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美术教育哲学范文1
美术教育学试题
课程代码：00747
请考生按规定用笔将所有试题的答案涂、写在答题纸上。
选择题部分
注意事项：
1. 答题前，考生务必将自己的考试课程名称、姓名、准考证号用黑色字迹的签字笔或钢笔填写在答题纸规定的位置上。
2. 每小题选出答案后，用2B铅笔把答题纸上对应题目的答案标号涂黑。如需改动，用橡皮擦干净后，再选涂其他答案标号。不能答在试题卷上。
一、单项选择题(本大题共10小题，每小题2分，共20分)
在每小题列出的四个备选项中只有一个是符合题目要求的，请将其选出并将“答题纸”的相应代码涂黑。错涂、多涂或未涂均无分。
1.美术取向的美术教育是以______为主，以培养专门人才为目的的专业美术教育。
A.技能传授 B.审美欣赏
C.美术素养 D.知识学习
2.“游于艺”是______的重要教育主张和教学方法之一。
A.孟子 B.荀子
C.墨子 D.孔子
3.清末年间福州船政局设立马尾绘画院，培养制图专门人才，学生被称作
A.图画生 B.画院生
C.制图生 D.绘事生
4.古代西方哲学家______将艺术教育视为“可以改变人”的重要手段，并主张对儿童进行艺术教育。
A.柏拉图 B.亚里士多德
C.德谟克利特 D.赫拉克利特
5.西方近代社会，美术教育由画坊式的教育逐渐发展成为______的教育。
A.普及型 B.学院式
C.名师高徒式 D.精英型
6.法国启蒙思想家______也非常重视感觉和形象教育，将感觉视为知识的门户。认为绘画除了是审美教育的重要手段之外，还能训练儿童敏锐的观察力。
A.卢梭 B.拉伯雷
C.康德 D.福禄贝尔
7.俄罗斯巡回画派的______创造了以自己名字命名的美术教学体系，认为素描是一切造型艺术的基础。
A.彼罗夫 B.克拉姆斯柯依
C.契斯恰柯夫 D.列宾
8.20世纪初，______的教学思想和方法也给美国的教育输入了新鲜血液。主要表现在摄影艺术和照片在广告设计领域的应用，以及对材料的新态度，建筑也被接受为美术教育计划的一个固定内容。
A.巴格莱 B.夸美纽斯
C.契斯恰柯夫 D.包豪斯
9.______是美术教学的一大特点，是通过作品、教具、多媒体等形象教学手段和景物境遇，促进学生感性认识。
A.观赏性 B.感知性
C.情境性 D.直观性
10.学生发展的一般规律表现为发展的不平衡性、顺序性、阶段性和
A.自我意识性 B.环境性
C.个体主导性 D.个别差异性
非选择题部分
注意事项：
用黑色字迹的签字笔或钢笔将答案写在答题纸上，不能答在试题卷上。
二、简答题(本大题共5小题，每小题6分，共30分)
11.请简述美术教育的目的。
12.请简述美术教育与社会生产力的联系。
13.请简述美术教育的审美功能。
14.请简述美术教育的一般性教学原则。
15.请简要谈谈如何在学校美术教育中树立正确的人格发展观，培养学生的人格。
三、论述题(本大题共2小题，每小题15分，共30分)
16.请结合实际谈谈美术教育的情感价值系统。
17.请举例分析美术教学过程中的各个阶段。
四、教案设计题(本大题20分)
18.根据所提供线索设计一份教案，字数300左右，附板书设计。
课题：《添画人像》
美术教育哲学范文2
关键词：新课改;高中;美术教学;问题;对策
一、新课改下高中美术教学中存在的问题
（1）美术课程设置不合理。新课改的进行，不仅仅是删减教材、改良教学方法和教学模式，还包括对教学观念、教学结构以及教学实践的完善。目前，我国高中美术课程往往倾向于从鉴赏到设计再到绘画的教学模式，而实际上，这种教学模式并不合理。众所周知，学习的过程是一个由浅入深、循序渐进的过程，美术教学也不例外。对于美术的学习，往往要经过具象阶段，然后才能实现抽象创作。在实际的美术教学过程中，如果美术教师在帮助学生学会鉴赏美之后，直接引导学生进行设计，而省略绘画教学，学生会因此很难产生艺术灵感，很难实现独立设计，很难达到教学目标。为此，高中美术教学最好实现从鉴赏教学到绘画教学再到设计教学的教学模式。
（2）学生学习兴趣不足。美术在高考科目中的“缺席”，使得很多学生将大部分的时间和精力用来学习语文、数学、英语等高考必考科目，学生没有时间和兴趣进行美术课程的学习。而艺考生虽然重视美术学习，却更加注重提高美术技能，这种机械式的学习方法，严重影响了学生的学习兴趣和积极性。
（3）教学方法传统落后。目前，我国部分高中美术课堂仍采用“灌输式”的教学方法，教学模式机械、僵硬，很容易使课堂陷入枯燥、沉闷的氛围中，以致降低了学生的学习积极性和主动性，从而使教学质量受到影响。而这种以教师讲解为主的教学模式，忽略了学生的实际感悟效果，不利于学生美术素养的提高。另外，一些教师忽视多媒体教学的优势和价值，欠缺多媒体技术的应用能力，或者制作的课件缺乏生动性、新颖性和美观性，使得多媒体辅助教学的作用和功能不能得到有效发挥，教学质量有待加强。
（4）教学评价标准单一。如今，高中美术教学评价仍采用传统的评价方法，即以分数作为学生学习成果的评价标准，这种评价方法不利于学生的个性发展。如果美术教师以一个固定的答案对学生进行衡量与评价时，往往会限制学生的思维能力和想象能力，使学生的思维只能跟着教师走，不利于学生的个性发展，使学生难以实现真正的进步。
（5）教师队伍的综合素质有待提高。很多高中美术教师教学观念较为落后，且没有经过系统、专业的学习和培训，导致综合素质较低、专业水平较低。教师成长的前提是不断更新观念，成长基础则是提高专业素质。为此，除了专业技能之外，高中美术教师还应该具备全面的文化知识，不仅要掌握美术知识，还应该了解一些有关文学、哲学、心理学、历史学等方面的知识。然而，部分高中美术教师尚未认识到终身学习的重要性和必要性，缺乏对多元知识的相关储备。
二、提高高中美术教学效果的对策
（1）优化美术课程设置。高中的美术课程主要设置在高中阶段的前三个学期，想要在有限的课程中达到理想的教学效果，需要合理优化课程设置。首先，通过“美术鉴赏”的教学，帮助学生掌握初步的具象审美意识和能力，并通过亲身感知和经历，体验和感受美术作品和美术现象中所蕴含的美，从而获得审美享受。其次，通过“绘画”教学，使学生在掌握基本的审美意识和能力的基础上，学会用所学的知识去表现和创作。最后，在学生掌握一定的绘画基础后，对学生开展“设计”教学，激发学生的学习兴趣，使其学会简单创作和个性绘画，并不断提高美术学习的层次。
（2）提高学生学习美术的兴趣。兴趣是最好的老师，只有有效激发学习对美术的学习兴趣，才能使学生积极、主动地投入到美术学习中，充分体现其主体地位和作用。为此，美术教师可以通过互动的方式，促使学生积极参与到美术教学中。如鼓励学生主动与大家一起鉴赏美术作品，尤其是对其色彩、技法、特色等方面进行分析，借此活跃课堂气氛，引发学生的积极性和参与性。
（3）创新美术教学方法和手段。高中美术教学方法的落后，使得教学质量低下。为此，高中美术教师应该创新教学方法，充分尊重学生的主体地位，创设和谐、宽松、活跃的课堂氛围，并通过现代化的技术手段进行辅助教学，实现教学质量的提高。如在进行“中国古代陵墓的教授”教学时，教师除了引导学生对教材进行阅读外，还可以利用多媒体教学手段，向学生展现相关的图片和视频，使学生更加生动、形象地感受到古代陵墓的风采。
（4）完善美术教学评价方法。为促进学生的学习兴趣的提高，不断提高美术教学的质量，高中美术教师应该根据学生的实际情况，通过多元化评价标准的设置，实现教学评价方法的完善。如在进行“现代设计艺术”教学时，可以让学生自主完成指定题目的创作，并对学生成果的设计理念、意蕴等进行分析和评价，肯定学生的每一次成果，并指出和纠正学生作品中的不足，并通过展览的形式，使学生可以从美术创作中获得成就感和满足感。
（5）提高美术教师的综合素质。美术教师的专业素质和能力关系着整个教学质量和教学效果。因此，美术教师应该加强主导意识，积极了解学科动态，不断更新观念，提高专业素质。
总之，作为高中教育的重要组成部分，美术教学不仅可以丰富学生的生活，培养和提高学生的审美意识和审美能力，而且能够促进学生的个性发展，陶冶其情操，提高其动手能力和创新能力。然而，实际的高中美术教学却存在诸如课程设置不合理、教学方法落后、学生兴趣不足、教师专业水平差等问题。为解决这些问题，高中美术教学应该合理设置课程，提高教师专业素质，并通过教学手段和教学评价方法的改善，以提高学生的学习兴趣和积极性，促进学生成才。
参考文献：
[1]姜雪平.农村学校美术教学存在的问题与对策[J].教育探索，
2013（2）.
美术教育哲学范文3
自16世纪西方的文艺复兴起，西方形成了自己的美术教育传统，其技法上的透视学、解剖学以及各种绘画技巧在今天仍然适用于国内外美术教育。由于工业革命的影响和包豪斯运动所带来的美术教育方面的贡献，人们把美术教育的功能引向了新的领域，比如设计类、工业类等用于经济竞争、产业创新的实用艺术。这深刻启发了当时的中国美术家，使他们开始探索新的美术教育方式，于是中国美术教育随之转型。
二、总结美术教育史，看现代高中美术教育
谁也无法在不同的国家、不同的时代中寻求到现代美术教育的现成模本，但可以从中得到启示。中国传统美术教育具有自己的独特性，这是因为它深受当时的社会性质、传统观念以及哲学思想的影响。技与艺是相辅相成的，传统美术教育因缺乏理论总结而导致很多技法失传，影响了技艺的提升，因而现在的美术教育要注重对理论的学习与总结。此外，外国的美术教育理论对中国美术教育也产生了强大的推动力量，革新了传统模式。由美术教育的本质可见，高中阶段的美术教育就是要注重美术技艺的传授，提升学生的审美意识，为学生将来表现自我个性的创作打下坚实的基础。从美术教育的目的出发，高中美术教育要以提高学生的美术素养为出发点，介绍美术的分类，不只局限于教会学生绘画，还要让他们全面了解美术的作用，引导他们做出理性的判断和选择。
三、技与艺的统一，审美与应用的结合
任何事情都存在法则，那就是理性的显现，而审美趣味也同样是人们要遵循的法则。目前高中的美术教育已经开设了鉴赏课程和实践课程等，教师应该让学生通过鉴赏美术作品，提高对美术分类的认识，获得更大限度的认知；还可以利用多媒体教学补充学生的课外知识，这样才可以让学生自己做出判断、选择，树立正确的文化追求意识。
许多哲学家认为哲学与艺术是相通的，并认为艺术和美的事物可以健全人格。审美能力的提高，有助于学生创造性思维的开发和技法的训练，可以让学生深入事物内部，培养专注的性格。这丝毫没有夸大美术事业对世人的影响力。不仅如此，在涉及美术的应用上，美术专业对现代工业、科技、人类的整个生存环境都具有一定的积极作用。因而，美术教育事业在当今必须得到人们的重视，这关乎全民族的整体文化素养以及民族的伟大复兴。美术教育事业将为世界文明、人们的生活质量和学生们的健康成长创造更多的价值。
四、结语
美术教育哲学范文4
随着我国经济的发展和科技的进步，社会越来越需要具有广博知识和多种能力的专业人才。高等教育应该与时俱进，改变传统的教育理念，建立适应现代社会发展的育人模式，培养创新型人才以应对社会发展实际对高等教育提出的挑战。作为高等师范院校的美术学专业，肩负着培养我们国家中小学美术教育师资的重任，更应该努力适应当前形势，为培养适应现代社会发展的美术专业人才做出贡献。当前，各高师院校美术专业就人才培养问题进行了积极探索，取得了很多值得借鉴的宝贵经验。笔者结合自己多年的教学，对高师美术人才培养谈几点看法。
一、坚持德育为先、人格为上的育人原则
育人为本，德育为先。不管教育怎么改革，高师美术教育在育人观念上要始终坚持德育为先、人格为上的原则，要不断强化大学生的道德修养，陶冶他们的情操，促成完美人格的形成。众所周知，高等师范院校美术学专业的培养目标是中小学美术教师，他们肩负着培养祖国下一代的重任。只有身心健康、道德完善的教师才能培养出对社会有益的学生，美术教育的育人观念也不能违背此原则。另一方面，高师美术教育要培养高素质的美术专业人才，创作出高品格的作品，也必须做到先正人心，加强德育，帮助学生树立正确的人生观和世界观、审美观。为艺先做人，人奇格自高。完美的人格才能创造出完美的作品。宋代郭若虚《图画见闻志》云：“人品既已高矣，气韵不得不高；气韵既已高矣，生动不得不至。”现代著名美术大师及教育家潘天寿先生也多次强调人品与画品的关系：“心正者，人之思想道德品质也。文学艺术，乃艺术家人格思想感情之反映，艺术家思想正，志向大，胸襟宽，眼光远，则画品必高，成就必大，余谓笔正则画正，心正则笔正，人格方正，画品必高，人品不高，画品低劣。”道德修养高了，艺术格调自然就高。因此，高师美术教育要培养高素质人才，必须先加强学生的道德修养，端正他们的人生态度，教会他们如何做人，使之养成高尚的精神境界和健康的道德情操。
然而，在很长一段时期，由于受到应试教育的影响，高师美术教育过分强调专业技能，忽视了大学生的道德情感教育，从而导致个别学生心理不健康，金钱崇拜，思想怪异等不正常的现象。新形势下高师美术教育一定要把学生的道德情操教育放在首要位置，帮助他们树立健康的人生观和价值观，丰富他们的精神世界与心灵世界，使他们以饱含深情的态度面对社会、自然与人生，从而激发他们的生活热情和创作热情。
二、加强文化修养，提高学生的综合素质
受市场经济的冲击，一些美术高校存在着急功近利的现象。教学上，教师只重视技能教育，满足于教给学生一些成文法则式的画法技法，而忽视了学生的文化学习和整体素质培养，结果培养出的只是没有思想的熟练技术工。这样的教学模式严重阻碍了美术教育事业的发展。高师美术教育肩负着传承祖国绘画艺术的重任，这就要求我们要改变传统的育人模式，培养具有“既精通专业，又善于发挥专业特点；既熟悉理论，又富于实践精神；既了解世界，又明了国情和社会需求；既通晓历史，又善于实际应用等这类全面综合型的人才”。而要培养这样的综合性人才，就必须加强学生的文化修养，提高学生的综合素质，力争使他们成为具有广博知识的专业人才。个人以为，应该使学生努力加强以下方面知识的学习。
首先，加强美术理论素养。一门学科有其自身的发展历程和发展规律，正是在前人成功经验的基础上，后人才能不断超越前人，创造出新的成果。美术的发展自不例外。中国绘画历史悠久，理论丰富。在长期的发展中，中国画历经多次变革，风格多变，画派林立。这些丰富的创作实践和大量的理论经验，是今人学习和创作的宝贵财富。同样，西方绘画发展史亦源远流长，值得我们借鉴。因此，教学中应该让学生加强对中外绘画史以及绘画理论知识的学习，使他们对本专业的历史进程和理论知识有清晰的了解，为以后的发展打下坚实的基础。如果不了解中外绘画史，不了解先进的绘画理论，就只能闭门造车，很难谈得上创新与超越，即使取得一些成就，充其量不过是一个画匠。近现代绘画大师们都非常重视对绘画史及绘画理论的学习。潘天寿先生就明确提出了美术教育中一个非常重要的因素是学习“画史、画理及古书画之鉴赏”。我们要培养具有创新能力的高素质人才，就时刻也不能放松对专业理论知识的学习。
其次，学习中国传统哲学思想。一幅成功的作品必然刻着社会思潮的烙印，没有思想的作品永远难登大雅之堂。在长期的发展过程中，我们民族逐渐融合了儒释道三种哲学思想，这些思想借助其他媒质渗透到了社会生活的方方面面，影响到了人们对社会、人生等的看法。绘画艺术受社会思潮影响，也基本上沿着中国传统哲学思想的发展轨迹而发展，昭示着一个时代下的人们的精神面貌和审美风貌。如唐代著名绘画理论家张彦远的一段绘画理论：“夫阴阳陶蒸，万象错布，玄化亡言，神工独运。草木敷荣，不待丹碌之采；云雪飘扬，不待铅粉而白；山不待空青而翠；风不待五色而粹。是故运墨而五色俱，谓之得意。”（《历代名画记》）我们知道，唐人宣扬三教合一，尤其重视道家思想。这段抽象的画论明显地吸取了道家“以无为美”的哲学思想，反映的是从庄子的“道法自然”“物我一体”理论发展出来的“气韵生动”“虚实相生”的审美观念。如果没有一定的文化积淀，也就无从理解这段话的精神实质，故而在教学中教师要引导学生加强对中国传统哲学思想的学习。只有对中国传统思想深入学习，才会理解我国传统绘画理论中诸如“空灵”“气韵”“虚实”等审美范畴，才会真正懂得中国画的意蕴，也才能创造出一流的具有民族特色的作品。
再次，关注古典文学修养。文学素养的高低，直接决定着画品的趣味和水平。自古以来，就有“诗中有画，画中有诗”，诗画同源的说法，文学与艺术历来是不分家的。历代著名的美术大师，无一例外在中国古典文学上有很深的造诣，甚至许多学者都是集文学家与画家于一身。近现代的国画大师徐悲鸿、齐白石、潘天寿、范曾等都有深厚的文学素养。他们也深谙这一艺术教育规律，非常注重对弟子们文学素质的培养。因此，在教学中教师应该重视学生的古典文学修养，要让学生熟读甚至背诵唐诗宋词等传统经典作品，努力提高他们的审美鉴赏力和审美趣味。
古人云，工夫在诗外。这话同样适合高师美术教育人才培养。高师院校要想培养高素质的美术专业人才，画外的工夫不可小觑。潘天寿说：“画事有天资、功力、学养、品德四者兼备，不可有高低先后。”“画事需有高尚之品德，宏远之抱负，超越之见识，厚重渊博之学问，广阔深入之生活，然后能登峰造极。”因此，没有深厚的文化素养，要培养高素质艺术人才将是一句空话。
三、合理安排课程设置，体现全面发展原则
先进的教育理念首先要通过课程的设置来实现。多年来，受应试教育的影响，我们的美术教育专业划分过细，教学模式单一，在课程的设置上主要以技能技法课为主，综合课程安排得较少。这种教育模式培养出的学生虽然具有一定的实践能力，但综合素质差，适应能力弱，创新能力不强，很难有大的作为。因此，当务之急要改变这种以过分强调技法课为主的教学模式，合理安排课程设置，使学生得到全面发展。
1. 专业课程的综合性
当前，高师美术专业的学生从一入学开始便选择各自的专业进行训练，课程安排主要以本专业学习为主，学习内容太狭窄，视野不开阔，在很大程度上阻碍了学生潜力的发挥，更不符合当前形势发展的要求。我们在课程的设计上要合理规划，体现全面发展的原则。高师美术课程大体可分为四大部分。（1）绘画类课程：除素描、水粉等基础课程外，还设中国画、油画等绘画专业的所有内容。以中国画的工笔重彩人物写生为例，要让学生了解怎样观察对象，感受人物，怎样构图，如何表现人物精神世界，在技法上如何勾、描、染，哪里当重哪里当轻，无不讲授详尽。绘画类课程要重在培养学生的创造能力、审美能力等美学素养，具备了这些素养也就不难在设计领域中施展才能，创造出优秀的艺术作品。（2）设计类课程：对设计专业来讲，更注重基础内容，像平面构成、色彩构成、立体构成，此外另有融会艺术设计于一身的编织。（3）理论类课程：包括艺术理论和教育理论两大类。艺术理论课是指艺术概论、中外美术史、中国画论等课，知识面覆盖广。而教育学、心理学这两门教育理论课，则是高师美术教育所特有的课程，也是必备的。（4）教育类课程包括教育理论和教育实践，这里尤为关注实习课，它是高师美术专业的学生必修的一门课程。这门课程使学生将课堂上所学到的专业知识和理论知识通过教学实践融会贯通，是一次理论与应用的有效结合。
2. 凸显人文精神
重视对文化的理解，重视人文精神已经成为当今许多国家艺术教育的共同追求。艺术教育应该被赋予浓厚的人文精神。因此，在合理安排专业课程的同时，要有意识地增设人文课程的比重，有针对性地为美术专业学生开设哲学、美学、历史、文学等饱含人文思想的课程，增强学生对中国传统文化的认识，提高他们的人文素养。其实，中国现当代很多美术教育家也一直比较重视美术教育中人文精神的培养。如潘天寿先生就在教学中增设了文学诗词、书法鉴赏等课程。他要求美术系学生学习时间的比例是“三分读书，一分写字，五分画画，一分其他”，并鼓励师生多读书，多写文章，注意理论研究，扩大知识面。近几年来，为了培养艺术高素质人才，国外艺术教育已经在人文课程的设置上取得了长足的进步。“主要表现为两种倾向，一是各门艺术之间的综合，意在强化音乐、美术、戏剧、舞蹈以及影视媒体之间的联系；二是艺术与其他学科之间的综合，强调各艺术学科与其他非艺术学科之间的联系，以形成一种互通、互补的艺术生态关系。”这种做法应该引起我们的注意。当前高师美术人才的培养，要克服急功近利和浮躁的心理，从长远出发，在人文综合课程的安排上下功夫，为培养美术高素质专业人才打下坚实的基础。
美术教育哲学范文5
1.美术教育
关于美术的概念，最初是以“art”一词来定义的，也被称作造型艺术。但是，随着社会的快速发展与进步，美术的概念更加丰富，其所包含的内涵也更加广泛。显然，这种定义已经不能涵盖现代美术的概念。康熙字典中对“美”与“术”的解释为：“美，甘也、从羊从大、羊在六畜主给膳也，与善同意”，“术，技术也、道经也、心之所由也，思通造化、策谋奇妙、是为大家”。这意味着“美”应该符合人们的审美追求，而“术”应该包含技术与思想两个层次，“美术”就是指人类追求美好事物所使用的技术和对美的追求过程中所激发的优秀思想。因此，美术教育就是教育者在相应的社会要求下，进行的有组织、有计划、有目的地培养社会所需要的有思想、有技术、能自主创造并追求美的人的社会活动。美术按照目的可分为两大类，即纯美术和工艺美术两类。“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶，泛指具有美学意义的活动。18世纪产业革命以后，美术的范围日益扩大，有绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等，在东方还涉及书法和篆刻艺术等。
2.价值取向
从哲学范畴出发，价值取向指的是一定主体基于自己的价值观，在面对或处理各种矛盾、冲突、关系时所持的基本价值立场、价值态度以及所表现出来的基本价值倾向。在美术教育价值取向概念的研究中，王卫东认为它是指以美术教育为社会客体，由美术教育主体根据实际需要对客体进行价值判断与预测所体现的一种倾向或者意向。冯晓阳针对目前国内美术教育在价值取向上由于美术多元化和各种教育理念的引进，所表现出的模糊与混乱，归纳了美术教育价值取向的三个传统：其一，教化与共性的培养；其二，表现与个性的发扬；其三，谋生与利益的实现。
二、美术教育价值取向的实现路径
1.理论与实践相融合
只有将美术欣赏与创作所需的基本理论与创作实践结合起来，才能真正发挥美术教育的真正价值。不管是美术欣赏还是创作，都需要学生对其产生浓厚的兴趣，并积极参与其中，这受到学生自身文化条件、审美经验等方面的限制。若学生在对美术作品进行欣赏前没有任何理论基础，那么其欣赏便难以体现一定的价值。首先，从美术欣赏的角度来看，教师既要为学生提供充足的作品背景资料，为学生解读作品内涵提供必要的线索，又要结合学生的实际能力对作品进行一定程度的讲解，特别是那些经典美术作品中的精妙之处，这些都有利于学生更好地理解作品。如，对富凯与拉斐尔在圣母像创造中的比较可以发现，两人在技法与思想上存在差异。富凯侧重于表现圣母略带忧愁的精神状态，在技法上采用几何形和色彩的抽象化；而拉斐尔则更加关注圣母温柔、善良的一面，在技法上多用明净的色彩、柔和的光线，以此表达自己对美好事物的向往。其次，从美术创作的角度来看，美术基本功是提升学生美术创作能力的基础。美术教育家艾斯纳认为，美术能力是通过学习和教育获得的，而不是自然形成的。美术教师在进行美术教学的过程中，应根据学生的实际情况与所需的知识理论培养学生的美术能力，而不是照本宣科，完全按照课本知识进行学。通常情况下，美术的基本理论应涉及美术创作、美术批评与美术史三部分内容，而这三方面也是相互融通、系统化的一个整体，是学生多方面能力培养的基础，对于提升学生的美术创作能力具有重要意义。
2.传统与现代的融合
只有民族的才是世界的。我国传统美术作品中蕴含一定的哲学与美学意义，若不了解中国的传统文化，就很难领悟画中的真谛。单纯的欣赏只是学生对作品加入的现代解读，而并非真正实现了欣赏者与作品之间的历史性对话。中国画的民族特色十分强烈，其在艺术技巧上注重阴阳的对立统一，通过虚实相生的笔触营造气韵生动的意境，用留白的意趣与神韵彰显生命的华章与时空的变迁。真正欣赏一幅中国画，从根本上理解画中的意蕴，需要深厚的美术功底与对中国文化的了解。当代美术的发展要适应历史发展的趋势，顺应时展的潮流，展现出强大的生命力，使人们能够更好地认识中国传统文化，并在中国传统文化的熏陶下成长。近年来，随着人们生活水平的逐渐提升，大众对艺术的重视程度也逐渐提高，如何做好传统与现代的融合是美术教育面临的重要问题。互联网技术在人们生活中的普及，给人们接受新知识提供了新的平台，在某种程度上改变了人们的思维方式与认识能力。美术教育也受到了这种社会环境的影响，美术教育的角色已经开始悄然发生变化。因此，教师应结合学生的实际需要与时展的要求，有针对性地进行现代美术教学，如动漫、时装、广告、形象设计等，整合并有效利用各种图像文化学习资源，将美术教育的现代化与传统艺术有机结合，让学生在美术教育中获得更多对人生、生活的新认识，让他们学会思考和创造，让学生深刻感受美术教育与现实生活的紧密联系，鼓励他们深入实践，将自己的创作与生活相结合，创作出更多具有中国味道的作品。
三、结语
美术教育哲学范文6
【关键词】艺术哲学;幼儿美术教育;艺术评价观念
【中图分类号】G612 【文献标识码】A 【文章编号】1004-4604(2010)04-0013-04
“像”与“不像”是在幼儿美术活动中经常听到的评价用语,绝大多数教师、家长和幼儿都会自觉或不自觉地使用“像”或“不像”去评价美术作品。当成人和幼儿将某一美术作品评价为“像”时,多数是在表达对该作品的肯定,甚至有人将“像”当作是对美术作品最高程度的称赞。与之相反,若将某一美术作品评价为“不像”,则是对该作品的否定。尽管人们对“像”与“不像”这一评价用语耳熟能详,但很少有人深入探究其暗含的艺术评价观念以及这种评价观念是否存在偏差。对幼教工作者来说,是否具有正确的评价观,将直接影响幼儿美术能力的发展和美术教育活动的成败。我国的幼儿美术教育存在一些不尽如人意之处,其中一个很重要的原因即在于幼教工作者对幼儿美术评价观念缺乏明晰的认识,存在一定的认识偏差。因此,全面剖析“像”和“不像”的内涵及其暗含的艺术评价观念,探讨其在中西方艺术哲学史上的流变与发展,并从艺术哲学的视角对这一评价用语加以审思,不论在理论上还是在实践上都具有重要的现实意义。
一、“像”与“不像”的内涵辨析
“像”与“不像”在日常语境和艺术评价语境中具有不同的内涵。人们日常谈论两种事物相像,是指二者外部形态或内在精神状态相似,且更多的时候是指二者外部形态相似。“不像”的含义则与之相反。在艺术评价语境中,“像”或“不像”则是指艺术作品所描绘的事物与人们在现实生活中看到的事物相似或不相似。也就是说,“像”与“不像”的内涵在艺术评价语境中已发生了某种转换,与日常语境中的内涵既有相同之处又有明显的区别。相同之处在于:在两种语境中,“像”与“不像”都是指一种相像关系,且更多的是指两种事物外部形态相似或不相似。区别在于:在日常语境中,两种事物的相像关系是双向度的,两种事物相互之间具有相似性或不相似性,即甲相似或不相似于乙,同时乙也相似或不相似于甲;而在艺术评价语境中,艺术作品与它所描绘的对象的相像关系是单向度的,不具有相互性,“像”或“不像”只表达艺术作品(甲)与它所描绘的对象(乙)具有相似性或不相似性,即甲相似或不相似于乙,但不能说乙相似或不相似于甲。这就是“像”与“不像”在艺术评价语境中的基本内涵。
那么,“像”与“不像”究竟暗含着什么样的艺术评价观念呢?基于上面对这一评价用语在艺术评价语境中独特内涵的分析,我们可以这样认为,人们说一件艺术作品很“像”,表示该艺术作品具有两种属性:一是这件艺术作品与它所描绘的客观事物很相似,二是它的题材是具体形象的,是日常生活中可以辨认的事物。那么,人们使用“像”(或“不像”)的标准是什么呢?由于在艺术评价语境中艺术作品与它所描绘的对象之间的相像关系是单向度的,不具有相互性,所以人们对客观事物的日常知觉形象就成为其对照和评价艺术作品“像”(或“不像”)的唯一标准。按照这一标准,很“像”的艺术作品犹如一种镜像反映,使人们好像是从一面镜子中看到了客观事物的形象。也就是说,符合“像”这一评价标准的艺术作品必须具备以下条件:首先,艺术作品的题材必须是具体形象的,因为只有当它描绘的题材是客观世界中有具体形象的事物时,人们才能将二者进行比较,才能说“像”(或“不像”)。其次,创作艺术作品的目的就是为了达到与客观事物本身的相似,从而使观者犹如从镜子中看到逼真的景物。综上所述,符合上述标准,能被评价为很“像”的艺术作品只能是那种模仿和再现了客观事物的写实性艺术作品,也就是说,“像”与“不像”这一评价用语暗含的艺术评价观念是:艺术必须是对客观事物的模仿和再现,只有模仿和再现了客观事物的艺术作品才是好的艺术作品。这就是在艺术哲学中被称之为“模仿论”和“再现论”的艺术评价观。
二、“像”与“不像”在中西方艺术哲学中的流变
“像”与“不像”暗含的艺术评价观在艺术哲学史上可谓源远流长。换言之,“模仿论”和“再现论”并非是现在才有的一种艺术评价观念。
在西方,古希腊就有“模仿论”。这种理论主张艺术应该与现实互不分离,认为艺术是对自然的直接复现,人们对艺术作品的反映与对其所复现的事物的反映是一样的。这种艺术评价观在古希腊诗人荷马的史诗《伊利亚特》中就有所体现。在描述阿奇利斯金头盔上凸起的表现田园风光的图案时,荷马写到:“尽管它是黄金制作的,但它再现的土地看上去仍然是黑油油的,就像被刚犁过的一样,这便是这件作品使人惊奇的地方。”〔1〕古希腊哲学家柏拉图在《理想国》中也表达了类似的观点,他直接将画家定义为“模仿者”,是一种万能的匠人,能够制作一切东西。那么,画家如何进行模仿呢?柏拉图认为:“这不难,方法很多,也很快。如果你愿意拿一面镜子到处照的话,你就能最快地做到这一点。你就能很快地制作出太阳和天空中的一切,很快地制作出大地和你自己,以及别的动物、用具、植物……”〔2〕柏拉图的观点是对“模仿论”的精辟概括。
在“模仿论”的基础上,西方艺术哲学史上出现了艺术评价的“再现论”。古希腊哲学家亚里士多德反对其老师柏拉图的观点,认为艺术不仅仅是对某一个别事物的“抄录”,而是对现实事物的一般普遍化特征的再现,艺术家对现实的描绘再现了某类事物的普遍状态。文艺复兴时期,达・芬奇、丢勒、阿尔波蒂等人的艺术理论则是对“再现论”的发展,他们认为艺术家应当忠实于自然,忠实地反映现实世界。达・芬奇的大量笔记和未完成的《画论》一书的核心思想即是艺术家要以大自然为师,将绘画视为自然的嫡生女儿。德国画家丢勒认为美在自然之中,他一生的创作格言是:“真正的艺术包含在自然之中,谁能发掘它,谁就能掌握它。”〔3〕可以说,古希腊以及文艺复兴时期的写实性艺术之所以得到极大繁荣,是与“模仿论”和“再现论”的盛行密切相关的。直至19世纪,“再现论”仍深深植根于人们的观念之中,如德国著名哲学家谢林就在《艺术哲学》一书中明确提出:“绘画乃是再现形象的首要艺术形式――从整体上说,绘画描绘普遍者中或同一中的特殊者。”〔4〕
在中国的艺术理论中,“模仿论”与“再现论”同样源远流长,只不过由于中西方语言的差异而导致用词的不同,但其实质同样是“好的艺术必须模仿和再现自然”。早在魏晋南北朝时期,画家宗炳就在《画山水序》中提出用写实的手法表现山水,他写到:“夫理绝于中古之上者,可意求于千载之下;旨微于言象之外者,可心取而于书策之内。况乎身所盘桓,目所绸缪,以形写形,以色貌色也。”〔5〕宗炳认为,画家要亲历自然山水,深入观察真实的山水,然后才能用画面之形反映自然山水之形,用画面之色反映自然山水之色。可以说,“以形写形,以色貌色”成为后世艺术家提出的“外师造化”理论的先声,反映了自魏晋至初唐时期的艺术评价观念。
除“以形写形”“外师造化”理论之外,中国的“格物像真”理论同样反映了“模仿论”与“再现论”的艺术评价观。“格物像真”就是要求艺术作品反映自然景物的真实感和生气。五代时,西蜀画家黄荃的作品可算是“格物像真”论的典型例证。在中国美术史上曾记载:有人向西蜀献了几只白鹤,蜀主让黄荃将白鹤画在王宫的素壁上,黄荃描绘出白鹤的六种不同神态――“唳天”“惊露”“啄苔”“舞风”“梳翎”“顾步”,只只白鹤都栩栩如生,使得那些真鹤以为画中鹤是自己的同类,争相与它们为伴,蜀主遂将此殿改名为“六鹤殿”。宋代时,宋徽宗赵佶十分推崇“画写物外形,要物形不改”,注重“格物像真”。南宋邓椿在《画继》中记载:宋徽宗曾选派一批画院画家来画“龙德宫”的壁画和屏风,画完后他亲自审阅,只赏赐了《斜枝月季花》的作者,理由是:“月季鲜有能画者,盖四时朝暮花蕊叶皆不同。此作春时日中者,无毫发差,故厚赏之。”〔6〕从赵佶的回答中可以看出,他要求画家所画月季的花蕊和花叶应与季节、时分完全相符。这种刻意求真的“格物像真”观对宋代花鸟画的发展产生了重要影响,它们成为中国写实性绘画的代表作。
通过梳理中西方艺术哲学史,不难发现,西方的“模仿论”“再现论”与中国的“以形写形”“外师造化”“格物像真”等理论的实质都是将模仿与再现客观事物的艺术视为好的艺术,认为艺术家只有悉心描摹自然,才能创作出栩栩如生的艺术作品。在这种观念的指导下,判断艺术作品优劣的标准自然是以艺术作品中事物与现实事物的相似程度为依据的,即所谓的“像”或“不像”。如果艺术品看上去酷似现实中的原物,即很“像”,则可以认定这件作品是成功的;反之,则认定为失败的作品。力求与现实事物酷似――“像”成为这种艺术评价观指导下人们追求的艺术目标,“像”与“不像”成为评价艺术作品价值高低的标准。
三、对幼儿美术教育中的“像”与“不像”的审思
在我国的幼儿美术教育中,用“像”或“不像”来评价美术作品成败的现象俯拾皆是。例如,教师指导幼儿绘画时经常会说诸如此类的话:“花儿要画成红色的,树叶要画成绿色的,天空要画成蓝色的,这样才会画得更像。”“比一比,看谁画得最像!”另外,许多教师经常会表扬某个幼儿“画得真像”,以此为其他幼儿树立榜样。可以说,以“画得真像”或“画得不像”作为评价美术作品主要标准的幼儿美术教育活动并不少见。换言之,从艺术哲学的视角来看,用“模仿论”和“再现论”的艺术评价观来指导幼儿美术教学实践的教师并非少数。对一些幼儿园教师来说,“模仿论”和“再现论”已经成为其自觉或不自觉运用的艺术评价观念。
那么,究竟应如何审思这一幼儿美术教育中十分常见的艺术评价观呢?
在人类艺术发展史上,写实性艺术占有不可替代的地位。写实性艺术作为人们描绘外部客观现实的一种方式,为观赏者打开了一扇观看外部世界的神奇窗户,这扇窗户就是画本身,透过它,观赏者可以看到某一具体事物或某时某地所发生的具体事件的特征。它会导致观赏者获得一种奇妙而特殊的感受和体验,这是人们在其他艺术(如抽象艺术、装置艺术等)中所不能获得的。可以说,写实性艺术是人类艺术宝库的重要组成部分,具有其自身的艺术价值。
然而,在幼儿美术教育中,如果仅仅以写实性艺术作为人类艺术的唯一样式,仅仅用“像”或“不像”来评价艺术作品的价值高低,则必定是有失偏颇的。首先,用“像”与“不像”作为唯一的艺术评价标准是对人类艺术多样性的否定。在人类艺术宝库中,除写实性艺术外,还有许多其他样式的艺术,如用点、线、面等形式要素造型的抽象主义艺术,用现成品进行装置的装置艺术,等等。面对浩如烟海、形式种类繁多的人类艺术作品,岂是一个“像”或“不像”所能评价和涵盖得了的!其次,用“像”与“不像”作为唯一的艺术评价标准容易导致人们过分注重艺术作品与外在事物的相似性,而忽视了艺术作品的内在特质。因为如果将与外在事物相像作为评价艺术品最重要的标准,那么,艺术就会变成一种完全由外物决定的“他治”的东西。此类倾向如若走向极端,则会将艺术作品变为科学或一般的常识图片,从而失去艺术作品赖以独立存在的内在价值――艺术性。
总之,不论是对成人美术作品,还是对幼儿美术作品来说,都不能仅仅用“像”或“不像”作为重要的标准来进行艺术评价,写实性艺术也不应该成为幼儿美术教育活动中的唯一样式。其实,中外艺术史上许多艺术大师创作的被人们称为“真像”的艺术杰作,绝非是对现实的机械模仿与再现,而是表现了艺术家对现实事物的独特见解。换言之,这些艺术作品是在“外师造化”的基础上,经过“中得心源”的过程后,成为经过艺术家内心加工的、带有艺术家心灵印迹与特殊感受的事物。在美术高度繁荣的今天,广大幼儿美术教育工作者必须对“像”与“不像”这一艺术评价观念进行深入审思。“模仿论”和“再现论”只能是众多幼儿美术评价观念的一个组成部分,而不应该成为全部。教育者只有在艺术评价观念上保持最大程度的开放性,用多种艺术评价观念来指导幼儿美术,才能不断拓展幼儿的艺术视野和能力,才能促进幼儿美术教育事业的繁荣与发展。
参考文献:
〔1〕H・G・布洛克.现代艺术哲学〔M〕.滕守尧,译.成都:四川人民出版社,1998:37.
〔2〕柏拉图.理想国〔M〕.郭斌和,张竹明,译.北京:商务印书馆,1986:389.
〔3〕李春.西方美术史教程〔M〕.西安:陕西人民美术出版社,2002:52.
〔4〕谢林.艺术哲学:上〔M〕.魏庆征,译.北京:中国社会出版社,1997:188-189.
〔5〕张建军.中国古代绘画的观念视野〔M〕.济南:齐鲁书社,2004:60.
〔6〕彭修银.中国绘画艺术论〔M〕.太原:山西教育出版社,2001:98.
A Reflection of “Likeness” and “Unlikeness”: Probing into a Concept of Preschool Art Evaluation from Art-philosophical Perspective
Chen Qian
(College of Education, Liaoning Normal University, Dalian, 116029)
