体验,而舞美设计早就与科技发展结合为一体。例如,我们运用电脑去构图,运用数字科技与多媒体技术来呈现生机勃勃的画面,这些都与舞台媒介息息相关,可以说舞台媒介的科技发展已经让大型晚会上升到一个新的高度,恰恰我们运用这种画面去配合晚会的主题设计,用更为生动的画面去达到我们想要的效果。尤其对于当代的舞台灯光设计来说,它已经开始结合多媒体技术,我们可以参考国内大型晚会场景,其舞台背景和投影设计,在配合灯光的前提下,能够呈现出大气磅礴和热情盎然的景象。因此,舞台媒介被重视,并且会随着时代的不断发展呈现更多的创新模式。在中央电视台的一次春节晚会活动中,央视运用机器人实现现场互动与对观众热情的熏陶,在一些舞台背景的设计上,运用数字技术实现空间的立体感,这是数字技术的加入,一方面体现舞台设计的现代感,同时给人以现场感的融入。例如,一些小品、歌舞及杂技表演,通过多媒体背景的设计,带来真正的场景布置,这样的感受如同立体电影一样,更能让人融入大型晚会的气氛中。

2.3设计风格与晚会主题策划的吻合

我们在举行晚会之前,一定要明确这次晚会的主题是什么,同理,主题的含义也代表着舞美设计的主要核心。我们举个例子,如大家所熟悉的音乐主题晚会,在晚会策划之前,要明白以音乐为主题的晚会侧重点在哪里,或者是大型的歌舞晚会,或者是单独的明星聚焦音乐晚会,或者是综合性晚会。根据主题的特点去设计现场,如对于较为现代的青年晚会来说,在举办的前期设计当中,设计师会运用很多灵活的元素与鲜明的颜色给现场带来视觉冲击,同样在灯光的运用上更加符合年轻人的审美观。在现场场景的布置上,这种音乐类型的主题晚会在道具的设定上较为简单,但是在背景布置及LED的选择上却绝对不可以马虎,因为多媒体媒介的加入与电子乐、现场音响的配合更大程度上提升了青年类音乐会的活力。因此,晚会当中存在的主题决定其舞台美术设计的重点。例如,一些大型的联欢晚会上,像这种综合性较强的晚会设计,在舞台美术的要求当中非常值得考究,因为要运用伸出式舞台和现场空间的设计去转换场景,如歌舞表演后,我们可以马上看到相声和小品的切入,这种转换是贴合主题而进行的,只不过综合类型的晚会整体主题很明确,但是在节目的编排上会融合综艺元素。因此,在舞台美术的设计上较为全面,所以主题与舞台美术设计的相符合对于大型晚会来说非常重要,设计有时候往往注重一种感觉,而主题的策划就是明确这种感觉,进而延伸,以精准的舞台与画面为大家展现出美丽的成果。

2.4人物形象的塑造与服装道具的安排

提及人物形象这方面,节目在编排内容和主题策划时,舞台美术设计早已与表演中的人物形象相贴合。我们举个例子,如在小品节目的编排上,我们会采取非常轻松、贴合生活的LED背景和舞台道具,这些都是人物形象的精髓联系在一起。如果舞美设计和人物表演相差很大一段距离,那么就会违背大型表演的策划主题。因此,无论在人物形象的塑造,还是服装道具的安排,在每一个方面,它所融入的元素都是一整套系列的,局部的设计有出彩之处,我们再将舞台美术设计的整体保持一致,这才是舞台设计的精髓所在。从舞美设计的细节出发,我认为人物形象的塑造与服装道具的安排一定要细致并且不可以草率。对于大型晚会来说,服装与道具乃至舞台的匹配度非常关键,在整个服装材质的把控上,要经过严格的筛选,不少设计曾经认为,舞台美术设计的范围很广阔,那么在服装的搭配和节目编排上,它成为了舞美设计当中的重要细节。我们不难发现,在央视举办的联欢晚会中,服装颜色与灯光的配合能够带来非常好的艺术效果,同样在道具的安排上结合整体的舞台场景,显得非常具有匹配感。因此,我认为舞美设计是与细节息息相关的,而道具的设计、服装的搭配、整体的空间感与场景、灯光是一个整体,只有处理好这方面的细节问题,才能够真正地发挥它的艺术美感。所以舞美设计的重点也表现在细节方面,如道具、服装和人物的表演,它不是死板的常规工作,需要我们按部就班地进行,而是根据创意、主题和现场去拟定最完美的效果,这也是为什么许多大型晚会能够给观众带来真正的震撼感,也能够让其在家享受盛宴以此作为最大的娱乐方式,因为只有在我们处理好细节的同时,才能够配合舞台设计出最为完美的晚会,这些是设计师们追求的最佳结果。

3结语

美术论文范文6

一、舞台美术设计中的色彩运用

如果说绘画中的色彩搭配是为了提高其艺术价值的话,那么在舞美设计中色彩的运用就是为了增强舞台的艺术美感。色彩在舞台中的实际运用启发我们,在舞台上戏剧或是其他艺术形式所呈现的不仅仅是整个艺术活动想要表达的思想情感,更需要观众对整体舞台美感产生共鸣,这正是舞台艺术的魅力。舞台上经常需要通过色彩的冷暖色调、透明遮盖的穿插以增强画面效果,真正地吸引到观众的注意力,给予观众视觉上的享受,这也是色彩在舞美设计中的重要作用。舞台节目不是平面的,而是三维的。在远近不同、凹凸有致的舞台上,如何来安排冷、暖颜色的远近次序等空间逻辑是一个值得思考的问题。在安排色彩的远近时,应该考虑到人类的视觉习惯。一般情况下,亮度较高的颜色,通过人们的视觉传递后会产生比原距离近的偏差;反之,亮度较暗的颜色则会产生较远的偏差。由此,合理地安排颜色应把亮度较高的颜色略向后移动,亮度较低的颜色略向前移动,由此来平衡人类的视觉偏差。如通过对色彩层次的恰当把握,在有限的舞台空间里营造出层次分明、逻辑合理、各有风格的舞台效果,以此可获得成功。

二、舞台美术设计的表现形式

歌剧《奥兰多》(Rinaldo)是乔治•西平最具挑战性的舞台美术设计,他叙述其设计过程道:“当偶然遇到自己难以解释的情况,心跳加速时,我知道可能意外地发现了我需要的某种东西。”在剧目构思方案期间,乔治•西平在伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆参观时,看到展厅中古代玻璃器皿在白炽光灯展箱里展出的待殊效果,这为他的设计带来了灵感,便认定这就应是《奥兰多》布景的效果。回到工作室,他打碎了几个玻璃瓶,再用胶将它们粘合后放置到日光灯箱中,把造型和空间位置调整到满意程度,随即把这种效果再放大到舞台上。由此,约6到10米高的透明瓶子造型没用任何支撑结构屹立于演出舞台之上,这些透明瓶在演出中可以在舞台上前后左右移动,依据演出的需要变换成各种空间形态,通过舞台天幕映衬,看上去时而像城市楼群、峰峦和云彩,时而又像圣徒的身影和女性的体形,使人浮想联翩。乔治•西平通过演员、放大的透明材质瓶子在舞台空间中不同的变化组合方式,完成了整个歌剧的舞台场景的视觉体现。戏剧表演的成功与否最直观的体现就是能否抓住观众的注意力。吸引注意力最主要的部分是该戏剧表演的内容,但是,能否吸引观众的注意力在一定程度上也取决于表演整体的造型设计是否新颖,是否足够吸引人。舞台美术设计包括表演者的整体造型,表演者的造型在表演特定的内容时是有固定的形式的,因此,每个时期的人都要有符合当时大时代的穿着打扮,不同身份背景的人物也都有不同的造型风格。但是在有些方面,表演者的造型设计也可以根据剧情和想表演的内容来进行相应的设计,以突出鲜明的人物特征,对表演者的表演具有积极的作用。整体表演的美术设计相对于表演者的设计要繁琐许多,舞美设计者在根据表演整体内容考虑整体造型设计的问题时,还要考虑整体设计中很多的细节,考虑这些细节怎样设计才能更准确地体现表演的主题,起到画龙点睛的作用,在细节里凸显主题。所以,舞美设计与戏剧的调和对戏剧的整体艺术效果起到很大的影响。舞台艺术中的美术设计表现形式具有多样性的特点。舞台艺术的最大魅力是能够通过艺术设计来创造一个虚拟世界,而在此之中需要美术设计人员进行相应的美术设计,才能够使这个虚拟的世界更加真实,更能吸引观众的眼球。

作者:杨子

美术论文范文7

中国民间美术博大精深,从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化,再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观,同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深,其中很多生动的设计元素,能够给予设计师巨大的灵感和启发,使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势,可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件:人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源,有针对性地为学生增加各种民间美术课程,如历史典故、风土人情、传统工艺等内容,并且根据今后的职业需要,向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术,是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试,也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。

二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学

我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库,但大多数原生态形式并不适合被直接利用,必须经过筛选、解构,再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点,唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中,形成了蒙古族独特的审美:他们产生了“对天神的崇拜,对蓝色和绿色的钟爱,对辽阔景象的憧憬,对动物灵性的感悟等”情感,也形成了独特的思维,“追求与苍天的呼应,思维境界自然率真,艺术格调自然质朴,群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此,在艺术设计教学中,教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念,还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度,建筑类、服装类等等;从造型特征角度,单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”,在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程,加强了形象的记忆力、理解力,为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计,不是简单的继承传统,而是“取其精华,弃其糟粕”,用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤:一是“知其然,亦要知其所以然”,深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵;二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道,从民间美术中精炼代表元素,再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念,又能表达传统民间美术思想;既开拓了艺术设计取材的眼界,又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。

三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新

1.转变思想,对民间美术科学地传承与创新

黑格尔说,艺术的要务不是收集,是创造。因此,艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展,艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感,两者相得益彰。在教学中,教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识,二者的本质是相通的,仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来,再将其应用于艺术设计之中,依照这样的思路才能既继承了民族特色,又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源,是地下水;艺术设计是地表水,通过利用二者共同性的方法,是把地下水抽取到地表上来,让地下水不断补充地表水,这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍;若是本末倒置必会误入歧途。

2.采用多种教学方法,吸取内蒙古民间美术精髓

美术论文范文8

(一)培养目标偏离

当前,多数高师院校面向市场不断调整人才培养目标,相继增设了平面设计、环境艺术设计、动漫设计、制作游戏动画设计和图形图像制作等专业发展前景广阔的应用型艺术设计专业。可以说,当前高师美术教育已成为市场经济体制下的产物,为了适应市场的需求,形成了培养方向多元化的模式。上述这些专业都是市场经济时代的产物,紧随社会的需求而生。高师是为社会培养教育人才的地方,其专业设置有一定的特殊性,为了增加生源或是一些实际利益而改变其办学理念,随波逐流,这样的高师院校已失去其师范性特点。

(二)课程设置不合理

美术课是中小学课程体系里比较重要的一部分,其目标是以审美教育为主线,以学生的智力和才能培养为核心的。审美教育以掌握美术基础知识、基本技能为内容,是按照美的规律施行的一切教育。但是,高师美术教育专业没有清晰了解中小学美术课程发展的现状,所设置的课程多以教授和发展学生的绘画技能为主,而忽略了对学生的审美培养。中小学美术课旨在对学生审美能力和基础绘画能力的训练,因此,精准、狭窄的专业知识并不能适应中小学学生丰富多样的爱好和需求。但是,当前多数高师院校重美术专业轻教师职业,美术技法类课程学时多,大约占总学时量的80%以上;而相关的教育理论与实践课的学时少,大约仅占总学时量的5%;到基层参加教育实习的学时更少,四年时间一般只有一个月至一个半月。课程设置不合理,培养出来的学生很难适应中小学美术教育教学工作的需要,也很难在日后的教育教学中提高教育教学水平和能力。

(三)教学模式陈旧

多数高师院校绘画技能技巧教学还是采取灌输式教学,只培训学生绘画技能、技巧,不具体分析为什么这样画,也很少对学生的绘画作品进行分析与评价,缺乏启发和发散性教学思维,学生绘画技法很难得到提高。教师教授美术史论课也是灌输式、一言堂,形式呆板,缺乏师生互动,学生被动接受,影响教学质量和效果。我国现行的高师美术教育专业教学模式仍沿用专业美术院校教学模式,偏离了师范性的方向,培养出来的教师很难适应中小学美术教育教学工作的需要。

二、高师美术教育突出师范性的途径

针对我国现行的高师美术教育专业教学模式难以培养出适应中小学美术教育教学工作所需人才的现状,我们只有明确培养目标、调整课程结构、精选教学内容、改革教学模式,才能走出困境,培养出适合中小学美术教育教学工作的合格教师。

(一)高师美术教育必须明确培养目标

高师美术教育方向的偏离,一方面使得旨在从事中小学美术教育工作的学生缺乏专业素养,不能很好的胜任教学工作;另一方面,使得中小学美术教师资源缺失,不利于社会资源的分配。因此,我们要用科学的态度和正确的思想研究和实施美术教育,要明确高师美术教育教学改革和发展的目标,使高师美术教育教学突出师范性,以培养出合格的中小学美术教师为终极目标。新课改实施后,对美术教师各方面的能力要求都有了进一步的提高。高师美术教育要在明确培养目标的基础上,主动适应中小学美术教育教学工作的需要,适时调整课程结构、改革教学模式、注重教育教学技能,突出师范性。

(二)高师美术教育必须调整课程结构与设置

高师美术教育师范性就是要求学生要掌握美术专业的理论和技巧,还要与时俱进,具备中小学实施素质教育所需要的教育教学能力。应加强教育教学理论学习,增设和拓展教育理论课程,如:“手工制作教学”“媒体艺术教学”“美术欣赏教学”等。健全和规范教育实习课程,编写科学完整的实习课程教学大纲,使实习课程有明确的依据和统一的标准,建立固定的教育实习基地,经常开展教育实践活动,增加实习课时,保障学生有足够的试教机会,培养和训练学生独立从事教育教学的能力。师范类美术教育以培养中小学美术教师为主要目的,这就决定了学生既要展示美术教育内容的“博”,展示内容应该包括国、油、版、雕、水彩、设计、手工、剪纸、书籍装帧、多媒体制作、民族图案等等美术诸多门类的基础内容。[3]此外,在技法课教学中要增加构图、透视、解剖和色彩运用等基本绘画常识内容,要适时、适度增加如“美术鉴赏与批评”“美术教育论文写作”“文化艺术名著导读”等重要课程,拓展学生视野,提高赏析水平。要开展形式多样的学生评述活动,采取学生自评、他评等形式,对中外名作和学生习作进行分析与评价。当然,在“博”的基础上还要求“精”,使学生能学有所长。

(三)高师美术教育必须改变传统教学模式

传统教学模式只注重对学生美术技法上的训练和实践,缺乏职业技能的训练。因此,要重视学生能画、能教、会教的能力,重视包括教案、课件、讲义、课堂范画在内的教育实践成果。并且,高师美术教学中还应广泛运用多媒体、电脑和网络信息技术手段。运用多媒体,把网络搬进课堂,可以改变传统一言堂、满堂灌的教学模式,增加美术教学过程的生动性,有利于形成师生互动的探讨式教学模式,提高教学质量和效率。此外,随着基础课改的深入推进,教育教学方法也需要随之不断改进,高校教师的任务不仅是传道授业解惑,更重要的是指导高校学生如何学习知识、增长见识、提高能力,特别是学生在走上工作岗位后,如何更好的适应工作,创新工作。

三、总结