动漫电影范文1
自从嘉木搬到了郊区，看电影就成了奢侈的事情。每次为了新片“千里迢迢”奔到影院，总觉得这一场电影看得十分有价值，起码锻炼了身体。其实进入了网络时代，电影已经不是非要在影院才能观赏的了。但电影的情结，总在影院才能重现。就像我们心目中的动画片，总是记忆中的那部最美最动人。那么，当动漫遇到电影，又是怎样的风情呢？本期漫评的主题就是动漫电影，让嘉木带着你来一起回顾一下本年度大银幕的动画作品吧。 2011年的电影有两个特征。其一是大片续集不断，《加勒比海盗》《变形金刚》《速度与激情》纷纷搬出了新的续集。其二呢，便和我们的主题有关系了，那便是动画电影的强势出击。掐指算算，国外的片子有《功夫熊猫2》《里约大冒险》《蓝精灵》《赛车总动员2》，国产的动画片也在本年度发力，《魁拔》《恐龙宝贝》《喜羊羊与灰太狼之兔年顶呱呱》《兔侠传奇》《赛尔号之寻找凤凰神兽》，还有从动漫作品改编的真人电影《变形金刚3》和《青蜂侠》。 搞笑的、励志的、奇幻的、神话的各种题材纷纷上场，似乎所有人都在同一时间，发现了动漫电影的巨大潜力。 别看这么多片子上映，真正能够赢得喝彩的也不多。动漫电影毕竟不是普通的电影，它们所面向的观众更加年轻化，家庭化。想要拍一部让大人小孩都喜欢的片子可不是那么容易的事情。而在每一部动漫电影背后，又有着不同的故事，有些人为了票房，有些人为了理想。有些作品取得了商业成功却失去了口碑，有些作品成就了梦想却面临着更加艰巨的挑战。动漫的世界，本来就绚丽无极，当它投射在大银幕上时，更加炫目惊艳。光影重叠间，有太多值得留恋的故事接连上演，让我们选取一二来共同倾听。 1.向前向前一直向前：《魁拔》 嘉木有位做动画的朋友，《魁拔》还未上映，就听到他向周围的人推荐此片，很少去影院的朋友，还特地去支持了票房。 如果说《秦时明月》和《喜羊羊与灰太狼》让人们对国产电视动画的商业化产生了信心，那么《魁拔》就是国产电影动画的扛鼎之作。这个故事有多好，这部作品的人物设置有多精美，这个世界观有多宏大……你可以为《魁拔》找出很多很多值得讨论的优点。同样的，你也可以指出它的种种不足：观众定位不清，科技噱头不足等等。然而你不能否认，《魁拔》是一场属于中国动漫人的盛宴。盛夏时节，我看到无数人在微博上提到这部作品和创造它们的人的故事，无论是历经数年的漫长制作过程，还是融资筹备中的坎坷经历……作品背后的故事，似乎比作品本身更加引人深思。闻者叹息，也为他们欣喜，无论如何，他们还是带着自己的作品走到了观众面前。正如起步中的中国动漫，不断向前向前一直向前。 在杭州这个浪漫的城市，每到5月就有一届盛大的动漫节开幕。相信在2012年的春天，嘉木也能看到更多中国动漫作品的周边和同人故事，也许是《魁拔》，也许是其他的新作品。 资料： 动画名称：《魁拔》 出品：VasoonAnimation•青青树动画 上映日期：2011年7月8日 2.萌物王道：《里约大冒险》 在《疯狂的小鸟》之前，谁也没想到，一只小鸟能够引发这么大的娱乐风暴。借着这股东风，《里约大冒险》也成为了2011年最受关注的动漫电影之一。 因为小时候养过鹦鹉，嘉木十分能理解电影中布鲁主人琳达的心情。在远离自然的城市中生活，能有宠物相伴，也有更多的快乐，想必这也是小猫小狗广受人们喜爱的原因吧。然而动物天性是喜爱自然的，当电影开场，那绚丽的群鸟之舞在热带雨林中热烈展开时，我们就已经明白，这才是布鲁出生的地方，其他地方再美，再富饶，也比不过这里的一山一水，一草一木。 动漫电影也需要一个向上的主题，热血励志的《功夫熊猫》，崇尚自然的《里约大冒险》，只有打动观众的心灵，才算得一部佳作。 资料： 动画名称：《里约大冒险》 导演：卡洛斯•沙尔丹哈 配音：杰西•艾森伯格安妮•海瑟薇杰米•福克斯 上映日期：2011年4月8日 3.一笑而过：《功夫熊猫2》 美国电影总是能从世界各地文化精魄中吸取精华，创作出精彩的作品。中国传统的女英雄花木兰和独有生物熊猫都成为了美国动画电影中的主人公。在《功夫熊猫》取得了极大的成功后，《功夫熊猫2》上映自然受到了人们的追捧。 要说这部作品的故事，其实并不复杂。就拿阿宝的身世之谜来说吧，尽管我们的主人公们身处在一个动漫的世界，也不可能跨越物种的界限，一只鹅绝对不可能有一个熊猫儿子。因此，阿宝的身世之谜，也是早在第一部就埋下的伏笔。动漫作品的故事情节，其实并不需要特别的出彩，只要不太超出常理，总能为观众接受。能让人们记住的，往往是作品中那些出彩的人物。《功夫熊猫2》最成功的地方，就是塑造了沈王爷。虽然它具备了反面角色一切的特质，自恋、残暴、愚蠢，但是它也有可爱的地方：不屈服于命运，坚韧不拔的性格。当然啦，还有它那可以瞬间变幻出兵刃的羽毛外套和翅膀。 《功夫熊猫2》并非有什么独到之处，但它遵照了动漫电影的规律，能够让观众开心，哪怕留不下太多的记忆，也值回票价了。 资料： 动画名称：《功夫熊猫》导演：詹妮弗•余 配音：杰克•布莱克安吉丽娜•朱莉达斯汀•霍夫曼#p#分页标题#e# 上映日期：2011年5月28日
动漫电影范文2
一个多世纪前，法国文学家福楼拜曾预言：“艺术越来越科学化，科学越来越艺术化，两者在山麓分手，有朝一日，将在山顶重逢。”在科学技术高速发展的20世纪，代表着科学的新媒体信息技术与动漫艺术终于重逢在了山顶，催生了新媒体动漫这一科学与艺术相结合的新型产物。其传播速度之快，受众之广，影响力之大都令人为之惊叹。那么，新媒体艺术为何能快速地发展壮大，并对人们的生活和现代艺术形式都产生了如此深远的影响呢？本文试从其发生、发展、特点及发展趋势四个方面来对之进行分析研究。 一、新媒体动漫的发生 新媒体动漫的发生离不开两个决定性因素的影响，一是网络传播技术的成熟与普及，二是新型动漫制作软件的开发。 1994年，互联网进入商业化运作，并逐渐开始在家庭中普及起来。网络的跨地域性、大容量性、虚拟性及开放性等优势使得它在全球广为普及。当人们不再满足于网络传媒的简单信息传递功能，开始要求追求网络的娱乐性和趣味性时，网络动画作为一种全新的动画形式应运而生了。传统影视动画的发展已经具有完备的制作和发行体制，成熟的技巧已经能制作出精彩的视觉效果，然而此时网络的传播速度并不足以支撑传统位图动画的传递。我们知道，动画的原理是图片之间快速地连续播放给人造成物体运动的错觉，一部十分钟的传统动画就需要2000多张图片，图片越多，计算机加载图像的过程也越长。因此，传统动画在网络上的传播并不具备优势，直到Flash矢量技术诞生才解决了网络动画传播的难题。 20世纪90年代中期，一家名为Future Splash的小公司开发了一种矢量图像格式。这种图像格式不是由像素构成，而是由计算机指令即时运行生成。 可以无极缩放，无论图像放大多少倍，图像的质量都不会受到损害。随后，Macromedia的公司敏锐地捕捉到这一技术的商业价值，于1996年收购了Fu－ture Splash，并在当年6月推出了Flashl．0软件。 Flash是一种交互式矢量多媒体技术，它诞生最初被用于制作网页中导航系统及简单的动态特效，随后被用于制作动态电子贺卡。利用Flash软件可以制作出一种后缀名为SWF（ShockwaveFormat）的动画，这种格式的动画文件存储空间非常小，但能够表现丰富的多媒体信息，而且在传输时，不必等到文件全部下载完才能播放，而是可以边下载边播放，因此特别适合网络传输，即便是在传输速率不佳的情况下，也能取得较好的传输效果。随着软件的进一步完善，Flash的动画制作功能越来越强大，与传统影视动画制作方式相比较，它容易操作，制作成本又低，因此被越来越广泛地用于动画制作。 1999年，美国人乔•希尔兹创作了一部Flash动画短片《搅拌机里的青蛙》，此片让乔•希尔兹和Flash动画都从此名声大噪。［1］ 2000年，一批被称为“闪客”的Flash动画人开始活跃在互联网上，其中最具代表性的先锋人物是中央美院的毕业的“老蒋”蒋建秋，他的成名作是《新长征路上的摇滚》的动画MTV，随着这部作品在网络上的迅速传播，一批年轻人发现了Flash动画的魅力与巨大潜力，开始投身于flash动画创作。随后，著名的Flash网站“闪客帝国”成立，代表了以互联网为传播途径，Flash为制作手段的新媒体动画的诞生。 二、新媒体动漫的发展 进入21世纪，互联网的普及使消费者摆脱了收看电视的局限性，任何时候都能从网上按照自己的喜好选择节目，改变了数控的行为模式，极大地增强了媒体的传播力和影响力。新媒体以锐不可当之势融入了人们的生活，在这个大的传播环境下，新媒体动漫产业也逐步发展壮大起来。 以往，传统动漫作品的发行渠道单一，需要很大的投入进行宣传。而互联网的成本低，传播范围广，为大量小成本的动漫作品提供了与观众见面的机会，在大量网络动漫中总有一些优秀作品为广大网民发现和流传，进而成为可盈利的商品。如韩国著名的动漫角色“流氓兔”就是个很好的例子。最初这个为儿童教育系列卡通片设计的形象并未被公司选中，无奈之下，漫画家只好以个人名义将兔子做成了Flash动画上传到了网上，没想到短时间内就通过网络风靡了整个亚洲。短短四年时间，这只兔子就走出了互联网，成为了漫画书、卡通系列片、玩具和游戏的主角，形成了一个超过10亿美元的产业。仅仅一部13集的Flash短片就创收了1200亿韩元，占韩国卡通市场份额的21％。［2］ 在中国，成立于1999年的闪客帝国也经历了个人网站到商业网站的转化。 2003年，闪客帝国完成公司组建，成立了北京闪客互动文化传播有限责任公司，成为了一家在Flash动漫行业具有领导地位的增值服务供应商。及至2009年，闪客帝国拥有超过100万的活跃注册用户；8个种类，10000多个Flash动画作品；单个作品点击收视率最高达150万次；日均200万浏览率，高峰时突破300万；拥有包括宝洁、惠普在内的50多家国内外知名企业广告客户，极大推动了以Flash为代表的新媒体动漫在国内的传播与发展。 2005年，一种新型的网络媒体进入了人们的视线，这就是“播客”———提供视屏分享的P2P网站。 这种类型的网站将“”的模式转换成了“分享”的模式，改变了传统媒体“一对多”的交流模式，迎合了新媒体时代“多对多”的交流方式，为广大网民提供了更为广阔和交流平台。其中最为典型和成功的案例就是成立于美国加州的YouTube网站。从2005年创立到2006年短短一年内，YouTube网站的市场价值就超过了10亿美元，在美国的市场份额为42．9％，远远超过了四大门户网站（Yahoo！＋微软MSN＋Google＋AOL的总和为29．6％）视频份额的总和。随后，类似的视屏分享网站在世界各地纷纷涌现，仅中国内地就出现了四百多个同类网站，其中土豆网、优酷网等都获得了很大的成功。播客网站的使用者既是创作者也是观众，他们以视频为共同的沟通语言，随意创作和分享。这个自由开放的空间使得个人原创动画短片得以更为广泛地在网民间传播，极大地刺激了独立动画的创作。很多艺术院校的学生将自己创作的动画作品上传到分享空间里，很多动漫爱好者也将自己喜爱的作品整理分类供网友欣赏。迅雷等一些网络下载引擎服务商以及PPLive等多媒体视频播放系统也推出了动漫频道，向互联网用户推广动漫节目。同时，一些视频分享网站也通过评奖的形式总结年度网络视频文化，并为新锐创作人提供展示的机会。如土豆网一年一度举办的土豆映像节就是这样活动。从2008第一届莫干山土豆映像节举办以来，已有多部优秀原创动画在映像节中获奖，并因此获得了更好的推广。#p#分页标题#e# 如2008年的《7／80年代生人》、2009年的《许愿正解》和2010年的《打，打个大西瓜》等。现在，这个低门槛的映像节不但吸引了越来越多网民的关注，获得了过亿的播放率，更得到了中影集团的资金投入和大力扶持，同时联合了多家主流媒体、高校和专业类社区推进活动，成为了众多影视和动漫爱好者的盛会。 ［4，5］随着手机显示技术的提高及手机业务的开发，一种更为新型的动画形式———手机动漫出现在人们的视线中。手机动画最初的存在形式有两种，一种是手机彩信，即包含多媒体功能，能够传递包括文字、图像、声音、数据等多种媒体格式的短信息。另一种是手机屏幕保护程序，即手机待机状况下出现在屏幕上的动态画面效果。直到手机上网开始普及，真正意义上的剧情手机动漫才开始出现。日本的手机动漫在国际上起步较早，并已经形成了很大的规模与市场。在日本，手机的人群覆盖率相当广，同时由于大部分日本人工作与出行都是通过地铁等公共交通工具，很多日本年轻人习惯利用路途上零碎的时间来看漫画。日本的移动运营商、终端设备商及动漫出版媒体看准了这个商机，开始合作大力开发手机动漫，使得日本的手机动漫产业在短短几年间飞速发展起来。日本最大的手机漫画运营公司NTTsolmare从2004年开始提供手机漫画业务，最初并不顺利，直到2005年3G手机出现才出现了转机。 3G手机的屏幕颜色更清晰，使得漫画呈现的品质也相应提高。手机漫画页面经过特殊的格式调整，以适应手机微小的屏幕，在观看时，用户还可以看到弹出式画面和振动画面，并有声音的配合。这种介于漫画与动画之间的形式，模糊了纸质漫画与流媒体动画的界限，成为一种新型的动态漫画。同时，NTTsolmare公司十分注重不同读者群的开发，最初推出的漫画主要针对30－40岁的男性上班族，随后又开发出面向女性的漫画。 NTTsolmare采用小额套餐收费方式，用户每月最低花费315日元购买300个返点，再用这些返点下载漫画到手机上，费用算在电话费中。多样化的漫画形式和低廉的价格优势，吸引了更多的读者进行尝试。［6］ 日本动漫大师宫崎骏曾以“十年前，日本电车上是人手一本漫画，现在，大家拿的都是手机”这样的话总结了手机动漫的发展。据了解，至2010年日本数字出版的总产值近600亿日元，而手机动漫的的产值占了86％，即560亿日元。［7］ 2006年，中国移动开始在移动梦网正式上线手机动漫业务，最初是提供一些成形的flash动画下载，随后才逐步开始漫画业务的开发。 2007年，中国移动与日本Index Holdings合作，共同开展面向手机媒体的日本漫画和游戏的放送，在北京奥林匹克运动会召开前夕开始垄断性地使用Index Hold－ings公司提供的内容。目前，手机动漫已经成为了移动梦网增值服务的重要组成部分，很多经典的漫画作品如《老夫子》、庸的《醋溜族》以及走红网络的张小盒系列漫画等都已经上线，市场反应良好。 更多以手机为载体量身创作的漫画也大量涌现。随着3G时代的来临，手机动漫市场的成熟，以及国家对手机动漫产业的大力支持，中国的手机动漫正逐步成为动漫产业价值链中极为重要的一环。 三、新媒体动漫的特点 （一）内容形式上的娱乐性与多样性 传统动漫艺术本身即具有诙谐幽默的特点，但是传统媒体中播放的动画节目一般有很强的针对性，尤其在中国，动漫作品的主要受众仍然集中在少年儿童，这使得很多在电视上播出的动画作品必须着重于教育性。另一方面，受到官方意识形态控制和经济利益的需要，动画节目从制作到播映要经过重重审核，也限制了动漫作品娱乐性的开发。然而在网络时代，动漫作品的观众由低年龄层次的观众变为了所有网络用户，而动画制作软件的易操作性与网络上传的低限制使得人人都可以成为创作者。 这两点使动漫作品有了更广泛的受众和更自由的创作空间。Flash作品最初在网上的传播即来源于网民的自娱自乐，而大众上网除了对资讯的吸收外，最重要的一个目的即是娱乐。当新媒体动漫的创作者和观众都成为了普通大众时，动漫作品的娱乐性就被极大程度的开发出来了。例如根据雪村的歌曲《东北人都是活雷锋》创作的Flash动画，就是通过夸张可笑的角色造型，憨态可掬的动态使观众捧腹大笑，也使得这部作品飞速地流传，而“翠花，上酸菜”也一时间成为了民众的口头禅。 新媒体动漫的大众化与自由性也使其呈现了多种多样的艺术形式。流传于各类终端媒体的动漫作品中，有的是极为简洁抽象的符号化造型风格。这类作品通常没有丰富的细节描绘，而是通过强化角色主要特征，运用动作与表情的夸张来达到生动搞笑的目的。例如中国传媒大学的李智勇创作的《功夫兔》即是这一类型。影片中的角色造型由简洁的黑色线条和色块构成，但角色的动作却异常生动而富有节奏感，让观众在观看过程中随着主角的动态时而紧张时而轻松大笑。而有的动画作品又十分注重色彩造型上的艺术表现力。例如卜桦的动画《猫》、《生之爱》和《仲夏夜之梦》等，都以粗犷的版画线条、浓郁的色彩和装饰感的造型来表现作品内容，极富艺术感染力，给人留下了深刻的印象。还有一些创作者将传统民族艺术元素运用到了动画中，创作出了如剪纸风格、皮影风格等很有中国艺术特点的动画作品来。更有用解构、穿越等恶搞形式改编传统题材的作品。这些多样化的作品既丰富了动画艺术，也使得广大观众获得了更多的乐趣。 （二）传播形态上的多向性与互动性 在电视等传统媒体中，动画的传播方式是一对多的单向传播，观众是被动的，无参与性的，在观赏完一部影片后也无法反馈自己的观影体会。然而，新媒体时代的到来完全改变了这种单向的传播模式。在网络中，创作主体与审美主体在信息设备的两端是完全平等的，有的时候还是可以同时具有创作者和审美者的双重身份。另外，动漫频道、博客、网络日志、视频分享网站和即时聊天软件等网络工具让网络动漫作品可以被不断地分享、下载、复制和模仿，这使得新媒体动漫的传播成为了多点对多点的模式。另一方面，网络交互技术使新媒体动漫可以是作品与受众发生互动，实现艺术创作和艺术体验的双向交流。［8］#p#分页标题#e# 例如，在动画人大蒋创作的一部Flash动画《I just wanne live》中作品，就采用了互动Flash的概念，使观看者由以往的“看动画”变为“玩动画”，当观众看到“touch”等提示对话框出现以后，将鼠标移动到该位置，便可以发现意想不到的效果，从而给人带来全新的互动体验，也打破了与观众的界限，让他们也可以参与到该MTV中来。另外，土豆网曾推出了一个视频拼接活动的广告活动，以“转发与好友分享”作为活动主线，刺激网友主动传播，配合广告主信息，土豆网在各地拍摄了大量病毒视频，将其设置为视频拼接游戏，将一条正确的视频进行拆分，并打乱顺序，让网友从10个片段中选出正确的7个视频，分辨出3个错误的视频，选择组成一条网友认可为正确的视频，之后可以预览、提交，再与网友分享。这一活动展现了网络互动性的极大魅力，在短短两个月时间，此条广告的播放量就突破了28万次。［9］ 四、新媒体动漫的发展趋势 据统计，及至2010年，中国的网络用户已经达到了8．24亿，移动电话用户超过了7．4亿，而使用手机上网的用户达到了2．33亿，而这个数字必然还会持续上升。信息时代的来临使新的传播媒体已经融入了大众的生活，随着新技术的成熟与进步，新媒体动漫也将迎来更加广阔的发展前景。 （一）新媒体动漫将进一步实现互动化、沉浸化和多感知化 在2011年“大动漫趋势与新媒体发展”主题研讨会上，以为发言人归纳到：“漫画动起来就是动画，动画讲述的是故事，玩家进入这个故事，扮演一个角色，就是游戏”［10］可以说漫画、动画和游戏是三个相互依托和不可分割的部分，是一个艺术集群和产业集群。在新媒体时代，这三者之间的区别也日趋模糊了。 2011年国庆期间，在动漫游戏嘉年华的会场中，由北京电影学院动画学院院长孙立军领军开发的“第三代电影”与参观者见面了。同年11月在中国3D技术与创意博览会的主会场也树立起了“第三代电影概念体验棚”。一批优秀的动画短片，如《亡命鸡礼花》等都被制作成了这种类型的电影在会展上进行播放。根据孙立军院长的介绍，“第三代电影”指的是在传统电影基础上发明的一种新的互动电影形式。通过让观众亲身参与到电影的剧情发展中，以自己的意愿去左右电影情节的发展走向，从而调动观众的兴趣。［11］ 这样的动画电影需要制作时就拍摄出不同的情节发展，在播放影片时由观众使用操控手柄进行剧情选择或是参入到影片中的游戏环节，同时还需要使用信号接收设备来操控剧情。这样的互动性使得动画具有了更强的游戏性和娱乐性，让观众更好地参入到影片情境中，实现一种沉浸式的体验。这实际上也就是动画的游戏化。 随着Wii和Xbox360等体感游戏机风行，越来越多的人渴望通过体感要素身临其境地体会游戏带来的乐趣，让自己完全融入到游戏情境中去。目前国内很多嵌入式代表平台，如康佳智能电视平台、海信智能电视平台以及电信体感游戏运动包等，通过手机终端显示来完成的体感游戏技术也相继出现。而虚拟现实技术的逐步成熟也使得动画在具有更真实的视觉感知性的同时，也将有望实现听觉感知、力觉感知、触觉感知、运动感知，甚至味觉感知和嗅觉感知等多体感功能。科技发展必将带领这新媒体动漫艺术进入一个互动化、沉浸化和多感知化的新时代。 （二）新媒体动漫将更广泛地与各行业紧密结合 动画艺术最重要的一个特点就是能够利用图形学和图像处理技术将虚拟世界里的物象视觉化，给人以真实直观的感受。因此，在很多难以拍摄成像或者需要预先展示的领域都能够借助动画的力量达到动态可视化，以提供给客户或公众具有直观性、展示性和互动性的视觉体验。而近年来随着数字化技术的进步，动漫艺术的制作和展示内容也不再局限于娱乐性和故事性，而是呈现多样化和高科技化的趋势。例如，三维建筑动画虚拟技术就在建筑设计、建筑表现和房地产开发销售中起到了重要的作用。 将设计师对建筑物的构想利用三维动画方式预先转化为视觉化的动画不但有助于验证设计参数与建造结果见的关系，减少事先规划不足造成的损失，同时在开发商和客户介绍建筑设计特色是也更为直观与全面，比单纯使用二维图像或建筑模型进行展示更加有吸引力，能达到更好的促销目的。在医学领域，动画技术也得到了很大的发展。很多专业的科技动画公司都为医疗业提供医疗设备和手术的视觉化产品，其中最知名的是扎根于哈佛大学城的XVIVO科技动画公司。这家动画公司为很多世界知名的医疗机构提供服务，制作疾病阶段展示动画、理疗设备展示动画、临床教学动画以及辅助治疗互动程序，为医疗业做出了不小的贡献。 实际上，在军事演练、体育竞技、教育辅助、城市建设及商业展示等各领域，动画都开始积极地发挥自己的作用，体现出了新媒体动画无可比拟的优势。 可想而知，新媒体动漫艺术在不久的将来，将为成为各行业不可或缺的一个技术手段而得到更为广泛的应用。 新媒体动漫打破了国界地域的界限，为观众提供了更为丰富的收看方式与内容，为动漫创作者提供了更多展示的空间，同时也为内容提供商们提供了更加多元化的播出渠和新的市场盈利可能性。这一切势必改变整个动漫产业的内容、生存方式和经营模式。在这个环境中，动漫产业的发展需要结合传统媒体与新媒体优势的，加强动漫产品的内容建设，创作出更多优秀的新媒体动漫作品，积极地探索适应新媒体时代道路。
动漫电影范文3
动漫影视从面世以来就受到很多人的追捧，除了年纪小的孩子以外，也受到部分成年人疯狂地追逐和喜爱影视动漫。动漫从最开始的简单插画，到变成二维平面动画，一直到如今的3D技术设计理念，动漫影视已经进入了一个崭新的纪元，更多更好的动漫影视展现在大众面前，让人们欣赏到精彩的动漫影视作品的同时，不尽感慨当今3D的技术应用是如此的强大与广泛。 一、影视动漫中3D技术对人物设计的应用 对于一个动漫影视来说，除了完整、吸引人的故事情节以外，其中的人物设计也是动漫的重要因素之一，大部分动漫人物是来自于作者天马行空的思维，或英俊潇洒、或邪恶恐怖，和实际生活有一定的偏差，所以唯美独特的人物是绝对可以吸引人们的目光聚集。一部动漫有很好的情节，人物设计却十分粗糙的动漫影视，在市场上未必能有卖点；而一部故事简单，甚至故事情节陈旧老套，不过人物设计精美绝伦的作品，首先就给人们带来强大的视觉震撼和吸引力。例如2009年日本出品的最终幻想Ⅶ：圣童降临，单凭人物设计唯美，就赢得了大量动漫迷的追捧。 3D技术对人物的设计已经脱离传统的二维平面动画，通过极强的立体感让动漫人物不再是感觉只在屏幕那一个面上，让动漫人物的真实感加强，并且3D技术在人物的具体设计上也显示出不同而强大的概念，逼真的面容和身材，人物设计细节上的专业化，3D技术展现出以往技术不能达到的水平，嘴角的胡渣，女孩的鬓角自然垂下，衣服湿透后水很自然的缓缓滴下，这些都让3D动漫人物所展现出与传统动画不同的一面，逼真但是非真实。 二、影视动漫中3D技术对环境设计的应用 一部完整的影视动漫不仅要包括故事、人物也必须要有环境因素，也就是人物所在的场景。在二维动画中，场景的设计基本上都处在一种静止的状态如画中山一样；城市中的高楼大厦缺乏空间感、也是处于一种静止的状态，并不会因为人物的变化而产生相应的正常变化。所以二维动画中，环境的变化很少。 而3D技术在环境设计上也远远高于二维动画，利用3D立体技术建立出生动的、逼真的、复杂的环境，山脉不再是一味的绿色，而是树木丛生；城市不再是处于半静止状态而是如生活的城市一样，一切都在运动。不仅如此，3D技术的立体性让整个影视动漫的环境都显示出一种极其逼真的感觉，明知道是假的，但感觉就明明很逼真，这就是3D技术给动画影视，给环境设计所带来的表现水平的飞跃。 三、影视动漫中3D技术对动作设计的应用 一部动漫有人物自然就存在着人物的表情和动作，人物通过不断的语言和肢体动作来完成整个故事的完整性。在二维动画中，人物的动作过于单薄，肢体对于动作应作出的反应不明显。 而在3D技术的软件中已经存储着很多真人的动作模式，并且配合逼真的人物设计更加的具有真实感，例如一个人走路，就可以使用走路的模式，在提前设计好人物的情况下，人物会按着动作模式进行行走，不仅仅是简单的行走，人类现实中行走时随之产生的相应动作和表情，3D技术都会完美地表现出来，走路是衣角的摆动、鞋子的弯折等3D都会一一表现出来。 3D技术不仅可以以存储模式进行设计动作，也可以利用3D的最新技术，将人的身体部分与电脑连接，针对动画影视需要的动作而进行现场的动作输入，例如需要一些人物的特殊功夫动作，就可以利用3D现场传送的功能，给动画人物植入独特的个性动作，从而更加真实表现出动漫人物的真实性。 四、影视动漫中3D技术对画面设计的应用 从第一部3D动漫电影开始，3D动漫电影就一直受人追捧，这与其真实流畅的画面设计是分不开的，3D技术在画面方面也同样展现出极高的水平。动画画面柔和、自然、唯美，画面的清晰度、流畅度都远远高于二维动画，立体的空间也让动漫给人类带来不同的感觉。3D技术还可以利用其技术设计出场面宏大的画面，例如庞大的战争画面、万马狂奔的画面等，还可以将很多二维动画难以表现出的科幻、魔幻以及抽象的画面进行完美的展现，给人们带来二维所带来不了的绝对震撼效果。 不仅如此，3D画面技术也可以和真实的环境相结合，例如“精灵鼠小弟“中的精灵鼠就是里通过3D画面技术，将3D人物和现实环境进行完美的结合。 五、影视动漫中3D技术对色彩设计的应用 以往二维动画的色彩往往达不到色彩分明以及很高的色彩鲜艳度。而3D在这些方面都进行了合理的设置，3D技术在色彩上充分展出动画的层次感，并且在色彩上增强其独有的真实感，加强了视觉效果，影视动漫所展示出不同于传统动画以及真人电影的色彩视觉效果。 结语 由于3D动漫影视技术在我国仍属于起步阶段，无自我知识产权的软件、故事和设计上缺乏创新性、从业人员不够专业等都是影响我国3D动漫影视产业的发展。在如今国外3D影视动漫不断的冲击国内市场，而国内却拿不出优秀的作品与之进行抗衡，导致在3D动漫影视领域里，缺乏足够的竞争力。所以我国应当注重3D动漫的发展，在吸取经验的同时积极打造民族品牌，大量培养本土人才，迎头赶上，争取早日制作出更好、更优秀的3D动漫影视作品。
动漫电影范文4
关键词：动漫电影；音乐；应用
在看恐怖电影时我们往往有这种感觉，当我们关闭声音的时候，恐怖片往往就变得不那么恐怖了。小时候我们看《猫和老鼠》关注的可能只是动画，而今再看却被其丰富而精致的配乐所吸引。很多学者认为，音乐并不具备像语言一样能够清晰表达的能力，但是音乐更像是近视眼镜，可以在迷雾中，辅助你更清晰地找到目标。例如卓别林的默片《摩登时代》，片中诙谐幽默的音乐表达出了主人公乐观的精神，鼓点节奏贴合角色的步伐，音乐主题走向也预示着剧情的发展。一部成功的电影除了演员精湛的演技、紧凑而巧妙的剧情外，更离不开合适的背景音乐。在大多数时候，一部经典的作品之所以被人难以忘怀，往往缘于一首经典的背景音乐。可以说只要曲子选得好，这个人物的塑造就成功了一半，例如“天龙八部”中萧峰的出场，标志性的音乐以及“降龙十八掌”让人自然而然地就回忆起故事情节。音乐在电影中的重要作用就是抒发感情，我们在看电影时都知道电影在播放的过程中会时不时地出现背景音乐，根据不同的剧情走向，音乐或低沉或高昂抑或欢快，观众可以从这些音乐中提取出一种情绪，而电影正是通过这种音乐性的表达来刻画角色的内心以及思想情感，进而使角色的形象更加立体鲜活。
一、电影《哪吒》的音乐应用
哪吒作为一代人的记忆，从小就被我们熟知，“三头六臂”“混天绫”“乾坤圈”这些神通宝物，以及跌宕起伏的剧情，对人物鲜明的刻画和描写都使我们深深记住了这个名字“哪吒”。2019年《哪吒之魔童降世》上映，令人意外的是，此片并没有循规蹈矩地采用传统神话中哪吒的剧情，而是对其进行了新颖的创作。叙述了“纵生而为魔，却对抗到底”，就算得不到认可，却依然不放弃的人生经历。在生活中，好马要配好鞍，在电影中亦是如此，要配好的音乐。《哪吒》的配乐不仅题材丰富，更是贯穿了“我命由我不由天”的主题。在序幕当中采用了g小调的配乐，小调音乐在音乐语言中表现出了悲伤、失落，还带有一点惆怅、彷徨、神秘、温柔和迷茫。g小调的音乐语言正是暗合了主人公哪吒的性格特点，在张狂不羁的外表下藏着的是一颗彷徨、温柔、善良的心，并对后文哪吒的成长经历做了铺垫。在哪吒知道身世之后又采用了小调，与序幕中g小调的铺垫形成呼应，背景音乐多采用不协和音程，既增加了戏剧性冲突，也预示着悲剧发生。欲扬先抑，用低沉压抑的音乐语言为后文哪吒与敖丙的决战进行情绪与心理上的铺垫。最后，本来身为正义一方的“敖丙”黑化，作为魔丸托生的哪吒却站在陈塘关前保护黎民百姓。背景音乐此时转为明亮激昂的大调，调性转到F大调的上属音B大调，具有十分强劲的动力感，碧浪层叠一波一波迭起，将战斗和剧情推向高潮。在结尾时，音乐再次回归到了小调音乐，a小调天真忧伤，将哪吒的心情表达出来，音乐力度的对比与开头进行了首尾呼应，在略显低沉中升华了哪吒的形象，从“亦正亦邪”转到了“似邪其正”。
二、电影《千与千寻》的音乐应用
伯牙善琴，子期善听。在日本动漫界就有这么一对朋友，就是久石让与宫崎骏。“这辈子能认识宫崎骏是最令他高兴的事情”，久石让说。宫崎骏与久石让最早在《风之谷》时就开始合作，最初两人虽然小有名气，但是并不相识，或许是命运注定两个人要有一段管鲍之交。在《千与千寻》中，随着银幕的缓缓落下，千寻一家人正准备搬家，这时候背景音乐采用欢快、诙谐、轻快的钢琴曲，表达了千寻对于新世界的向往，并在低音中赋予较为感伤的旋律色彩，亦表达了对故居的留恋和对熟悉环境的不舍。当进入奇异的神明世界时，背景音乐变为由管弦乐演奏的进行式的较为焦急的音乐。后期影片中音乐多次变换风格，根据剧情的走向或者不同角色的出场进行切换。例如小精灵出现时诙谐、快乐、积极向上的音乐，无脸男出现时不协和音程的加入，表达出了那种寂寞、空虚、虚无的氛围。在影片结尾时又回归到温暖、舒畅的音乐，在使观影者有着结尾的归属感的同时，更是治愈了观者的心灵。
三、电影《大鱼海棠》的音乐应用
谈起动漫电影中民族音乐的发展，就不得不提到一部电影，那就是《大鱼海棠》。《大鱼海棠》中有许多配乐，一首首配乐将电影故事紧密地串联在了一起。通过不同的旋律色彩、不同的节奏、不同的音乐语言，将每一个人物进行了鲜明的刻画，并恰到好处地运用了音乐的共情性，精妙地使用音乐情感来引起观众的共鸣。音乐是全人类的语言，不同地域的文明发展也不尽相同，每个民族的音乐都有其独特的地域性。民族音乐在影片中主要包含在歌曲、器乐以及戏曲这三个方面。主题曲《在这个世界相遇》，从歌名就预示了本片的故事内容。印象曲《大鱼》表达出影片的主题，这个歌曲与旋律凭借富有中国特色的民族化的表达，十分恰当地契合了影片的故事线。影片中还运用了多种中国传统乐器，如吹奏乐器、打击乐器、古琴、骨笛、二胡等等，在表达出民族风格的同时也加入了西洋乐器的衬托，例如开场的《椿之梦》，通过中西乐器的结合将大海静谧的画面表达出来，并随着乐器的丰富将其形象逐渐丰富。《大鱼海棠》还展示了我国传统的戏曲音乐。用京剧作为背景音乐，将人们宁静安逸的生活刻画出来，并在其中穿插音乐性的细节，预示着未来发生的危机，形成前后的对比。
四、电影《玩具总动员》的音乐应用
一部优秀的动画一定伴随着一首优秀的音乐，而错过或者误读了电影中的音乐是悲哀的，那么忽略动漫中的音乐无异于错过了一座巨大的宝藏。在人们对审美表达日益挑剔的今天，作曲家不断地进行创新，将严肃又规整的古典音乐中融入更加时尚更加流行的音乐元素，例如电子音乐、说唱、摇滚、民谣、爵士等等。在《玩具总动员》系列电影中，这一创作手法更是取得了不俗的成绩。巧妙又紧凑的故事剧本，视觉震撼的动漫效果，近乎完美地与动漫配乐进行了融合，给观众带来立体的视听体验。在《玩具总动员》中，主要的配乐采用了古典交响乐。交响乐和交响曲不同，最初一般是字面意思“一起响”，后来逐渐演变为管弦乐团创作的大型管弦乐曲套曲。在电影配乐中运用古典交响乐可以使电影的场景具有更大的张力。在电影中，当角色做出激烈的动作时，比如跑动、打架等，管弦乐演奏出激昂的音乐配合剧情的发展。而观众则能通过规模宏大的交响乐来感受到剧中人物的情感以及紧张的情节。另外，使用交响乐进行配乐的同时，音乐的编配也更加灵活，可以根据剧中人物的需要以及情节的设定进行修正和调节。例如影片中角色打碎物品时，管弦乐则配合演奏出短促、隔断的音符；当影片中的角色进行思考或者进行计划时，管弦乐则配合演奏出长音、滑音等不确定性的较强的音乐。在塑造角色的过程中，古典交响乐与影片中的角色相结合，会使人物的形象更加饱满，更加凸显人物的真实性。在剧情叙事的方面，古典交响乐也是一种很好的选择，通过运用不同风格的配乐，来描述电影的情节，渲染气氛，衬托情景。在《玩具总动员》中还运用了多种不同曲风、不同风格的流行音乐。流行音乐相较于严谨的古典交响乐而言，不仅十分具有个性，风格也是多变的。流行音乐具有非常强烈的动感和节奏感，简单明了、人人能解的歌词和旋律更加符合青年观众的审美。在影片的创作过程中，作曲家还将电子音乐、说唱、摇滚、民谣、爵士等不同的音乐风格融入电影配乐中，使观众不仅感受到不同的音乐风格，更是体验到不同地区不同地域的文化元素。例如非洲的说唱，美国的乡村民谣、牛仔音乐，中国的民族曲调等。这些不同风格特点的流行音乐在《玩具总动员》中大放异彩，使世界各地具有不同文化风俗的人们得到了精神愉悦。流行音乐作为通俗文化的一部分，为动漫电影赋予了新的亮点。
五、结语
动漫电影范文5
以数量而论，中国近十年的动画发展可谓迅猛:2009年原创动画产量为18万分钟，2010年更突破22万分钟。但是，世界第一的产量并没有大幅提升中国动画的市场竞争力与影响力。在最近一次全国研讨会上，笔者提出“数字动漫并非真正方向”这一似是而非的命题，①并非是否认时代之变的必然，而是认为，数字时代如果仅仅拥有数字技术其实未必能解决中国动漫发展的根本问题。综合性观念认知动漫的意识，远比简单的技术衡量和数量标榜来得更为重要，这是中国动漫从数量向真正的质量前行的必要前提。
一、大动漫:基于数字时代的聚合观念
大动漫概念的提出，是基于以下诸点。其一，动画电影的收益离不开多媒介产品的烘托晕染。与动画电影《喜洋洋和灰太狼》连续三年的良好市场收益形成反差的是，2011年几部关涉游戏的动画电影由于没有整合相关媒介的多种形态，都未获得市场成功。其二，动画电影需要更为延展的视野。动漫和电子游戏之间已经形成了相互依存的重要连带关系，粉丝销售、原创网游、图书漫画、电视动漫，融汇多种媒介的动画电影远比单一化的作品具有更为强劲的市场收益和受众影响力，2011年暑期档中《赛尔号》和《摩尔庄园》即是如此。②其三，动漫发展不仅在于技术支撑，更在于内容的新颖和切近观众的心态。
诱发潜在观众进入影院，创造大众阖家观赏的新型动画电影，满足影院外受众持续不断的娱乐满足，才是时代动漫的发展趋向。因此，以大动漫概念取代简单的动画电影的认知，是一个亟需确立的时代观念。“大动漫”是依存于现代科技基础创造和市场运作一体化基础上的聚合指称，它既包含了集聚形象的漫画、动画一体联动创造，又包含从纸质的动漫书、电视动画、影院动画、手机动漫、游戏等宽泛范畴的现代视觉对象，也包含从书籍、影像观赏产品到游戏、玩具等互动产品甚至智能产品，以及从二维到三维立体创作等在内的广泛内涵。显然，大动漫观念建基于数字化、网络化时代，按照中国科学院自动化研究所科学艺术研究中心副主任张之益先生的认识:在科学技术的推动下，从以“形象”为先导的传统动漫产业，向以“科技”为先导的大动漫产业生态系统过渡，三维动画成为发展的主流。它促使中国动漫可能走既不同于日本依靠庞大的出版规模显现，也不同于美国靠影视支撑整个动漫行业，而兼容动漫、游戏、新媒体互动与后续衍生品相互联系的新对象。③毫无疑问，数字时代不可阻挡地到来，数字技术引领着影视业包括新媒体的发展全方位改朝换代。电视高清数字的概念已经从创作到播出全面实施;电影的数字化进程更加快捷，到2011年底，预计国内银幕数将从2010年的6300块增加到8000多块，其中，数字银幕覆盖将占80%以上，3D银幕数量将占其中的三分之一，达到2500块。美国20世纪福克斯影业近日宣布，自2012年1月1日起，将不再提供35厘米电影拷贝予香港及澳门地区的电影院，而是全部以数字拷贝替代。据估计至2011年底，在整个中国内地及香港、澳门地区的电影院中，数字放映机将占九成以上的比例。目前国内影片制作源头开始普遍采用数字制作，电影胶片拷贝越来越少。2011年国产票房第一大片的《让子弹飞》的胶片拷贝只有500个，数字拷贝则高达3200个，六倍的数字拷贝产出了影片70%以上的票房。可以预测，中国电影发行方式告别硬盘拷贝和快递寄运，通过卫星传输直接将电影数字拷贝发送到指定的接收终端不再是遥远的未来，已有资料预计全国将建成70～80个数字电影拷贝的下载点。
数字技术给予动漫创作和网游的巨大影响已经是不争的事实。2011年10月迪斯尼影片《狮子王》经3D形式包装重新上映，将这部当年的经典动画片一举升至北美历史榜的第十位，斩获4.082亿美元票房收入。到10月2日为止，三周3D版票房累计7970万美元，而全球票房已达9870万美元，并且还将继续增长。④2010年，内地共制作完成原创电视动画片385部，总计22万分钟，世界第一的背后，数字技术毫无疑问是首要支持者。上海美术电影制片厂用3D“复活”的经典动画片《大闹天宫》就是传统经典试图在3D技术时代重新发挥魅力的尝试。2011年暑期，《魁拔》《兔侠传奇》《藏獒多吉》《赛尔号》以及《摩尔庄园冰世纪》等16部动画影片，集中向世人展示了中国动画在数字技术支撑下积极探索、创新发展的新图景。
二、大动漫:在技术反思中追求创意内涵的充盈
但是，在技术浪潮面前，还需保持着一种冷静与理性:数字技术并非发展的全部方向，比技术更重要的是创意的精神境界的认知。2001年获得奥斯卡奖的摄影师鲍德熹说得深刻:“现在的电影在电脑特技这个方面很玄乎，很多东西不需要想就能做到，只要你有钱。看上去好像是进步了，但整个电影的影像肯定没有二十年前这么有创意、有心思，整体上我认为是退步了。”⑤按照业内专家的认识，中国动画其实不必担忧技术问题，但需要警惕创作的盲目性和依赖末端的危险，因为数字技术的基础已经具备，关键是缺少创造的独特性。诚如《蓝巨星和绿豆鲨》的导演倪镔所言:国内动漫行业内存在着一种错误认识，以为能做3D动画是自身创作能力和水平的一种标志。其实，国外3D动画使用的软件插件都是自主开发的，国内外的3D技术差距至少有20年。根据资料统计，目前全国有6000多家动漫厂家，似乎红红火火，动漫数量迅猛增加，但称得上好作品的却屈指可数———去年有一些国产的3D动画片只放映了一天就被拿掉。市场实践充分表明，技术上的借鉴相对容易，但是创作出达到一定创意水平、具有独特性的作品则需要真正的智慧和创新能力，炫耀技术，恰恰是盲目自信的表现。
以2011年暑期国产动画的代表性作品为例，《兔侠传奇》的技术水准的确已经不错，但这是建立在资金投入的充足和技术接近的基础上，而创意的细枝末节和人物造型上却处处有模仿的明显痕迹，自己的本土创作却又难以显现独特性。诸如《喜洋洋和灰太狼》《赛尔号》等，虽然可以称得上是市场上的成功案例，但一望便知带有儿童表现的皮毛之作，尽管成功地“赚了儿童的钱”，可是难免有幼稚简单的质疑———“但影片制作水准和故事情节却很低劣”⑥。可见中国动画片在观念上还落后几拍，即使避免了成人化后也局限在吸引孩子的简单本位上。好莱坞动画创作基本上是瞄准成人世界接受的宽泛范围;不只是美国，在动漫产业发达的日本也一样，低龄观众只占市场很小一部分，据研究，80%的动漫针对成年人，“家庭电影”未必是儿童电影。比照一下2011年7月下旬公布的北美电影票房排行榜前十名榜单:1.哈利波特7下(华纳兄弟)，2.变形金刚，3.(派拉蒙梦工厂)，4.恶老板(华纳兄弟)、5.动物园守卫(索尼)、赛车总动员2(迪士尼)，6.小熊维尼(迪士尼)，7.坏老师(索尼)，8.拉瑞克劳(环球)，9.超级8(派拉蒙)，10.午夜巴黎(索尼经典)。不难发现，其中大部分虽然都是一般意念中关涉孩子接受的电影，但显然成年人是观赏主角。#p#分页标题#e#
中国动画似乎在确认了针对年龄对象创作这一基本需要后，并没有上升到吸纳更为广泛受众的层面上，实际上也是没有具备把控受众的能力。目前市场得利的《喜洋洋和灰太狼》《赛尔号》等之所以超过了一般动画片，却不断遭致简单幼稚的批评的原因正在于此。对比一下，在北美历史票房前十名的影片中，动画片也占据了三个位置，《怪物史莱克2》(4.412亿美元，排名5)、《玩具总动员3》(4.15亿美元，排名9)、《狮子王》(4.082亿美元，排名10)，显然说明它的泛众观赏性。2011年暑期档全球院线关注的最大焦点，就是《变形金刚3》和《哈利波特7》。两部电影足以吸引不同层面的受众的丰富意味在于:1.题材内容———魔幻刺激和想象力表现是明显的题材特点;2.想象情境———超乎现实的情境构造吸引不同层面尤其是青少年的关注最为明显;3.技术影像———注重奇幻眼花缭乱的影像技术表现成为超乎人们预想却乐此不疲的观赏的重要因素;4.记忆回味———不是集10年哈利波特的文字阅读，就是超越十年的《变形金刚》的玩具游戏在孩童记忆中留存，成为超越国界的集体期望的产品。
回看国内市场，2011年7月8日到8月11日的一个多月内，共有五部中国动画片扎堆上映:《魁拔之十万火急》、《藏獒多吉》、《赛尔号之寻找凤凰神兽》、《兔侠传奇》、《摩尔庄园冰世纪》。根据票房统计，6月到8月的全国电影票房近30亿元人民币，较去年同期暑期档增加28.7%，而《魁拔之十万火急》、《藏獒多吉》、《兔侠传奇》三部总共才有2000万元票房。所以，中国动漫发展的核心问题正是前面所述的，不能只从技术层面来认识数字时代的机遇。从电影《阿凡达》《盗梦空间》到现在的《变形金刚3》，这些电影的热映，让大家觉得技术派电影正在主导电影市场，但其实我们应该看到更为深入的层面:
1.高科技电脑时代的幕后，是人类永不消竭的对于无穷想象的期望。技术虽然在很大程度上可以将人们难以实现的想象变成直观现实(如《阿凡达》)，但是，技术呈现的吸引力难以抵挡表面现象，人类满足自身的期望的技术内容才是要害。
2.技术的背后是创造和欣赏创造的心理需要，超越现实而生造一个匪夷所思的世界只有人类才可以实现。新生代人类越来越沉迷在电脑技术所实现的另外一个虚拟想象的世界，其实这样的世界正是我们内心期望膨胀的对应，否则，人们乐此不疲地呼应该如何理解?
3.技术主宰乃至于技术理性的影响越来越大，一方面技术表现成为实现梦幻超越现实的主要力量，另一方面是人类忽视现实的深度与所受诸多限制的转移，技术主宰犹如市场利益的至高无上一样，具有合理的相对性却被人们夸大到无限的地步，确实需要警惕由此带来的虚晃和缺乏真实的泛滥。
4.技术理性不能遮蔽现实内涵，技术没有内涵的支撑难以显示其表现的高超，技术的厌弃和新鲜同样来得快，只有具备内涵的感染力才能触动人心。所以，在数字时代，中国动漫的发展首先要从内在观念上改变、从注重创意的内在含义上入手，只有具备适应数字时代的复合创作发展观念，数字技术才能够助生发展。“质量从来都不是判断创意产品成功与否的唯一标准”⑦这一论断当然不是否认动画电影自身的艺术质量的重要性，而是获得市场收益需要更为阔达的视野:即从单一的适应孩子观看向适应大众观赏转化、从单一动画片创作向全产业链创意转型、从一般意义的产品生产向立体营销转变。由此，我们可以进一步分析当下中国动漫的现状问题:就观念而言，复合式的创作营销是数字时代动漫生产的主要经验。考察数字时代的国内动漫创作，已经看到逐步适应的端倪。目前成为国产动画暑期档主要收益的《赛尔号》和《摩尔庄园》，前者首周达到2700万，估计可获4000万票房，后者已有1200万票房，这是在把握市场的基础上的有效收益。《摩尔庄园》和《赛尔号》都是脱胎于淘米网的网页游戏，收益出人意料的《赛尔号》是源于三年前的一款网页游戏，已经具有受众基础。这款专为6～14岁儿童开发的儿童虚拟社区游戏，以探寻太空新能源为主题，设计了安全健康的太空科幻探险虚拟飞船“赛尔号”。《赛尔号》根据这款游戏改编而成，借助太空冒险的线索刻画了包括精灵雷伊、罗杰船长、小墨等广受欢迎的动画形象。由于此前的游戏在全国已经拥有一亿注册用户，电影也自然拥有大量潜在可能的观众。另外，包括《赛尔号》《摩尔庄园》在内的影片都采取了看电影送游戏密码卡等促销方式，激发了注册用户的观影热情。无论是《赛尔号》还是《摩尔庄园》的收益，“与原创动漫的几百万元票房相比可谓是天上地下”⑧。
三、大动漫:多媒介、多形态的动漫产业链建构
需要特别强调的是，创新概念下的动漫创作收效的确大大高于单一的创作生产。人们已经看到，三年前异军突起的“喜羊羊和灰太狼”创作生产模式，至今依然带动着其衍生产品的火爆销售:《喜羊羊》图书销售已经超过上千万册，一款以喜羊羊和灰太狼为主题的冰激凌销售额过千万元，喜羊羊和灰太狼的玩偶则在商场里和大街上热卖。三年间，《喜羊羊》系列电影的票房由最初的9000万元、1.28亿元，上升至2011年的1.5亿元。有人认为《喜羊羊》的成功在于不遗余力建成了一条无形的动漫产业链，从创作开始的影片制作、出品方，到放映终端的影院与观众，横向关联的衍生产品制造商以及全国媒体形成了一条自上而下横跨多个领域的价值链。还包括媒体多样化的营销，从电视、电台、报纸、网络、车站、地铁、影院，甚至到日用品外包装，都凸显了“喜羊羊”的形象，影片上映时，同名电影图书连续五周成为中国畅销儿童图书榜第一名。相对的例证是《魔比斯环》的经验得失，五年前耗资1.3亿元拍摄的国产动画《魔比斯环》上映后，以300余万元的票房总额败阵。一般都认为除了缺乏本土特色外，定位的失策以及对市场认识的不清是其重要原因。但据该片制片方负责人所言:影片与游戏公司、出版商、手机开发商、网络公司等终端供应商洽谈多种合作，电影票房仅是产业链中的一环。他们以380万元卖出了《魔比斯环》衍生产品在移动互联网领域的独家经营权;小说《魔比斯环》在全国书店上架，首次发行3万册;漫画书《魔比斯环前传》在浙江、台湾等地发行。
《魔比斯环》走的是好莱坞动画产业的市场路线，即一个片子衍生出一个产业，但显然，就产品的市场实现而言，短期收益之差是教训深重的。目前中国动画电影创作上还处在探索过程中，多重实效需要验证。今年暑期的《兔侠传奇》据说针对海外市场主打中国元素，抓住海外观众对中国功夫神秘感的好奇来设计，邀请太极大师担纲武术指导。取得了未映就凭借一分钟片花，将版权卖到了65个国家的成绩。但电影对模仿和创新的关系还没有准确地把握，就一开始呈现的图景而言，还缺乏独特自立的创意显现。《藏獒多吉》也采取日本支持技术、中方提供资金与故事素材的方式，似乎成功入选有“动画戛纳”之称的法国昂西国际动画电影节而得到某种认可，但本土市场上却没有成功。七月初上映的《魁拔》在业界反响不错，但单一的模式也使得总票房只有区区350万元，和制作成本3500万元、宣发经费2000万元相比，差距巨大，的确值得思考创作的适应性。#p#分页标题#e#
获得过渥太华动画节最佳叙事类短片奖《这个念头是爱》的作者雷磊有这样的认识:“《喜羊羊》肯定是在中国最好的动漫作品，但不是好动画。很多人骂我，你怎么能说《喜羊羊》不是好动画片呢?其实把它放在国际的舞台上比比就知道。所以说，国产动画产业化、商品化已经覆盖了艺术本身。”⑨实际上近十年来，中国动画电影、动画片在海外各大动画节上获奖的作品也的确屈指可数，但作为非主流的中国独立动画却不时在国外各大动画节上获奖。2010年，中国年轻独立动画电影人陈曦的作品《冬至》荣获2010广岛动画节国际评委会特别奖;另一位独立动画电影人王海洋的作品《弗洛伊德，鱼和蝴蝶》获得了荷兰国际动画电影节金奖;中国动画导演刘健的作品《刺痛我》在法国入围第五十届昂西动画节最佳动画长片奖竞赛单元等等。不言而喻，人才是大动漫观念和中国动漫的更快发展的质量支撑、创意源泉，这需要创造鼓励新人的环境和机制。良性循环的中国动漫业尚有不短的路要走，目前，中国动漫产业正进入多样探索和观念调整阶段，文化部将动漫游戏产业列为文化产业“十二五”规划的重要组成部分，从抓产量到抓质量，从做产品上升到出精品，坚持不懈，假以时日，一定会有出色的创作呈现。但是，中国动漫回避不了数字时代大动漫的话题，大动漫作为创意产业的重要组成部分，需要资源和平台的重新把握。整合漫画、动画、游戏、网络书写之间的关系，不能忽略网络作为新一代生活方式的基础所构建起来的纽带。在新媒体上构建动漫网络游戏的产业链，需要关注环形产业链形成的现实，借鉴“喜洋洋”系列和“赛尔号”等动画电影来源于图书动漫、游戏等电影的相关产品创造动画电影，然后反哺衍生品的产业价值提升的方法。
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2008年，一只肥胖的、憨态可掬的中国熊猫可谓是出足了风头。打着补丁的衣服，无辜的眼神，傻得可爱的表情都让看过这部动画片的观众无法忘怀。而梦工厂也凭借着这只可爱的熊猫在全球赚得盆满钵溢。3年后，梦工厂继续推出续集《功夫熊猫2》，这部动画片从上映开始就票房喜人，上映两天票房收入就达1.085亿美元，上映9天突破3亿大关。值得注意的是，贡献票房的不仅仅是儿童，许多成人也成为大熊猫的忠实粉丝。 《功夫熊猫2》好看，其实并不令我们感到吃惊，1993年的《花木兰》，1994年的《阿拉丁》已经让我们见识到了梦工厂强大的创新能力。一个是中国的题材，一个是中东题材，故事传颂千年，也曾有人将他们搬上银幕，但是效果都不怎么理想。但是这些故事到了这些造梦人的手里，就像中了魔法一样，一个很古老的传说竟然可以焕发出鲜活的生命力。现在，梦工厂故技重施，结果正如预期的一样，《功夫熊猫2》照样把人们吸引到电影院，而且在走出影院的时候很真诚地赞赏一句，这部动画片确实不错。相反一些在业内人士叫好的国产动画电影却无人问津。是我们的民族动画电影不够努力，还是我们的动画电影工作者没有那么高的水平来吸引观众?到底是什么因素影响了中国动画电影的发展?我们的动画电影在进行了几十年的改革之后，要走向市场，走向世界，还应该从哪些方面进行改革?看来我们还需要从更深层的原因来进行分析。 一、好莱坞动画电影全球发展策略 要发展民族动画电影，就先要学习成功动画的电影成功经验，因此分析好莱坞动画电影的成功就成为首先要论述的问题。好莱坞动画电影的成功首先得益于其自始至终的“市场”理念。好莱坞动画电影的发展从一开始就定位于娱乐。如果说，欧洲是把动画电影作为艺术来进行发展，而好莱坞则是把动画电影当作娱乐产业来进行经营的。它不是作为一种主要供专家研究的艺术品来发展，它从发展之初就把目光定位在市场上。因此，对于好莱坞动画电影来说，“观众”就是一切。在这种观念下，好莱坞的动画电影永远在重复着不变的主题:善恶有报，有情人终成眷属，小人物也可以做出不平凡的事情，另外还有足以把人泪腺熬干的煽情，火爆刺激的视觉特技。而艺术和文化都只是作为娱乐的一部分而存在，唱主角的永远是“娱乐”，即使有时候看起来有点不按常理出牌，但那也只是在艺术和文化外衣包装下的娱乐而已。这也正是好莱坞动画电影一方面受到几乎全世界知识精英的反对，另一方面却有许多人趋之若鹜，就连每年的奥斯卡奖也成为许多自命清高的影人闯入世界影坛的标尺。其次，好莱坞动画电影融入了大量的商业元素。正如上文所述，好莱坞动画电影从一开始就定位于娱乐，为了使影片更加好看，他们竭尽所能，挖掘任何一个能为片子出彩的元素。在好莱坞的动画电影中，歌剧、插科打诨、喋喋不休等成为其战无不胜的杀手锏。《美女与野兽》中被施了魔法的家具的大合唱，《冰河世纪》中那只很喜欢说话的树懒席德以及那只永远距离美梦一步之遥的松鼠，这些都成为好莱坞影片中必不可少的元素。最后，也是最重要的一点，那就是对人类基本价值观的把握与追求。不同的国家，不同的种族，他们的信仰，他们的政治意识可能是不同的，但是全人类的基本价值观却是相同的。好莱坞的动画电影之所以能够在全球名利双收，最主要靠的就是能够体现出人性中最本质、最单纯的东西———爱，爱情、亲情、友情。虽然这些在现实中可能并没有那么的惊天动地，但是对于它的追求却是每个人心中所渴望的。追求美，追求理想，追求正义，追求完美，挖掘人物身上所固有的，挥之不去的自私、贪婪、恐惧等，这些才是人类最本质的生活，而好莱坞动画电影也正是抓住这一点，将他们夸张地表现出来，最终引起人们的共鸣，从而让人们渐渐对它产生了亲近感。 二、民族动画电影存在的问题 《功夫熊猫2》在全球动画电影市场的火爆，重新激起了人们对民族动画电影的思考。发展民族动画电影应该说是一个老生常谈的题目了，但是，二十多年过去了，除了寥寥几部动画片外，大部分的动画电影要么制作水平欠佳，要么是给人感觉太幼稚，充满了说教味。但是好莱坞的动画电影为我们上了一课，原来动画片也是可以适合成人看的。具体来说，以下几方面问题的存在，成为影响中国动画电影进一步发展的绊脚石。 第一，缺乏竞争力的计划经济模式。悲观地说，虽然中国改革开放已经三十多年了，在经济发展上已经取得了骄人的成绩，但是在文化产业上的改革，仍然有很长的路需要走。从整个动画电影产业来讲，一方面，动画电影的政治审查制度让许多优秀的动画电影胎死腹中，政治意识在影片中的强行渗透使得观众大为反感，各类动画电影的生产、发行、放映等在很大程度上还是领导人拍脑门子的事情，没有依据市场的变化来决定。另一方面，由于目前中国动画电影实际上采用的是计划经济为主、市场经济为辅的工业体制，每年生产的影片中有相当数量的影片与消费者的需要不适应，甚至有冲突，这使国产影片品牌定位受到观众怀疑，失去了消费期待也就必然会放弃消费行为。 第二，资金、技术方面的限制。虽然当前我国加大了对动画电影的投资，和50多年以前相比，国产动画电影的投资、技术含量、工业生产水平有了很大的变化，但是目前中国动画电影的生产方式在实质上仍然是处于发展的初级阶段，没有形成真正具有先进科技手段和现代管理模式的工业化生产。中美动画电影的技术差距、资金差距不但没有缩小反而拉大了。目前中国已经形成了几大影视生产基地，资金和技术等水平都有了明显改善，但是与已经发展很成熟的好莱坞影视公司相比，我们的差距还比较大，而这些也不是短期之内能够得到改善的。 第三，中国动画电影人的创新能力还有待于加强。现在翻拍风盛行，四大名著无一幸免，以前的火爆剧目也重新翻拍。在此趋势下，中国动画电影也不能幸免，比如《葫芦兄弟》《宝莲灯》等。我们并不反对重拍，从某种意义上来说，它是一种对原作的重新诠释，加入了导演等人的思考，但是从实际情况来看，这些翻拍之作，除了运用了更多特技，视觉效果较好之外，其他能吸引我们的东西却很少。这一方面反映了我们的从业人员急功近利，不思进取，另一方面也反映了我们的编剧等从业人员在创新能力方面还有待于加强。所以，与好莱坞相比，我们的动画电影缺乏的东西还有许多，除了资金的缺乏，技术上的差距，更重要的是中国动画电影还缺乏成熟的产业体制，缺乏优秀的创新人才，缺乏一种走出去的魄力和扎扎实实做事的耐力。#p#分页标题#e# 三、民族动画电影如何冲出困境 民族动画电影要走出当前尴尬的境况，不是一朝一夕所能完成的，需要我们逐步去完善，去追赶。但也应该看到，与好莱坞动画电影相比，我们的民族动画电影也有许多潜在的优势，这需要我们去发现、去培养、去扩大自己的优势，逐步寻找适合自己的道路。那么，国产动画电影产业应该如何去做呢，我认为可以从以下几点来进行考虑:首先，发展民族特色的东西。 仍以《功夫熊猫2》为例，这部动画电影之所以能在中国市场上以至全球市场大受欢迎，很大程度上是因为中国元素的运用，这使国人对它产生了天然的亲近感，而其他民族对他国的异域风情本身就有一种好奇感，这也可以解释为什么有些国产电影在国内籍籍无名，但是在国外却非常火爆，这是原因之一。原因之二，也是最能打动人的就是好莱坞式招牌式的“反英雄”，他不像武侠小说中主角那样忍辱负重、刻苦练功，他有梦想，但仅限于做梦，被迫练功也只是为了抢到吃的。用传统武侠的故事包装一个轻松风趣的现代小子，很符合东西方观众的欣赏口味。正是美国这一传统精神的灌入，才让人最终感觉非常亲近，这是美利坚民族特色融入的成功范例。 这些启示我们在发展国产动画电影的时候，首先要挖掘自己民族精华的东西，然后把其融入影片中去，如此方能在国际上占有一席之地。“导演不能为了好莱坞，在拍电影的时候去掉自己的文化特色，也不能拿文化来卖弄。”①刚刚在第九届上海国际电影节开幕式上获得“华语电影杰出贡献奖”的导演李安在“金爵”国际动画电影论坛上如是说。李安还表示，华语电影市场的规模是英语片市场的4倍，学习模仿好莱坞，要研究的是“电影话语体系”，而不是在所谓“强势文化”前邯郸学步。 其次，也是非常关键的一点，管理体制的改革。 由于受传统“文以载道”思想的影响，我们总喜欢在影视作品中表达一个宏大的东西，而政府上层在审查的时候，关心得更多也是影片的政治功能和教育功能。这就在一定程度上限制了一些影片的生产和发行。 因此，目前最需要重点解决的问题是政府的行政干预问题。在这点上，动画电影管理部门应该明晰自己的真正职责所在，做好文化产业的促进者而不仅仅是对政治的简单图解。在对文化事业进行管理的时候，更多的应该是从宏观的角度对文化市场进行规范，减少对文化事业的具体的行政干预，在具体的执行过程中，既做好把关人，防止过度的市场化可能对文化产业发展带来的消极影响，同时也要防止传统的政治意识对文化产业的不利影响，为文化产业的发展创造一个良好的，健康的发展环境。 最后，在操作层面上，民族动画电影要发展，要做好制作、发行和放映三方面的工作。动画电影产业的改革并不仅仅是规模上的扩大，不同集团之间的联合，从最根本上来说，建立一种新的产业体制和文化机制，这才是改革的终极目标。在动画电影的发行上，中国的动画电影也应该建立现代企业制度，按照市场规律，建立多条院线，同时细化市场，培育潜在的消费群。 四、结语 要赶上好莱坞动画电影，民族动画电影仍有很长的路要走。中国的动画电影人正在为这个目标努力着，《宝莲灯》上映之后反映还不错，《宝葫芦的秘密》票房收入还能差强人意，虽然仍不能和好莱坞动辄上亿元的投入相比，但已经可以窥见中国动画电影未来的前景仍然是值得憧憬的。只要能够破除体制上的一些根本性障碍，中国的动画电影以至整个文化产业将有一个非常美好的未来。
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据新闻报道2010年国产动画片产量再创新高，全年385部共220530分钟的数量让中国动画拿到“全球第一”的荣耀。① 面对这样一个欣欣向荣的局面，我们是欣喜还是雀跃呢?但是兴奋之下冷静之后是否也要认真思考我们所面对的现实?如果是光有数量没有质量的提升，那么这个榜首还有没有意义?以2005年8月26日在杭州少儿频道首播的《喜羊羊与灰太狼》②为例，该剧至今已经持续热映6个年头，而且它的荧幕形象也像日本的凯蒂猫一样被做成实物遍布大街小巷的商铺。此剧的优势和好处就不必介绍了，本文在这里却要唱点反调。最初观看该剧的时候，笔者个人感觉此剧传递更多的是恶搞和媚俗的成分，完全是娱乐式的一出闹剧，灰太狼的形象已经脱离审美变得丑陋可悲，原本可爱柔顺的羊儿也已经变得暴力伪善，自卫式的反击也充满了施虐似的狂热快感，泡沫似的剧情已经开始呈现走势的不确定性。为什么这样一部动漫作品会如此火爆?基于社会现实的需要，笔者想以此为开端来谈谈中国影视银屏正在热映或者曾经热映的动漫剧集，究竟带给我们的是怎样的一种思索。 一、中国影视播映的动画作品现状分析 (一)模仿痕迹明显，情节雷同 问起出生于20世纪70～80年代的成人，大家还会津津乐道小时候的国产动画片《黑猫警长》《葫芦兄弟》《舒克和贝塔》等。但是现在呢?当然不能说没有深入人心的国产动画片，但是我们也看到许多国产动漫作品的负面报道。比如央视少儿频道2007年开始播放的《大嘴巴嘟嘟》有相似于日本《蜡笔小新》的人物造型和配音以及类似的故事情节等。目前最新的抄袭事件要算是2011年7月曝光的国产动画《高铁侠》与日本的《铁胆火车侠》几乎完全类似的造型和情节。当然还有很多动漫作品在造型和情节上的似曾相识，正是因为这样的社会现状，如何保持国内动漫作品的原创性就成为我们必须关注的重要内容。 (二)教育意义的缺失 最早版本的《虹猫蓝兔》其实已经算是少有的国产大制作的动漫系列作品了，但是其审美标准却是建立在成人的价值观之上的，甚至很多内容已经超越了成人接受的底线，也自然很难让幼儿或者少年理解体会到什么教育意义，这也是此剧在热播之际被广电局紧急叫停的原因之一。反观为什么英国会有制作非常成熟的《天线宝宝》《花园宝宝》等低幼系列的动画剧集?我们可以认为是教育理念的不同，但是中国的动画制作者还是要意识到低幼儿童教育的必要和合理性以及如何掌握分寸。 (三)实验性，经典作品的缺乏 虽然《喜羊羊与灰太狼》系列片的播映取得非凡成功，也是目前国内动画片少有的超过500集的长篇剧集，同时还开创了系列动漫作品贺岁片的先河，而且在制作上也有了一定的进步。但是我们也无法忽视其与日本和韩国动漫作品唯美场景中雷同的痕迹，在造型上也还是有单调、突破不够的嫌疑。 中国的动漫作品在20世纪50～70年代的时候是唱响国际的实验式先驱，以1960年第一部水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》为标志，其中的小动物造型取自大画家齐白石的笔下，该片一问世便轰动全世界。接着《大闹天宫》《哪吒闹海》《三个和尚》等独具中国文化特色和艺术风格的影片塑造了享誉国际的“中国学派”③。但是进入20世纪80年代中期以后受到商业市场的冲击，中国的动画创作反而逐渐衰落，进而成为欧美动漫作品的加工基地。如何突破目前统治银屏的低端动漫作品的局面就是中国动漫人必须思索的问题。 二、国产动漫作品的突破方向分析 (一)现有优势剧集的改良 娱乐闹剧似的动漫作品只会导致幼教意义的缺乏，成人式的创意和幽默其实会扼杀幼童的想象力，与其播放制作粗糙的动漫作品，为什么不可以借鉴迪斯尼出品的《米奇妙妙屋》?其益智性剧情和游戏中的学习性是幼儿非常喜欢的。比如已经走入创作疲劳期的《喜羊羊与灰太狼》完全可以推出幼教版系列的单独剧集，要知道当初米老鼠的形象也是以成人欣赏为出发点，单纯是轻松娱乐搞笑式的，该剧也是经过漫长的几十年的播放才开始关注幼教市场，专门推出益智系列的《米奇妙妙屋》。不过值得庆幸的是《喜羊羊》创作团队已经成功突破了创意瓶颈，找到了延续梦想的途径，他们在2011年暑期推出的《奇思妙想喜羊羊》系列片中已经开始从孩子的角度去思考问题了，整个系列故事更多地展现了儿童天马行空的想象力，类似的还有《虹猫蓝兔》等动画片都有了教育引导性的较大的改善。 (二)表现手段的突破 其实中国有着悠久历史的绘画、雕塑、建筑、服饰，乃至戏曲、木偶、剪纸、皮影、年画等民族民间艺术，都为各种类型的动画片提供了取之不尽的借鉴材料。比如水墨技法是我国独有的国画技巧，现在已经成为世界性元素被广范应用到各个领域。中国的传统与民间艺术结合的形式，在20世纪80年代以前还是非常丰富的。如水墨风格的《牧笛》;年画风格的《大闹天宫》;皮影剪纸风格的《老鼠嫁女》等。以上作品无论是在题材内容、创作手法、观念意识等方面都充分地利用“传统文化资源”进行了创造性的转换，反观我们国内能够表现这些传统特色的影视手段却日渐萎靡。 (三)动漫创意团队自身的突破 1．突破整个社会的浮躁追寻理想主义精神 要突破就必须付出，当然这不是几个人的事业，而是关乎一个产业兴衰的命题。一部动漫作品牵扯的不是几个造型、几段搞笑场景，而是一个团队的密切配合。老一代的动漫人尤其是50～70年代的那一批就是凭借着理想主义才冲出国门引起世界关注的。当下我们的动漫人最重要的是要克服整个社会都存在的追逐名利的浮躁气息，坚持一点理想。在这个物欲横流的世界里如果能够执著地追寻一份纯粹的理想也是人生价值的体现。 2．合理的商业运作结合深切的社会关怀#p#分页标题#e# 还是以《喜羊羊与灰太狼》为例，其制作团队以轻松诙谐路线获得市场的成功后，在2011年的贺岁片《喜羊羊与灰太狼之兔年顶呱呱》又加入了很多流行元素，比如模仿刘谦的兔小乐，还有明显具有80后女性气质的月亮女王都是符合受众欣赏口味的。这些无疑都是该片的亮点，但是模仿以后还是要寻找突破口，除了轻松愉悦以外，当代社会还需要理性的思考。 《喜羊羊与灰太狼》在获得票房和收益的成功以后也在冷静思考今后的发展方向，无疑此剧的商业运作非常成功，很好地关注了版权以及各个领域的收益，在保本盈利以后笔者个人觉得他们要思考一些盈利以外的问题，比如对社会各个领域的影响。在前面我们讨论过影视剧集的社会意义，但是如果没有客观的经费投入也就无法保证作品的顺利拍摄，如果资金已经不再困扰创作团队，那么我们是否应该更多地思考和关注人性呢?随着2011年暑期《奇思妙想喜羊羊》的热映，我们还是欣喜地看到年轻的动漫人不仅有推陈出新的敏锐，也有正视自己和社会责任的勇气，在自我定位上又一次有了全新突破，在新的剧集里更多地考虑了少儿的心理特征和教育意义，只有这样的作品才可以真正称得上完整，才能继续深化成为真正的经典之作。 三、精品动漫的发展需要各种政策的辅助性配合 (一)国家政策对动漫剧集播放的干预和管理 实际上国家对于中国动画作品创作的保护和扶植一直都在进行，根据《广电总局关于进一步规范电视动画片播出管理的通知》④规定，自2006年9月1日起，全国各级电视台所有频道在每天17:00～20:00之间，均不得播出境外动画片和介绍境外动画片的资讯节目或展示境外动画片的栏目，同时保证国产动画片与引进动画片每天播出比例不低于7∶3。自2008年5月1日始又进一步出台规定:将禁播时间延长至17:00～21:00。以此可以看出国家干预的力度，但是仅此是不够的，我们还需要国家职能部门多角度的督促和促进。 (二)激励政策与实际引导和协助的并用 虽然现在国家对动漫作品倾斜力度很大，但是规范管理还有缺失。无锡动漫基地的解体就是非常好的例子，光有激励政策是不足以推动一个产业的，最重要的还是要有实际的引导并且给予必要的协助，这样才能给动漫产业不断地注入激情和动力，国家支持再加上自身努力，动漫产业才可以顺利发展。 (三)电视台加强动漫剧集的把关 现在电视台都是自负盈亏，所以播映的剧集能否创收也就成为各电视台的衡量标准，但是关乎下一代的教育和感知导向的作品，电视台一定不能将之纳入盈利的评判标准体系。我国目前推行的独生子女政策实际已经有突出的教育问题，本来独生子女就是比较特殊的一代，他们虽然集万千宠爱于一身但是没有兄弟姐妹的孤独感更容易使之对影视作品产生依赖，所以为了国家的未来，电视台在审查节目的时候也要慎重。 四、动漫作品的社会意义与现实影响 我们知道优秀的动漫作品不仅可以带来愉悦的视听享受，同时亦会影响一代人的精神世界，因此不能忽视其存在的现实意义所在。美式大制作的动漫电影每年都会出产1～2部甚至更多的卖座又叫好的高质量大片，中国完全是可以借鉴其市场运作模式的。面对美式大片的成功是不能否定其存在价值的，但是也必须直面我国动漫大片的制作缺憾，批判不是目的，警醒才是当务之急。《喜羊羊与灰太狼》使我们看到希望，那么我们就会期待有更多的优秀动漫作品出现。
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卡通片几乎伴随着每一个20世纪中叶以后的人，走过他们的童年成长道路。卡通片联系着梦想与现实，在满足了儿童奇幻冒险的想象之旅时，也常常能鼓励儿童去发掘自己内在的潜能，克服现实生活中的挫折而追求卓越与成功。而随着科学技术的快速发展，动画电影的出现，打破了原有的观影局面，动画电影逐步成为大众流行文化中一个重要的组成部分，影响着儿童青少年的身心发展。 电影在通俗层面上，无疑是以娱乐大众为主要功能，即使是如此，电影的娱乐属性也一定会受到主流文化氛围和政治经济形势的影响，动画电影在做到“阖家观赏”的效果之外，也具有文以载道和批判时论的功能与力道，这些文本结构都会丰富动画电影的内容。上世纪90年代之后的动画电影都尝试从多元角度去结构传统的价值。动画电影在达到“阖家观赏”效果之外也一定隐藏了一些传统根深蒂固的价值。例如，美国文化研究学者H．Giroux曾经这样批评迪斯尼影片:“Disney的影片在说故事的同时，结合了一只形态的蛊惑伎俩与纯真气氛，让孩子们了解他们是谁，社会是什么，乃至成人环境中，建构一个玩耍的天地又是怎么回事。从某种角度来说，这类影片里主导的正常性与文化权威是来自于他们独特的再现方式，但这种权威也因为广播媒体器材所具备炫目科技、声光特效，乃至娱乐效果、周边商品和温馨感人的情节等意象包装，而得以生产并根深蒂固。”［1］H.Giroux认为《小美人鱼》《美女与野兽》《狮子王》，其娱乐效果掩饰种族、阶级和性别的不公，这提醒我们在接受外来文化的同时也要注意其可能存在的意识形态。 一、多元文化 历经二次世界大战后的“现代化”时期，西方世界的观点几乎成为普世的共通价值。上世纪60年代，美国西部开拓的影片，白人与印第安人的战斗，印第安人的形象通常是负面的。《风中奇缘》至少在表象上，重新反省了白人对印第安人的侵略。主题曲《风之彩》所呈现的影像与歌词，也彰显了印第安文化中，人与动物、自然界的生物循环;《阿拉丁》上映时正值第一次波湾战争不久，迪斯尼以回教世界《一千零一夜》最代表性的故事作为素材，也是对回教世界的友善表示。第二次波湾战争后，梦工厂的《辛巴达七海传奇》，受到“9•11”的影响，一股浓厚的“去中东化”企图昭然若揭。《花木兰》成为迪斯尼年度最佳动画，当然也从一个侧面反映了中国经济实力的事实。诚如在其海报上宣传的那样“从今天起，这个美丽的传说将会传遍全世界”。动画片也反映了现实的国际政治经济态势。多元文化成为在20世纪80年代以后的主流趋势。 二、性别意识 20世纪90年代，正是第三波女性主义开花结果的年代。《阿拉丁》《钟楼怪人》，女主角的戏份都不亚于男性。《花木兰》的主线是“勇于做自己”。《辛巴达七海传奇》中的主人公玛莲娜在辛巴达一行人进入女妖峡谷时，奋勇挺身、智勇双全地拯救了所有水手，《超人特攻队》里面的弹力女超人，凸显女性以柔克刚的鲜明形象，都令人印象深刻。从《小美人鱼》的艾丽娅、《美女与野兽》的贝尔，还有《风中奇缘》的宝嘉康蒂公主、《钟楼怪人》的吉卜赛女郎、《阿拉丁》中的茉莉公主，还有《真假公主———阿娜塔西娅》的安娜塔西娅。她们几乎都想离开成长的家庭，探索外面的世界。虽然如此，在传统的性别意识结构下，动画电影也无法改变刻板印象。以《辛巴达七海传奇》为例，公主玛莲娜因为身为女性，所以才没有受到女妖的诱惑，是一种很异性恋的传统叙事;“弹力女超人”在居家生活的角色呈现出传统的女性角色的分工。 三、多元家庭 异性恋的甜蜜家庭当然是传统动画片男女主角最终的归宿，即使来自贫困家庭、父母双亡或者家庭冲突，也会呈现男女主角刚毅的特质，到最后重建的仍是巩固异性恋家庭的秩序。［2］《泰山》里涉及的是身份认同，母猩猩把襁褓中的“异种”视为己出，公猩猩一直对泰山的非猩猩身份表示敌意，《泰山》这里非血缘且异族的家庭组合，已经初步呈现出多元家庭的可能。《星际宝贝》Lilo与Stitch的相处，则重新界定了“家庭”的意义。没有血缘关系可不可能发展亲情?《星际宝贝》里的Lilo是一个夏威夷女孩，更是一个“麻烦鬼”，让收养她的姊姊伤透脑筋。而来自星际的Stitch也是一个“麻烦鬼”，从夏威夷原著民到星际间的血缘、种族变异，结构了以血缘为主的异性恋家庭的传统。不管是Lilo与Stitch，还是Lilo与Lilo大姊，都必须重新去探索家庭的意义。而姊妹间的同盟与一般母女的单亲同盟，也令人耳目一新。《熊的传说》里面三个兄弟相濡以沫，大哥是子代亲职，兄弟同盟并不是新鲜事，但当老大被母熊杀死，两位兄弟想要报仇，影片借万物同灵的隐喻，死去的老大将三弟变成熊身，让他体会熊的世界，而制止了仇恨，人、熊的越界，也重构了另类非血缘家庭的议题。最后从熊身重回人身的三弟，惜别了与他有血缘关系的二哥，自愿变成熊身照顾小熊。《星际宝贝》《熊的传说》彰显了“去血缘”亲情的文本，并不是否定传统异性恋的父母亲情，而是探索未来多元家庭的可能。这当然也反映了美国社会离婚暴增，单亲、非血缘父母关系日益普遍的现实。《星际宝贝》并不用异性恋婚姻、救赎的方式去拯救这些家庭，而是重构家庭概念，赋予这些家庭主体性，不能不视为一种进步。 此外，《海底总动员》呈现的是单亲的父亲对子女的爱，有别于歌颂传统的母爱，父亲马林对儿子尼莫最先是以一种近乎保守的方式限制尼莫的冒险，而后又是义无反顾的万里寻子，“婆婆妈妈”式的父爱，也体现出了迪斯尼的诚意。《星银岛》以文学名著为蓝本，片中主角阿詹自幼父亡，在他的成长洗礼中，没有任何认同的对象，听母亲诉说《金银岛》的冒险故事，依稀成为阿詹对未来的期许。 一切正如故事的情节，阿詹也踏上了星际之旅，与一群亦友亦敌的海盗们共事，寻找传说中虎克船长藏在宇宙深处的金银宝藏。海盗头目本来想利用阿詹打倒舰长，控制星舰进而独吞财宝，他在与阿詹的活动中，反而扮演了阿詹成长中所欠缺的父亲的角色。迪斯尼特别赋予这位海盗头目善良的正面形象。亦正亦邪，也说明了善恶并非二元对立。没有血缘的恶人，在阿詹成长的过程中，也能扮演积极的角色。《星银岛》中头目与阿詹亦父亦子，亦兄亦弟，亦敌亦友，属于男人之间的情义，最是令人感动。#p#分页标题#e# 四、人与动物共存 20世纪80年代以后，西方应用伦理学逐渐兴起了对“动物权”的讨论。有学者从伦理学中效益论的观点去说明人类解放动物，不以动物为食物，将更有助于人类本身。有学者企图论证不重视动物权，反映的是以人为本的独大。 更有学者怀慈悲心，以生命轮回的说法让人们停止杀戮。当然，也有学者以“权利”的概念分析，指出“动物权”不具有意义，就好像我们说龙暇有理性，是没有意义的陈述。动物权的讨论的确可以扩大人类的视野，提升人类的伦理使用范围与层次。［3］ 动画人物以动物为造型，也有其悠久的传统。米老鼠、唐老鸭、高飞狗、小熊维尼都是实例，但这些动物的造型，多少也有儿童亲近动物，视动物为可爱宠物的深层心态，这种心态对于解放动物并无意义。20世纪90年代以后好莱坞的动画，对于人与动物的关系以及人、动物与大自然生生不息的循环依存力量，都有较为进步的描绘。《狮子王》里面的小狮子王辛巴与其父亲木法沙，父子徜徉在草原中，身为肉食动物的辛巴问父亲为何要食肉，木法沙回答大自然生生不息，肉食动物死后化为尘土滋养大地，草木兴盛，食草动物从中谋生……共同构成了大自然的循环力量。《风中奇缘》里主题曲“风之彩”的影像中也反映了印第安狩猎文化，人与动物应该共生和谐，不能竭泽而渔的内蕴。说到人与动物的关系，梦工厂的《小马王》也是别出心裁，一开始的旁白点出了全片的主题———从马的视角看西部开拓的意义。对美国人而言，西部开拓是白人骑在马背上对抗印第安人，克服横逆的冒险犯难精神。《小马王》中同样处于被人征服的马与印第安人结盟，共同对抗白人以及高新科技的冲击，也翻转了以人为本的物种歧视。当然，骨子里仍然是以小马王不屈不挠的精神，间接隐喻美国西部开拓的精神。但是借着压迫与被压迫的交互辩证关系，呈现出西部开拓的另一多元风貌。 五、个人与社群整合 西方个人主义的氛围下，动画中个人英雄色彩也极其浓厚。早年的西部电影，个人常是利用反体制的方式，去恶除奸而恢复原有的保守秩序。《超人特攻队》里，具有超能力的超人家族虽然替社会惩恶去奸，却得不到社会的认同，平庸的人们身在福中不知福，反而要求超人不要展现超能力。编导们认为这些不平等的诉求，将会弱化了特殊才智之士，最后仍然是结合家庭的凝聚力，抵御外敌。《恐龙》的主题也是强调一种社群的整合，个体团结共同对抗外在的剧变。如果说《超人特攻队》是一种对个人英雄式的缅怀，《巧克力冒险工厂》则是回归社群对集体共善的坚持。自20世纪80年代以后，西方自由主义国度在面对后现代挑战之外，也有一股回归传统保守的势力，以社群主义为代表。自由主义重视个人的自主性，鼓励个人摆脱外在的羁绊勇于做自己。社群主义则认为个人的抉择无法摆脱既有的文化历史传承。西方自由主义重视个人的自主性，容易造成个人与社会的疏离，也使得人际之间的关系淡漠。［4］ 《巧克力冒险工厂》是叙述一位自幼未充分得到严父关爱的“鬼才”，发愤图强建立最知名的巧克力工厂，正准备宏图大展时受到商业间谍及下属员工不当行为偷取了秘方，心灰意冷之余关闭了工厂。15年后，工厂重新启动，向全世界发出五张金券，拥有金券者得以一窥工厂的究竟。五张金券的拥有者除了Charlie这位来自贫困家庭，无特殊能力专长却有着感恩、惜福等善良品格者外，其余的四位，都是“无德无才”之人，有的沉迷于物质享受的世界，有的在竞争优势下获得唯我独尊，有的在父母的娇生惯养下极端的自我中心，更有沉迷于在网络世界的自以为是。最后，当然是平凡无奇的Charlie通过了考验，Charlie协助巧克力工厂主人重新修补了与其严父的关系。前面指出，20世纪80年代以后，“多元家庭”成为好莱坞世界的主流，《巧克力冒险工厂》又回归到维系传统家庭的价值，也刚好符合社群主义对自由主义的挑战。
