音乐在古代的地位范文1
一、纳西古乐概况
纳西古乐起源于公元14世纪，纳西古乐的来历有三种说法，第一种说法是“元代遗音”，第二种说法与“龙女树”传说所记载的明代木氏公主与永宁“北”王子的爱情悲剧有关，第三种说法是，明代纳西将士出征频繁，古乐为纳西人创作的“阵亡将士哀悼曲”。它是云南省最为古老的音乐，也是中国或世界最古老的音乐之一。纳西古乐的魅力源远流长，纳西古乐是唐明皇等皇室贵族创作的宫廷音乐，是世界上最古老的音乐之一。
二、纳西古乐的音乐特点
（一）纳西古乐的种类
纳西古乐是纳西族在长期劳动和实践中创造和吸收外来音乐，充实丰富逐步形成并传承至今的民间音乐。它主要由原始歌舞《热美蹉》、东巴音乐、《白沙细乐》、纳西化了的丽江洞经音乐和具有代表性的纳西民间歌舞《喂默达》、《谷气》、《纳西小调》等其它民间音乐组成。
1.《热美蹉》
《热美蹉》它是产生于氏族社会时期的原始舞蹈音乐，广泛流行于纳西族民间的丧葬歌舞，并被载录于纳西族东巴经中，此种唱跳只能用于长辈过世后的丧葬仪式中。“热美蹉”是“驱魔”的歌舞，音乐素材直接来源于自然界音乐和舞蹈相结合，无乐器伴奏，无音阶、无音列法则，是模仿兽步的舞蹈，多声部之间形成富有原始艺术美感的不协和音程，是人类原始音乐的活标本，至今还存在于丽江大东、鸣音、宝山一带山区纳西族丧葬礼仪之中。这样的音乐任何乐谱都无法记录，只有靠世代口传心授的方式传承。
2.东巴音乐
东巴音乐是纳西古乐的重要组成部分，保存着民间古老而质朴的大量乐章。这些乐章长期在纳西族东巴当中以口传心授的形式进行传承，保存在纳西族东巴经古籍中。纳西族民间又俗称“东巴调”或“东巴唱腔”。它是产生并且迄今仍然保留、传承于纳西族古老的东巴教法事仪式和道场仪式之中的音乐。东巴音乐包含有唱腔音乐、器乐音乐以及舞蹈音乐3个有机的组成部分，是纳西族保留传承至今的古代音乐文化，在国内外音乐界均享有一定的声誉。随着东巴祭司的不断逝世，由其所掌握并拥有的唱腔也将面临逐步消失的危险。
3.《白沙细乐》
纳西族民间俗称“别时细哩”，它是迄今仍然保留并传承于纳西族民间的大型丧葬歌舞、器乐组曲。《白沙细乐》包括舞曲、歌曲以及器乐曲牌三个有机的组成部分。它古朴典雅，有相当高深的艺术造诣，在中国音乐历史上一直占有着极为重要的地位，同时也具有着较高的欣赏与收藏价值，被誉为“活的音乐化石”。乐曲由《笃》、《一封书》、《三思吉》、《阿丽丽格吉拍》、《美命唔》、《跺蹉》、《抗蹉》、《幕布》8个乐章有序组成。以部落战争的悲剧故事贯穿始终，是中国至少有700年历史的有乐章、有故事、有哲理、有和声的大型管弦乐套曲。
4.丽江洞经音乐
洞经音乐是明清以来渐次由汉族、白族地区传入纳西族地区，并至今仍然在纳西族地区广泛流传的一组民间器乐，其中所包含曲牌名称具有较久远的历史内涵，是近年来国内外具有较高影响的中国少数民族乐种之一，是研究纳西族音乐文化，尤其是研究明清以来纳西族整体文化的不可或缺的内容。400多年来，经历代纳西族乐工的传承、加工、演变，便自然而然地融入了纳西人的思想情感、文化心态及纳西族民间的风韵，使之成为融汉族传统音乐的旋律及纳西族音乐风格为一体的特殊乐种，它是汉族、纳西族音乐文化相互渗透、交融的结晶，可以说是纳西化了的汉族传统音乐，这便是丽江人民将其称为“纳西古乐”的重要原因。
5.其他民间音乐
纳西古乐还有纳西先民在游牧、农耕等各个时期产生的民间歌舞《喂默达》、《谷气》、儿歌、小调、口弦调、打跳调等，这些民间音乐在纳西社会中广泛流传，为大众所喜爱，口传心授，代代相传，在逢年过节、婚丧寿祭等日常生活活动中是不可缺少的重要活动内容。
（二）纳西古乐的音乐特点
纳西古乐有一套严格的表演方式，演奏者多为年老艺人，乐器也很古老，再者是演奏的音乐古老。纳西古乐会集古老乐曲、古老乐器和高寿艺人为一体，被誉为稀世“三宝”。
1.演奏者的年龄老。在他们中间，年龄在70或80多岁的老人们是最年轻的了，如此年老的老人演奏出来的古老音乐对于人们来说是一种欣赏，“这才是真正的老人”，其精湛和熟练的演奏让人折服。
2.乐器的老，这些古昔老人们使用的乐器几乎都是从祖上传下来的古老乐器，乐队所用的古乐器有苏古笃、曲项琵琶、双簧竹管乐器波伯（芦管），还有竹笛、大提胡、中胡、小叫胡、三弦、五音云锣、中锣、小镲、铙、大钹、锣、板鼓、提手、木鱼、磬等等。
3.音乐的老，刚才说过了，这些老人们演奏的是唐宋时期遗传下来的音乐，古乐会演奏的乐曲历史悠久，古朴典雅，最早可追溯至唐代。
三、纳西古乐的现状及其发展
（一）纳西古乐的古老的传承方式
纳西古乐有着一套严格的传承方式，他们遵循以师带徒或父带子的方式，使古乐代代相传，并用工尺谱为媒介以口传心授的方法传教。师傅口唱工尺谱，一曲曲一句句地教，徒弟一曲曲、一句句地背。边背工尺谱边学习演奏一件乐器，然后逐渐实践，边学边奏，直至逐曲熟练。正是由于这种严格的传承方式，纳西古乐才得以流存至今。
（二）纳西古乐的现状
地埋环境是一个民族文化形成某种类型的前提性因素，一定程度上又影响到民族文化的发展趋向。汉代开辟的南方丝绸之路和与之交叉的茶马古道都经过丽江，促进了纳西族与各民族间的经济文化交融。素有“音乐活化石”之称的“纳西古乐”在特殊的地理位置下，不断得到充实丰富。在历史长河中，纳西族先民不但创造了反映本民族不同历史时期的生产、生活、宗教、习俗等的音乐文化，还奇迹般地引进、学习，并完好地保存着部分内地早已失传了的汉族古典音乐。
（三）关于纳西古乐发展
我们可以对传统音乐文化可以通过政策，法规或依靠学者的社会责任感进行“守护”或进行“原汁原味”的保存，再运用成功的商业策划和宣传，走产业化道路，并结合当地现有的各种优势作为发展平台，在以文化遗产的方式尽可能的保存的前提下，使民族音乐走出国门，走向世界！（作者单位：四川师范大学）
参考文献：
[1]《历代中国音乐》[M].四川音乐学院民族音乐研究室编印，1983年
音乐在古代的地位范文2
就学科名称而言，音乐考古学是一个合成词，它反映了“音乐”与“考古”二者的交叉与联系，清晰地表明“音乐”与“考古”是构成其学科概念的二元结构。
1982年初，笔者在初用“音乐考古”一词时，曾尝试着解释为：“音乐考古，是利用历史遗留下来的音乐文物和文献对古代音乐所进行的研究，是古代音乐史研究的重要环节，也是音乐史界、考古界共同开辟的一个科学新领域。”这只是对一个新兴事物的初步描述和憧憬。其中的“共同”一词强调了考古之于音乐考古的重要关系。
更多学者先后从学科的高度定义“音乐考古学”，大多数也凸现了这种关系。
秦序：“音乐考古学是根据出土和传世的古代音乐实物史料研究音乐历史的科学，它既是考古学的一个分支，又是音乐史学的一个部门。换言之，它是考古学与音乐史学相互交叉渗透、相互融合发展起来的专门学科。”
蒋定穗：“‘音乐考古学’是近年来随着我国考古事业的蓬勃发展，音乐文物大量出土和音乐史学研究的不断深入而逐渐形成的一门‘潜科学’”。“音乐考古发展到今天，已不再能被一般的考古学所包容，使用一般的音乐史学方法研究出土乐器，也已显得不够用。它迫切需要建立起由考古学和音乐史学相互结合而形成的新学科。……音乐考古学是根据古代人类活动中遗留下来的音乐方面实物，运用考古学的方法研究古代音乐历史的学科。”
谭若冰、黄翔鹏：“音乐考古学是音乐学的一个新兴的分支。它的研究范围与考古学既有联系，又有区别。对音乐文物的考古研究，最早是作为考古学的一个分支而与美术考古、丝绸考古、陶瓷考古、青铜器考古等学科并立的，国际上称为音乐考古学。中国当代的音乐考古学基于研究角度的不同，其来源虽亦出自对于音乐文物的考古研究，但实际内容已越出考古学的范围。”
方建军：“音乐考古学是根据古代人类遗留的音乐文化物质资料，研究人类音乐文化发展历程及其规律的科学。”“作为音乐史学的一门分支学科，音乐考古学的研究成果无疑可以填补、充实和丰富古代音乐史的内容。”
李纯一：“从研究对象、方法和目标等方面来看，古乐器学乃至音乐考古学应该既是普通考古学的一个特殊分支，又是音乐史学的一个重要组成部分。当然，其自身具有很大的相对独立性。”
王子初：“音乐考古学是音乐史学的一个部门。是根据与音乐有关的实物史料，如古代的乐器、书谱、铭文、石刻艺术和洞窟壁画等，来研究音乐艺术的历史的科学。”
汪申申、田可文：“音乐考古学是音乐学和考古学的交叉学科，它要求从业者不仅具备音乐学（特别是音乐史学、音乐形态学和乐器学）方面的知识，还要掌握历史学、考古学的基本理论和田野发掘作业的全部技能与经验。”
李幼平：“音乐考古学是音乐学、考古学、历史学、人类学等学科在交叉、融合发展过程中形成的边缘型新兴学科”，“考古学与音乐学研究应该是它的两个基本立足点。”
王子初：“从历史的角度考察，音乐考古学脱胎于一般考古学，两者之间是一种母与子的关系”，“中国音乐考古学形成的初期，曾勉附于一般考古学界之骥尾。”“音乐考古学是考古学和音乐学相结合的产物，是一门跨学科的边缘学科。……音乐考古学是考古学的组成部分，其时空框架必须借助一般考古学的地层学和类型学以及考古学利用的其它各种手段才能建立起来。同时，音乐学的理论应该是音乐考古学研究的重要理论指导。”
方建军：“音乐考古学主要是考古学与音乐学尤其是音乐史学相互交叉、影响和渗透所形成的一门边缘学科，它具有从属于考古学和音乐史学的双重性质，但又具有相对的独立性。”“中国音乐考古学则从普通考古学中萌芽，是中国考古学滋养下本土化的产物。在研究方法上，中国音乐考古学也受到了考古学和音乐学（尤其是历史音乐学）的双重影响。”
这些文字表述略有不同的定义显示：普通考古学是音乐考古学脱胎的母体，萌生、滋养的基础，交叉渗透、相互融合的一元，基本立足点之一，等等。
这种深刻的认识，基于音乐考古学萌芽期的实践总结。20世纪80年代以来，中国的音乐学界在文物、考古学界的帮助和推动下，创立了音乐考古学科。迄今为止，这一新兴的学科已经形成了具有本科、硕士、博士教育的人才梯队培养体系；出版了大量的专著成果；参与了一次次的重大田野考古发掘；基本完成了与文物考古鼎力合作的基础性工程《中国音乐文物大系》；常设了专门的研究机构；建立了国际性的学术组织并组织了多次国际学术交流活动。中国音乐考古学呈现着繁荣、活跃的学术景象。
不过，从理论和实践上来说，中国音乐考古学与普通考古学还存在着一定的问题，潜在着影响学科发展的因素和不可忽略的隐忧。
在理论上，迄今为止，中国音乐考古学并未受到中国考古学的正式认同。在考古学理论著作和《中国大百科全书·考古》的“考古学”条目中，受普通考古学影响所产生的特殊考古学分支现已包括了诸如美术考古学、宗教考古学、古钱学、古文字学和铭刻学等等，并不包含“音乐考古学”。
在实践上，中国现行的考古事业管理制度，只有国家文博单位和高等院校的历史考古专业才有考古发掘权。以音乐学学术身份出现的中国音乐考古学家从身份和职业上均未被纳入考古界之列，更难以进入考古学的田野考古发掘领域。而在考古事业的机构和职位序列里，也没有“音乐考古”的建制和席位。
于是，音乐考古学与普通考古学在田野发掘的交叉重合区域里存在着制度性的专业脱节。音乐考古学与普通考古学的学术衔接保持着一种“你发掘，我研究”的线性流程及默契。音乐考古学家的研究工作，主要还是停留在根据考古发掘报告和出土文物资料做案头研究的阶段。偶尔几次考古大型发掘项目的参与，也是来自考古界少数知音的邀约，而非制度性保障下的常态工作。
这种情况对于两个学科和艺术及文化遗产事业都是不利的。
音乐在古代的地位范文3
关键词：古琴艺术；传统文化；教育价值
古琴，又名琴，在形制上因缚弦七根，又被称为“七弦琴”，是中华民族最古老的弦乐器之一。“琴、棋、书、画”历来被视为文人雅士修身养性的必由之径，古琴居于四大修养之首。2003年，古琴被联合国教科文组织列为中国继昆曲之后的第二个“人类口头和非物质文化遗产”。纵观古琴的发展史，其丰富的精神内涵和人文品质，对传统文化的形成和发展产生了深远的影响，已形成一套成熟的古琴艺术文化体系。在古代文人雅士看来，古琴不仅是娱乐身心的器具，更具有陶冶性情、培养气质、增强文化底蕴的重要功能。
古琴艺术作为传承中华传统文化的载体，所蕴含的哲学、教育思想等历经数千年的发展演变，对当下教育发展具有独特的价值。对古琴艺术的学习不仅能促进传统音乐文化的传承，使其更具有生命力，还能提升学生的传统文化底蕴，修炼学生的品格情操，提升学生的道德思想品位。
一、古琴术的传统文化教育价值
薛易简在《琴诀》中认为，“琴之为乐，可以观风教，可以摄心魂，可以辨喜怒，可以悦情思，可以静神虑，可以壮胆勇，可以绝尘俗，可以格鬼神。”这足以表明古琴是一种通体都充满着中华传统文化内涵的乐器，是传统人文精神的物化。作为具有高度文化属性的艺术形式，古琴从多层次、多角度体现了中华传统文化。
从物质层面看，古琴的构造、形制和取材等是中华传统文化的物质载体。就构造而言，古琴的各部分结构合理、方正雅致，体现了中国古代“天地人合一”的哲学思想。最早古琴是依人的身形而制，其各部位与人的身形相对应，有琴额、琴颈、琴肩、琴腰。“琴头”上部称为额，额下端镶有用以架弦的硬木，称为“岳山”，又称“临岳”，是琴的最高部分。古琴底部有大小两个音槽，位于中部较大的称为“龙池”，位于尾部较小的称为“凤沼”。此谓上山下泽，又有龙有凤，象征天地万象。古琴琴面呈弧形，代表天圆，作阳；琴底是平面，代表地方，作阴，意为天地秩序。“龙池”纳音靠头一侧有“天柱”，靠尾一侧有“地柱”。琴额、琴项、琴肩、琴腰，代表人体；“龙池”和“凤沼”等代表古代的吉祥神兽。古琴全长约3尺6寸5，象征1年的365天。琴面上的13个“琴徽”象征1年的12个月和1个闰月。
古琴形制具有多样化的特点，每一种形制都有其独特的含义，融入了特定的历史文化。有的琴式流传是古代圣人所造，比如，神农式、伏羲式以及师旷式等；有些古琴样式拥有诗意化的物象，例如君式，主要是模仿四君子当中的竹子；还有蕉叶式，模仿蕉叶形状，其诗意化出自于“雨打蕉叶”。另外，还存在很多式样，比如，蝉翼式、灵机式、聚云式等，均与地域和意境有关。如作详细考证，每种形制均存在一段历史佳话，并且都表现出了中华民族传统文化的内涵及其内在的审美价值。
从精神层面看，古琴艺术体现了儒道哲学思想。儒家思想不仅赋予古琴艺术以独特的文化底蕴，而且对古代文人雅士用以修身养性的古琴音乐产生了深远影响。儒家哲学美学的核心是“尽善尽美”，是乐与仁的统一，即中和的音乐才是艺术与道德的融合统一，也就是“大乐与天地同和，乐者，天地之和也”（《礼记・乐记》）。儒家的“中庸”思想也成为历代琴家遵奉的信条，很多琴曲的感情抒发力求“中正平和”“温柔敦厚”，以“清和恬雅”为其风格，致力于表现文人雅士的心境情态。儒家思想“乐仁统一”的中和音乐之美，表现在琴乐中就是内容中正、无邪，形式和谐、有节。在儒家思想的影响下，中国古代的文人雅士把琴视为修身、齐家、治国、平天下的理想之径，甚至视为文人的一种象征。
道家最重要的思想是“天人合一”，即“天地与我并生，万物与我为一。”道家强调人之道要符合天之道，人应该顺应自然，融入自然，与自然和谐相处，互为一体。“天人合一”思想渗透于古琴艺术中，所表现的境界为追求心灵虚静、自然和谐。老子的“大音希声”，庄子的“天地有大美而不言”，都体现了“无言而心悦”的审美标准。道家以达观的人生态度、高度自由的精神境界为中国文人雅士提供了另一种人生选择。所以，历代琴家操缦，不仅表达了“声微而志远”“幽远而静谧”的音乐意境，也是文人雅士滋润心灵、追求丰富精神生活的审美价值取向。
儒家思想为历代文人雅士提供了入世态度――进则修齐治平，出将入相；道家思想为其提供了出世态度――退则独善其身，寄情山水。因此，文人雅士使古琴成了人文之器、修身之器，以琴言志、以琴抒怀、以琴寄情、以琴修身、以琴养性，使古琴艺术也成了中国古代文人雅士精神世界的载体。
由上可知，与其他乐器相比，古琴艺术最大的特点就是拥有悠久的历史，融入了中华民族诸多的文化内涵。而当代学生通过对古琴音乐艺术的学习，在提升传统文化底蕴的同时，还能增强民族自豪感，进而激发学生强烈的爱国情怀。
二、古琴艺术的音乐教育价值
随着西方音乐文化的大量涌入，我国许多音乐人接受并采纳了西方音乐的审美标准，一切的音响行为、审美思维均按西方音乐文化标准来评判，几乎全盘否定了中国传统音乐，其影响直至当下。为了取得西方音乐的认同，中国的现代音乐斩断了与传统音乐的联系，极力向西方音乐靠拢，即便偶尔有站出来反对这种认同的，也不是依据历史悠久的中华传统音乐。中国音乐界便出现了凡是西方的就是现代的、新的，凡是中国传统的就是古代的、旧的现象，“音乐”成了西洋音乐的专用名词。
作为主体的中国传统音乐文化，没能公平公正地与西方音乐文化比肩而立，而盲目地被纳入西方音乐文化体系，使得中国音乐文化的主体地位错位，甚至丧失。正如，学者刘承华所言：“否定中华传统音乐，并斥之为封建、落后、保守，而当他们转向中国现代音乐时，又因不能与西方音乐匹敌而予以蔑视，在中国音乐问题上终于陷入了民族虚无主义。”中国音乐很快就丢掉了自身原有的民族特质，致使传统音乐教育理念受到了严重的冲击，并且影响着现代音乐教育。
每个民族都有其独特的音乐文化，我国与西方在价值观、思维方式等方面迥然不同，音乐文化也有明显差异。从音乐思维方式来看，我国是横向线性思维，较为含蓄，本着自娱自乐的精神，提升个人品质修养，追求神韵和曲尽意不尽的效果。例如，古人常用“清微淡远”作为古琴艺术的审美标准。道家则直接以“大音希声，至乐无声”为衡量标准。西方音乐则是纵向柱式思维，较为外放，本着娱乐他人的精神，强调演奏技巧变化，追求表现力，包括节奏是否整齐、主题是否深刻、音响效果如何。
国内的音乐教育却以西式音乐教育为主，丢弃了本民族音乐的精华。要想发展中国音乐教育，必须转变教育观念，以本国音乐文化作为教育的主体，突出民族特色。音乐教育应该始终贯彻坚持中国特色音乐思维模式的宗旨，为弘扬民族精神做出贡献。古琴音乐文化像一块活化石，它告诉后人音乐教育要牢记民族精神。古琴艺术作为中华传统音乐文化的典型代表，对现代音乐教育具有重要的价值。
古琴艺术是我国独有的在传统音乐中最能体现、最能代表传统文化的，包括儒家提倡的价值观和人生观，道家崇尚的审美和境界。古琴音乐的独特魅力在于：具有一种令人荡气回肠、销魂摄魄、幽婉深邃、韵味悠长的美感，这是西方音乐无法企及的。因此，在现代音乐教育中要求教育者把握中国传统音乐的精神与模式，按照中国传统的本性来调整当代学生对古琴音乐感知与感悟的思维方式，使其能更好地领悟中国古琴艺术、传统哲学思想，回归到传统文化中。
三、古琴艺术的德育价值
只有蕴含了丰富传统文化底蕴的艺术才能经久不衰，只有用这种经久不衰的艺术去培养学生，才能真正提高“人”的道德素质。正如《琴史》中所记载，弹琴的作用不是为了娱乐和表演，而是为了修身和养性。古琴艺术在三千多年的历史发展中，琴家习得古琴艺术，并不是单纯学习古琴演奏技巧，而是花更多的时间学习古琴音乐所蕴含的儒道哲学思想，并把儒道两种哲学合二为一融入古琴艺术中。古代文人雅士在学琴时，首先要理解传统哲学，包括儒家的“乐教、道德和仁义”等哲学思想，也包括道家的“大音希声、物我两忘”的思想和境界。只有具备了对中华传统文化的良好认知，才可正式学琴，才能将自己对传统哲学的理解融入演奏中。因此，在古琴艺术的传承中，必须抓住古琴所蕴含的传统文化内涵这一核心，真正从“人”的思想品位上提高学生素质，让学生吸纳古琴艺术的文化内涵，形成中国文人雅士特有的人格美。
儒家入世思想讲求中庸、和雅、道德，其融入古琴音乐中，正好与俗乐所谓之繁声、溺音相反，雅乐之德音在于平和雅正、温厚含蓄。这种平静、含蓄的道德力量介入音乐后便赋予其移风易俗、教人向善的力量。儒家的入世之音是内省之音，是向内在心灵求索的声音，是内心宇宙的声响。所谓“欲重而不虐，轻而不鄙，疾而不促，缓而不弛。”“兴到而不自纵，气到而不自豪，情到而不自扰，意到而不自浓。”可见，所谓中庸，其实是不断反省的结果，属于时时事事“吾日三省吾身”的反省。例如，琴曲《苏武思君》表现了苏武在厄境下的赤胆忠心，音乐结构完整，逻辑性强，婉转曲折，非常感人，反映了儒家入世的思想，积极向上，发人深省。
和儒家对待音乐的态度异曲同工，道家也十分重视音乐的精神层面，这种精神层面主要反映在其追求的意境上。道家的出世之音是向身外自然求索之音，然而这种求索并不同于西方之征服自然之举，而是于无声处听惊雷，探究外在宇宙与内在宇宙同构之妙，如同佛法谈到“无内无外”，这种同构的状态只有在虚静的状态下才能达到。所以，道家的琴音意境之深邃既反映了琴人感知的外在意境，又反映了其内在的状态，是心灵的内外共振之音。这种同构状态下的共振之音才会表现出那种“淡雅”之“逸”风。道家风格的琴曲大都是描绘现象的，世间万象引发哲思缕缕。
道家“天人合一”思想的核心是主张人与自然的和谐相处，儒家的修身之道强调的是人与人的和谐相处，而所有的和谐都源于个体内心的和谐，只有每个个体的内心和谐，才会有真正意义上的人与自然的和谐、人与人的和谐。古琴艺术的文化品质追求的不是表现于外在的审美情趣，而是返归于自身的内心独白。
因此，古琴艺术中所蕴含的儒道和谐思想能够很好地引导学生以敬畏之心与自然和谐相处，以平和的心态与人和谐相处，以超脱的境界实现内心的和谐，使学生在古琴艺术的熏染之下，能够以正确的态度对待学习和生活所带来的压力，自觉调节情感和心理，加强自我修养、自我完善，从而塑造健全的人格和形成良好的道德品质，使自身实现全面和谐发展。
参考文献：
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音乐在古代的地位范文4
关键词：古典主义 风格 海顿 莫扎特
当钢琴弹奏水平达到一定程度时,准确把握和理解作品的艺术风格的问题便凸显出来。这是每一位琴者理解音乐必不可少的重要素质和基本能力。周光仁先生曾说过：“为了更好地理解音乐作品,就必须对音乐风格有深入、正确的把握……音乐风格把握的错误,在某种程度上比弹错音还严重。”任何一个演奏者如果不能对其弹奏的作品风格作出正确的把握,就谈不上对音乐作品有深刻的理解。因此, 风格的把握在诠释钢琴作品中的重要地位是不言而喻的。以海顿、莫扎特为代表的维也纳古典乐派占据了钢琴发展史中的重要地位,而钢琴作品也是两人创作的重要领域。本文正是从两人钢琴作品中的共同特点来探讨这一时期，他们对钢琴作品风格的把握。
一、古典主义音乐的一般特点
“古典的”即为“classic”，在古代文法学家笔下是指“最优秀的”“经典的”之意。而在中国，我们译为“古代的”和“典范的”两层意思。在这里我们所说的“古典主义时期”，只是狭义地指18世纪中下叶，在维也纳形成的以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的德、奥音乐。这一时期，由于受法国大革命的巨大冲击和启蒙主义“返回自然”思想的影响，要求音乐质朴化和平民化，音乐特征慢慢地完善成熟，其音乐特点主要如下：
1．主调音乐代替了复调音乐。尽管古典音乐在巴洛克时期孕育并且带有巴洛克时代的印迹，但在这一时期“以旋律与和声背景”为主体的主调音乐仍然占据了主要地位。
2．和声进一步发展，由“主——下属——属——主”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构骨架。和声语汇更加丰富，大胆采用了离调、转调手法，使旋律更富于表现力，更加立体。
3．受法国大革命和“启蒙思想”的影响，这一时期的音乐逐渐摆脱了宗教内容，取而代之的是以“人”为中心的人文主义内容。“人”取代“神”成为音乐作品的主角。
4．音乐结构形式发生变化。这一时期，奏鸣曲代替了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡他等曲式，形成了结构清晰严谨、织体细致、音乐语言平易近人等特点。同时，这一时期，变奏曲也被广泛运用。
二、海顿、莫扎特的钢琴作品风格
海顿和莫扎特的大部分键盘作品被认为是为钢琴而非羽管键琴而写的。虽然当时的钢琴声音音质比现代钢琴更加轻薄，但它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。
在约瑟夫·海顿（1732—1809）的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作的主体。海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。但不管怎么说，海顿却预示着莫扎特风格的成熟。海顿的钢琴作品初听时并不像莫扎特作品那样迷人，反而有些冗长、粗暴，有时甚至有些野性。莫扎特钢琴作品中的声音因素在海顿作品中几乎找不到。海顿不十分关心钢琴上的歌唱性，而是更致力于纯正的表情。他的钢琴作品中有一种朴实的热情，并有着无比的幽默感。他并不热衷于炫技。和莫扎特相比，莫扎特用很多的“aallegro”，而海顿更愿意选择“allegro moderato”，甚至“moderato”。
莫扎特（1756—1791），一位坠入人间的音乐精灵。他的精巧、典雅、纯净、澄澈，在欢乐中隐含淡淡哀愁的钢琴音乐，使他在钢琴艺术发展史上独树一帜。他的形式感和对称感似乎与生俱来，而且那种适度的均衡与他来自直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。他的钢琴作品很少追求激情表现或炫技因素，而是忠实于更为亲切和家庭式的奏鸣曲。除去个别较简易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。
我们知道，一切艺术风格的把握，都离不开对其形式要素的考察。因此，通过以上对海顿、莫扎特的了解，我们可以粗略地把握一些古典主义风格的要素。
三、演奏古典作品所需要注意的几个问题
达到古典主义风格的要求、在技术环节上的完善，需要正确处理以下几个方面的关系。
1. 速度和力度
在弹奏古典钢琴作品时，正确的速度和力度是极其重要的，随意地变化速度和力度，都不符合古典作品的音乐风格。正确地把握和知道速度究竟多快是弹奏古典钢琴作品所必需的。古典时期的演奏速度比巴洛克时期有了很大的提高，速度向两头扩张。这一时期的快板乐章比巴洛克时期快得多，而且表现力深刻的慢板乐章往往更慢。海顿和莫扎特从不为他们的作品标上速度记号，现在版本上所标记的速度记号都是后来人加上去的。但我们在演奏他们的作品时也应该有个速度的定量，根据当时的时代背景和我们对这一时期音乐的了解，我们一般把它定量为：快板（allegro）不超过ii =132，而柔板（adagio）可慢至=48—50左右。总之，要充分保持稳定、统一的速度，绝对不能时快时慢。
而在力度的表现上，由于“槌子琴”的出现，音量较过去增大了，可以用不同的触键来表现渐强渐弱等变化了，因而音乐表现力较巴洛克时期更为丰富。虽然这一时期钢琴制造上有所发展，但还远不如现今钢琴音色丰富、洪亮，声音也不能像现在的钢琴延续得那么长，因此，其力度比现代钢琴整整低了一个等级。由此看出，在演奏古典时期作品时，现代钢琴演奏最大音量也仅仅相当于“mf”，最轻音量则相当于“ppp”。到贝多芬时期，钢琴制造和钢琴演奏又有了一定发展，力度幅度增大。因此在演奏这一时期作品时，我们可以有所变化，但应考虑当时的特点，把握好限度与分寸，弹出尽量符合当时时代背景的音乐。
2．触键与音色
古典时期的钢琴发音明亮、颗粒清脆，是我们的现代钢琴很难做到的。莫扎特钢琴作品声音灵巧而华丽，而海顿有时比莫扎特更富朝气，更具幽默感。因而可以看出，弹奏古典作品要达到我们想要的音色，就要通过均匀清晰的颗粒、活跃的节奏、流畅的气息的途径来实现古典主义特有的高贵气质。而良好的音色的实现是通过触键来完成的，因此，通过海顿、莫扎特我们可以看出弹奏古典作品应遵循以下原则：
①弹奏古典作品时，触键应以指尖，尤其是第一关节为主要部位，下键时，指尖要轻，触键要快，指尖在发音后一定要轻轻支撑住，而力量则应立即松开。不能用臂力压迫键盘，必须控制好声音的“点”。
②弹奏出的音色应明亮而圆润，演奏者要控制好自己的肌肉，通过手臂“松”而不“懈”的力量，弹奏出富于明快、透明、纯净的音色。
③音阶的走句应干净，流畅。用手指奏出富有弹性的音。指尖动作越小越好，其触键速度在单位距离内应该较快，弹奏出颗粒清楚、以“nonlegato”为主的音。
④在手腕配合下，弹奏出有“呼吸”的乐句。钢琴演奏就像声乐演唱一样，都是有“呼吸”的。演奏者通过力量的“上抬”和“下沉”，来实现乐句起伏中形成的“气息”，并根据演奏者本人对乐句的理解来决定使用连奏还是断奏，通过演奏者的手腕、手臂来调节乐句，使声音和谐、统一，弹奏出美妙细腻的乐句。
3．装饰音的弹奏
装饰音一直是个比较复杂的问题。周广仁先生曾指出过：在装饰音记号统一以前，我们很难认定统一的标准。而且，在实际弹奏中，对同一个装饰音，每一位演奏者又有不同的弹法。再者，随着钢琴演奏的发展，后人编撰前人乐谱的版本日益增多，给我们研究这个问题带来了更多的纷扰。古典主义时期的装饰音基本继承了巴赫的传统，以下只是对装饰音的一些一般规律进行的探讨。
①颤音（tr）或回音（∽）。颤音的数量较为自由，不像巴洛克时代的那样严谨，速度和数量由演奏者根据对乐曲的理解而决定。这里需要指出的是在海顿、莫扎特时期，所有奏法都从标明的主要音符上方二度开始，而到贝多芬时期，则演变成从原音开始。
②长倚音一般具有留音效果，甚至弹奏效果是将音符时值对分。如则应弹奏为。这在莫扎特k283第一乐章，k311第一乐章，海顿的hobxvi37第三乐章中都能遇到。
③回音应包括在主要音符时值内。装饰音的第一个音应弹在拍子上。如贝多芬的op.49第一乐章中回音的弹奏。但有时，回音也从拍子后开始弹奏，这就要看演奏者具体的喜好而定。
另外，贝多芬的装饰音略微复杂，如半颤音、分解和弦或琶音、短倚音、长倚音等。我们不可能用某种规范加以限定，只有演奏者根据音乐的时代背景和自身的喜好同时参考大师们的演奏来弹奏。
4．踏板的运用
18世纪后30年，有不少钢琴被装备了一个膝部杠杆，近似于现代钢琴的制音器踏板。踏板就是这一时期发展起来的。在海顿、莫扎特时期，键盘作品基本上都是为古钢琴而作，由于古钢琴与现代钢琴结构完全不一样，因此，据考察，他们的作品中没有踏板使用的标记。但这并不等于演奏他们的作品时不需要使用踏板，所以很多演奏者在弹奏他们的作品时感到迷茫，他们不知道，在任何风格中，右踏板最重要的作用之一是给予更多的共鸣和音色。这一点对古典乐派作品同样适用。因此，演奏者应始终记住：在使用踏板时首先讲究织体的清晰度，句法和奏法绝对不能含糊不清。即使要使用踏板，也要尽量保持音的清晰，使听者觉察不出来。其次，在有长时值音符的慢速、歌唱性段落中，右踏板不能踩得过深，在这里使用踏板的功能主要应帮助避免声音发干，使整个乐句有一个很好的过渡、连接，起到润色的作用；最后，句法、连线和所有其他奏法应保持清楚，包括休止符都不能用得模糊不清。踏板的运用不能影响以上所述的划分。
随着时代的进步，钢琴制造业的发展为演奏者的踏板运用提供了基础，左踏板的出现也增强了作品的表现力。在这种背景下，演奏贝多芬作品，运用踏板自然比海顿、莫扎特多得多，复杂得多。但不管是演奏贝多芬还是海顿、莫扎特的作品，我们应始终记住古典时期使用踏板的总原则就是：增强乐句的连贯性，使音响获得更丰富饱满的效果。
四、结语
综上所述，通过对海顿、莫扎特钢琴演奏风格的研究以及对弹奏技术的分析，我们可以看出，维也纳古典乐派时期的钢琴作品的弹奏风格所需要把握的分寸，在于内在的深刻和外表的含蓄、有节制的统一。演奏不同时期、不同流派的钢琴作品需要有符合这个流派音乐的演奏风格。钢琴300年演奏艺术的发展过程表明，风格作为一种音乐文化趣味和形式要素、一种演奏中必不可少的认知概念和外显形态,是反映作品思想主题、精神内涵、情绪情感和审美趣味的重要因素，是每一位演奏者在弹奏实践中不能忽视的。我们只有将作品与艺术流派的共性相结合，深入体验、挖掘作品内涵，准确把握和理解作品的艺术风格，同时，不断提高自身音乐修养和弹奏的技能技巧，才能为培养良好的音乐审美能力及所衍生的各个方面打下坚实的基础。
参考文献：
[1]赵晓生《钢琴演奏之道》
[2]黄莹《风格的研究——钢琴教学中一个值得重视的问题》（《钢琴艺术》）
[3]罗曼·罗兰《古代音乐家》《当代音乐家》
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关键词： 欧洲古典音乐 中国古典音乐 赏析
音乐是生活不可缺少的一步，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一步，因此学习欣赏音乐是一门很重要的课程。在这门课程的学习中学到很多东西。音乐欣赏是音乐教育的组成部分，对培养学生感受音乐、欣赏音乐的能力有着重要作用。学生广泛深入地接触音乐作品，就能较快地提高音乐的鉴赏力和表现力。
一、欧洲古典音乐
古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。贝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音乐家的音乐作品带给人们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅……说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐。当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了社会的政治与音乐，当时的音乐只有纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，对今后的音乐发展起到了重要的作用。欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级开始出现，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，不得不提古典音乐的奠基人——亨德尔。即使你不认识亨德尔，也绝对在圣诞节或万圣节听过庄严的《哈利路亚大合唱》，这首由万人齐声同唱、人人都能朗朗唱出一小段的曲子，正是亨德尔所谱写的。从1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了像巴赫、亨德尔等伟大的作曲家，而且歌剧、协奏曲、奏鸣曲等题材相继被创造发展出来了。
1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当做抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法，如当时的帕格尼尼、李斯特等就是红极一时的演奏家。音乐表现、风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家。
进入19世纪，现代音乐的时代开始了，出现了以德彪西为首的印象派音乐。音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处。在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，十九世纪末、二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破了十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表。在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化。1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了像无声音乐、噪音、微分音等人们无法理解的音乐形式。
此后，古典音乐在人们生活中愈演愈泛，甚至成为了人们口中的“古董”。但有时候仍难以参透古典音乐最初的真谛，仿佛那些世纪大师的作品不止音律好听那么简单，现代人需要的是从机械的日常琐碎中挣脱出的音乐，是创造，是不停闪烁的灯光和撕心裂肺的呐喊，是置身于舞池中的梦境。“古典音乐的没落已是现实”，而我持反对意见，古典音乐蕴含了音乐家的历史、思想、情感，是每个不同时代的见证与人们生活层面的体现。
二、中国古典音乐
在学习过程中，我们在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美。我们从笛声的清脆、箫声的深沉、琵琶的铮铮之音中，感受到了华夏之音的美妙，体味到了古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音——宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了独特的音乐形式，如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器。我国的音乐大家创作了用唢呐表演的优秀曲子，如《百鸟朝凤》等堪称经典。在这门课的学习中，我们加深了对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心和对祖国的爱。
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关键词：古希腊；古罗马；声乐艺术
公元前12世纪至公元前146年的古希腊声乐艺术和公元前146年至公元476年的古罗马声乐艺术共同组成了欧洲古时期的声乐艺术。这一时期的声乐艺术在整个西方音乐发展脉络中占有非常重要的地位，这是西方近现代声乐艺术的起源。
一、古希腊时期
（一）古希腊文明
古希腊文明所起源的“爱琴文明”为古希腊的声乐艺术提供了非常丰富的摇篮。在公元前20世纪至12世纪，地中海东部的爱琴海岛、希腊半岛及小亚细亚西部的欧洲青铜时代的文明，被人们称为了“爱琴文明”，涵盖了克里特文明与迈锡尼文明两个阶段。这一文明是欧洲最早的文明，也是西方文明的源泉，这更是古希腊文明的起源。由于古希腊的地理位置使之能够处于东西方文明交汇的黄金地位，一头与东方文化相互交融，使得古希腊文化不断发展，另一头与西方接壤，深入欧洲腹地，对整个西方的文化发展起到了深远的影响。古希腊文化所涉及到的美学、哲学、音乐、自然科学、教育、文学、戏剧、诗歌、建筑、雕刻等等方面的都达到了辉煌的成就。古希腊的人们将所有的美德都归功于音乐，他们认为音乐有着感召人类心灵的能力和果效。
（二）古希腊声乐艺术的发展
古希腊的声乐艺术当之无愧地成为了古希腊众多辉煌艺术门类中的头冠。合唱的表现形式在当时的声乐艺术中起到了主导作用，无论是婚丧嫁娶还是祭祀祈福，人们都会选择合唱的形式来表达自己的情感。这一时期的声乐艺术发展大致可以分为四个时代，即英雄时代，古风时代，黄金时代和希腊化时代。大约在公元前12世纪，多里亚人的入侵使得迈锡尼文明受到了毁灭。此后的300多年里面，古希腊整个陷入到了沉寂的状态之中，封闭和黑暗笼罩了古希腊社会，所以导致存留下来的文字和资料稀少，惟只剩下了反映当时社会情况和人民精神状态的《荷马史诗》。根据传说，《荷马史诗》是由盲人荷马通过收集加以汇总和创作的，他同时也还是诗人和歌手。《荷马史诗》是由两部分组成，《伊利亚特》和《奥德赛》。《荷马史诗》描写了古希腊的英雄征战和一系列的神话故事。这部伟大的杰作结构思维严谨，形象鲜明，语言干练，情节活泼，具有深刻的哲理和理性，所以，历史学家们将这一时期称为“英雄时代”。《荷马史诗》中有着舞蹈和合唱的记录，主要是以吟唱的形式流传下来，产生了人类历史上最早的三种声乐体裁：弗兰（Fran）——悼歌，旋律较为缓慢；潘（Pan）——献给阿波罗的欢乐性颂歌，旋律较为欢快；酒之歌（Gifirami）——献给巴克斯的抒情性颂歌，旋律舒缓优美。公元前8世纪至公元前5世纪，由于希腊人根据腓尼基字母创造出了古希腊文字，可以用文字来记录和叙述历史，历史学家们将这一时期称为是古风时期。随着贸易经济的发展，古希腊社会经历了大的变革，从原始的公社制度将向奴隶城邦制度开始过渡。随着社会制度性质的变革，当时社会人们的精神生活和心理状态也随之变革，他们不再沉浸于神话的幻想和对英雄的崇拜之中，他们开始追逐人类自己内心中的情感与心理，他们敢于抒发自己心内中的真实写照，抒情诗（Lyric）由此而产生。抒情诗的旋律大多都是来自于当时社会流传所唱的民歌，人们用里拉琴伴奏，演唱形式包括了独唱和合唱等，所演唱涉及到的题材内容有双行体诗，讽刺为主题的诗歌，琴歌和牧歌等等。贵族女诗人萨福（公元前612-557）是创作兼独唱抒情诗的杰出代表，她的演唱题材多以爱情为主题，她非常擅长细腻地刻画人物的内心感受，曲调情感真诚，忧郁委婉，歌词夸张炫美，具有很高的艺术感染力和表现力。萨福还有一个非常重要的贡献就是在她的出生地，也是她的家乡建立了被人们视为欧洲最早的音乐学校。品达罗斯（公元前518-442）是将合唱抒情诗这一声乐体裁发展到最高水平的诗人。他所创作的作品稳重华丽，形式完美，后人称之为“崇高颂歌”。
从公元前5世纪起，希腊进入了古典时期。古希腊的社会变革依然在进行，先进的民主制度已经代替了氏族贵族制度，人们逐渐萌发了民主思想，其中，以雅典最为典型。艺术活动已经不再是贵族阶级的活动，艺术活动在平民中开展地更加广泛。一些业余爱好者在一些盛大的集会上也会出新唱歌、跳舞、戏剧的演出。古希腊的戏剧，包括了悲剧和戏剧，是当时古希腊文化发展最大的成就。古希腊的戏剧是由戏剧对白和音乐组成，中间或多或少地穿插一下器乐伴奏和舞蹈等等，是具有非常高的艺术价值的艺术种类。古希腊的宗教神话传说是古希腊戏剧剧本产生的源泉，但是已经超越了民间的风俗习惯，人们逐渐形成了较高的审美意识和追求，这也是古希腊文明走向成熟和理性的集中体现。因此，这个时代，古典时期也被历史学家们视为是古希腊音乐艺术发展的黄金时代。古希腊的悲剧，通常被人们又称为是山羊之歌，起源于祭祀迪奥尼索思的庆典盛世活动。人们身穿着羊皮，把长春藤花戴在头上，以羊角、羊须装扮，伴奏采用的是阿弗洛斯管。埃斯库罗斯、索夫克洛斯和欧里庇得斯是当时最为出名和伟大的三位古希腊悲剧作家。埃斯库罗斯（公元前525-456），被誉为是古希腊“悲剧之父”，他的创作属于是古希腊悲剧发展的萌芽初级阶段。他出生于希腊的一个贵族家庭里，他一生创作了九十多部悲剧，代表作品有《俄瑞斯忒亚》三部曲，《被束缚的普罗米修斯》等等。他的戏剧题材大多取材于神话英雄故事，以歌颂的力量为主。他的悲剧庄重肃穆，雄然亢奋，与戏剧中所现的强烈的矛盾斗争情节相辅相成。索夫克洛斯（公元前496-406），他一生创作的时间长达六十年，共写过130多部悲剧，代表作有《安提戈涅》、《俄狄浦斯王》等等。他所生活的时期正值雅典的民主思想意识全盛时期，所以较埃斯库罗斯而言，他的创作有了全新的提升和发展，他作品中所刻画的人物性格更加分明有力，语言简短明了，他的作品创作风格标志着古希腊悲剧创作的日益成熟和稳定。欧里庇得斯（公元前480-406），他出生在一个贵族家庭，一生创作了九十多部悲剧，代表作品有《美狄亚》、《特洛伊妇女》、《希波吕托斯》等等。他所涉及的悲剧题材内容范围比较广泛，有描写政治、、战争等等的，也有描写处于社会底层平民百姓生活的，还有描写社会世俗道德的。他非常擅长描写女性心理，透过人物内心的表达来反映一些深刻的思想道理，这一点在古希腊的悲剧中显得尤为的重要。在他的悲剧故事中也会经常运用合唱的形式体裁来揭示故事深刻的寓意和表达思想内涵，用乐器伴奏来引出人物的出场，有历史学家认为这是歌剧最早的雏形模式。
古希腊悲剧的结构主要包括以下几个方面：序词、出场歌、插话、退场词。序词指的是在合唱队首次出场之前的演出，意在说明戏剧背景和强化戏剧中人物；出场歌是接在序词之后，是合唱队进场之后的演唱，意在调节气氛，强调戏剧本身的基调和激发观众的感情，合唱是以齐唱为主，伴奏采用里拉琴和阿芙洛斯管，偶尔会穿插装饰音；插话是在剧情动作表演的开始，前后紧紧衔接合唱，用来划分剧情的层次，相当于现代歌剧中的“幕”；退场词是最后一段合唱唱完以后，作为剧目的结束。古希腊悲剧的结束通常分为两种，一种是演员充当使者报告全剧的结束，另一种是他们所崇拜的神明从天而降，歌舞场地全部升天做为结束。古希腊的悲剧通常三位男演员来演出，他们穿着高底靴，根据剧情面戴不同的面具，搭配不同的服装饰演不同的角色。古希腊的悲剧对于后来十六世纪末文艺复兴晚期意大利歌剧的形成影响非常深远。在古希腊悲剧发展的顶峰时期，与之相伴随的还有古希腊喜剧。古希腊戏剧起源于祭祀酒神的狂欢歌舞和民间滑稽戏，而后逐渐演变成为大型的喜剧。古希腊喜剧产生的时代是言论相对自由的民主繁荣时代，所以大多当权者和贵族阶级成为了古希腊喜剧所讽刺的对象。阿里斯托芬（公元前446-386），被誉为是“喜剧之父”，是古希腊时期最为出名的喜剧作家。他一生创作了四十多部喜剧，代表作品有《阿哈奈人》，《骑士》，《云》，《马蜂》，《鸟》等等。在他的喜剧作品之中，群众性的合唱、充满讽刺意味的歌曲，抒情缓缓地对白，轻松快乐的音乐及夸张的创作手法运用的淋漓尽致。他的作品可以说的上是高雅与低俗，严肃与活泼，美与丑的绝妙结合。公元前323年古希腊结束了辉煌灿烂的古典黄金时代，进入了希腊化时代。在这一时期，希腊奴隶制度开始逐渐衰退，希腊自身的文化开始向东方和西方传播，并且与当地的文化相结合。越多越多的专业歌手涌现出来，集体性的音乐活动随之减少。声乐艺术的发展开始偏向于个人感情的抒发与表达，感性与理性相得益彰的原则遭到了很大程度上的攻击与破坏，所以导致这一时期的声乐艺术发展逐渐退步。
（三）古希腊声乐艺术的特点
1.题材：大多取材于神话故事和诗歌，多为描写劳动、大自然和爱情为主；后期还出现了许多不同题材的歌曲，如祭祀歌曲、饮酒歌、情歌、结婚歌、颂歌、悲歌及与舞蹈结合的合唱抒情歌、众赞歌、庆贺歌等等；
2.声乐作品以单音乐旋律为主，具有朗诵性质，旋律简单流畅，节奏鲜明；
3.体裁：声乐作品多以合唱、齐唱、独唱、说唱和吟唱的形式出现，有器乐伴奏，有舞蹈和戏剧穿插其中；
4.歌手、诗人和声乐作品的创作者大多都集于一身；
5.因为当时没有标准的固定的记谱模式，歌手采取了以即兴表演为主的歌唱模式。
二、古罗马时期
公元前146年，古罗马征服了古希腊，随后古希腊全部沦陷。横跨亚欧大陆的古罗马由此成为了古希腊和后来欧洲文化艺术衔接的桥梁。古罗马自身的文化融入了古希腊优秀的宗教、哲学、美学、自然科学、戏剧等等文化，这就使得古希腊文明也很快地在欧洲开展开。在古罗马占领古希腊最早的初期，古希腊的音乐文化受到了古罗马人的轻视和忽略，他们不喜欢古希腊音乐，他们认为古希腊音乐不够威武壮阔。随着古希腊文化的渗透和深入，古罗马贵族阶级中的妇人首先开始接受古希腊的音乐教育艺术，并把音乐教育当成是良好教养和上流社会尊贵身份的标志。很快，这种认识很快在古罗马全部传播开来，音乐在古罗马社会生活中占到了非常重要的地位。但是，音乐对于当时社会的意义和影响却不及古希腊时期。在古希腊，每个人都可以参与到音乐活动之中，音乐甚至成为了连接社会关系和交往生活的纽带。但是在古罗马时期，音乐失去了在古希腊所特有的世俗性、群众性、广泛性和平民性等特征，民间音乐只处于到了次等地位，歌唱家、歌手和音乐家已经不是音乐生活的主角。在古罗马，取而代之的是上流社会中的贵族阶级、王公贵胄、奴隶主等等，宫廷乐师也就是在这时期出现的。音乐已然成为了王公贵族消遣娱乐的工具。在这些上流社会阶级的家庭中举办音乐活动和演出，充分反映了贵族们享乐奢华的生活方式。在古罗马时期，器乐的制造技术和演奏形式得到了非常大的提升与发展，以铜管乐为主，并形成了庞大的铜管乐乐队，为一些重大活动和仪式与大型的合唱团合作一起演出，这也凸显出了古罗马时期音乐艺术的奢华与享乐的特征。在这一时期，声乐教育作为一种职业也普及开来，一般是分为三种：有专门拓展音域或嗓音力度的教师，负责改善嗓音音质的教师，和负责训练音乐和艺术表现力的教师，这说明了古罗马时期的声乐艺术已经趋于规范化和系统化。公元3世纪，古罗马分裂成为两部分，即东罗马和西罗马。基督教逐渐成为古罗马的主流，取代了古希腊和古罗马所信奉的神明。古罗马对于古希腊文明走向中世纪文明起到了桥梁和衔接的作用。
[参考文献]
[1]于润洋.西方音乐通史[J].上海:上海音乐出版社,2008.
[2]大卫•凯恩斯.莫扎特和他歌剧[J].上海:上海三联,2013.
[3]大卫•波格.我的第一本歌剧书[M].北京:人民邮电出版社,2014.
