戏曲服装范文1
【关键词】戏曲服装；设计；管理
中图分类号：J821.5 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）07-0022-02
一、戏曲服装设计与管理
在舞台表演中，戏曲服装设计与管理的重要性不言而喻。在舞台艺术中，专门成立了戏曲服装设计与管理部门，有专业性的工作人员。但是要想把这一项工作做好，确实不容易。戏曲服装设计与管理，是一门技术性很强的学问。
毋庸置疑，戏曲服装设计与管理归根结底是为舞台表演服务的，从这个意义上来说，它不仅仅具有技术性，更重要的是具有艺术性，戏曲服装是技术性和艺术性的统一。
二、戏曲服装设计与其它舞美技术门类的关系
我们知道，戏曲服装设计是舞台技术之一，通过技术人员的设计制作，成为一种独特的舞台美术。戏曲服装设计不是孤立地存在，它和其他的舞美技术门类有机融合，或渲染气氛，或烘托环境，或表现人物身份，或推动剧情发展，从而共同创造舞台艺术形象。可见，戏曲服装设计要考虑到同其他舞美技术门类的关系，避免片面和狭隘。比如说舞台灯光，戏曲服装和灯光色彩融合在一起，给人的感觉显然不同，二者是你中有我，我中有你，是不可分割的一个有机整体。不同的戏曲服装在不同灯光的映衬下，观众能够感受到舞台艺术的美，从而得到精神上的愉悦和满足。正是舞台灯光的作用，戏曲服装的效果得以一定程度的体现。又比如舞台布景，可能有人会说，布景设计如何对戏曲服装影响不大，这个认识是错误的。在表演过程中，布景不仅仅起着渲染气氛的作用，它为表现不同戏曲服装的人物有着不可忽略的影响。不同的戏曲服装有不同的布景设计，共同塑造舞台人物。正是因为这种密不可分的关系，戏曲服装设计必须要考虑到舞美其它技术门类，不可孤立地看待服装设计的工作。
戏曲服装设计要根据剧本主题和表现剧中人物的需要，充分考虑舞台灯光，舞台布景等其他舞美技术门类的关系，要用全面的、整体的、动态的眼光处理这个问题，这样戏曲服装设计才能达到符合舞台表演的艺术效果。
三、戏曲服装管理中存在的问题
传统戏曲服装在设计和管理中存在一些问题，主要表现在：第一，制作和设计技术不能与时俱进，缺乏创新；第二，戏曲服装内容影响舞台表演效果；第三，服装管理技术落后。第一个问题，制作和设计技术没有跟上时代的步伐。设计的服装不符合现代人的审美情趣，不符合舞台表演的需要，这样的戏曲服装就严重降低了舞台应用价值，影响了应用效果；第二个问题是戏曲服装内容缺乏创新。由于服装设计理念没有跟上，对舞台表演缺乏正确的分析，导致服装色彩，服装剪裁等戏曲服装内容与舞台表演不吻合，影响了表演效果。管理过程中对服装内容缺乏跟进，不能全面控制，从而影响了舞台应用效果。第三个问题是服装管理技术和手段没有与时俱进。管理人员不能及时掌握戏曲服装相关信息，不能在规定时间内完成服装设计，从而影响舞台表演中戏曲服装的应用。这三个方面根本的问题在于缺乏创新。任何事物都在不断地发展变化之中，戏曲艺术也是一样。作为舞美重要技术门类之一戏曲服装，如果缺乏创新意识，在设计和管理方面与时代脱轨，就会出现停滞不前的现象，就满足不了人民群众日益增长的文化艺术方面的需要。因此，要解决这些问题，就必须要有创新意识，要科学理性地分析，务实地加以改进。
四、加强传统戏曲服装现代化管理
加强传统戏曲服装现代化管理，对于舞台表演具有重要意义。舞台表演离不开戏曲服装，可以这么说，没有戏曲服装，就没有舞台艺术。但不等于说，作为舞美技术门类之一的戏曲服装是一成不变的。因此，传统戏曲服装现代化管理必须要引起足够的重视。那么，要注意哪些方面呢？第一，要全面掌握并分析戏曲服装信息。前面说了，戏曲服装不是孤立地存在，它是同舞台艺术其它相关因素是相互联系相互影响相互渗透的，必须运用全面的、整体的、动态的观点看待这个问题。作为管理者，要熟悉剧中人物所需要的全部服装，要清楚服装的不同色彩以及服装剪裁，要对戏曲服装的所有信息进行科学分析，以便提高控制手段的有效性及管理水平。只有全面掌握并分析戏曲服装信息，才能做到心中有数，才能符合戏曲服装现代化管理的要求；第二，对色彩及衣箱进行分类管理。在舞台演出中，不同曲目，有不同的服装色彩体系；随着舞台艺术的发展，戏曲服装内容也会丰富多彩。这就要求管理者进行全面分析并科学分类，对服装衣箱进行命名管理。这一点不难理解，戏曲服装由于数量很多，如果杂乱无章就会忙中出错，影响演员及时换装上场，从而影响舞台演出效果；第三，优化并丰富服装管理技术。戏曲服装管理要建立在熟悉服装制作的前提下，这样才能对应管理，分析服装信息，整理并丰富衣箱管理，提高戏曲服装管理技术。
总之，戏曲服装现代化管理是一门学问，它的专业性和技术性很强，要求管理者必须懂得戏曲服装制作和设计的全部内容，包括服装色彩，服装剪裁等等。这一点来不得半点虚假，只有扎扎实实地学习和了解，才能学会戏曲服装管理。另外，它的艺术性同样很强，不懂得舞台艺术，不熟悉剧目，也是做不好戏曲服装管理工作的。当然，要学会戏曲服装现代化管理，不是一朝一夕就能够达到的，必须在服装管理的实践中，不断地摸索，总结经验，才能提高管理者能力和水平。
五、戏曲服装设计与管理人员必备的要求
戏曲服装设计与管理在舞台艺术中的作用很大，地位不可低估。戏曲服装设计与管理是一门舞台技术，与其它舞美技术门类一起为舞台艺术服务。因此，戏曲服装设计与管理人员就显得尤为重要。正是这些工作人员的努力，戏曲服装技术才转化为舞台美术，才使得观众获得艺术上的享受，丰富了人民群众的文化生活。那么，戏曲服装设计与管理人员必须具备哪些方面的素质呢？第一，要有文化素质和知识储备。戏曲服装设计要懂得多方面的知识，要了解历史，要懂得戏剧和文学，要清楚色彩和剪裁等等。总之，戏曲服装的综合性很强，没有文化素质和知识储备是无法胜任这项工作的；第二，要有专业的制作和设计技术。制作和设计是有特定的工艺流程的，如果没有掌握这方面的技术，是无法制作和设计的；第三，要具备现代化的服装管理水平。前面说过，加强传统戏曲服装现代化管理，对于舞台表演具有重要意义。在戏曲服装管理中，有两点特别提出，一是要求戏曲服装管理人员必须要严谨细致，二是服装管理人员必须具有娴熟敏捷的服装装束穿戴操作技巧。这两点做不好的话，会影响演员换装出场，使舞台表演效果大打折扣。第四，要提高艺术素养。我们知道，戏曲服装不仅仅是一门舞台技术，它还是舞台美术形式之一，是为舞台艺术服务的，如果没有艺术素养，就不懂得戏曲服装的审美特性，就不知道戏曲服装在舞台表演中的作用，也就无法进行服装设计和管理了。第五，要有创新意识。任何事物不是停滞不前的，是不断地发展变化的。如果没有创新意识，艺术之花就会凋零。服装设计和管理也要与时俱进。
戏曲服装的设计与管理是一项非常重要的舞台美术工作。随着文化艺术的发展，戏曲服装的作用不可低估。从事戏曲服装的工作人员要提高自身素质，为舞台演出作出应有的贡献。
参考文献：
[1]杨红薇.戏剧服装的产生发展及设计与管理[J].艺海，2011（07）.
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一、戏曲服装色彩方面
戏曲服装在舞台上主题色彩表现为上五色、（红、绿、黑、白、黄）下五色（粉红、湖色、深蓝、茄紫、古铜或香色）服装师在设计服装时，首先要结合剧本、导演、舞美设计、灯光师、服装师结合，设计出服装色与舞台景灯色彩的相互协调，主角与配角的色彩关系和人物的历史背景。比如戏曲服装的黄色，在古装戏中它是一个专色，也叫“皇家色”，所称“大色”，红色为“喜色”，是中国传统喜庆之色，白色为丧色，在戏曲服装中称“正色”，绿黑色为主贫色，实际也是戏曲服装大众色，就是在演出中大多数人物都可以穿戴之色。下五色为普用色；在服装设计中无论是皇帝和深宫内院，下至黎民百姓之家都可用之色。没有非常严格的规定色。
二、戏曲服装的名称
戏曲服装按传统有；蟒、靠、官衣、帔、褶子、茶衣、龙套衣、马褂、裙子、斗篷、古装、宫装、青袍、箭衣、包衣包裤、开氅、八卦衣、富贵衣、彩裤、打衣、水裙、腰裙等；但在这些里面又有色彩的详细分明，比如：蟒：有女蟒、男蟒、男女蟒又有上五色和下五色之分，单就是男女蟒就20余件了，每件戏曲服装都是按戏曲服装的程式化和规范化去细分的，如：蟒、靠、帔、箭衣、开氅、马褂、腰裙、彩裤、裙子等，有上下五色，其它服装应该不具备上下五色，如：“富贵衣”等，在舞台上根据历史来说，不可能出现黄色的，但这些戏曲服装一般是戏曲舞台常用服装，随着社会的发展，文化的繁荣，审美的提高，从八九十年代起，戏曲艺术家和服装师们在遵循戏曲理论和中国戏曲服装传统的基础上又增加多种服装，多称为改良服装，如：改良蟒、改良靠、改良官衣、改良裙等等。
三、戏曲服装的运用
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一、自带的程序性，带有独特的规范整体美
受传统的封建等级系统的思想控制，我国古代遵循严密的等级制度，每一人的行为、举止、穿着和语言等，都遵循着一定的规范，而其中穿着的讲究更是严密，要求服装的款式、质料、颜色和图纹等等都符合身份和地位，如据《明太祖实录中记载》，“礼部言命妇及庶民妻衣服首餙俱有等衰，唯女子在室者无其制。”即按宋朝的制度，女子年二十而笄，有一些士大夫家相传，女子皆作三小髻，金钗珠头（髟巾）窄袖褙子，宜如其制。这是一种带有程序性的穿着礼仪和规范讲究，让社会中每一阶层和每一个人都恰如本分地做事和做人，有良好的整齐划一性。在现代，当在舞台上表演古代戏曲文化时，演员们都要穿上独特的戏曲服装，正如上面所提到的，每一个人因身份和地位不同，穿着、打扮、行为和举止都会不同一样，舞台上，每一个演员因角色的性格、地位和身份等的不同，导致穿着又不同。虽然说，每个演员的戏曲服装都是不同的，但服装间有遵循着一定的规范，如对颜色的规范，据《大明会典》中有记载道，明代官阶分为九品，一品至四品服装为暗红色，五品至七品服装为藏青色，八品九品服装为墨绿色，每一个阶层的官员都会特定的服装颜色，现代戏曲表演中，也是根据这些颜色，来判定演员表演的官位的高低，使戏曲服装带有独特的规范的整体美感。
二、形式中的符号性，带有可观性和欣赏性
艺术就是美，而戏曲服装也是美的一部分，有些服装豪华高端，正如唐服，多以色彩艳丽的丝绸做衣服，而且款式设计也明丽豪华，有些服饰修身而有气质，侧重线条美感，如汉服，汉服的历史久远，因此对于花纹不太讲究，但最侧重于服装的线条美感，以宽松的衣袖，修身的裙袖和最合适的长度，来展示人体的线条美，可以说，每一套服装，都是一次美的欣赏、美的感受和美的追求，让人深深地了解到古人智慧的伟大。而在当代戏曲表演中，戏曲服装的表演更是一种符号性的表现，所谓符号，就是一种“标志”，通过这个标志，可以让观众们了解到这一场戏剧的重点，这个人物的性格、遭遇和地位等等，也可以了解到古代的礼仪和制度等等，它是一个折射点，不同的人可以在这一件服装上看到不同的东西。此外，更是一种美的欣赏，观众们在观看戏曲的过程中，不仅可以看到演员们在舞蹈时，展现的人体线条美，还可以看到服装在舞蹈中，色彩的变换美和款式的灵动美，让观众们在无形中，感受到和欣赏到了各种美，这也正是戏曲服装符号性中，带来的美学价值，讲可观性与欣赏性融为一体。
三、设计中的可舞性和装饰性，散发一种深厚的艺术感染力
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关键词：传统；戏曲服饰；元素；服装设计；角色
服饰的发展是我们国家的文明发展的标志之一，这不仅代表时代的变更和历史的演进，更能说明我国文化的不断发展和进步，传递着不同时代背景下的文化内涵和文化精神。本文致力于探讨中国传统戏曲服饰在我们当代服饰设计中的广泛应用，对戏曲的服饰特征及其相对应的文化内涵不断进行总结，希望从中挖掘传统戏曲服饰主要元素的作用，能有效的应用到现在的服装设计中。
一、传统戏曲服饰的主要特征
现阶段，我国戏曲服饰的历史发展较为悠久，其中包含较为丰富的文化积淀，是我们国家和民族的艺术宝库。其中，传统戏曲服饰的主要特征包括几个方面：1、程式性。在历史发展的不同阶段，戏曲服饰存在的形态也是不相同的，逐步形成程式性的主要特点除此之外，戏曲服饰的程式性还表现在款式、颜色、面料等各个方面，主要是指传统戏曲中在扮演角色时款式上必须遵守的规则。2、可舞性。在表面上我们可以理解为舞动的含义，主要是指服装在经过各种技术加工与艺术设计后，有利于戏曲演员更好地表现完美的舞姿。3、装饰性。所有的服饰在实用价值外，更多的是起到装饰的作用，尤其是戏曲服饰，在戏曲表演的过程中对相关服饰的要求更高。除此之外，戏曲服饰的装饰性特点还体现在款式和刺绣等各个方面。
二、戏曲服饰的元素分析
我们通过学习可以了解到，传统戏曲服饰的主要四大元素为：款式、色彩、面料、纹样，其中比较重要的就是戏曲服饰的款式设计，服装的款式直接反映了服装的造型风格和美感，因为服装的款式是服装的主要载体；除此之外，面料质量的好坏也直接影响到整个服装的形象表现，如果戏曲服装的面料不能够达到预期的要求，那么整个戏曲服装的设计就不会表现出相应的表演效果，例如丝绸面料的光滑感和下垂感，如果改为纯棉面料，那么就不可能实现预期的设计目标；色彩对整个戏曲服装的影响也是至关重要的，色彩的鲜明程度对于传统戏曲所表达的戏曲内容是息息相关的，如果戏曲的内容想要表现比较活跃的气氛，我们可以选择比较鲜亮的主色调，如果相反我们使用了暗色调，这会对我们戏曲想要传达的感情产生直接的矛盾，因此我们必须重视传统戏曲服饰的色彩使用；最后，纹样的主要作用是体现服装设计的艺术感，直接决定戏曲服装设计的工艺品价值。因此，这四个元素之间是相互作用，缺一不可的，所以被称为戏曲服饰的四大元素。
三、传统戏曲服饰元素在当代服装设计上的运用
目前，随着时代的不断发展，我们越来越重视服装设计，因为具有美感的服装可以帮助舞台表演者带来更大的表现力度，使整个表演的效果更加完美。除此之外，当代服装给生活中人们的不同需求带来更多的便捷性，例如运动型服装给人以青春活力的感觉；职业性的服装给人以端庄正式的感觉；休闲性的服装给人较为轻松方便的感觉。因此，不同的服装设计使我们在生活中的角色不断转化，更加适应生活和工作的不同需要。传统戏曲服饰元素在当代服装设计上的运用主要体现在以下两个大的方面：
（一）当代创意服装设计所涉及的戏曲服饰元素
首先，造型元素是非常重要的。任何服装都有非常明显的造型特征，服装的造型直接影响到服装的总体形象，可以明确的反映出服装设计的主要风格。因此，在服装设计的过程中，我们必须首先重视服装的造型设计，在服装造型基本确定了以后，再把相关的色彩、纹样等进行填充，这些都是根据服装的造型而决定的。服装造型由服装的廓形来决定，最基木的字母廓型有H型、X型、A型、T型、0型，由此引申出来的还有V型、Y型、S型等等，在设计服装造型的过程中一定要掌握好这些基本廓形的使用和灵活更换。除此之外，在服装造型设计过程中，我们还要重视人体关键部位与服装的对应，服装上的关键部位是服装与人体支撑部位对应的点，如颈围点、肩缝点、袖口点、侧缝点、衣摆点等反应服装特点的部位。
其次，除造型元素外，色彩元素也是至关重要的部分。无论是戏曲服装还是现代服装的设计，我们不能脱离色彩而存在，同样的款式和造型，再运用不同的色彩之后所表现出来的也不会相同。例如，我们知道红色是中国人民最为尊敬的颜色，我们常常说“中国红”，在过春节或是元宵节等重大喜庆的节日，我们常常会采用红色来烘托节日的氛围；而绿色则表现出一种蓬勃生机，常常代表青春与活力，在环保等各种宣传中我们会使用绿色，让人产生轻松地感觉；黄色就会表现出一种奢华和至尊无上的感觉，在龙图腾的使用过程中，我们常常采用黄色等。因此，不同的颜色对我们服装所表现的感觉也是不相同的。
再次，纹样元素在服装设计中主要起到装饰性的艺术，是通过艺术加工将服装设计中的装饰需要展现出来，其中包括图案的语言等。因此，服装上的纹样设计是与我们时代的发展密切联系在一起的，目前已经出现多种纹样，例如：龙纹、风纹、兽纹、鸟纹、云纹、水纹、花卉植物纹、如意纹、火纹、人物纹、脸谱文等各种纹样。
最后，面料元素在服装设计中给人的感觉也是不相同的，例如丝绸面料给人光滑感、纯棉面料给人舒适感、呢绒面料给人保暖感、蚕丝面料给人轻薄感等各个方面。因此，在舞台服装设计的过程中常常采用绉、锻质地面料，表演者在舞动的过程中给人轻盈飘逸的感觉。
四、总结
综上所述，根据时代的不断发展，我们必须重视传统戏曲服饰元素在服装设计中的运用，不断发掘传统戏曲服饰元素的主要作用，对传统戏曲服饰的形式美及意象美不断地进行分析，并且能够灵活运用到当代服装设计的过程中，总结和归纳不同传统戏曲服饰元素所表达的不同含义，从而促进现代服装设计的发展，在时代不断发展的背景下，使我国的文化精神和文化内涵体现在服装设计上，不会被世界所淘汰。
参考文献：
[1]陈治华.中国传统戏曲服饰元素在当代服装设计上的运用[D].陕西师范大学，2014.
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戏曲的历史源远流长，在不断发展完善的过程中，逐渐形成了自身的艺术特色，通过表演服饰、动作以及唱腔使人们感受到戏曲艺术的魅力，带给人们美的享受。当前，戏曲作为一门舞台艺术，得到越来越多的人们喜爱，在戏曲的艺术世界中，能够欣赏到不同的表现形式，或婉约、或闲时、或激昂，不论哪种表现方式，都值得对此仔细品味，都能感受到艺术的魅力。视觉美和声音美是戏曲艺术美中最直接的体现，本文对此进行了浅显探讨。
一、戏曲舞台艺术的意境之美
戏曲舞台上的表演，就如同生活中的一个片段，只不过将其浓缩到一个空间和一段时间内，要想使观众融入到戏曲氛围中，离不开意境的营造。舞台意境的创设需要与戏曲内容完美配合，如花前月下、鹅毛飞雪，将戏曲中的情境生动展现出来，将观众带入其中，从视觉上给他们美的享受，并在感情上引起共鸣。
例如，戏曲《窦娥冤》，《窦娥冤》是我国著名的悲剧之一，其中有很多意境的设置，既要保证复合戏曲的需要，同时还要给观众带来美的享受。如“血溅白练”“六月飞雪”，可以借助灯光、LED显示屏以及道具，来设置这些场景。再如，昆曲《牡丹亭》中，对“游园?惊梦”这一场景的设计，充分利用灯光将一幅色彩绚丽的抽象布景投射在台后幕布上，体现出杜丽娘后园游春，“姹紫嫣红开遍”的意境。舞台表演的意境对演出成功有着重要影响，是影响观众对戏曲舞台表演认可的重要组成部分。
二、戏曲舞台艺术的服装之美
不同的服装搭配能够为演员塑造不同的造型，美丽得体的服装在舞台表演中发挥着重要的作用，关系到演员角色的塑造，各种各样的服装类型和场景衬托出表演的主体，演员的演技才能得到更好的发挥，塑造出一个个生动形象的戏剧角色。戏曲服装种类繁多，不同的戏剧角色，应选择适当得体的服装类型，每种服装类型能够体现一种角色的特征如年龄，身份、个性等。在舞台戏剧表演中，美丽得体的戏剧服装会提升戏剧表演效果，将古典美和人物故事情节的展现得到最好发挥，让观众得到视觉和听觉上的享受。很多戏剧服装材料多是优质的丝绸，做工精细，多采用手工制作，色彩明丽，不同时代的服装设计也不同，根据不同的戏剧角色，衣服的设计图案也不同。有的服装是以竹子为主图设计，有的是以梅花作为主要的图案，来衬托演员的的内心刚强的一种气质，还有的衣服设计主色调，如衣服主色调为湖蓝色、水灰色等清单的颜色，以此来衬托戏剧角色的性格特点，美丽得体的服装使戏剧演员的角色得到最好的发挥同时给观众以视觉上的享受。
三、戏曲舞台艺术的灯光之美
随着社会的不断发展，人们的审美要求越来越高，同样要求舞台艺术水平的不断提高。观众不但戏剧表演的说唱和舞蹈表演都提出了更高的要求，而且提高了对戏剧表演舞台的设计和综合布置的视觉要求，舞台设计要讲究综合布景和灯光设计。传统的审美观念和现代科技相结合，使戏曲舞台艺术融入了现代的气息，灯光艺术在舞台上的展现加上出色的戏剧表演，使戏曲表演有了耳目一新的感觉，使我们看到了多元化且富有现代气息的中国戏曲艺术。
大家熟知的戏曲《牡丹亭》中，舞台灯光的设计独特，不仅仅是一味的追求灯光的效果，而是通过各种灯源的调配，诠释戏剧人物的特点，如对舞台的主光、背光和测光的的综合调试，让灯光引导观众的目光，进行场次的转换，光线时聚时散，将整个舞台烘托得晶莹剔透，带给观众一种唯美的舞台场景。同时通过灯光的明暗调节来把戏剧人物中的各种情感和意境展示得淋漓尽致，提升了演员的表现力，同时也能够让观众带来视觉上的享受，也能够让观众真正的领悟到戏剧表演的魅力。
四、戏曲舞台艺术的声音之美
在戏曲表演中有“唱、念、做、打”之说，戏曲的唱腔是舞台表演最重要的组成部分，观众在欣赏戏曲表演时，不仅需要视觉上的享受，更重要的是听觉享受。听觉上的美与演员的表演功力有很大关系，不仅要有歌唱演员那样的好嗓子和演唱技巧，也需要有话剧演员那样良好的音色、音质和表演才能。戏曲唱腔不能空洞无力、也不能平白的直诉，要体会剧中人物的感情，利用很好的唱腔技巧，使表演的人物形象更加丰满，情感更加真实可信，带给观众听觉美的享受。
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造型设计违反戏曲艺术规律有关系。
上个世纪以来,戏曲发展到现在已经由听戏,转向看戏,视觉效果是戏曲不可或缺的重要部分。观众对于一出新戏的第一印象常常来自张贴的海报和剧照,这也使人物造型由传统的不甚重要,穿破不穿错,变成如今的精益求精。
实践中,一部分服装设计师在创作时单纯追求造型的视觉冲击力,而忽视了戏曲舞台的整体效果,致使演员的表演与服装脱节。本该为表演添彩的剧装成为了阻碍演员发挥的累赘,影响了演出效果。
然而戏曲装扮的持续发展不可避免。一方面,新的事物比旧的事物更吸引人,尤其是对戏曲不熟悉的新观众。另一方面,事物存在依赖于不断创新,这也是戏曲传承的必然要求,无法回避。在这种情况下,审视前人的成功经验显得尤为重要。
梅兰芳所创作的古装可以说是一次成功地改革,而他的成功在于他遵守戏曲的艺术规律,注意到戏曲表演对装扮的限定与观众欣赏习惯中对传统的延续。在可以改变的地方大胆变革,而在不能改动的地方则予以保留传统。他的演员身份则帮助他很好的协调了装扮与表演间的关系,使得二者紧密结合,不互相干扰。
正如栾冠桦先生在《戏曲舞台美术概论》中所提出的观点:
除去表演艺术外,其他像音乐、造型艺术以及文学(剧本)无一不失去它原先的独立性……….舞台美术作品即使画面效果再好,若不从它与戏结合的角度去考察(看演出),就难以准确判断其优劣。i[i]
戏曲重视演员表演,观众观戏也以欣赏演员表演为主,而装扮为了适应这一特色也应注重实用性。戏曲装扮主要有这几个用途,鲜明的标定人物身份及对人物所処环境与行动向观刑崾荆配合演员的身段增加动作美感。
装扮的实用性要求它需要方便演员做出身段动作。
以水袖为例,水袖是指披、褶子、蟒等戏曲服装袖口另外接出来的一块布,一端缝合在袖口,另一端散开,不用的时候按一定方式折叠后搭于袖口上,是戏曲演出中重要的表演道具。在传统戏曲中,水袖的使用范围广泛。戏曲的基本身段程式中,水袖程式占有重要地位,生、旦、净、丑,每一个行当都有相应的水袖程式,有抖袖、翻袖、折袖、抛袖、盖袖、袖花等多种基本动作组合。在演出中,水袖发挥着重要的作用,它是舞蹈动作与肢体语言的延伸。除了部分贴旦一类角色与穿用戎装的角色外,剩余行当的角色一般多在表演中使用水袖。通过不同水袖程式的搭配组合,演员向观众展现角色的喜悦、哀伤、震惊、愤怒、烦闷、害羞等多种情绪。不同行当的水袖有不同的尺寸,比如旦角的水袖长些窄些,而生角的水袖相比旦角水袖长度短,宽度宽。这些现象表明作为服装一部分的水袖,与戏曲表演关系密切
历史上,演员在追求表演效果的过程中,对剧装尺寸进行了严格的限定,比如的水袖长度,袖口的宽度,下摆的宽度,开衩的高度等,使传统剧装制作有严格的规范,以与身段完美结合。不同行当,不同身段对剧装有相应的要求。
一般而言,装扮设计上沿袭传统模式是最经济也是最保险的做法,在这个领域盲目追求标新立异并常常适得其反。
一些新编历史剧中,服装设计师为了追求剧情相应的时代感,模仿历史装束,采用2尺以上的大袖,外接标准尺寸的水袖。于是观众看到演员在舞台上艰难的做着翻袖与折袖的动作,同时与水袖相比过于宽大的袖口影响了水袖表演的流畅与美感。有的人物造型采用了拖地后摆,演员在做转身动作时,不得不附加动作使衣摆能顺利随着身体转动。
有时候服装设计师修改了剧装结构,但因创作过程中沟通不畅,演员并没有随剧装变化修改身段,依然沿袭程式习惯。一种常见的状况是服装取消了水袖但演员依然沿用带有水袖的程式动作而不加修改,比如弹尘,甚至继续套用抖袖,翻袖,折袖等水袖程式,生搬硬套痕迹特别明显。另一种常见状况是虚束的角带变爲实束软带,但演员依然保留了端带的架势,看上去像怀里抱着什麽东西,显得不自然。 这些状况反应了当今戏曲创作中剧装设计师与演员缺乏交流的弊? I杓剖Σ磺宄菰毙枰谗幔菰背3T谏矶紊杓平锥尾磺宄鞍绲难剑杓粕矶问币泊幸欢ǖ拿つ啃裕灾劣谠诓逝攀笨吹骄缱昂笪匏蚀印? 一个比较极端的例子
,一个剧团创作《长生殿》时,服装设计师为唐明皇在剧中设计了两套裙装打扮,扮演唐明皇的演员在看到服装后拒绝使用,他给出的理由是这两套衣服让他无法找到合适的身段表现人物。
新剧装不理想的效果让熟悉戏曲的观众对新创人物造型充满了不信任,转而偏爱传统样式的装扮,甚至有新不如旧的抱怨。
但以上种种情况并不意味着创新不好,求新求变是艺术发展的必要条件。要解决戏曲服装设计的问题应该适当改变戏曲服装设计师闭门造车的创作方式,全程参与剧目的身段设计,并与演员进行充分的交流,这样上述有些情况可以得到改善,甚至取得出色舞台效果。
