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音乐教育学论文范文1
论文关键词：高校；音乐教育；创新；培养模式
目前我国的高校音乐教育，还存在着某些滞后的观念，这与高速发展的社会和日益更新的文化是极不谐调的。这种滞后与不谐调，使我们愈来愈深刻地认识到，转变和更新教育观念的重要性与紧迫性。
观念之一：重音乐技巧轻文化知识。
这种观念，有一定的历史背景。我们对高校音乐教育专业招生的文化录取分数稍加留意就不难发现，这种观念是其录取标准的“派生品”。尽管近些年我们已经意识到降低高校音乐艺术专业的文化录取分数的危害性，但由于历史的因素，社会上已经形成了一种根深蒂固的意识：“高校艺术专业录取的文化分低”。言外之意，考不上普通院校，考艺术院校。报考艺术专业是部分考生开启大学之门的一把“金钥匙”，是通向大学之门的一条“捷径”。抱有上述观念的学生在每年的师范艺术考生中占60％左右，其中一部分考不上其他专业的考生把眼光转向音乐专业，从而日夜加班突击音乐技巧，以尽快实现大学梦。那么，其他40％的艺术考生呢，对音乐的热爱是真实的，同时文化知识也开始“滑坡”，但是他们并不担心考不上大学，原因不言而喻。不管抱什么心理，这些学生进入高校之后重音乐技术，轻综合文化知识，是必然的结果。
上述学生带着业已形成的观念进入高校后，尽管教师每天强调综合文化知识的重要意义，也很难从根本上改变这种先期形成的观念。从我们所了解到的情况来看，学生宁愿每天在音乐技巧上花更多的时间，宁愿在音乐技巧上投更大的“资“，宁愿在音乐技巧上吃更大的苦，也不愿在综合文化知识的学习和提高上下功夫。因此，原本进校之前文化知识水平就较低，进校之后，对英语、大学语文、大学心理学、哲学、艺术概论等课程，又如何能学进去、学得好?某高校音乐系在每年文化考试中，尽管考前均采取强硬的杜绝考试作弊的措施，但每年仍然有不少学生抄袭、作弊，领导、教师对此感到非常棘手。但仔细分析就会发现这是一种必然的现象。音乐专业的学生，录取时文化课的分数均在不及格甚至更低线上，进校后学校又不单独为这些学生补课，这样的文化基础要想考及格，只有一条路——作弊。
观念之二：重音乐技术轻音乐理论。
学生的具体表现：对音乐技术学习有直接作用的课程感兴趣，对基础理论课，如史论、音乐美学、和声、配器等课程均不感兴趣。有些课程即使在教师的严格要求下学生被动学习，也不能真正深入进去。学生们认为，这些课程与所学技巧并无太大的关系，这些课程不能帮他们在毕业后“谋生”。加之教师强调某些专业技巧课的重要性，从而使学生把越来越多的时间和精力投入到年复一年、日复一日的技巧练习方面。
即便是有些学生对某门音乐理论课感兴趣，但他们并没有意识到，仅有纯音乐技术的提高，而没有音乐理论水平的提高，是不能促进音乐全面素质的提高的。二者之间是相互促进，缺一不可的辩证关系。因此，往往造成音乐技术与音乐理论学习的失衡。实质上这种失衡对高校音乐教育专业培养目标会产生潜在的影响。
观念之三：重视本专业轻视相邻专业。
搞声乐专业的学生买歌曲集，搞钢琴专业的学生买练习曲，搞小提琴专业的买小提琴练习曲。
总之，从部分音乐专业的学生购书、借书、存书这一侧面，就会发现一个问题，即有多少学生在学习自己专业的同时又注意学习相邻专业知识?“学好本专业知识，考出一个好成绩，就算是一个好学生。”这是我们目前高校音乐教育专业培养人才的现实标准，这是一个无奈的标准，因为在学好本专业的同时，又学好相邻学科的知识是一个高级的目标，是一个对大多数学生显得过高的目标。学好本专业是一条通向事业成功道路的独木桥，一些学生的思维往往被限制在狭窄而封闭的空间，他们意识不到借鉴并学好相邻学科的知识，是音乐教育专业学生走向更高境界，向更深层次发展、研究、探索的阳光大道。
观念之四：重文本知识，轻实践能力。
首先，随着我国改革开放的深入发展，社会对人才的要求，已开始由以前的学历型、知识型转变为综合型、能力型。但由于在我们的教学内容中，音乐技术课，音乐理论与文化知识的选修课，几乎占据了90％以上的课时，而对学生的教育实习，被迫将以前的统一安排、统一指导的集中实习，变为个体自主、宏观指导的分散教育实习，使学生失去了更多的提高能力的机会。其次，对锻炼学生动手能力、动口能力、教学能力的艺术实践活动，有些院校并没有真正在教学活动中形成制度化、规范化。因此，高校音乐教育专业培养出来的一些学生“四不像”，“高不成，低不就”是可想而知的。根据调查了解，高校音乐教育专业相当数量的毕业生走上教学岗位后，因综合知识贫乏和艺术修养的肤浅，十分渴望重返校园。
前面所谈的几种观念，在高校音乐教育专业的教学中既有典型性又有普遍性，其中有教师的原因，也有学生自身的原因，但根本的问题还在于我们对陈旧教育观念的承袭。只有观念的转变，才能有教育创新。要改变高校音乐教育的现状，必须在人才培养模式上做到以下几个转变。
其一，由单一型、封闭性向开放型、综合型人才观念转变。即由只注重音乐技巧，仅从音乐本学科接受知识，转变为以音乐为主、多学科吸纳营养。只有如此，才能培养学生的综合文化素质，提高学生的艺术品位。任何艺术，虽然都有技术、技艺的成分，但纯技术永远不可能成为艺术，因为艺术问题首先是人生问题，艺术是一种人生观，艺术式的人生才是有价值有意义的人生。培养音乐人才只有注重培养学生的艺术化的人生观，才能真正洞彻艺术的奥秘，只有深入理解人生，深刻体验生命，才能理解和把握艺术。生命、价值和意义是艺术的核心所在，文学、哲学(特别是生命哲学)、历史是熔铸智慧、通向艺术殿堂的秘密所在。
其二，由技能型向思考型、理论型人才观念转变。即摆脱艺术院校人才培养模式，从机械的技能练习，转变为思考式、思辨式、智能式的理论把握和理论指导，从而提高学生的理论素养和理论水平。
长期以来，高校音乐教育以传统教育学理论为指导，其结果造成技巧课机械模仿和理论课被动重复、记忆的局面。“从心理学角度来分析，技巧练习与其说是练习动作，不如说是练脑，即：练习对动作的控制。在练习中产生的表演动作的困难，究其原因还是大脑对动作的调节控制产生的困难，明白了这个道理后，在进行技能练习时，应展开积极的思维并分析造成演唱、演奏动作困难的原因，以聪明的大脑指挥来排除练习中的困难。”’。因此，教师引导学生学会运用科学的方法学习是至关重要的。著名教育家陶行知先生曾说：“与其把学生当作天津鸭儿填入一些零碎的知识，不如给他们几把钥匙，使他们自动地去开发文化宝库和宇宙的宝藏。”事实上，教师引导学生学会运用科学理论指导自己学习，应成为高校音乐教育的一条主线贯穿整个教学过程。因此，教师一定要深入了解现代学生的心理趋向和个性特征，善于激发学生的学习积极性，逐步使音乐专业的学生摆正文化知识与音乐知识、音乐技巧、音乐理论学习之间的关系，使其相互统一、相互促进。
当今时代，知识积累和知识更新日益加快，要想让学生在校期间学到将来工作所需要的全部知识，显然是不可能的。事实上，人们在工作岗位上所需的知识，绝大多数是在工作实践中重新学习的，在学校期间的学习只是奠定一个基础。联合国教科文组织总干事纳伊曼说：“今天所教的百分之八十、九十都应该放在科学方法论、教学方法、推理方法、收集资料的方法、从事实中做出结论以及分析事实和综合事实的能力上。方法比事实更重要。”激发学生内在的潜力，培养学生积极思考的能力和运用获得知识去解决面临的新问题的能力，培养学生善于选择、获取、吸收新知识和总结新经验的思想方法，这是高校音乐教育转变传统观念，全面提高学生文化素质和专业水平的最佳途径。
其三，由培养知识型、技巧型向培养能力型人才观念转变。即将学生对文本知识的把握转化为实际能力的提高。
培养学生的实践能力和参加社会活动的能力，为学生将来走向社会在综合素质和基本能力等方面做好准备，是高校音乐教育的又一项十分重要的任务。因此，艺术实践应规范化、系统化、多样化，新观念、新方法和新兴课程应纳入常规教学，而不应仅是某一学生或教师的个人行为。
音乐教育学论文范文2
一、重视音乐的情感灌输，提升音乐教学的品味
一是音乐与能力培养的关系。音乐不仅能够培养审美能力，还能够培养创造力，开发学生的智力。美国在六十年代为了研究音乐对人在创造能力发展方向的作用，在哈佛大学设立了“零点项目”研究，取得了可喜成果。目前虽然各学科都谈培养创造力，但音乐在此方面尤为突出。音乐产生过程就是创作过程，学生的表演或欣赏都必然伴随着创造和联想，音乐可以激发学生的表现欲望和创造热情，在主动参与中展现它们的个性和创造才能。
二是音乐与社会交际的关系。《让世界充满爱》这首歌曲学生都爱唱，通过歌曲的学唱，我感受到孩子们喜欢这首歌曲，不光是因为它的旋律好听，而是通过歌曲的演唱，大家都感受到了旋律比文字更加直接地到达了他们的心灵。他们会为现实生活中在天灾中逝去生命的人惋惜，更为失去亲人的人们痛心，他们真正在歌曲中感受到了“我们同属一个世界”。音乐教育为学生提供了创造性表达情感的可能性，这种价值对人格的发展作用是不可低估的。我们的课堂的主要内容和教学形式常常是以集体的方式进行的，这种相互配合的群体音乐活动，同时也是一种以音乐为纽带进行的人际交流，有助于学生的社会交往能力发展。
三是音乐与心理健康的关系。“当音符在冥冥中翩然起舞，你会忘记人世间所有的烦恼……自由自在的游弋于音乐汇成的河流……。”心理健康教育需要让学生“能调节控制自己的情绪，保持愉悦的心态；能够承受挫折；正确认识环境并适应环境；具有健康的生活方式与习惯；有积极的人生态度和良好的行为规范；人际关系协调……”等。音乐是人类的心灵体验，是人心理的折射，可以陶冶情操、净化灵魂。良性音乐能提高大脑皮层的兴奋性，可改善人的情绪，振奋人的精神。完备的音乐审美心理结构，已成为人类心理健康水平提高的重要标志。
二、重视音乐的互动效应，提升音乐教学的深度
1．学生是主角，让教学动起来。无论是教学什么样的课程，我们都要让学生动起来。互动教学可以激发学生的审美观、创造力、想象力、合作力，在教学过程中，老师要让学生当主角，要善于从学生的学习活动出发，刺激学生的学习激情，让学生的主动参与到学习过程中，积极去组织活动，在活动中去思考、创造、表达，这样才能够真正激发学生的学习积极性，为能力发展打下基础。在音乐教学中，教师若只注重知识技能的传授和训练，不给学生提供参与和表现的机会，那么，学生将失去创作音乐和享受音乐的兴趣。
2．情景是主调，让教学活起来。无论是审美、还是发挥音乐对于心理健康发展的影响，都需要情感的参与，让学生的身心沉浸在音乐的海洋中，让学生“心变成鸟，轻盈地飞翔在音乐构成的天空……”，我在教学《采茶舞曲》时，首先播放录像，让学生聆听观看采茶姑娘采茶时的情景，了解采茶劳动的特点，感受茶山、茶林的景色，推荐有表演特长的学生上台为大家进行表演。学生通过观看、聆听、演唱、表演等多种形式激发学习兴趣，从而感受、理解音乐艺术的魅力。
3．实践是主体，让教学立起来。音乐实践活动的组织体现一个教师的教学能力与水平，教师要善于研究学生，设计各种形式的课堂教学活动。这些活动要能够体现学生主体，让学生动情。如欣赏《龙船调》，在欣赏的同时让学生们自己设计动画场面，学生们的尽头非常十足，创设了几种表演场面，他们将拖把和书包作为道具用于表演。这种既载歌又载舞的律动形式调动了同学们的积极性，使学生全身心的投入到音乐艺术的创作之中。唱《渴望春天》，要求每位同学画一幅表现春天的景象，上课时将最优秀的作品呈现给同学们看。这些活动让学生参与实践，创造音乐教学的情景也就随之形成。
4．兴趣是主题，让教学新起来。“节奏与乐调有最强的力量侵入心灵的最深处”。兴趣是学生参与音乐教学活动的前提，兴趣是培养人对事业的追求的基础。教师要运用各种手段刺激学生去参与、去思考，激发其兴趣，让学生情感盎然地学习。在听《二泉映月》过程中，我首先对阿炳的坎坷经历进行一次陈述，再让学生欣赏过程，效果自然不同。许多学生还真的走进野外，面对泉水去感受阿炳的心路历程，尽管这种想法近乎天真，但是，这样的教学方法却使学生的学习积极性空前高涨，真正使学生走进音乐情景，陶冶了学生心灵。
三、重视音乐的教学方式，提升音乐教学的效果
在教学中，我们要多元化地实现音乐教学的价值，教师必须要打破“填鸭式”的传统教育模式，赋予其新的内涵和生机。
1、改革传统教法。传统教法中枯燥的、单纯的技巧训练和灌输死记硬背的知识对于培养多元化素质是不够的。教学中，应充分揭示节奏、旋律、音色、和声、力度、速度等在音乐中的表现作用，让学生亲身感受到音乐中最激动人心和极具表现力的部分。教师在教授《梁祝》、《渔舟唱晚》、《春江花月夜》不能就曲调教曲调，而是通过悠扬乐声感受“志存高远”和“生死不渝”的气节。
2、创设快乐情境。教师要努力发掘音乐教材的快乐因素，讲课时亲切自然、幽默风趣，创造出快乐的课堂气氛。作为学生，他们一般对流行歌曲比较感兴趣，因此，教师要通过营造气氛，把学生的喜好从单一程度中解放出来，正确引导他们欣赏和审美是音乐教师责无旁贷的责任，告诉他们，越是民族的越是世界的。如增设《流行音乐欣赏》、《摇滚乐欣赏》、《交响乐欣赏》等，通过分角色演绎，解读情境，不仅使学生感受到不同风格的音乐，而且受到情感的教育，老师乐意教、学生也愿意学，以此激发师生的共鸣。
3、培养良好习惯。音乐教学是循序渐进的，音乐技能与欣赏技能不是靠一节好的课能够达到的。所以，在教学中培养学生良好的学习音乐的习惯是非常好的方法。一方面要告诉学生音乐学习是循序渐进的，不能够着急，要坚持。另一方面，交给学生在日常生活中如何去欣赏学习音乐，给学生推荐一些值得学习欣赏的作品等，给学生一定的机会让学生去表演表达，这样时间长了，学生的习惯就能够养成，音乐的素养也就能够发展起来。
音乐教育学论文范文3
音乐教学通过对歌曲的时代背景的讲解，词曲作者创作背景的了解，使学生更深刻地体会到我们幸福生活的来之不易，更加珍惜现在的生活和学习机会，激发学生的爱国热情。“总想对你表白，我的心情是多么豪迈，总想对你倾诉，我对生活是多么热爱”歌曲《走进新时代》是一首抒情歌曲，它的旋律优美，歌词质朴简洁，朗朗上口，亲切感人；它是一种情感的自然流露，也是人民发自肺腑的心声。“勤劳勇敢的中国人，意气风发走进新时代”，铿锵有力的歌词，激昂的旋律，使学生在音乐教学当中，深刻体会到祖国上下万众一心，在潜移默化当中，学生将自己融入祖国的大家庭当中，激发出对祖国和人民的的无限热爱，坚定了为祖国的伟大复兴贡献聪明才智的决心。
二、音乐教学有助于提高学生的团结合作，培养集体协作精神
在音乐当中个体与集体要相互配合，达到高度统一，和谐的旋律要靠大家的协同努力。在音乐教学当中，要有意识地培养学生的德育功能，集体主义协作精神。合唱与合奏最能体现出集体主义意识，大家要相互配合，整齐划一。学校音乐活动的开展，为学生搭建了一个交流与合作的平台。在歌咏比赛当中，参赛选手要时刻把集体利益放在首位，通过默契的合作才能达到完美的艺术效果。在多声部音乐表演中，学生担任的声部在不断的变化，一会儿是主旋律，一会儿是低音声部，及时地调整自己配合整体的表演，集体荣誉感得到升华。
在歌舞表演当中，学生有的是演唱者、有的是舞蹈者、还有演奏者，更有指挥者，学生们充分展示各自的特长，更要有高度的默契，一场节目，要多次练习和彩排，大家要付出艰苦的努力，节目的成功与否，最能体现出集体主义的合作精神。在集体表演当中，不仅可以让学生体会到合作的乐趣，还可以让学生领悟到克制自己的表演欲望而服从集体的必要性。
三、音乐教学有助于丰富学生精神生活，树立健康的人生观
音乐教学通过音乐的审美欣赏过程，使学生产生共鸣，音乐作品传递的审美信息有助于学生人格的完善，健康情趣的培养。随着计划生育的普及，现在的学生独生子女居多，由于从小娇生惯养，任性骄纵，通过电影歌曲《世上只有妈妈好》的教学，德育功能使学生体会到母爱的伟大，克服自私心理，学会珍惜，学会感恩。
音乐教学以优美的旋律、感人的歌词、丰富的和声，营造出充满想象力的艺术氛围，陶冶了学生的情操，使学生在感情上产生共鸣，在音乐的熏陶下，培养学生积极乐观的生活态度，树立健康的人生观。音乐本身来源于生活又高于生活，音乐开发想象，拓展思维，启迪智慧，悦耳的音乐，使学生精神愉快，身心愉悦，使学生在紧张的学习当中，通过音乐教学释放压力，消除疲劳，对文化知识的学习起到了积极的促进作用，有助于提高学习效率。音乐教学使学生更具青春活力，精神生活更加丰富多彩。
四、结语
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1.1有利于学生学习兴趣的启发
莎士比亚曾经说过：学问必须合乎自己的兴趣，方才可以得益。只有对音乐感兴趣了，才能将注意力集中到音乐当中去。然而小学生的心理尚未完全发育，因此在认知和思维能力方面，不能很好的转换和应用，时间一久，对于音乐的学习兴趣慢慢降低，甚至出现厌恶情绪。此时，音乐教育心理学就显得尤为重要，它可从心里教育方面，让学生提高对音乐的兴趣。例如，教师可以根据学生的喜好和表现特点，将音乐教学以做游戏的方式呈现，先使他们对音乐产生好奇心，慢慢的将其兴趣提高。
1.2有利于学生注意力的集中
心里学实验表明：人的注意力并不能达到持久状态。尤其对于身心处于发展中的小学生来说，他们的注意力很容易受到各种因素的影响，例如教师枯燥乏味的讲课方式等。古语有云，心不专一，不能专诚。作为学生，只有集中注意力听老师讲课，才能更好的学到知识。在音乐教育心理学中，教师可以通过了解学生注意力转移的因素，结合教学内容，充分利用课堂时间，采用综合教学的方法，集中学生的注意力。
1.3有利于学生创造性思维的启发
托尔斯泰曾经说过：知识，只有当它靠积极的思维得来，而不是凭记忆得来的时候，才是真正的知识。现在的教学强调对学生能力的全面发展，因此在小学音乐教育教学中，不仅要让学生学习音乐本身，还应使他们通过音乐的学习，培养一定的鉴赏力，使记忆和感受能相互协调，达到全面发展的目的。通过在音乐教学中运用音乐教育心理学，可以有效的启发他们的创造性思维，提高对音乐的理解力和欣赏力，还可提高学生的乐感和节律感。
二、音乐教育心里学在小学课堂中的应用
2.1运用音乐节奏，激发学习兴趣
小学生在各个年龄阶段，学习音乐的能力也各不相同，因此教师需要了解不同阶段的学生在学习音乐方面的认知和心理特征，因材施教，达到更好的教学效果。音乐当中美妙起伏的旋律和鲜明生动的节奏，可以激起学生肢体的反应，因此教师可以根据这一特点入手，将音乐与肢体动作结合，形成具有音乐节奏的体态动作，集中学生学习音乐的注意力，将节奏与记忆结合，学习音乐当中的流动美。
2.2注重情感体验，培养学生乐感
音乐的本质是对情感的自然反映，因此，在教学中，让学生体验到音乐的情感，对于教学有很大的帮助。在音乐教育教学中，教师要尊重学生的内心感受，让学生亲身体验音乐当中的情感，而不是机械的告诉他们音乐表达的东西。倾听是很好的教学方式，教师要学会倾听学生的心理感受，倾听他们对于音乐的特殊理解，培养他们自己的音乐乐感。例如在放一些具有催眠效果或者悲伤情感的乐曲时，学生会出现睡着或者伤心的现象，此时教师不应该打断他们，而是让他们慢慢感受，再通过讲解和表扬来加深他们对于音乐的理解。
2.3创造科学教学法，突出教学效果
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一、声势的概况
捻指、拍手、拍腿、跺脚等能带出声响的人体动作，均为声势，声势训练作为音乐入门基础训练中最重要的训练方法之一，深受学生们的欢迎。
（一）声势的定义
“声势”指的是用身体作为乐器，运用身体动作进而发出声响的一种手段。声势是人类表现、宣泄、交流情感最直接、最原始的方式，产生于音乐、语言之前，并且至今仍然被人们运用着（如大型体育活动比赛表演时，人们用跺脚、拍手表达他们的情绪、情感等采用的既是这种方式）。它不需要借助抽象的概念，高难的技能技巧，复杂的逻辑思维，更不需要任何乐器、教具，每个人均会自然地使用，而且声势训练对培养学生的听辨能力、反应能力、节奏感、记忆能力和创造性能力是一种特别好的方法，更是入门基础训练中最重要的训练方法之一。
运用声势于音乐教学中，是奥尔夫教学法特点之一。约在10年前，中国音乐教师刚开始接触奥尔夫教学法时，便注意到了它的这个特点，并广泛地应用到课堂教学中。音乐课的气氛因此大为活跃起来，加强了孩子们的节奏感，诱导孩子们努力探求声势活动音乐性内涵，完美地体现了声势的艺术意义及音乐教学价值，声势体现了以人为本的教育，体现了孩子音乐的主动性，“音乐教育首先是人的教育。这既是他一切努力的出发点，也是他的最终归宿。”。
声势活动本质意义，是因为它作为“人体乐器”演奏音乐。同其它乐器相比，“人体乐器”不需要借助任何身外之物，更没有艰难、复杂的演奏技巧，所以，每个孩子都可以毫无困难地参与，并能整个身心地投入音乐，可以充分自由地展现他们内在音乐潜能。声势是动作教学中最基础的方法，它从拍手开始，发展到了四种方式，现在各国还根据非洲拉丁美洲及美国本土民间歌舞中原有形式增添不少新的内容比如拍胸、拍头、拍臀及脚下音色非常丰富的踢哒节奏等。对训练反应能力、身体的谐调能力、节奏感及即兴有非常好的效果，深受学生们欢迎。
（二）声势的基本形式
1.拍手
两肩与两臂放松，将双手放在胸腰前拍手，一只手平放，另一只手拍打。开始教学时，我们让学生以右手的手指指尖击左手掌根，并注意音色和音量的特点，然后一边拍一边向前移动至掌心，声音此时像有共鸣似的，音量比较大，再向前音量便变小，通过这种练习使学生了解到拍手会因部位不同而产生音色、音量的变化。练习的时候一般采用左手不动，右手除拇指外四指击拍左手掌心，音量大小由右手控制。但不采用两手对拍，因为会影响速度，容易造成两臂紧张。拍手可以包括拍掌背、指尖对指尖、手背对手背等，探索拍手可以有多种方式，培养了学生的，创造性思维、观察能力和对不同拍法产生音色特点的体验教学方法，同时提高学生们的学习兴趣。
拍手声音一般清脆、明亮，在声势合奏中，易拍节奏性较强、鲜明的、较复杂的节奏声部。
2.跺脚
分为站姿和坐姿两类。一般脚掌跺地，左右脚均可，鼓励学生左右脚都会。特殊用法是脚跟或是前脚掌着地，用脚画圆线、弧线等等。坐姿为坐在凳子上，大腿一半是在凳子外悬空，凳子高度要以小腿同大腿成直角为宜，跺脚的时候脚掌略提起。站姿为从脚跟部起动作，左右脚轮流的作类似原地踏步动作，注意不要过分用力的跺脚根，以免振动过大使脑袋受伤。跺脚也有音量及音色的变化，感觉当然是越细微越好。
跺脚声音较低沉，在合奏中可以担任节拍重音的声部，跺脚节奏不宜过密和复杂。
3.拍腿
双手自然置在大腿膝部，双臂要放松，双手拍打。也可以单手拍打，因为动作自然，所以成为四种声势中最容易做到的，快速做时比拍手不易紧张，且更容易。拍腿可拍打出更丰富的节奏花样，且本身可做二声部练习，便使它成为了学生打击乐、键盘乐、音条乐前的最佳准备练习方法。此种方法除了有利于节奏感的培养外，对于左右手的协调及放松是非常好的预备练习。
拍腿的声音不够鲜明，合奏中不能单独在重拍使用，否则会使节拍重音不突出。在训练十六分音符节奏的时候比别的声势容易。
4.捻指
中指与拇指相捻发出响声，许多人特别是儿童很难做到，可以用弹舌发声替代捻指发声，捻指可用不同的高度、姿势做，在四种声势中它极少单独训练，多数是结合其他声势练习。捻指的音量最小，但是声音较高，有时能够发出尖锐明亮的响声。不宜用在重拍、复杂而快的节奏中。
除以上四种声势的基本形式外，还有很多的声势形式，如可以从头、脸至全身各个部位的拍打从而获得极丰富的节奏、音色变化。实际上，我们从头到脚浑身均充满了音乐，人体各个部位都可以运用，包括双臂、夹臂摩擦身及脚的各部位踩在塑料泡或是地板上发出各种节奏、音色，丰富的艺术表现力可谓是极大的享受。对于儿童来讲，从拍打肚皮、胸脯至拍打髋部两侧所发出不同节奏、音色都会令他们乐此不疲，使他们的学习兴趣更浓，同时身体机能也得到了更大锻炼。
二、声势的作用
声势在音乐教学上及对孩子能力的培养有着重要的作用，音乐课上加入声势教学，使教学气氛变得活跃，孩子在欢乐的气氛中，学到了知识，得到了经验奥尔夫曾说过，“就其整个范围来说，教学从即兴出发，将节奏形式作为支柱，接着才是音的固定和记谱作为结果。原本性的奏乐的出发点就是即兴演奏。”这种对学生即兴能力培养，不仅可以激励学生的学习兴趣，更可以培养他们的创造力。
（一）节奏训练
1.节奏模仿
声势的应用主要体现在节奏训练，节奏模仿是其的开端。节奏模仿，指的是不看谱通过动作及声响的模仿所进行的节奏训练，教师利用手、臂、腰、肩、脚等身体各个部位,拍击不同动作，产生不同节奏,学生把节奏再一样重复一遍,将单项活动变为多项活动,这样不仅丰富了节奏内涵,也增强了趣味性。
节奏模仿练习最容易把握节奏型的感觉及训练听觉听辨与记忆能力。例如，通常由教师或着学生拍一个节奏型，其余学生进行模仿。一般从四拍子开始。其次是节奏接龙，这是个非常有趣而且有效的方法。方法一：教师先拍四拍，学生跟着模仿。教师继续拍下去，一个节奏型四拍，学生一边模仿教师前四拍节奏，一边听记后面的节奏。方法二：“接尾”，老师先拍四拍，学生重复后两拍，接着即兴拍两拍，教师继续拍，换一个学生接拍，并且即兴拍两拍，能够轮流传下去。此种方法不仅训练了学生的听辨能力、听觉记忆能力、反应能力，也培养了他们的即兴创作能力；方法三：“接头"，教师拍四拍，学生重复头两拍，然后继续即兴后两拍，教师一直四拍一组拍下去，每组则换一个人接头，此种方法不会轮流传下去，所以每次开头必须是新的；方法四：在此基础上，发展到更为复杂的节奏型，例如即兴四拍、八拍、十六拍，默记四拍、八拍、十六拍。这些实际是一种“发展”。方法五：即兴接龙，可以两人为一组，互相轮接龙。也可以用加倍的长度，求得大“发展”。此种练了训练创造性外也体验了一个节奏乐句的结构和结束等。
世界著名学者季米良捷夫曾说过：“教师不是传声筒，把书本知识由口头传出来，也不是照相机，把现实复呈出来，而是艺术家、创造者。”在游戏过程中教师将音乐能力的发展及迁移应用深化，使学生在利用自己身体活动初步掌握音高基础上，运用不同节奏的音乐进行模仿动作和听音活动，形成了一个动态的教学互动。
2.节奏卡农
卡农的意思书面解释是：同一旋律以相同或着不同的高度在各个声部上先后出现，后面声部按照一定的间隔依次的模仿前一声部进行，声势经常和节奏连在一起，它通过捻指、拍手、拍腿、跺脚等学生易学易做方法做一些单声部或着多声部的节奏训练，并且多以“卡农”形式出现。学生掌握2/4、3/4拍节奏的同时，卡农游戏时能够使其大胆的用声势动作表现两种节拍，可以自由发挥，通过反复进行不同花样，让学生亲身体验，引导他们自己想办法，用自己的方式来表达卡农曲形式，引导学生理解卡农的音乐感觉，在活动中不断挖掘幼儿创造力和对音乐的感受能力。
3.固定节奏型
“固定音型”又称“顽固伴奏"等，是指一个音乐动机，或着小型乐句(4-8小节)不断重复贯穿在一段音乐、甚至全曲。作为一种节奏基石，它可以从学生熟悉的语言、日常生活、身体动作中的音响自然地获取。它从头到尾仅仅使用一种固定节奏或是音型，为已熟悉的节奏、歌曲朗诵伴奏或是参与器乐合奏，减少技巧学习的难度，将多声教学变成极方便、极简单的事，并且获得较高层次多声部的合说、合奏、合唱的教学效果。在视唱教学中，使一部份学生为正在视唱学生即兴节奏伴奏，可击桌、跺脚、拍手等等。因为这种始于原本性的音乐最容易进行即兴创作活动，因为无技术负担，便可成为学生的一种半意识或无意识的说、动、奏、唱，可以腾出精力，做即兴创作的其他发展，不仅培养了即兴创作能力，还训练了他们一脑多用的能力及身体的协调能力；同时又使唱、奏、动集一身的综合训练成为可能。因此教师对“固定音型”的教学原理及方法应给予高度的重视。
（二）多声部训练
1.多声部训练可结合的形式
笔者认为在视唱练耳教学中加入多声部训练能够在歌唱、旋律、节奏等训练中寻找有效的途径。在视唱中加人多声部的内容视唱指的是“看谱即唱”，就是见到陌生的谱子就能将其准确、完整、流畅地演唱出来。在视唱当中注重音高、速度、节奏等音乐要素的体现。我们通常要求学生只要把谱子唱下来就可以了，但是我们却忽视了一点，就是这样的训练只能会引导学生逐渐形成一种单向的思维模式。比如：学生在唱歌中只注意到自己所演唱的一个声部，不会去倾听或借鉴其它声部的音高以此来帮助自己巩固音感，所以一旦受到其它声部的影响，会很容易跑调。所以，在视唱当中加入多声部是非常必要的。
节奏是音乐的灵魂，学生通过倾听音乐伴奏，歌唱和朗诵的形式，可以很好的把握住节奏，作为音乐的骨架和脉络，所以在节奏当中加人多声部的内容，这点对其音乐表现有重要的作用如果视唱练耳是音乐学习的基础，那么节奏训练就是是基础中的基础。那么应该如何把多声部训练很好的运用到节奏的训练当中呢?我们知道，节奏听记是节奏训练的主要手段，然而以往的节奏听记全是单声部的。而现在我们一样可以将多声部训练加入进单声部节奏中来，比如：我们在听记完一条节奏之后，可以将这条节奏变成两个、三个、或者是四个声部的节奏训练。同时我们还可以采取立体节奏的训练的方法来使学生具有多声部思维的意识。
总之，不论是在视唱练耳中或是在节奏训练中，加强多声部的训练都是我们的教学中心。根据学生的不同程度、相应特点来制定与编排多声部的训练内容，尽可能早地利用各种形式和手段对学生进行训练，这样不仅使课堂气氛更加活跃，而且还增添了学生的学习兴趣，更加有助于他们提高多声部思维能力及综合素质能力。
2.多声部的分类
（1）个人的多声部训练：声部训练可以采用单独弹唱的方式，也就是口唱一个声部，同时用手弹奏另一个声部，这就做到了眼看，耳听，口唱，手动的协调统一。通过这种手段在教学中的运用，增加了学生的学习兴趣，同时也收到了很好的训练效果。
（2）分小组的多声部训练：即为将多个人分组，合唱的基础就是多声部视唱训练，视唱一个多声部乐谱中的不同声部，并且按照各自的声部分配，在统一的节奏下唱出各自的声部，而且多声部合唱的识谱阶段都是由多声部视唱开始。涉及的面也比较广，如旋律、调式、和声、调性、移调、音准、力度、转调、视谱、节奏、音乐表现等等。它体现了包括调性、和声、节奏等因素在里面的多声部立体思维，对于其掌握的熟练程度，将会直接影响合唱者对于优秀作品的分析能力、理解能力和演唱、表现能力。（三）培养即兴创作能力
从即兴开始的教育是真正体现创造性的教学，其不是把现成的技能、知识先传授给学生，而是使学生在游戏之中探索声音，尝试用自己的动作、用字词、语言、即兴地做些什么，即兴的敲打出一些节奏开始自己音乐的学习，探索式学习在音乐方面指的是以即兴的创作表演当作起点的教学方式。奥尔夫认为即兴奏乐是最原本、最古老的创作形式，他所强调的创造性便是指即兴性的创造力。以他看来，音乐教学应从即兴创作的游戏入手以便达到音乐教育的目的。透析奥尔夫的音乐教学法理念可以看到，他的音乐教育不在于教师可以教会学生什么，而是在于启发学生自身音乐感，通过儿童自身的活动，把音乐同身体感受融为一体进行实践和即兴创作。奥尔夫反对以教师“教”为主授课方式，否定“强制性”教学，主张让孩子在音乐中走、跑、跳、跺脚、拍手、表演、游戏、演奏乐器。所以奥尔夫音乐教学具有实践哲学基础。正如埃里奥特所提到的，“音乐是人类多样化的实践活动，实践概念远非言语能表达。”
即兴创作活动中，学生常常可以主动地接受挑战，当获得创作成果时便能激发他们的成就感及兴趣，以便唤起更大的创作潜能。这种即兴创作相对简单，学生仅仅靠自哼出一小句短小的旋律，或是试奏出一段简单乐器伴奏旋律，都可以开发其创造力，促成学生的聪明才智。即兴性理念是创造性的具体体现。在每一堂课上，由学生进行的各种形式即兴创作是真正意义上的创造性活动，它鼓励了学生的创新精神、思辨意识。因此得到的经验将在学生未来的人生中将扮演着重要的角色，发挥着巨大作用。
（四）肢体协调性的培养
人的动作蕴含着丰富的节奏动力，可以用作节奏教学的素材。比如人体动作中最简单的走、跑、跳等动作都是具有节奏性的。对于儿童来说，他们这个年龄段是发展培养他们对于节奏的直接感受与运用体验的最佳时期。运用他们自身身体的敏锐性与协调型，结合节奏进行训练是培养协调性的一种简单但却十分效果的方法。
声势活动将身体的各个部位作为乐器进行充分运用与表现，从而挖掘人自身与生俱来的节奏感，并进一步发展人更为敏锐的节奏感。它将音乐与动作、言语、舞蹈相结合，将身体的律动结合节奏感这一基础，形成听、唱、动等相结合的音乐教学方式，同时加入儿童比较喜欢的拍手、拍腿、跺脚、捻指等身体器官的调动进行节奏的训练。对于儿童来将，利用自己所熟悉的肢体并在此基础上，加入有规律性的节奏，可以促进他们肢体的协调性，同时，在进行有节奏的身体动作时可以调动孩子们学习的兴趣，使孩子大脑在神经控制动作的能力及平衡力发面有所提高与发展。声势活动可以将复杂、抽象的知识转化成简单、有趣的身体语言，使孩子在学习的过程中体会到更多的乐趣，在愉快的学习氛围中获得进步。
声势活动可以调动身体的每一部分，对于培养学生会自身身体协调性和与他人合作的能力上会有很大的帮助。比如在声势活动中常用的合唱、重奏等活动形式经常会碰到多种声部之间不同比值的节奏关系，这就要求学生在个人操作方式和与他人合作时做好协调工作，把握好它们之间的关系，是对孩子协调能力培养的一个重要的过程。例如：在拍手练习时，可以要求学生左手画圈而右手上下直线的拍，或者左手匀速的拍而右手要比左手快，这样练习是两手在做动作时会有一定的牵制和干扰，经过这样的练习孩子们的协调能力会得到很大的提高。
（五）人的能力培养
1.合作能力
合作能力已经成为未来社会中每个人应具有的最重要素养。在现代社会，善于合群，学会合作和重视协同努力已成为一个人具备足够的竞争力的前提。在过去的教学中，也体现出了很多合作学习方式，但是往往是为合作而合作，较多的流于形式，它的真正价值并不能得以发掘及体现。合作学习蕴含了“身心、知识及社会”三个维度的活动，同“健康第一”指导思想是一致的。一方面，学生可以在合作体中讨论交流，对不同的观点的交锋、修正、补充与探索，加深了每个学生对目前问题的理解和动作技能的掌握，对学生知识技能的发展具有积极影响；另一方面，在组成同合作的过程中，学生应该掌握、运用一定的交际手段来同人交往、相处，使学生适应性社会的发展。
音乐中合作学习的目的是使学生在参与学习的过程，让学生在生动活泼中尝试到成功的喜悦，将音乐同活动沟通起来，给予学生自由音乐的想象空间。活动中，教师可以把学生分成若干组，活动内容让他们自由设计。如《小雨沙沙》作为一首充满童趣的歌曲，它的歌词内容贴近学生生活，很受学生的喜爱。在教学中，教师可以先让孩子两人一组，其中一人扮演“小雨”，另一人扮为“种子”进行表演，然后让学生根据自己的体验，按照小组的方式编创生活中的声音，设计更多象声词。这样，课堂气氛便会活跃起来，学生或三人一组，或是五人一组，当起小小音乐家，情绪便会达到极点。在教师鼓励下，通过此种的交流协作，培养了学生的合作能力，引导学生创新思维的发展。
声势练习中，学生可以通过一系列的活动来加强联系，例如节奏中游戏的互动，角色的互相配合，小组表演中的交流等等，都能很好的培养学生的合作能力。声势教学中的合作能力培养非常重要，不仅有利于学生对于音乐的理解、感悟，更重要的是也有利于学生在音乐欣赏和音乐活动中发展良好的情绪控制和沟通的能力，音乐学习中的合作是学生情感交流的重要渠道，是音乐体验中的重要途径，对于学生的心智发育有非常明显的帮助。
2.合作能力：音乐课堂上声势练习中的合作体现在那些方面？为什么要具备合作能力？什么时候可以给我？
3.观察能力
小学生如果具有明确目的性的观察能力、高度敏感性和持久注意力，对新知识和内容便会快速反应，可以透过表象把握事物之间的联系及关系，得到相对客观的结论，完全能够自行建构相关的知识，并且进行整合，获得了音乐审美体验的同时，又促进智能发展。声势的基本形式中拍手可以包括拍掌背、指尖对指尖、手背对手背等，探索拍手可以有多种方式，培养了学生的观察能力，创造性思维和对不同拍法产生的音色特点的体验的教学方法，提高了学生们的学习兴趣。在音乐学习过程中，调动了学生对多样性认知策略，逐步的形成或是习惯于对构成新观念、新方法、新过程具备贡献价值学习内容进行组织，使学生对已经具有的认知经验给予更高程度整合以便实现学生原创性思想的思维品质。
4.模仿能力
小学的音乐创造活动经常是从模仿开始的。模仿之初应该先从节奏入手，从单一节奏模仿进入到组合模仿，从节奏模仿过渡为旋律模仿，从完全模仿到变化模仿……采用模仿的学习方式，将带领学生从模仿进入创作，学生在潜移默化中便获得创作的灵感。
同一符号系统的模仿(如从动作到动作、语言到语言)，只需要模仿能力及反应能力，不需要创造力及想像力。但是不同的符号系统之间的模仿，则需要将这一符号某种特征或者将象征性的意义转移到另一种符号系统上，这就必须有想像力才可以模仿得出来，特别是在比较抽象的音响同动作之间作这种转移，就更是如此了。将对声音的感受，如声音的走向、高低、强弱变化，甚至是不同的曲式结构、音色，用动作来表示时，就一定要有想象力才可以做到，甚至因为声音的多解性和非定量性，动作的反应完全便会有更大的自由度去表现，这便为创造性思维提供了更加广阔的天地。
5．反应能力
反应能力的提高可以提升小学生对于音乐的感悟力和欣赏能力，同时，音乐也可以运用于锻炼学生的反应能力。声势活动是音乐教学中实施音乐教学的一部分，音乐声势活动中蕴含着对各个器官的调动与反应，反应能力的提高也包含在这其中。比如在音乐的强弱对比中锻炼学生的反应力和控制力。在反应的准备阶段，学生的注意力集中到感知正在接受的各种信号上，刺激听视觉中枢产生强烈兴奋，学生在接受时的意向也是想更快更好地感知信号刺激，并做相应的动作，经过不断的锻炼，在接收信息与做出反应的时间会不断的缩短，学生的反应能力也会有所提升。
节奏是音乐的主要形式和脉搏。音乐教学中可以有效的运用声势，使身体的节奏与音乐的节奏有效的结合起来。比如在教学过程中老师可以要求学生跟随所打击的节奏用脚跟腿踏出，或者用肩做动作，或者最后过渡到肩脚同时做动作，在音乐的强弱变化中学生跟随节奏不断的做出相应的反映，使肢体协调合作，对音乐的节奏感的理解也会进一步加强。声势的运用是一种多种手法相结合的效果实现，在教学中不断挖掘创新教学方法可以在学生反应能力的培养上发挥更大的作用。
6．观察能力
观察能力是人们认识的基础，任何思维的理解也是基于观察的，可以说观察是思维的先行。所以观察能力的培养在小学生整个能力的培养中具有重要的地位。通过观察能力的实施和能动性的发挥，学生可以获得大量丰富的感知材料，观察过程对气味、声音、温度等有一个新的认识。通过对这些材料的理解分析和加工创造可以形成理性的认识，而对于小学生来说，观察可以激发他们的好奇心与学习的兴趣，因为观察高于单纯的知觉表现，是对事物的有意感知，观察能力的目的是根据搜集到的思维信息进而发散思维，获得理性的认知。观察能力的表现不仅仅是视觉器官的单一活动，而是耳、眼、鼻、皮肤等多种感觉器官的听觉、视觉、嗅觉、味觉等感知活动。由此可见，声势在教学中的运用可以很好的提高小学生的观察能力，因为声势同样要求运用各种器官的综合感知能力。在音乐学习中这种观察能力也是十分突出的，比如什么样的节奏变现欢快的情绪，什么样的节奏表现低落的情绪，什么样的音乐节奏感强等等。对音乐的观察也是学生对于音乐感悟能力的提升过程，观察是一种获得讯息的手段，其目的是发现和探索。教师在教学过程中要引导学生进行深入的思考，运用一些问题引导、思维启发等手段，让学生从表面的现象升华为理性的认知。可以说深入思考的过程，就是能力提高的过程。
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1.生源现状与课程开设目的。高职学前教育专业生源为普招中文理兼收学生，与高等师范类院校音乐学院或音乐系招收的专业考生相比，没有相关的艺术经历，专业基础薄弱，但学习热情高、职业理想高尚，对今后所要从事的工作有坚定的信念。高职学前教育专业相关音乐课程的开设目的也与音乐学院有所区别，是为了培养学生对音乐的感知能力、一定的欣赏和简单的创编能力，对这门特有的听觉艺术有一定的了解，且为胜任今后的工作打下一个较为坚实的基础。
2.课程设置现状。师范类院校在音乐课程的开设中具有课程细分化、学科专业化、培养形式多样化等特点。高职学前教育专业音乐课程的培养目标虽然与师范类音乐学院或音乐系不同，但在课程设置中有诸多相同，例如钢琴、器乐作品鉴定、即兴伴奏等课程，学科专业性很强，虽然是根据幼儿园音乐教育所需的音乐能力（如音乐技能、音乐基础知识等）进行设置，但对于毕业后教学来说，实用性体现不够，不能充分体现学前教育专业音乐教育的特色。课程的设置忽视了音乐课程内容的相通性、实用性，只注重音乐知识本身的系统性、专业性。
3.课程内容现状。首先，在声乐课中，过多注重发声位置、气息控制和咬字吐字等专业性很强的问题，虽然最终目标是让声音通过腔体共鸣更加美妙丰富，但要结合学前教育专业学生工作的实际情况，幼儿演唱需要用最自然的声音表达心中的感受和美，如何引导幼儿用心聆听、感受和实践音乐以及幼儿嗓音运用和保护等问题更加重要。目前，对幼儿唱歌中教学问题的解决和嗓音保护方面的知识，还有待进一步完善。其次，是器乐课程，钢琴和即兴伴奏对于学前教育专业的重要性已经被逐渐认识，但对即兴伴奏能力的调查结果是很不乐观的。钢琴学习是循序渐进的，从最基本的节奏、弹奏技巧到练习速度来安排课程，从学生的实际情况来看是科学的，但与社会对学前教育专业学生的基本要求不相符。即兴伴奏要求手、眼、嘴的密切配合，而弹唱脱节一直是学生到幼儿园进行音乐教学存在的问题。
二、高职学前教育专业音乐课程存在的问题
1.课程设置不合理。高职学前教育的音乐课程设置中，参照音乐院校中技能技巧的课程设置，强调对学生理论、技能、实践的严格培训。而学生所学的知识没有为毕业后音乐教学工作做好充足准备，课程设置与培养目标严重脱节。此外，音乐学科之间相通的知识不能根据专业特点编排，忽视学前教育专业特色，课程设置过于专业化、细分化。学前教育专业开设的课程有乐理与视唱、声乐、钢琴、舞蹈、集体电子琴演奏等课程，这些课程专业特点体现不够明显，同一知识点在不同的音乐课程中重复讲解，造成了教学资源的浪费。
2.课程内容过于专业化，授课内容简单化。现行的学前教育专业音乐课程内容，多以本课程重点知识讲授为中心，围绕重点知识进行教学内容设计、讲授。乐理与视唱、钢琴、声乐、舞蹈、即兴伴奏、音乐欣赏等课程分科开设，就重点知识系统性讲解来说效果显著，但就学生自身的专业基础程度来看，学生的学习难度偏大，效率不高，这对学生学习音乐的兴趣持续保持且日益增温形成很大的挑战。同时在授课过程中，也存在着音乐院校课程内容简单化的现象：在课程目标上降低教学要求，在教学内容上减少重点难点，学前教育专业的职业技能特点不明显。教师在授课中注重单一的技能技巧，忽视音乐素质和音乐教学能力的培养。
三、高职学前教育专业音乐课程的设置构想
音乐课程的设置应在高职学前学生的自身特点和原有理论的基础之上，树立正确且符合现有状况的教育观：如依据学生音乐能力的个体差异，以及课时少、学生多、教学任务繁重的特点，对相关的音乐课程进行合理整合。
1.课程整合。高职学前教育专业课程设置强调综合性、实践性，并且要与新的学前教育课程设置和课程改革同步发展。首先，必修课程要突出综合性。以市场需求为导向，按照国家的教育方针政策，并结合教育部《幼儿园教育指导纲要（试行）》的要求，对分配过细的必修音乐课程教学进行系统、科学的整合，时刻与学前教育专业教学要求相一致。第一，声乐课程。声乐课程包含发声技巧与理论基础、歌曲演唱技巧、童声合唱训练等内容，在课程共性分析的基础上，尝试进行相关的资源整合，课程可分为两个重点：一是根据幼儿成长过程中对语言、生活、节奏、兴趣以及不同年龄阶段的具体需求，建立优秀幼儿音乐歌曲库，让学前教育专业学生增加对音乐风格的了解和不同歌曲题材的大量积累，以适应今后幼儿教育中各个教学环节中对音乐的不同要求。二是声乐教学法。示范演唱和歌曲的情景表演相结合，运用多种教学方法和教学手段指导幼儿有目标地参与活动并演唱，在幼儿园唱歌教学中还应注意幼儿的发声方法、嗓音保护等。第二，器乐课程。器乐课程包括钢琴、即兴伴奏、幼儿歌曲编配与弹唱、乐理与视唱、幼儿打击乐等内容，也可以进行相关整合。自弹自唱在学前教育的音乐课程中应用最多。需要具备以下能力：根据学生不同嗓音条件，进行移调伴奏的能力；视奏能力，即快速地读谱并演唱儿歌；为歌曲配置伴奏的能力；自弹自唱的能力。这些能力决定着自弹自唱的效果和水平。当然弹奏钢琴正确的坐姿、手型、放松与手指的独立性以及乐曲演奏的基本技术要领等是自弹自唱的必不可少的前提准备。第三，关于乐理中的内容，可以在弹唱课或者鉴赏课中进行实践教学，专业性很强的内容可以删去。其次，选修课程应该突出实用性。为了适应市场对学前教育专业学生的要求，根据学生的不同优势、才能，为学生提供具有实用性的选修课，最大限度地调动学生学习的主动性、创造性。在必修的基础上，设置电子琴、手风琴、奥尔夫音乐教学法、幼儿园音乐活动设计、0～3岁早教课程等选修课程。其中部分课程针对有专业基础的同学和对本门课程兴趣相对浓厚的学生，使他们在原有基础之上，继续向更高的层次学习。
2.教材建设。教材建设要突出学前教育专业特色，充分考虑学前教育专业学生的现实情况，并贴近幼儿教育的职业特点。首先是声乐教材，应该选择不同国家、民族、地区、风格的艺术歌曲，时代感强、现代气息浓厚的歌曲，能增强学生学习的热情，展开联想、想象，拥有歌唱欲。增加中外经典歌曲和中外优秀幼儿歌曲，让学生为以后工作积累音乐元素。加入幼儿声乐教学法，了解幼儿的嗓音特点及正确的幼儿发声方法，为以后幼儿园的音乐教学活动顺利开展提供保障。其次是器乐教材，应该分为乐曲弹奏和歌曲编配两部分。乐曲弹奏涉及坐姿、基本手型、音阶训练、琶音以及不同节奏、不同风格的乐曲和相关的乐理知识。歌曲编配涉及简谱、指法设计、伴奏编配以及弹唱的内容，加入幼儿打击乐训练与奥尔夫音乐的节奏训练等。
