美术研究论文范文1
一、陶冶民族文化情愫
艺术来源于生活和民族文化，想要学生培养出艺术气息，需要从民族文化方面着手，在小学的美术课堂教学中，渗透民族文化教育和艺术情感教育是很好的方法。课堂是教师和学生共同学习和交流的场所，课堂教学过程中教师和学生的情感维系着课堂的纽带，当教师能够以丰富的情感投入美术课堂教学中时，学生才能够从课堂中感受到艺术的熏陶、感染，其创造性的思维才可以得到充分发挥，而不仅仅是学生的简单作画或者手工制作。另外，教师可以在与学生的谈话中设境，在美术作品的欣赏过程中设境，激发学生的想象力，鼓励学生大胆表现。
二、教学过程中的文化素养提升
小学生处在幼年，其抽象思维尚未建立，他们理解事物大多是用的形象和图像思维，因此，美术课堂恰恰符合小学生的记忆趋势，适合培养小学生的思维能力和创新意识并进行文化素养的培养。教师应该精心设置别样的美术课堂，充分利用美术的图像感和色彩感，并融入民族文化，使学生更加容易接受并理解授课内容，同时又不乏想象的空间。如此，既可以激发学生民族文化的情趣，也可以积累更多的美术知识和艺术体验。如果能够结合多媒体等数字化信息技术，将图、文、色通过多样性组合构建出理想的美术载体或是作品，可以使得美术课堂更加丰富生动且艺术感和灵活感十足。
三、总结
小学美术的课堂，其重点并不是教授多少的美术专业知识，而是能够培养和激发学生多少的艺术素养、艺术灵感和艺术创新思维。通过美术教学启发小学生的主动学习兴趣；通过加强艺术素质的培养影响学生整体素质的培养；通过对教学目标的分析加强德育方面的发展。教师可以根据小学美术教学实践中学生对某些美术文化的情愫，探索他们的本质需求，面对不同的教学对象，根据每个人自身个性的需求分层次发掘他们的艺术素养，进而实现学生全面提升综合素质的理想。
作者：杨武超 单位：四川省广元市旺苍县鼓城小学
第二篇：小学美术教学校外拓展途径探索
一、小学美术教学的发展现状
（一）目前我国小学美术教学的发展状况和特点
美术是一门特别的学科，它教会学生绘画的能力，培养学生的审美情趣，提高了学生对课堂美术学习的积极性。现阶段小学的美术教学，主要还是在室内进行，老师会带一些物件实体，让学生从不同角度观察，然和画出自己看到的。一些课堂教学，老师也将传统的剪纸引入课堂，增加了课堂趣味外，也培养了学生的动手能力。这些都是值得我们提倡的。将传统的剪纸引入课堂这就体现了我国小学教学的独特性。在美术课上，老师也会采用一些引导性的方法来激发学生的想象力，借鉴国外的小学教学方法，老师们也会采取无纪律的上课方式，座位不固定，学生可以自由交流。但是因为只是表面的借鉴，经常造成课堂混乱，因此这种方法收效甚微。
（二）与国外对比，我国小学美术教学的缺陷
我国的小学教学处于改革阶段，除了上述的可取之处外还存在不同程度的不足。现阶段，我国的小学美术教学受传统的教学影响，仍然注重学生的临摹能力。多数教师的教学方法也是从临摹开始的，这不是说这种方法不好，而是说在初学阶段这是一种不错的方法，但是长期使用这种方法对学生的美术教育并没有好处，想象思维没有，甚至可以说是扼杀了学生的想象思维，这对于现阶段的培养创新性人才来说无疑是一种致命的打击。与国外小学教学相比，我国的小学美术教学通过校外途径学习美术教学的方法并不突出，而且对于这种形式有很多老师和家长是不赞成的。我国小学班制容量相对于国外还是较多，外出学生的安全成为了较大的问题。这也是小学美术教学校外途径无法发展与推广的原因。
二、小学美术教学校外拓展途径的探索
（一）校外美术的特点
校外美术的发展是在时展的情况下产生的。校外美术教学不收教育大纲和教科书的限制，可以使老师和学生共同发挥自己的想象力，老师在教学的过程中也可以加入自己独有的方法，使得校外美术教学更生动有趣。校外教学不是为了培养专业的画家，目的是把它当做开发智力、培养创造意识的一种方法。这种校外美术途径更有利于激发学生的想象力。
（二）小学教学校外拓展途径之校外活动
美术的校外教学是孩子们接触自然的一次机会，也是一次探险的机会，但不能任由学生自己乱跑。在校外活动中，教师的任务不是去教生在课外如何画画，画什么样的画。而是通过对话、看录像、讲故事、玩游戏等等形式，来激发学生的潜在的美术意识和想象力，引导触发学生画画的兴趣，激发他们画画的激情，进而达到美术教学的目标。比如可以通过《美丽的城堡》、《神奇的鸟》等作品，让孩子发挥自己的想象，画自己心中所想的。
（三）小学教学校外拓展途径之命题的“模糊化”
美术教学是思维的自己发挥，不应当用统一的命题来局限孩子的思维，这就是我所说的命题“模糊化”。绘画教学，没有统一的命题，也就没有局限，孩子们可以自由的发挥，画自己想画的东西。没有题材的限制，孩子可以画水彩画、油棒画、黑白画、水粉画、水墨画和版画等等，这些形式的出现表现了孩子丰富的内心世界，往往其中有一些出色的作品，真切的表现了童真童趣，表露出当代儿童良好的文化素养，丰富的想象力。因此在校外美术中用“模糊化”的命题来引导学生，提高他们自身的素养。
三、小结
校外美术的发展凸显了现代美术的发展方向。小学美术教学是教育中一重要的环节，是培养学生审美意识和想象思维的重要阶段。拓展小学美术教学的校外途径是顺应时代的发展，也是素质教育的要求。在陶冶情操、提高形象思维、审美能力有着不可忽视的作用。拓展小学美术教学的校外途径需要老师的努力，也需要国家教育的改革。借鉴国外的小学买美术教学模式，改革我国小学教育中不足之处，最终使小学美术教学的校外途径得到发展。
作者：石友艳 单位：赤峰市元宝山区进修学校附属实验小学
第三篇：小学美术教学个性培养研究
一、个性培养的含义
个性是人的一种综合、系统的心理结构，是共性中凸显的独特部分。个性的特征体现在以下几个方面：第一，个性是社会性和自然性的结合。个性的基础是自然特征，每个人都有与其他人不同的特征，在成长的过程中还会不断形成和强化自己的个性。第二，个性具有一定的稳定性，不是偶尔爆发的心理特征，而是长期的心理现象。第三，个性是可以塑造的。教育和社会都能够改变人的个性，也可以对个性进行塑造和培养。
二、如何在小学美术教学中培养小学生的个性
1.对小学生的创造力和想象力进行培养
在小学阶段培养学生的创造力和想象力，对小学生今后的学习和工作都有很大的促进作用。创造力和想象力是个性中的重要内容，因此教师要着力培养小学生的创造力和想象力。尽管小学生正处于想象力和创造力非常活跃的时期，然而由于受应试观念的影响，当前部分小学生比较缺乏创造力和想象力。在美术教学中，创造力和想象力是重要的艺术表现能力。在小学美术课堂上，教师要有意识地培养学生的想象力和创造力，培养学生的个性。教师不要给学生制定“像”与“不像”的标准，而应该带领小学生观察身边的事物，接触大自然的动植物，让小学生根据自己的想象将这些东西画出来，尽量不要使学生受到成人思维的影响，让学生能自由地发挥想象力和创造力，并利用美术的形式将其表现出来。
2.对小学生的个性化审美倾向进行培养
审美形式是小学美术的一个重要内容，包括质感、色彩和线条等。每个人对这些形式美的感受都是不同的，能够形成艺术美和自然美的整体知觉。然而在小学美术教学中，一些小学生并不能发现这些形式中的美感，这就需要教师对其进行引导，培养小学生的个性化审美倾向，让小学生具备对形式美的欣赏能力和感知能力。不同的学生由于心境、性格和兴趣爱好的不同，会表现出不同的审美倾向。在小学美术课堂上，教师要告诉学生个性化的审美倾向是正常的，每个人都会有自己个性化的审美倾向，无需追求与他人的一致性。在进行审美时，教师不要预先设置审美标准，以免禁锢学生的思想和个性，而要鼓励学生勇于表达自己的审美观点，赞扬学生独具一格的审美眼光，使学生具备审美个性。
3.营造宽松民主的课堂氛围，培养小学生对美术的兴趣
在小学美术教育中，教师要放下架子，积极与学生开展平等的互动，营造温馨、平等、和谐、快乐的课堂氛围。只有在这种课堂氛围中，小学生的个性才不会受到压抑，其才能够充分发挥想象力和创造力，培养独特的个性。只有获得了小学生的信任，教师才能够了解学生的心声，与学生进行平等的交流和沟通。要培养小学生的个性，就要使小学生对美术课充满兴趣。小学生天性活泼，对新鲜事物充满好奇，这是小学生性格的宝贵之处，教师要对其进行合理的引导，激发小学生对美术的兴趣。如，在画向日葵时，教师不仅要拿出向日葵的照片或视频让学生观赏，有条件的还可以拿出向日葵实物，激发小学生的好奇心。教师还可以将科学性的问题融入美术教学，让学生思考“向日葵为什么会向着太阳”，通过问题的方式激发学生的探究欲望，让学生能够积极主动地进行美术学习。
4.培养学生健康的人格
健康的人格是良好个性的基础，在小学美术教学中，教师要注意培养学生健康的人格。小学生往往承受了父母和学校过多的期望，加重了心理负担，这样不利于小学生的健康成长，对其个性造成了一定的压抑。美术教育具有非功利的特点，在美术教育中，教师不仅要使学生掌握基本的美术技巧和知识，还要通过美术对小学生的精神情感、价值取向、文化素养进行培养，塑造小学生健康的人格，提升其精神境界。小学生只有具备了健康的人格，才能形成高尚的情操和良好的审美能力，从而在美术学习的过程中培养自己的个性。
三、结语
美术教育是素质教育重要的组成部分。美术教师不仅要教会小学生美术基本知识和技巧，更要着力培养小学生的个性，使小学生的天性得到舒展，发挥小学生的创造力和想象力，使其形成独立的个性，培养其正确的审美观点、高尚的情操和健康的人格，从而使其成为具有良好个性品质的人才。
作者：徐佳 单位：江苏常州市湖塘桥中心小学
第四篇：小学美术教学情感教育研究
一、情感教育在美术教学中的作用
在我们教学的过程中，老师一定要明白一个道理，教学是教与学结合的一个过程，老师的教一定离不开学生的学习，学生学习一定离不开老师的教导，没有教导学生学习的效果一定不明显。同时，老师教学如果没有学生反馈其漏洞，老师的水平就不会得到一定的提高。近年来网络时代已经影响到了所有人，所以有专家就指出，以后传统的老师教学模式已经没法在社会中立足，这就在一定的程度上意味着学生情感教育将逐渐的消失。这一现象的出现就告诉我们的家长，情感教育将会在以后的在教学过程中变的越来越重要。在传统的课堂中，教师不仅仅是只负责给学生传授知识，更多的是根据自己的经历给学生渗透一定的情感教育。老师去尽可能的去关爱学生，注重学生对课堂的反映情况。在课堂中老师的一句话会对学生产生一定程度的影响。在课堂中老师的言行举止会给学生一生都会带来影响。所以老师在课堂中的情感非常的重要，情感教学对孩子的智力开发，情感的发展，具有一定积极的作用。
二、将情感教育送去美术教学中的策略
1.心灵的沟通情感的交流
小学生的基础知识和学习是非常重要的，同时对这些小学生来说也有着一定的压力。许多的学生由于种种因素的影响，他们有了自己的主见，对于美术课来说，它毕竟不是必修的科目，所以学生并没有意识到它的重要性。对于美术课堂的态度，主要是有老师来决定的，作为一个老师一定要抓住学生的心，首先要让学生从心底要接受你，要想让学生接受你的课堂，就需要在课堂中采取灵活的策略，投入更多的情感，与学生进行心灵的沟通和情感的交流。
2.进行角色的互换，拉近彼此的距离角
传统的教学模式有着一定的优点，它可以在课堂中融入更多的情感教育，但是传统的教学当中也有着一定的弊端，传统的教学课堂上老师永远是主角，我们要改变这种弊端，让学生充当课堂中的主角。不能让学生总觉得上美术课是一种负担，让他们觉得欣赏一个艺术品是一件美好的事情，老师要走到学生当中去感受学生的气氛，尽可能的让学生去放松心情。学生拥有一个良好的情绪，不仅可以让老师更好的发挥，也可以让学生更快的掌握基础知识。
3.相互倾听心声，老师与学生共同进步
教学模式在不断的改革，现代教学理论已经提出来教学就是老师教和学生学的统一。所谓的统一就是让老师与学生进行互动，让彼此之间相互交流最后得到共同的发展。在课堂结束之后，我们老师可以抽出几分钟的时间来与学生进行简单的交流，让学生放松心情，畅所欲言。他们可以随着讨论自己在本次课堂中所了解的知识和所获得的收获，也可以给老师指出课堂中出现的问题，与老师共同讨论下节课该怎么去改进。自己在下节课堂中想要展示自己的什么作品等等，让学生参与到美术课堂的教学设计中，可以提出让老师在课堂中多展现一些自己感兴趣的美术作品，这样学生就可以更加积极的参与到下一节的美术课堂中。老师认真考虑了学生的意见，学生就会觉得课堂中有自己的功劳，就会去更加的尊重老师，和老师有了一定的亲近感。
4.精心的去创作表达自己的情感
精心的去创作出一份作品并不是一定意义上的美术创作，也不是情感教育的目标。美术创作活动没有规定的统一模式。我们可以通过让学生独立创作，或者小组合作的形式组织游戏活动，让我们的学生感受到美术创作活动带来的乐趣，这样就会在一定的程度上激发学生的学习兴趣和创作兴趣，学生在尝试过美术创作后就会锻炼自己用自己喜欢的模式来表达自己的情感，提高自己的审美情趣。
5.合理运用教学资源，合理表达情感
在美术的课堂中，我们要尽可能的借助自然环境资源，和校园与社会生活中的资源。这些资源给学生的美术学习提供了一定的空间，我们小学生的美术教师在对学生进行情感教育的过程中一定要借助好这些原生态的课程资源，在这些资源的基础上进行创新，灵活应用资源，合理的表达自己的情感。
三、小结
在美术课堂中渗透情感教学的手法千变万化，但是我们必须要投入一颗真诚的心，只有我们老师拥有高度的责任感，对学生有一定的负责心，在自己的事业上要有执着的态度，只有心里想着学生，想着美术，想着情感，那么在美术课堂中进行情感教育是一件非常容易的事，我们一定要树立正确的美术教育关，在美术课堂中积极地发展情感教育，合理应用各种各样的教学资源，让美术与情感相结合，不仅让学生学习掌握了美术的基本知识，同时还可以有效提高学生们的整体素质。为他们以后的发展奠定一定的基础，以上是我对小学生美术课程中的情感教学的探究，希望在以后的教学中得到广泛应用。
作者：滕淑辉 单位：赤峰市元宝山区进修学校附属实验小学
第五篇：小学美术教学合作学习探究
一、小学美术教学中合作学习的必要性
现在的小学美术教学中，学习氛围单调、乏味、无聊、毫无乐趣，所以学生没有积极性和主动性。当今社会，大多数学生是独生子女，从小就没有养成团队精神和合作学习的意识。所以，要鼓励学生相互合作、相互交流、相互学习、相互理解。在小学美术教学中培养学生的合作学习意识是十分重要的。一方面，可以提高学生学习的积极性和主动性，还能让学生喜欢合作学习这种教学方式，使学生的学习效率有所提高。另一方面，学生在与别的同学交流、沟通的时候，能让他们学会理解别人，接受不同的学习方式，学习能力得到有效提高。学会换位思考，理解社会角色的转变，培养了学生的合作意识、责任感和团队合作精神。同时，这种合作意识也可运用到生活中，与朋友合作，理解父母。因此，在小学美术教学中开展合作学习是非常重要的。
二、合作学习存在的问题
1.课堂纪律问题
合作学习本来就不是一个人的事，一旦涉及不同的观点和想法，就必然有争吵。所以合作学习与传统教学相比，会给课堂带来更多、更大的噪音。有了吵闹，必然会影响学习，降低学习效率。这是现阶段有些学校面临的问题，需要大家共同努力解决的。这不仅仅是教育工作者的责任，也广大学生的责任。首先，教师应该采取一些措施来解决这个问题，比如，可以先停止所有活动，提醒学生要小声说话，不要大声吵闹，影响他人，也可以利用肢体语言提醒学生自觉遵守课堂纪律是很重要的。
2.师生矛盾问题
师生矛盾由来已久，亟须改善，教师总是命令学生，师生之间的交往地位不平等。教师一直发表自己的意见，学生只能处于被动的地位，被动接受教师的指令，任凭老师的安排和摆布。这种师生关系影响了师生的正常交往。这样的学习氛围不能让学生主动学习，全身心地投入学习中。学生也缺少了学习主动性，制约了学生的个性发展，也影响了学生的心智。因此，在这种情况下，更要强调合作学习，采取可行的办法解决师生矛盾。
三、小学美术教学中改善合作学习效果的有效方法
1.合理分组
为了培养学生的合作精神，教师要对本班级的学生进行合理分组。教师可以让学生自愿分组或依据学生能力分组。老师不要过多地干预学生的分组，只需要加以指导。可以把五六个学生分成一组，但是每个小组不能都是好学生或学困生。小组要以好中差来组合，把几张桌子并在一起学习，这样有利于促进学生合作，也有利于每个小组整体水平的提高。分好小组之后，教师的主要作用就是引导学生有效地合作学习。让学生愉快地进行交流、讨论，各抒己见，听取他人的意见，相互探讨知识，展示自我，从而培养学生与人交往的能力、合作共事的能力。
2.帮助学困生
在刚开始分组的时候，教师应该让学生根据个人意愿和喜好加入自己喜欢的小组。在小组学习的时候，对于落后的学生，应该有耐心，一步步地教。对于学困生应该选择一些简单的学习任务，多给他们一些鼓励和支持，让他们感受到老师的关爱。不应让他们突然接触难度大的学习任务，从而产生失落感和恐惧感。课堂中的合作，对于小学美术合作学习来说，学优生应该帮助学困生解决一些比较难的问题。学困生也可以按照好学生的建议把自己想画的东西画出来。如果学困生对画画并没有天赋或者不会，好学生就要一步步地教，要有耐心。为了让学困生能更好地完成学习任务，好学生应该利用课余时间为学困生提供讲解，也可以给他们提供一些自己的学习资料。好学生的学习方式可能并不完全适用于学困生，但是可以借鉴，可以从中找出适合自己的学习方式。
3.启发协作
对于合作学习这种新型的教学方式，教师应该引导学生快速理解课程内容，启发学生的想象力，还要指导学生不要被传统的美术观念所束缚，要大胆地表现自己内心真实的想法，不要害怕画不好。教师要提醒学生保证绘画作品的原创性”让学生感受到自己的价值。这样就可以使学生的合作能力得到提高。
四、小结
学生通过合作学习学会合作，这样的过程有助于培养学生的合作精神、团队意识和集体观念，有助于培养学生的竞争意识与竞争能力，有助于因材施教，弥补一个教师难以面向众多学生教学的不足，从而真正使每个学生都得到发展。对于小学生来说，这有助于培养学生的合作能力，从而提高学生的学习效率，提高他们的美术成绩。
作者：蔡超 单位：内蒙古自治区呼伦贝尔市海拉尔区铁路第二小学
第六篇：小学美术教学激发学生学习兴趣
一、整合教学内容，激发学习兴趣
艺术源于生活。教师可以在教学过程中与实际生活经验结合，跳出书本框架的局限性，激发学生的学习兴趣，强化教学效果，帮助学生领悟美术的独特魅力。如可以多多挖掘身边的各种艺术元素，对各种可再利用材料进行加工改造，锻炼学生的手工制作能力。报纸、塑料瓶等废弃物品都能变废为宝，成为美术课程中的材料，经过手指魔法，变成一件件艺术品。这样学生能在生活中发现艺术美，并体现节约环保的理念。又或者针对学习内容进行引导。如在“各种各样的鞋”这堂课上，老师首先介绍鞋子的发展进程，再到鞋子的制成材料，使用功能和种类，最后到鞋子未来的发展可行性问题，引导学生进行联想创新、构图、上色并装饰，塑造出比教材甚至生活中更奇特的“鞋”的形象。
二、提高教师修养，形成良好的师生关系
教师是一份伟大且任务艰巨的职业，在教学过程中，教师的一言一行都将影响学生的成长。成功的教学不仅使学生对课程感兴趣，教师的自身修养，良好的师生关系都对教学有重要影响。在课堂中，教师需要以学生为中心，发挥为人师表的主导作用。小学生生活经历少，对这个世界的感官更显得狭窄，教师可以多多关注美术相关书籍，增加阅读量，提升艺术修养，并言传身教，感染学生。营造艺术氛围让学生多接触美术相关书籍和影像。课余时，可以组织学生多参观各类型的艺术展览，开阔学生在美术创造、鉴赏、临摹方面的视野，促进审美能力提升，让学生自由创作，发散思维，创作出更具想象力的作品。美术不同于其他学科，更多的是情操培养，增强学生综合能力。在人生观、世界观及价值观还未形成的小学阶段，学生更需要的是老师的正确引导，这时“亲和力”至关重要。相比犯错时的斥责，适当的关爱、理解和尊重更能拉近师生关系，不但能让学生不再觉得老师高高在上，而且使学生敢于并乐于与老师沟通想法，提出问题并解答问题。还能营造团结氛围，增强班集体的归属感，更好地体现自身价值。
三、创新教学方式，重视评价
（一）设置悬念
美术学习过程体现为探寻并发现客观事物美的过程。传统美术教学方式常常使学生感到枯燥无味，这时如果在课前设置悬念，则能有效激发学生的好奇心和积极思维，使学生获取新技能、新经验和新发现。如采取猜谜形式，老师将本堂课将要学习的景物盖住，让学生通过触摸形式猜测并描绘出来，并分小组讨论，相互交流、各抒己见，互相补充说明，之后展现出实物，让学生对照实物找出细节处的异同，在此基础上老师再讲解画法，让学生进行完善修改，形成更生动有趣的作品。这样的学习更能达到快乐学习的效果。
（二）增加情境表演
许多小学生都有天生的表演欲和模仿欲，并有无限想象力，老师可以根据这些特点进行情境表演式教学。根据课程的不同设置不同情境，配合有趣的音乐，让学生成为主人公，把需要画的东西在大家面前表演出来，再结合色彩、阴影等细节画出来。这样学生不但能展示自己的才华，而且能增强自信心，更能接受各种美术知识。或开展户外游戏写生，让学生更近距离观察景物的形态和特点，激发学生绘画兴趣。
（三）合理评价
人都希望获得他人的认可和肯定，这种肯定会使学习更具积极性。所以如何评价小学生美术作品的优劣对激发学习兴趣至关重要。孩子都有着一双会发现的眼睛，无论作品是粗狂还是精致，生动或抽象，鲜艳或单调，都是他们对世界一个角落的宣泄。老师应放大学生作品的亮点，多多鼓励表扬，挑选优秀作品进行讲评和奖励，既使优秀学生更优秀，又让基础差的学生树立信心，再接再厉。美术教学并不是把所有学生培养成艺术家，教师应当宽容和尊重学生学习能力方面的差异，给学生更大展现平台和学习空间，进行评价时不能采用一个衡量标准，应横纵向比较，结合学生自身情况合理评价，使各个层次学生都能取得进步，提升审美水平。
四、结语
小学生对这个奇妙的世界充满好奇，美术就像一扇窗户，能让他们更直观地了解世界。因此，强调美术独有的魅力，把知识性、趣味性和科学性相结合，并运用合适的教学方式加以体现并持之以恒，能充分激发小学生的美术学习兴趣。
作者：庞欣欣 单位：赤峰市喀喇沁旗锦山镇龙山中心校
第七篇：小美术教学合作学习运用与探究
一、合作学习在小学美术教学中的作用
1.有利于面向全体学生，培养学生的个性
学生都处于相同的年龄阶段，他们交流合作非常容易方便，学生之间可以畅所欲言，他们能够说出自己内心的真正所想，并且学生之间的合作学习可以减少他们学习的焦虑感，有利于培养他们学习的能力，更有利于培养他们的个性。
2.为学生提供了更多交流的机会
美术教学过程中需要多种思想的抨击与融合，而小组合作学习正是为学生提供了更多的交流机会，在课堂上，小学生有更多的机会进行交流讨论，他们每个人都可以充分发挥自己的想象，说出自己的想法，从而与他人的想法进行融会贯通，从而可以取长补短，创造出很多美术思维。
3.有利于培养学生人际交往的能力
在小组合作学习的过程中，小学生学会了接纳他人、宽松他人，他们能够认真思考他人的想法，并
二、加强小学美术教学中合作学习的运用措施
1.科学分组，合理安排座位
老师应该根据每位小学生的不同情况进行科学分组，根据小学生各方面能力的强弱进行分组，这样学生之间就可以形成一种良性的竞争，取长补短充实自我。
2.合理安排合作学习的程序
教师应该对小组合作学习的时间和次数有一个合理的安排，在课堂上，应该分配学生适当的讨论次数，并且合理安排每次讨论的时间，教师应该掌控全局，积极参与到学生的讨论中，及时了解学生讨论以及学习的状况。
3.培养合作精神
老师应该培养小学生的合作精神，培养他们自信、乐观的学习态度，培养他们勤于合作、宽容他人的合作精神，让他们在讨论的过程中能够形成一种和谐互动的合作氛围。
三、总结
总之，在小学美术教学中合作学习的运用，我们要清楚地知道，我们是为了学习而合作，而不是为了合作去学习。
作者：李春平 单位：吉林省东辽县白泉镇第二中心小学
第八篇：信息技术背景下单位小学美术教学研究
一、信息技术对小学美术教学的影响
1.信息技术拓宽了教师教学方式方法。
以往，小学美术教师主要依靠有限的教研活动以及教学刊物汲取教学经验。如今有了信息手段的介入，教师可以从网络中搜集各种教学改革的经验方法，信息来源渠道更加丰富，所获得的知识量也更多，可以为美术教学工作的优化提供参考借鉴。
2.信息技术丰富了美术课堂教学信息。
信息手段引入课堂，可以根据美术教材内容补充与学生学习相关的各种信息，画家的生平资料、代表作品以及实用美术的经典作品等，这些方面的补充有效缓解了小学美术教材信息量不足的弊端，使整个美术课堂更加丰富精彩。
3.信息技术增强了美术教学生动效果。
传统美术教学中，教师对学生的教学活动主要通过讲解来进行，有了信息手段的帮助，教学方式、互动形式更为生动灵活，教师运用多媒体演示，学生也可以走上讲台操作多媒体展示作品、表达观点等。
4.信息技术激发了学生美术学习热情。
小学生好奇心特别强，在美术教学中通过多媒体生动演示一些精美的作品、创作的技法以及学生感兴趣的内容，对学生学习兴趣的激发具有非常重要的作用。研究显示，有95%的学生认为多媒体对提高美术学习兴趣帮助非常明显。
二、将信息技术有效融入小学美术教学之中
信息技术成为了美术教学成效提升的重要推动力，正发挥着更加重要的作用。广大小学美术教师要立足教学实际进行拓展延伸，广泛运用信息手段推动美术教学顺利开展。
1.运用信息手段汲取先进教学经验。
教学工作是一项艺术性、创造性的行为，没有固定模式可以遵循，需要不断汲取新鲜的血液，广泛运用先进的成果，实现教学设计与组织的不断优化。笔者在教学工作中将信息化手段作为提高自身美术教学履职能力的有力助手，坚持上网浏览美术教学网站，与其他教师切磋教学技巧，搜集有关小学美术教学研究的文章，听取各种视频报告讲座，以信息手段为敲门砖置身于网络信息的海洋，广泛搜集汲取美术教学的先进经验、成功模式，并和自身教学工作紧密结合起来，提高了美术教学的掌控能力，教学理念更加创新，教学手段更加新颖，教学模式更加优化。笔者先后从教学网站上搜集了多种教学经验与模式，与自身教学目标任务结合起来，有力促进了教学效率的提升。如师生角色互换教学法对激发学生学习兴趣帮助非常明显，家校联动美术教学法对整合美术教学资源发挥了积极的作用等等，这些方面都是笔者在充分汲取他人经验并融合自身教学实践基础上总结提炼出来的，为教学工作的顺利开展奠定了扎实基础。
2.运用信息手段丰富美术教学内容。
小学美术教学面临教材信息量不足的问题，教师应当想方设法为课堂增加生动的信息，使美术教学对学生吸引力更足。信息生动的介入可以有效实现这样的目标，笔者在教学中充分运用多媒体手段向学生展示丰富的拓展内容，让美术课堂活跃起来。例如在《现代雕塑》一课教学中，笔者事先在教学网站上下载了现代雕塑的多个代表作品，让学生直观形象观察分析从而产生直观感知，否则紧靠教材的几幅插图和教师的简单讲解，学生无法达到形象感知的效果。有了多媒体辅助，不仅展示了大量的作品，而且更为直观形象，效果非常理想。在《美丽的园林》教学中，笔者同样对学生进行了教学信息的补充，向学生播放了苏州园林的美丽景观，播放的旅游推荐片如同将学生带进园林身临其境，从园林的形态之美、色彩之美、设计之美，让学生对园林艺术具有更加直观的认识。图像视频配合教师的简要点拨讲解，可以增强学生学习的兴趣，提高领悟的效果。同样，在《海洋生物》一课教学中，笔者运用多媒体短片向学生展示了海底世界的精彩，海洋中各种生物跃然屏幕之上，体积庞大的鲸、凶猛的鲨鱼、会变色的海底鱼类等等，这样的教学演示能够有效抓住小学生的好奇心理，向他们补充了知识，提高了兴趣，也为接下来的美术学习与创作奠定了良好基础。由此可见，运用信息手段来丰富拓展小学美术教学内容，能够让课堂更加厚实，信息量的增加有效提高了学生学习兴趣，有利于美术教学的顺利开展。
3.运用信息手段实施师生有效互动。
教师与学生在美术课堂上应当成为互动关系，美术教师一定要避免单向灌输的状况，要通过合适的内容、恰当的载体、优化的流程，在师生之间建立起互动的平台。笔者在教学中以多媒体手段为抓手推动师生互动的进行，取得了显著成效。例如在《我设计的未来建筑》一课教学中，笔者鼓励学生大胆想象，从建筑的造型、功能、结构等方面发挥自己的聪明才智，不拘一格进行想象与创作。自己创作的作品要有明确的主题，要有明确的思路。学生在建筑设计中融入了更多的创新思维，有的学生创作的作品中未来建筑是以绿色环保为主题，有太阳能收集功能、雨水收集功能、垃圾无害化处理功能等，整个建筑就是一个能源绿色循环的机器。也有的学生设计的未来建筑能够适应各种环境，能够在不同区域之间移动，其设计主题为流动的家等。学生的艺术创作能力在这样的拓展性艺术创作中得到了全面体现与深化，在学生创作出一幅幅极具个性化色彩的作品之后，笔者引导学生带着自己的作品走上讲台，以多媒体实物投影的方式展示在大家面前，向学生逐一介绍自己作品的主题、设计思路、各部分功能介绍。每一幅作品的介绍就是学生创作理念的阐述，整个课堂变得非常活跃，大家踊跃发言介绍自己的作品，相互切磋交流研讨等等。笔者在学生介绍交流发言的基础上进行点评，重在启发引导学生。多媒体手段的帮助让师生互动更加精彩，整个课堂氛围非常浓厚。
4.运用信息手段培养艺术鉴赏能力。
在小学美术教学中，教师一定要注重拓展学生艺术视野，向他们介绍大量的艺术作品，并借助于多媒体手段进行引导提高鉴赏能力。例如马奈是国外非常有名的画家，其代表作有《吹笛男孩》《左拉像》《奥林匹亚》等，笔者运用多媒体手段投影了这三幅作品让学生进行分析，从色彩的鲜明响亮、笔触的简洁准确、明暗的鲜明对比三个角度进行分析，领悟其作品的艺术特色，特别是表现外观方面的肖像画，在这些艺术手法方面更是取得了显著成就。有了多媒体手段的帮助，学生在笔者引导下对马奈的这三幅作品从不同角度进行了分析，不仅悟出了作品的精美，而且也学到了艺术鉴赏的方法。再比如新印象派画家梵高，他的代表作《向日葵》也是举世闻名的，笔者投影《向日葵》之后，引导学生从线条的跃动、色彩的突起等方面去欣赏这一作品，感悟作品中蕴含的情绪、思维，从这些名家名作的作品演示和欣赏指导中，学生的艺术鉴赏能力能得到了有效提高。
三、总结
综上所述，小学美术教学与信息手段的融合，更多时候应当体现在教学设计的优化、内容的丰富、互动的开展等方面，教师还要利用多媒体手段提高学生艺术素养，使其更好地促进学生全面发展。
作者：曹艳 单位：江苏省阜宁县实验小学
第九篇：小学美术教学流程分析
一、依照规律，按部就班的程序
按照固有的顺序进行教学，是美术教学采用得最为普遍的一种教学方式，顾名思义就是从学生认识事物的最为基本的规律入手，引导学生经历从容易到困难、从简单到繁琐、从外表到内核的认知顺序进行教学。这一教学程序完全尊重学客观的认知规律，能够有效地让学生在相应的思维逻辑中逐步走进事物之中，形成较好的教学效益。例如在教学《手印指印变变变》，教师就引导学生采用顺序式的教学设计:教师首先出示全新的不同指印，并引导学生尝试从不同的方向、角度以及大小形状添加新的形象，掌握指印以及变化的方法。而教学中，教师可以引导学生通过不同方式运用手掌的指头、根部，甚至拳头形状进行刻印，从而形成多彩多样的刻印方法;最后，教师可以引导学生寻找画作中的指印和手印新形象，将手印和脚印进行巧妙而自然地结合，让学生在实践中创造出更加契合认知的新形象。本案例中，教师对教学板块程序的设计，具有鲜明的自然规律，起到了循序渐进的教学效果，虽然内容相同，但学生似乎经历了不同的游戏体验，对于学生想象力和创造力具有较大的促进和提升。
二、设置悬念，先入为主的程序
在小学美术教学中，如果每一节课都按部就班的模式进行教学的话，就会显得模式过于单一，长此以往还会造成学生的厌学情绪，实在得不偿失。再说，也不是所有的内容都适合运用顺序式的教学模式，这就要求教师要善于根据教学内容的不同灵活对教学顺序做出及时地进行调整，让更多的教学设置引入课堂，形成多变的课堂教学格局，以保障学生学习效益的集中提升。在这种情况下，进行倒装的教学模式就能够有效地激活学生内在的学习动力，充分发挥这一模式目标引领的作用。在教学中，教师先行出示学生的半成品或者完全成功的作品，让学生在先睹为快的前提下提升学习的兴趣，这样的设置可以为整节课的教学埋下有效的伏笔，留下有效的悬念，也促进学生建立有效的任务驱动。如在教学《我的地图》一课时，教师并没有按部就班进行教学，而是在课堂教学一开始就首先画出了自己家到学校的“地图”，为学生作出的示范作用，并借机提出了学生的学习目标。接着引导学生回忆自己曾经去过的最有趣的地方，比如动物园、游乐场，并在表述中回想自己曾经经历过的地方和建筑物，从而构建出“我的地图”的轮廓，在此基础上要求学生在绘画中展现自己曾经发生的愉悦经历。在这样的教学板块中，学生的绘画作品越发丰富，具有较强的趣味性，一幅作品成了一次游玩的有效印证，起到了较好的教学效果。
三、随机应变，相应安插的程序
课堂教学是一门艺术，是课堂教学中教师与学生双方思想意识不断交流碰撞的对话过程。而教师与学生都是活生生的人，他们都具有极强的主观能动性，因而教学过程不可能如同教师最初设计的一样一成不变。而一旦发生变化，就可能形成教学流程的更改。因而，在这种情况下教师可以帮助根据课堂教学实施的质态，根据学生的学习情况在原有的教学顺序上作出及时调整，安插相应的教学环节，适当补充相应的教学内容，增设相应的教学环步骤，以促进课堂教学目标的丰富性和多样化，从而达成更为臻美的教学效果。如在教学《三原色三间色》这一课时，当教师引导学生尝试运用红黄蓝三个原色进行调色时，有一位学生建议是否可以用黄和绿两种色彩进行调配。此时，教师并没有因为与自己的教学流程并不符合就断然拒绝，而是引导学生自主尝试，并让其他学生一起观察颜色的变化。当颜色呈现出带黄的绿色时，教师则相机进行引导:三种原色两两调和的时候，如果某一种颜色的量偏大，就会形成偏重于这种颜色的间色来。此时，学生的思维积极性高涨，他们纷纷建议再用黄色和紫色调和，教师依然满足了学生的学习需求……在这个案例中，教师显然并没有预设黄色与紫色、黄色与绿色调和的环节。但在教学环节中，学生思维运转积极有效，他们蹦出了自己的思考和问题，教师如果死板而僵硬地将原有的教学思路奉为圣经，而不敢有丝毫的调整的话，就会严重挫伤学生的学习积极性，学生的求知欲望如果长时间得不到有效满足，就会丧失学生的学习动力，造成严重的后果。而该教师则淡定自若，给予了学生充足的时空，放手让学生自行安排和实践，得到了较好的教学效果。
四、总结
综上所述，小学美术课堂教学流程的设计安排是源于对学生学习状态的尊重与思考，应该根据不同的教学质态进行设计。当然，美术课堂教学的流程也不仅仅局限于此，而要根据不同的态势以及学生的情况，进行具体的设计，才能完全契合学生的认知需要。
作者：朱艳 单位：江苏省扬州市江都区实验小学
第十篇：小学美术教学互动式教学实践
一、互动式教学在小学美术教学中运用的基础
互动式教学在小学美术教学中运用的基础，概括来说，包括以下几个方面。第一，互动式教学是符合素质教育理念的一种教学模式，有利于启发学生的潜力，激发学生的学习激情，也符合新课标倡导的互动、开放、高效的课堂要求。所以，这种教学模式在小学美术教学中使用是一种必然的趋势。第二，互动式教学可以提高课堂教学的有效性。一方面，师生的互动可以让教师更及时地发现学生学习过程中的难点，教师可以及时地给予学生针对性的指导。这种教学模式适合小学美术教学。例如，学生在作画的时候，随时可能会遇到难点，如果教师不加以指导，那么就会导致整幅画作废，这样很容易挫伤学生学习的积极性及热情。第三，互动式教学增加了师生之间沟通交流的机会。一方面，可以缓解课堂学习及教学气氛，学生学习的压力也不会那么大。另一方面，同学之间沟通也非常重要，不仅可以提高学习效率，也可以提高与人沟通的能力。
二、互动式教学在小学美术教学中运用的策略
通过上文的研究可以看出，互动式教学在小学美术教学中具有实践运用的现实价值。值得强调的是在实际教学过程中，教师首先要从意识上重视互动教学策略，关注互动合作交流对学生成长及发展的重要性。其次，要让学生在互动中不断提升自身对美的赏析能力及表达能力。另外，教师在选择教学内容、方法、手段等方面要利于互动式教学模式的实现。具体来说，可以从以下几个方面着手。
1.以学生为本，教师要注重师生之间的互动
小学美术教学必须要充分发挥教师的引导作用，教师一方面要参与到学生学习的过程中，另一方面要让学生走进自己的世界，让学生领会到自己教授的美术知识的内涵及本质。对于小学美术课来说，没有师生之间的互动，可以说是非常失败的。同时，教师要关注学生之间的互动。要引导学生之间正确评价彼此的学习成果，也让学生从中认识到自己学习的不足之处。
2.采用多样化的教学方式，引导师生及学生之间的互动
具体来说，教师可以通过采用多媒体、PPT、电子白板等现代化的教学方式及设备，让学生从不同的角度，以不同的方式达到提升自身美术能力的目的。
3.及时强化互动的成效
美术研究论文范文2
关键词:改革开放；美术教育；发文量；发展趋势
美术教育，具有多重属性。从美术教育的对象来说，它可以指代高等学校美术教育、师范类美术教育、中小学美术教育、幼儿美术教育等；从美术专业教育的角度来说，它可以是专业的美术教育，如高等学校的美术类教育、美术类的师范学校教育等，此类美术教育专门培养面向非专业受众的美术教育工作者；也可指代非专业的美术教育，如义务教育阶段的美术学科教育、幼儿美术教育等，此类美术教育是以美术为基础、美育为目的的教育。本文主要论述义务教育阶段的美术教育。
1从1980年以来美术教育发文量和中国GDP来看美术教育理论的发展
以“美术教育”关键词搜索知网文献，进行计量可视化分析，对检索结果数据进行解读发现（见图1），从1980年到2018年之间的38年间，美术教育类论文发文量达到34979篇，可以具体分为四个十年的发展区间：1980年至1990年、1990年至2000年、2000年至2010年、2010年至2018年，这四个时间段对应该时间段内发文量的最高值，进行横向对比，发现两个特点，一个是发文量逐步增加，第二是发文量增长速度提升。同时参照中国经济社会大数据研究平台的国内生产总值GDP增长图（图2），制作表1，发现美术教育论文发文量与GDP呈正相关态势。从纵向分析，特别是第四个时间段2010年至2018年，增幅明显，2017年达到峰值3000篇的发文量，而在国内生产总值GDP方面则在2018年达到900309亿元。改革开放四十年来所取得的成就不仅体现在经济领域，也体现在文化的繁荣发展。在2018年，关于美术教育的发文量相较2017年呈下降态势，我国美术教育理论已从讲究数量，发展到讲求质量的阶段。与早期粗放型的增长方式不同，在2010年以后，美术教育理论相关论文发文量增速放缓，这与严格的论文审查机制、杜绝学术腐败等一系列学术政策的严格执行相关，在另一方面，我国的美术教育理论趋向成熟，在某些领域上全球领先。
2从知网关于美术教育发文量组成分布来看美术教育理论发展
从组成分布来看（见图1），美术教育类论文分类达到40多种，其中数量最多的前六种，分别是美术教师、美术教学、美术教育、艺术教育、美术课程、美术课堂，这六种分类占据数量一半以上量。通过分析各类数据，发现美术教育类论文围绕三个中心：美术教师、美术课程、中小学生。以美术教师为中心的美术教育论文占比20%，以美术课程为中心的美术教育论文占比45%，以中小学生为中心的美术教育论文占比15%，其余20%的美术教育论文均从其他综合等角度来撰写。目前，从美术教育相关的论文发文量来看我国的美术教育理论，主要从美术教师和美术课程出发，即以美术教师和美术课程教学为主导的教育形式，而从学生为中心的角度看美术教育理论，则主要体现在心理学的认知领域上。
3小结
（1）1980年～1990年的美术教育，以工具论为主。结合时代背景：十一届三中全会(1978年12月)，把党和国家的工作重心转移到经济建设上来，实行改革开放的伟大决策，1981年，党的十一届六中全会指出我国社会的主要矛盾是人民日益增长的物质文化需要同落后的社会生产之间的矛盾。1980年到1990年美术教育论文数量不超过200篇，此时我国无论是社会经济发展还是物质文化都非常匮乏，但是随着义务教育的普及，人民文化水平不断提升。（2）1990年～2000年，美术教育以社会为中心。关于美术教育论文总数不超过500篇，1994年相对1993年来说数量增长了一倍，缓慢上升。1999年，《国务院关于深化教育改革全面推行素质教育的决定》提出的德智体美全面发展，义务教育阶段更加注重美术教育的社会应用功能。（3）2000年～2010年，美术教育以学科为中心。有关美术教育论文呈快速增长趋势，到2010年有关美术教育类发文量将近2000篇。此时，美术教育更加关注美术学科本身的课程开发与研究。（4）2010年～2016年，美术教育以儿童为中心。2017年，在党的报告中指出，中国特色社会主义进入新时代，我国社会主要矛盾已经转化为人民日益增长的美好生活需要和不平衡不充分的发展之间的矛盾。进入新时代，2017年以来，达到3000篇的顶峰后，2018年下降到2700篇左右，此时，美术教育理论进入追求质量的发展。美术教育更加关注人文科学的创造性和美育，在中国传统艺术文化的学习上更加自信。政治与经济在美术教育理论发展中占有重要地位，“我们所感兴趣的却始终都是某种更能充分解释前景的发展。”[1]同时，美术教育又在源源不断培养符合经济社会发展所需的合格人才。
参考文献
美术研究论文范文3
“十一五”期间，美术学与设计艺术学研究领域的发展变化较大，随着高等美术教育规模的不断扩大，研究生教育日益普及，高等院校逐步向研究性大学转换，高校教师的研究性成果成倍增长，研究机构纷纷成立，课题申报数飞速上涨，立项数不断上升①，但高品质的学术成果却并不多见，反而在总量扩大的情况下，质的相对比率反而下降。这种情况在“十五”期间已经出现，国家也采取了相应的措施，如控制博士生的招生规模，对学术期刊进行学术评估，对核心期刊进行动态评估，加强对课题项目后期资助的审核及资助力度，出台各种对优秀著作及科研成果的奖励措施，各家出版社对优秀科研成果也在每年的出版计划中留有一定的比例，但在市场经济的环境中，不良的学术风气依然存在，量与质的问题并没有得到有效控制。 全国美术学与设计艺术学学科研究的整体态势是个体性的研究增加而集体性的研究减少，专门领域内的研究向纵深发展，个案研究比较多，边缘性研究比较多，地域性美术研究亦逐渐增多，一些新兴学科的概论性著作也逐渐增加。整体上说明了学科研究领域的面在不断扩大，基础研究也在不断深入，处于历史上最好的发展时期。这主要体现在两大方面，一是国家项目的推动及省(市)、部门各级项目的立项与资助力度不断增强，大多数有研究前景的个人与集体项目都能获得各种不同的支持;二是研究生的学位论文成倍增加，尽管存在种种问题，但在总体上还是推动了学科研究的发展，因为其中的开题、评审、答辩等种种环节，在掌控论文的学术质量上还是发挥了作用，还有一些学生在认真地钻研学问。 与美术史论的传统学术研究相比，创作实践方面的研究更为活跃。美术市场空前繁荣，展览不断，当代艺术的浪潮一浪又一浪，画册、期刊及各种出版物让人目不暇接，对现状的研究也随之展开，美术批评理论也随着批评实践活动而有所发展，推动了各种创作理念;尤其是设计艺术理论研究，虽然还处于初创时期，亦初具规模，这与设计艺术教育的普及有关，与学科的基本教育规模与实践性有关，其研究成果大多还体现在教材与基础理论问题上。 现依据“十一五”期间美术与设计艺术学科研究的主要情况与基本特点，分述如下。 一、基础理论研究 “十一五”期间的美术基础理论比较薄弱。与“十五”期间相比，在研究范围上无突破，在数量上基本持平，基本上一年出版一本，还是以高等院校教材或辅助教材为主，如“美术概论”一类，有邓福星的《美术概论》(2009年版)、赵一丹的《美术概论》(2008年版)、陈美渝的《美术概论》(2007年版)及高国良的《影视美术概论》(2008年版)、肖清风的《设计艺术概论》(2007年版)、朱?主编的《设计艺术概论》(2006年版)，其特点是强调了个体性的研究，突出一家之言，走出了集体编著的大一统模式，展开了多元论述。在门类美术的基本理论研究方面，近十年来还是局限在影视美术，未见其他门类美术的著述。 在博士论文方面，则有些专题性的理论研究，如王云亮的《话语的转型:以宗白华的中国画理论为解析案例》(2008年版)，就在探讨20世纪中国美术理论话语的现代问题。 在“十一五”国家课题立项中，基础理论方面的选题比例也小，占美术类课题总量约17%，其中包括对西方艺术理论的研究，设计艺术理论、批评理论及各项专题理论研究，未见原理论研究，而且有些选题重复立项。 与美术基本理论研究现状相比，设计艺术理论的研究成果略为突出，且作者队伍也趋向年轻化，其成果形式还是以教材为主。如余强主编了一套设计艺术基础理论丛书(2006年版)，以及邵宏编著的《设计学概论》(2009年修订版)、胡守海的《设计概论》(2006年版)、张焘的《室内设计原理》(2007年版)、焦健等主编的《空间设计原理》(2007年版)、清华大学课题组编的《设计艺术的环境生态学》(2007年版，“十五”规划题)、何灿群主编的《人体工学与艺术设计》(2007年版)、陆小彪等的《设计思维》(2006年版)等等。专题性研究则有桂宇辉的博士论文《包豪斯与中国设计艺术的关系研究》(2009年版)，以及熊?的博士学位论文《器以藏礼:中国设计制度研究》(2007年)。 二、美术史研究 “十一五”期间的美术史研究依然是重头戏，成果数量不少，但值得称道的却不多。其间以教材为多，特别是中外美术通史写作，虽然看似以个人撰著为主，体现研究主体的学术立场及其观点，实际上还是取通用的体例及通常的史学观，无甚建树。五年间，据不完全统计，中国美术史出版有13本，外国(西方)美术史出版也有13本，基本上都属于简编。② 其中，值得关注的是中国工艺美术史就出版6部，有5部是个人专著。应该说，这与“十一五”期间国家非物质文化遗产保护工作的大力展开有关，与设计艺术学科的兴起与普及有关，与文化研究及新美术史学观的兴起也有关系。外国美术史写作中比较值得关注的是陈平的《西方美术史学史》(2008年版)，特别是他又主编了一套“美术史里程碑”丛书，包括《罗马艺术》、《作为精神史的美术史》及《罗马晚期的工艺美术》。 美术史的研究方法是这一时期倍受关注的问题。 图像学、艺术形态学、艺术社会学及艺术心理学等研究方法，甚至包括政治学、经济学、意识形态研究、比较研究等不同学科的研究方法，也不断地渗入中国美术史学界，挑战传统的历史文献学及风格样式研究。 其间，较有影响的是美籍华人学者巫鸿的著作被介绍到大陆，如《礼仪中的美术》(2005年版)与《武梁祠:中国古代画像艺术中的思想性》(2006年版)。2007年4月，首届高等艺术院校美术史学教育年会在中央美术学院召开，会议主要着眼于青年一代的美术史学者，而来自各艺术院校及科研机构的青年学者所提交的论文，引起与会者的极大兴趣。两天会议不时掀起讨论的热点，如华南师范大学颜勇的论文《西学语境中的传统画论:以“墨分五色”的二三种现代诠释为例》，又如中央民族大学吴雪杉的论文《清初“四僧”与历史书写———民国时期美术史的一个考察》，还有中央美术学院张鹏有关寺观庙堂绘画、雕塑的研究，都具有各自不同的角度及独到之处。2008年4月第二届年会在四川美术学院召开，其研讨的主题是“美术的地缘性”，并设六个分论题，即(1)差异与融合;美术考古的视角;(2)地域性母题的图像呈现;(3)美术及其理论中的地方观念;(4)地缘性与风格流派;(5)文化地域性的价值限度;(6)地缘性理论的回顾和反思。显然，年会的学术议题已转向有关方法论的专题研究，“研究视角”比“学术立场”更受人关注。#p#分页标题#e# 2009年10月第三届美术史学教育年会在清华大学美术学院召开，主题是“边界与范式”，曹意强与潘耀昌均关注到越界问题，即在全球化视野下的“世界艺术研究”;而在“中国古代美术研究新视野”的专场讨论中，郑岩、张鹏等人所提交的论文依然注重图像分析，注意讨论具体的问题，由此及彼，由小见大。这样的研究方法正被越来越多的青年学者所接受。 中国美术史专题研究的主要成果来自于之前的一些研究项目。如属于“十五”国家重点项目之一的“中国道教美术史”(2003年立项)，其课题成果之一《论〈八十七神仙卷〉与〈朝元仙仗图〉之原位》(李淞著)获首届中国美术奖理论评论奖(2009年)，与其同时获奖的还有李超的《中国早期油画史》(2001年立项的国家年度课题)及裔萼的专著《二十世纪中国人物画史》(2001年立项的文化部青年项目)。 中国近现代美术研究在“十一五”期间依然是一热点③。已出版的专著有吕澎的《20世纪中国艺术史》(2006年版)、张晓凌主编的《中国现代美术史文献集》第一辑(2007年版)、陈瑞林的《中国现代美术史教程》(2009年版);再版的有阮荣春的《中国近现代美术史》(原名为“中华民国美术史”，2005年版)、潘耀昌的《中国近现代美术史》(北京大学出版社，2009年版)。潘公凯负责的“中国现代美术之路”的课题组(北京市教委共建项目)于2006年相继在香港、上海组织召开学术研讨会，会议邀请海内外学者就20世纪中国美术的现代转型问题展开讨论。张晓凌负责的“中国现代美术史”课题组(“十五”国家重点)也相继在北京、杭州组织召开编委会，其项目将在2010年下半年结题。郑工的《民国时期美术思潮》(2001年文化部项目，原题为“20世纪中国美术大论辩”)已于2006年结题(将在2011年出版)。而在博士学位论文选题方面，数量更多，出版的也不少。 如顾丞峰的《现代化与中国百年美术》(2007年版)、薛娟《中国近现代设计艺术史论》(2009年版)、马琳的《周湘与上海早期美术教育》(2007年版)、华天雪的《徐悲鸿的中国画改良》(2007年版)等等。相比“十五”期间，研究范围扩大了，研究深度也加强了，其特点是以现代化理论为核心，注重社会文化的整体转型，同时也在进一步整理资料，敞开学术视野，消除偏见。 中国书法史论研究在“十一五”期异军突起。说“异军”则是因为在20世纪书法渐次游离出了中国美术圈，而在21世纪，在学科整合的过程中开始有所沟通，学科建设迅速发展，“十一五”期间推出了一批成果。如丛文俊等人合著的《中国书法史》丛书(2007年版)，欧阳中石主编的《中国书法艺术》(2007年版);专题研究成果可见之南方出版社的“书法研究博士文库”(第1辑，2009年版)，王元军的博士后出站报告《汉代书刻文化研究》(2007年版)，获第三届中国书法兰亭奖理论奖一等奖。 三、区域美术(含民族美术)研究 “十一五”期间区域美术研究比较活跃，正因为这一时期通史性的写作基本处于停滞状态，而地域性的美术研究又受到地方政府及有关文化教育单位的重视，作为地方文化建设的一项重要内容或有地方特色的研究项目进行扶持。区域美术研究的特点，一是文化中心区域，二是文化边缘区域。如北京的地区性美术研究就有两项成果，即邵大箴、李松主编的《20世纪北京绘画史》(2007年版)与李福顺主编的《北京美术史》(2008年版，北京市“十一五”社科规划项目)。前者聚集了国内颇有建树的美术史论家，如李树声、薛永年、水天中、单国强等人;后者主要是一批青年学者。二者体例不同，水平各异。相比“十五”期间出版的《上海美术志》(2004年版)和《20世纪上海美术年表》(2005年版)，在研究思路及具体做法上已不相同。澳门文化局近年也资助一批有关澳门美术与设计方面的研究项目，已结题并待出版的成果有胡光华的《澳门绘画史》、刘佳的《澳门设计艺术》。 由澳门基金会编辑出版一套《澳门史新编》(2008年版)，收录了莫小也的《澳门早期美术史:远古至1850年》与郑工的《澳门美术史的分期与分类》。莫小也的研究课题“澳门美术史”(2003年立项的国家年度题)也基本完稿。 相关的研究成果还有李伟卿主编的《云南民族美术史》(2006年版)、张亚莎的《西藏美术史》(2006年版)、范晓杰等人合著的《山西美术史》(2009年版)、朱琦的《香港美术史》(2007年版)、徐文琴的《台湾美术史》(2007年版)。还有一些民族美术史的研究课题在“十一五”期间陆续立项，如彭林绪的《土家族工艺美术史》(2007年度)、张景明的《中国北方游牧民族的造型艺术与文化表意》(2007年度)、李青的《丝绸之路与西北民族美术史研究》(2007年度)、李宏复的《中国少数民族刺绣工艺文化研究》(2008年度)及姜钟浩的《中国朝鲜族百年美术发展历程与特性研究》(2009年度)。 区域研究的性质应属于文化研究，或者说是有关地方知识及在特定空间区域内文化关系的总体叙述，故在文化边界、共时性关系、差异性论述等问题上容易形成关注的焦点。只是目前美术学界对文化研究的方法及意义认识还不明确，故在写作时容易出现视野不清。其中最大的认识误区，就是将区域美术研究作为局部范围内的一般美术史写作，即被缩小了空间范围的通史性写作。实际上，这是两种不同类型的研究，其目的不一，研究对象与研究方法都不一样，要解决的问题更不相同。这一问题在2010年4月的“中国地域性美术史研究暨《北京美术史》学术研讨会”上已被提出，但并没有引起足够的重视。 四、边缘性的文化研究 边缘性的文化研究主要指跨学科的综合性研究。 “十一五”期间，美术学及设计艺术学处于学科的基本建设阶段，新的边缘类型学科出现不多，其队伍基本是由民间美术、工艺美术及设计艺术等相关领域的研究人员构成，理论基础较为薄弱。其中最引人注目的是非物质文化遗产保护工作兴起后，带动了民间美术与民间工艺美术的文化研究热潮，但真正理论上的带动却是文化人类学及民俗学。如乔晓光的《本土精神:非物质文化遗产与民间美术研究文集》(2008年版)、吴志跃的《非物质文化遗产新视野下的福建民间美术》(2008年版)、沈泓的《节庆狂欢:民间美术中的节俗文化》(2009年版)等。还有一些研究课题在“十一五”期间陆续立项，绝大部分都属于调查报告④，其立项在美术及设计艺术类中每年的比例数高低不等，如2007年有五项(其中两项为国家重点)，2008年有四项，2009年有六项(其中两项为国家重点)，分别为当年美术及设计艺术类总立项数(含文化部项目)的19%、10%、17%(不含工艺史研究)，但重点题所占比例很大，2007年为50%，而2009年则为100%。#p#分页标题#e# ⑤随着2007年当代艺术市场的火爆，艺术市场学也为人们所关注。有些学者开始研究艺术市场的运作规律，涉及种种与艺术品交易有关的经济现象，思考其中的理论问题，并涉及当代艺术的存在意义及其评价体系，重新判定艺术与社会意识形态之间的关系，重新判定艺术与经济社会之间的关系，重新面对艺术的公共性，面对在新的城市天空中艺术的存在方式及交流方式。艺术社会学的内容必须置换，重新书写，其研究方式也不是传统的历史学所能胜任的。应该说，这方面的研究正处于开始阶段，研究成果多是调研报告，以及建立在宏观基础上的分析判断。中国艺术市场的不规范，许多统计数字不可靠，资料来源也很复杂，给深入而客观的研究带来很大困难。有些学位论文涉及到艺术市场机制、艺术市场语境下的当代艺术发展问题，关于中国艺术市场史的研究也已起步。 2006年，中央美术学院成立了艺术市场分析研究中心，由赵力主持，并主编了一套《艺术财富》丛书，如《艺术财富》(一)(2006年版)、《艺术财富:全球艺术市场新格局》(2007年版)、《艺术财富:全球化与中国艺术市场》(2008年版)、《艺术财富:金融危机下的艺术市场》(2009年版);同时艺术市场分析研究中心还陆续出版了2006年至2010年的中国艺术品市场的研究报告。自2009年起，国家文化部艺术市场研究中心也连续了2008年与2009年的《中国艺术品市场年度研究报告》。2010年4月，由北京市中关村科技园区雍和园管理委员会、艺术北京当代艺术博览会主办了“2010艺术经济论坛———后金融危机时代的艺术市场与艺术收藏”，其议题有宏观经济背景与目前艺术市场、中国经济发展和艺术市场复苏、亚洲当代艺术市场是否能够走出危机以及亚洲艺术市场的前景。 五、创作理论与实践研究 美术创作理论与实践的研究历来是美术学研究最为薄弱的环节。大多数著述都停留在基础性技法理论教材的编撰，也有结合自身的艺术创作实践总结一些经验，提出一些看法，有的也试图建构一个系统的创作理论框架，实现自己的艺术主张。 与原理论研究不同，创作理论的研究正在于实践性及可操作性，其中技术性的成分比重较大，或者说，其解决的主要就是技术理论问题。特别是在新媒介、新材料不断出现的当代社会，艺术的创新性不断为人所重视，而创作理论与实践研究却有所不足。研究比较活跃的应属设计艺术学科，如新媒体艺术、图形创意研究、传统文化元素在现代设计中运用等，论文数量较多，也有一定的见地，而那些传统的绘画与雕塑领域，创新性研究不多。但在“十一五”期间立项的一些国家课题，有望在这一方面取得发展。如2007年度的“中国画写意传统中的世界性研究”(国家重点)、“中西绘画图式与时空观念比较”(国家一般);2008年度的“书法创作理论研究”(文化部项目);2009年度的“当代中国水墨语言体系研究”(国家一般)、“中国北派山水画的自然形态与笔墨形态研究”(国家一般)、“基于工作过程的服装设计理论与方法论研究”(国家一般)、“数字传媒设计中中国元素的融入及其应用研究”(国家一般)等。 六、问题及反思 问题一:在国家社会科学基金艺术学选题规划上最突出的问题是美术学与设计艺术学依然混合在一起，既不利于设计艺术学的项目规划与立项，也在挤压美术学的项目资源。在国家学科分类目录上，美术学与设计艺术学都是二级学科;同样，在国家学科分类及代码表上，美术与工艺美术、书法也是并置的。 因为多项学科均囊括在“美术学”内，造成每年“美术学”类的项目申报数居高不下，从而引起项目资源配置上的问题，导致“美术学”类的申报项目被大量削减，影响了学科的健康发展。同时，我们还应该看到一些新兴学科的研究出现不少学术泡沫，与规划项目扶持不当也有关系。我们往往看到社会的需求，却没有注意到项目承担者的实际学术水平与科研能力。 问题二:学术创新最重要的就是要有独到的见解，这一点在集体编撰的项目中最容易被中和，最终使研究成果流于平庸。这并不意味着否定集体的智慧，否定研究课题的集体行为，否认学科带头人的积极意义，而在于我们如何正确处理科研立项中学科的“体系化”建设与“课题性”研究的关系。所谓“体系化”建设，即指那些学科的系统性理论建构;而“课题性”研究，则是针对某一具体项目的深入研究。从目前的学科发展情况分析，恰恰需要的不是这些“通史”或“通论”，而更需要在某一课题上深入发掘研究，得出新的研究成果，拓宽研究领域。如果没有基础性的“课题”研究先行，那么，“通史”和“通论”只能停留在编撰的水平，不断重复地拼凑组合，在所谓的“框架结构”上做文章。但这并不等于说我们不需要学科的体系化建设，学科的体系化建设不能只停留在“通史”、“通论”上，而应该形成各自不同的理论派别，从基础理论开始，形成“一家之言”，才能构成“百家争鸣”的大局，促进学术繁荣。 现阶段我们更需要独辟蹊径式的研究，从而加强某一选题的研究力度，以点带面，拓宽研究的领域。 特别在传统的中国美术史学领域，鼓励那些最适合个体性研究的选题系列，形成几项有国际影响力的学术成果。如中国的宗教美术就是一个极有学术发展前景的研究领域，尚且不论四大石窟(云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟及敦煌莫高窟)美术，论敦煌学的影响及其在国际学术上的地位，就算那些零星散布在全国各地的佛、道美术作品，数量也极其庞大。中国古代美术遗品中，半数以上应与佛、道有关。这是其它国家和地区难以具备的文化遗产与学术资源。与非物质文化遗产保护工作一样，古代美术遗址及遗迹的保护与研究也迫在眉睫。过去，我们已经整理出版了大量的图录与图册，相关的文献资料也陆续加以整理，但深入细致的高品质论文却难得一见，相关的研究选题也很少。#p#分页标题#e# 另外，继续鼓励少数民族美术研究，以边缘性的文化研究排解单一性的主体叙述，建立中华民族多元一体的文化新格局。同时，由少数民族美术及边远地区的美术研究拓展至周边国家和地区的美术研究，提升区域美术研究的学术水平，既看到历史文化在不同区域间的交流与互动，也揭示美术在地区性政治生活与文化生活中的作用及意义。 问题三:美术基础理论研究贫弱。基础理论需要较长时间的学术准备，尤其需要由创作理论沉积一段时间后再行引发新的突破。目前，艺术创作空前活跃，艺术家的创作自由度也大，但却匮乏新的理论思考及相关艺术实验的研究报告。 我们不能说美术创作中没有学术问题。过去美术家总期待着理论家帮他们解决理论问题，而理论家往往又帮不了这个忙，因为那些理论问题都与创作实践密不可分。与其他的人文学者一样，美术创作者总为范式问题所困扰，而突破范式的束缚则被认为是天才的创造力的体现。但范式的成形及传播需要知识的帮助，一个成系统的新知识才能支撑艺术的新范式。当代艺术鼓励创新，也为新的艺术理论出场提供了前所未有的机遇。而这种理论又会支持新的艺术批评，促进艺术创作的实践，沟通艺术与社会公众之间的审美联系。
美术研究论文范文4
少数民族刺绣艺术历史悠久，其中蕴含的文化元素对于研究民族文化有很大价值。近年来，学者对于民间手工艺研究不断重视，对刺绣艺术也有了较为深入的研究和更多的发现，刺绣艺术包含的各种内容被不断挖掘。文章总结了目前学术界对少数民族刺绣的研究成果。
关键词：
少数民族；刺绣；研究综述；文化；图案
中国独特的刺绣文化在世界上独树一帜。21世纪以来，我国学术界对于民间刺绣的研究与介绍成果颇丰，特别是对汉族四大名绣的研究取得了丰富的成果。随着民族文化不断得到重视，对少数民族刺绣的研究也取得了丰厚的成果。在少数民族刺绣所蕴含的各种元素中，图案是重要的组成部分，各民族的历史、审美以及对生活的期许，都常常流露在日常生活所留下的痕迹中。刺绣图案作为一个载体，反映了很多信息。目前，对于刺绣图案研究成果的主要形式有图片、图集、专著、硕博论文等。内容涉及图案、纹样、文化内涵、图腾崇拜、文化渊源、传承保护、比较研究、刺绣技法、刺绣产业化发展。除了汉语研究成果外，还有不同少数民族语言文字的相关研究。笔者通过在知网上查询，发现截至2016年6月，学术界对于刺绣只有一篇研究综述，并且缺少研究文献总结，所以有必要对这一领域的研究成果进行系统总结。
一、各少数民族刺绣图案的整体研究
我国各少数民族刺绣都有系统而成熟的审美创作体系，在对中国少数民族刺绣图案进行研究时，对于刺绣进行综合性了解是必不可少的。针对这一领域的研究专著很多，主要有人民美术出版社编著的中国工艺美术丛书《中国少数民族染织刺绣篇》，胡蓉、周卫主编的《东北民族民间美术总集•刺绣卷》（辽宁美术出版社，1995年版），钟茂兰、范欣、范朴编著的《羌族服饰与羌族刺绣》（中国纺织出版社，2012年版），等等。这些专著或从宏观角度对我国少数民族刺绣艺术的整体特点作出总结，或针对特定的少数民族刺绣文化所体现出的审美价值及其他特质进行分析。其中，《中国少数民族染织刺绣篇》对多个少数民族的刺绣艺术特点进行了分析，以综合视角解读了我国少数民族刺绣艺术。以综合视角研究少数民族刺绣艺术的学术论文也有很多，主要有陈默溪的《黔东南苗族戳纱绣》（《贵州民族研究》1987年第3期），范明三、杨文斌的《黔东南苗族刺绣艺术》（《苏州丝绸工学院学报》1993年第00期），韩恒威的《东北地区锡伯族的剪纸与刺绣》（《满族研究》1995年第3期），吕霞的《土族刺绣艺术》（《青海民族研究》2002年第1期），热娜•买买提的《维吾尔族的刺绣艺术》（《美术观察》2011年第3期），杨晓辉的《贵州少数民族民间蜡染与刺绣》（《美术》2014年第6期），等等。其中，帕提姑•阿不拉的《维吾尔族传统刺绣工艺研究》采用实地调查法、文献法、历史研究等方法，并结合一些相关研究资料，对新疆维吾尔族刺绣艺术的技法、渊源、美学价值等多方面进行了详细描述。
二、少数民族刺绣色彩纹样艺术研究
各民族刺绣文化的不同除了体现在材料、技法上，更体现在纹样与色彩选择上。受自然环境、生产条件、民风民俗、宗教信仰等影响，各民族刺绣艺术在色彩的运用上存在诸多差异，各有其偏好的色彩搭配，极富特色。在研究我国少数民族刺绣图案与纹样艺术的专著中，谭遥编著的《西南少数民族织绣图案》（朝花美术出版社，1957年版）以我国西南地区少数民族为对象，选取了苗族、彝族、布依族、藏族、羌族、傣族、侗族等刺绣中最具代表性的图案进行研究。其他专著大多是从美学角度对刺绣图案进行分析，主要有：中央民族学院民族文艺工作团、贵州省文化局美术工作室研究组编著的《苗族刺绣图案》（人民美术出版社，1956年版），中央工艺美术学院染织美术系编写的《新疆民间染织刺绣图案》（人民美术出版社，1998年版），邵宇主编的《贵州苗族刺绣》（人民美术出版社，1982年版），李小非、周爱国编著的《苗族装饰艺术》（重庆出版社，1989年版），等等。研究少数民族刺绣纹样的学术论文主要有：潘梅的《贵州黄平苗族的刺绣图案》（《贵州民族学院学报：哲学社会科学版》2003年第4期），田鲁的《苗族服饰刺绣中的故土及迁徙图案纹样》（《装饰》2005年第12期），黄玉冰的《西江苗族刺绣的色彩特征》（《丝绸》2009年第2期），肖锟的《刍议新疆锡伯族香枕刺绣的艺术特征》（《装饰》2011年第12期），杨渝坪的《彝族服饰中刺绣纹样艺术特点及美学价值》（《学术论坛》2012年第5期），等等。其中，田建强发表于《南京艺术学院学报（美与设计）》的文章《蒙古族民间刺绣艺术风格探微》充分肯定了图案是研究蒙古族刺绣艺术的核心，也是独特民俗艺术和发展历史的体现①。他选择从蒙古族刺绣图案纹样的审美表现、生活应用和美学价值三方面进行研究，提出蒙古族刺绣与中原文化互相影响、共同发展的历史渊源和未来趋势。这种观点也是当前学术界对于刺绣这一艺术形式的主要研究方向。进入21世纪以来，学者对于少数民族刺绣纹样艺术的研究热情进一步提升，硕博论文中有一些研究角度十分新颖。如，刘芳君的《湘西苗绣装饰纹样初探》一文把湘西苗族刺绣纹样分为动物纹样、植物纹样、几何纹样、其他纹样四种类型，并将湘西苗族刺绣图案的构成形式分为对称与均衡、自由与塑形、打散与重构三类。
三、少数民族刺绣图案文化内涵的研究
少数民族刺绣反映了民族文化内涵与审美倾向，刺绣艺术品的配色、纹样、选材体现了该民族的审美，而各民族的宗教信仰和传说也不时体现在刺绣作品中。同时，刺绣文化在流传过程中存在变体及演化。周乙陶的著作《文化变迁中的苗绣》是其中重要的学术成果，该书共分为“手工”“变迁”“苗绣”“传承”“图例”五章，主要分析了苗绣手工蕴含的文化意义、苗绣与文化变迁的关系以及对苗绣传人的访谈与记录信息②。本书的显著特点是针对刺绣过程中的心灵感受进行描述与总结。与该书研究角度有所区别的著作也有许多，如，阿多著《解读苗绣》一书抒情地描绘了苗族刺绣的美好蓝图，富有文艺气息。其他著作主要有龙湘平的《湘西民族工艺文化》（辽宁美术出版社，2006年版），李湘树、李立芳著《湖湘刺绣（二）：湘绣卷》（湖南美术出版社，2009年版），等等。相关期刊论文中，沈雷、许静在《羌族刺绣图案题材及民族文化内涵分析》一文中对羌族刺绣图案题材进行了分类整理，并对它们逐一分析，他着重对牡丹、凤凰、蝶、孔雀、山水等图案题材从文化角度进行了诠释③。苟双晓的论文《苗族刺绣龙纹特征及内涵分析》与沈、许的研究角度有相通之处，都是针对少数民族刺绣艺术品中的一些图样从文化角度进行分析。这种分析依赖于学者广博的知识和独到的见解，他们思路清晰、观点明确，文章有较高的价值。对少数民族刺绣艺术进行文化探究的文章还有：陈艺方的《贵州苗族刺绣艺术的装饰意味——兼谈贵州苗族刺绣的文化意蕴》（《美术》2007年第12期），龙英的《贵州苗族刺绣中的母体崇拜》（《贵州民族研究》2011年第4期），苗延荣、高洁的《苗族刺绣图案中蕴含的中国传统艺术辩证法》（《包装工程》2012年第14期），彭代明、彭潘丹犁的《羌族服饰及刺绣图案中的宗教文化含义》（《中央民族大学学报：哲学社会科学版》2008年第5期），梅梅、岳怀旺的《少数民族民间刺绣纹样中的分形痕迹及其原因分析》（《装饰》2010年第9期），等等。这一领域的学位论文倾向于把刺绣艺术作为一种非物质文化遗产进行研究。杜宗景的《花蓝瑶服饰刺绣文化的嬗变》是一篇系统论述瑶族刺绣文化变迁情况的文章，作者关注瑶族刺绣文化发展中的变化与趋势，采用历史人类学的理论方法分析变迁原因，并对刺绣这一非物质文化遗产的保护提出了一些意见与建议④。同时，其他一些学位论文对少数民族刺绣艺术的巨大经济潜力与社会功能进行了评估，陈永岗的《锦州满族民间刺绣的区域性价值研究》与萨仁高娃的《市场化过程中的蒙古族刺绣文化的社会功能分析》均从这个角度对少数民族刺绣艺术进行了探究。
四、少数民族刺绣图案的历史源流研究
我国少数民族刺绣艺术的发展经历了一段漫长的岁月，在这一过程中，各民族生活的变迁和外部环境的影响使刺绣文化的艺术特征不断变化，逐渐形成了今天的艺术形式。我们对各民族刺绣纹样的历史源流进行研究，不但可以了解各民族刺绣艺术的发展历程，而且能够了解隐藏在图案表象下的一个年代。对于研究少数民族刺绣历史源流，孙佩兰所著《中国刺绣史》一书完整阐述了各民族刺绣从古至今的演变，包括少数民族刺绣在历史进程中的发展和变化。在针对刺绣艺术源流的研究中，刺绣与历史进程结合的紧密程度是需要关注的一个关键因素。在这方面，丁荣泉、龙湘平的文章《苗族刺绣发展源流及其造型艺术特征》从苗绣的起源时期——炎黄时代开始，针对不同时代进行分析与总结，集中研究了苗绣在各阶段所关注的不同主题。文章提出，苗绣在过去很长一段时期描绘的主要是日月星辰等自然现象，而随着时代的发展，生活元素在苗绣作品中的比重逐渐增大，说明刺绣艺术的发展和民族与国家的历史进程密不可分。其他学者基本赞同这种观点，如，王松的《新疆卫拉特蒙古族刺绣图案色彩特征形成因素探析》，张成义、周松林、刘昌盛的《满族刺绣纹样起源考证与研究》，吴新星的《历史变迁对羌族刺绣的影响》，许静、张皋鹏的《羌族刺绣图案设计探源与分析》等文章均结合历史进程对少数民族刺绣艺术源流进行了分析。学位论文的研究方向与之前相比具有更多的现实性与实用性，在探究刺绣艺术历史源流的同时也关注刺绣当前的传承问题。韩姣在《萨满文化对满族刺绣纹样的影响》中提出，萨满文化对满族文化的发展进程有巨大影响，这也是满族刺绣艺术的历史源流之一。作者通过收集与分析资料得出结论：满族刺绣作品中的图案与萨满文化中的装饰纹样具有极大的相似性。而缪祥彦的文章《旅游与市场化背景下云南石林彝族刺绣的变迁研究》以及安秋旭的《社会转型期紫泥泉种羊场哈萨克刺绣传承研究》均从历史传承角度入手进行分析，这和当前少数民族刺绣艺术的发展趋势相契合。
结语
少数民族刺绣艺术蕴含极高的艺术价值与文化价值，有着不可忽视的地位。通过对以上学术成果的整理与总结可以发现，国内针对少数民族刺绣的研究成果斐然，研究方式与视角也日趋成熟。研究者注重由浅入深，从刺绣的图案、纹样入手，发掘其中蕴含的美学价值，并逐步从文化层面剖析刺绣艺术的文化内涵与历史源流，研究视角全面、内容十分丰富。与此同时，针对少数民族刺绣艺术的研究仍有一些问题需要思考：我国许多少数民族聚居地都存在各民族杂居的情况，有必要针对各民族文化融合对刺绣艺术产生的影响进行探究，当前学术界针对这一方面的研究尚处在起步阶段。随着时展，我们应当从一些新的角度研究少数民族刺绣艺术。如，从经济学视角入手，探究少数民族刺绣产业化道路；或从女性主义视角入手，探索性别因素对刺绣艺术发展过程的影响；等等，这些新视角的开辟对于刺绣艺术在新时代的保护与传承有重要的借鉴意义，值得我们深入探索。
作者：徐静仪 左红卫 单位：新疆艺术学院
注释：
①田建强.蒙古族民间刺绣艺术风格探微.南京艺术学院学报（美术与设计版），2008（3）.
②周乙陶.文化变迁中的苗绣.湖北人民出版社，2011.
美术研究论文范文5
民间工艺美术源远流长，具有广泛而深厚的群众基础，蕴含着最丰富历史文化内涵，其民族地域特征最鲜明，其民族文化表征最显著。民间工艺美术来源于群众，具有广泛的识别性和鲜明的个性。平面广告设计作为现代艺术的一种形式，无时无刻不在受着民间工艺美术的影响。但是这种影响往往是被动、自发的，而不是主动、自觉的。这种被动与自发性主要体现在：或仅是平面广告设计个案中采取或选取了民间工艺美术的某一种形式，或在平面广告设计个案中受民族文化、民族美术的影响而潜意识地体现一些民族文化、民族美术的特征。事实上，作为现代艺术的特殊表现形式，平面广告设计的一条最基本原则——易读性，即能准确传达信息，让受众清晰理解广告所表达的意思。把民间工艺美术的思维、理念、特殊表现手法、表现形式、造型特征运用在平面广告设计中，更有利于为群众与广告架起一座沟通的桥梁，从而更有效地形成广告效应。尤其是品牌推广本身必须具有入乡随俗的特点，民间工艺美术为品牌推广的平面广告设计地域化、特色化提供了依据。平面广告设计要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，并进行具有创造性的转化。
二、郴州民间工艺美术及对平面广告设计的启示
（一）郴州民间工艺美术郴州民间工艺美术，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性。但是在长期的实践中，郴州民间工艺美术并没有得到应有的重视、传承和运用。在分析整理郴州民间工艺美术的基础上，充分挖掘郴州民间工艺美术的积极因素，并创造性地应用于平面广告设计和平面广告设计教学中，在理论和实践两个方面进行探索，具有一定的积极意义。郴州民间工艺美术是湘南民间工艺美术中的一个重要部分，目前，专家学者们研究以郴州市民间工艺美术为主要，然后辐射整个永州市和衡阳市，即湘南地区。其研究主要从湘南古民居、湘南民间工艺美术、湘南民间石雕、湘南民间木雕等几个方面，对民间工艺美术进行了归类、分析和整理。依据研究角度的不同，对有关湘南民间工艺美术研究著作的代表作进行简要概括：（1）具有地方特色的湘南古民居著作，如唐凤鸣著《湘南民居研究》、范迎春著《湘南宗祠——建筑及装饰艺术研究》、王铁著《2012中国高等教育设计专业名校实验教学课题：湘南民居印象》等。（2）有关湘南民间工艺美术的课题与论文，如陆岚的湖南省社科基金课题《湘南民间工艺美术资源的挖掘利用与理论研究》、论文《浅析蓝印花布的色彩观》等。（3）湘南民间石雕的研究课题和论文，如何次贤的课题《湘南民间石雕的人文内涵、艺术价值及其保护与利用研究》、论文《湘南民间石雕艺术的文化寻绎》《从湘南民间石雕艺术看中国民间文化的崇德立德意蕴》等。（4）湘南民间木雕的研究论文，李曦《湘南民间家具的装饰特征研究》《湘南古民居的木材选用与木雕装饰》《湘南古民居木雕艺术》等。以上这些课题、论文、著作主要从研究郴州民间工艺美术自身的特征入手，广泛收集郴州民间工艺美术的作品，阐述民间工艺美术的概念并将其分类，系统的分析其造型、色彩及美学特征，部分著作还进一步研究了民间工艺美术产生与发展的历史文化背景。
（二）郴州民间工艺美术对平面广告设计启示（艺术造型的直接借鉴）
1.为平面广告设计注入新的设计灵感。
传统民间工艺美术是现代设计的土壤并影响其的发展，传统民间工艺美术来源于群众，并为群众所熟知，平面广告首先得被广大群众认识、认同并接受，因此将民间工艺美术引入平面广告设计，既对民间工艺美术加以提炼与创新，又能让平面广告为人民群众所理解，从而引起情感上的共鸣，以达到广告宣传的目的。改革开放以来，国际先进的平面广告是国内学习和引进的主体，西方文化也在其中自然而然的传入，从而使中国传统文化面临严峻挑战，特别是民间工艺美术正面临消亡的边际，将其引入到平面广告设计中，既为中国平面广告设计注入新的设计灵感，又为民间工艺美术的继承和延续寻找到新途径。
2.为郴州地区的民间工艺美术传承寻找到新的载体。
郴州民间工艺美术具有独特的审美情趣、艺术形式和表现方法，它存在于人民的日常生活中，是中国人民群众辛勤劳动的结晶。由于受我国工业化、城市化的影响，民间工艺美术的创作者和消费群体大量进入城市务工，使得郴州地区民间工艺美术的生存环境日益恶化，许多民间工艺美术正在加速消亡。将郴州民间工艺美术引入平面广告设计中，将为其生存找到新的传播载体，在传达给广告受众的同时，促进其转型与可持续发展，也将为现代民间工艺美术再设计与开发应用提供参考依据。
3.是中国民间工艺美术研究的一种有益补充。
从文化传承角度的考虑，郴州民间工艺美术是中国民间工艺美术中的一部分，具有浓郁的地域特色和独特文化的不可替代性，对其文化艺术特点进行深入分析研究，是对中国传统民间工艺美术研究的一种有利的补充与完善。虽然郴州是中国的一个市，但其工艺美术是人民群众对大自然最纯朴、最直观的审美感受和情感体验，这种自然与纯真也是现代平面广告设计所追寻的。在经济全球化的今天，对郴州民间工艺美术的探究，既是对中国工艺美术的一种补充，又是对中华传统文化精神魅力的进一步挖掘，也将影响着现代平面广告设计作品的创作。
三、郴州民间工艺美术在平面广告设计中的应用
郴州民间工艺美术从源头上分析，是郴州当地文化与中原文化、客家文化与岭南文化的相互融合的独特产物，在艺术思维、艺术理念、艺术特征、艺术形式等方面具有鲜明的个性，是中国民间工艺美术的一个重要组成部分，其对包括平面广告设计在内的现代艺术的启发和借鉴意义是可以预期的。但在可见文献中，还没有发现把郴州民间工艺美术应用到平面广告设计教学的研究，因此，这属于尚未涉足的领域，本研究具有一定的突破意义。
（一）平面广告设计教学中如何应用郴州民间工艺美术
1.情感的继承。
平面广告设计者只有在真诚理解郴州民间工艺美术创作者情感的基础上，才能深刻的挖掘劳动人民的艺术成果，并把他们的情感融入到自己的设计作品中。例如，在平面广告设计实践教学中，研究郴州大布江拼布艺术的一组同学，一开始只是在网络上搜寻整理资料，缺乏对拼布艺术实物的真实美感的体验，在老师的建议下，联系了非物质文化遗产大布江拼布绣传承人何娟，走进了她的公司，了解她的创作历程与民间工艺美术创作的情感体验，接触与了解到真实大布江拼布作品的魅力，他们满怀激情的研究进程PPT汇报，感染了每一位同学，也让班上所有同学了解了大布江拼布艺术绣，为后期拼布艺术在平面广告设计中的应用打下坚实的基础。平面广告设计与民间工艺美术虽然在思维方式、表现手段、传达载体上有很大区别，但是对生活的热情、对劳动的赞美、对祖国的热爱是相同的，广告设计者在情感上的继承，也将为平面广告设计作品融入生命力，恰如其分的情感融入，不仅可以为平面广告设计作品增资天色，又可以使其具有亲和力，拉近广告受众的距离，让他们自然而然接受，做到润物细无声。
2.造型的借用与发展。
郴州传统民间工艺美术造型丰富多彩，既有表达吉祥幸福的人物、动物花卉、文字、云纹、回纹、几何抽象形态等，又有广为流传的典故和成语，还有一些约定成俗的造型寓意组合。如果将这些丰富多彩的造型借用于平面广告设计中，将为平面广告设计开拓新的创作空间。如：陈秀同学利用郴州民间剪纸的造型形式制作了“南京青奥会欢迎您”平面广告作品，在全国大学生广告艺术大赛“南京青奥会”专题设计大赛中荣获三等奖。郴州民间工艺美术造型的借用与发展，既丰富了平面广告造型语言，又为广告主融入消费群体奠定基础。将郴州民间工艺美术融入平面广告设计课堂教学中，既是对郴州民间工艺美术造型艺术的传承，也是对郴州民间工艺美术造型艺术的发展。民间工艺美术造型经过提炼再设计，既吸收其造型的精髓，又承载着广告主赋予的消费理念、价值引导、审美情趣等，是将造型特点、形式美感、大众识别性等融入到平面广告设计中，为平面广告设计注入新鲜血液，促进平面广告设计的发展。
（二）理念的创新
郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中，主要是三个方面的创新：郴州民间工艺美术传承的创新、平面广告设计形式与内容的创新、课堂教学的改革创新。
1.郴州民间工艺美术传承的创新
在全球经济一体化的大趋势下，现代化工业文明的迅速扩展，物质消费方式和生存观念的急剧改变，导致许多民族的民间工艺美术在不断消亡和流变，郴州民间工艺美术也正在消逝。2014年全国两会，全国政协委员潘鲁生就工艺美术的传承和延续指出，设计是其中一个很重要的环节，精彩的创意设计可以使传统工艺美术焕发新的生机，既可以成为时尚产业的一部分、成为制造业人文工艺的增值部分，也可以以当代艺术的形态出现，重新建构审美、文化、生活之间的联系。高校具有文化资源优势，地方高校通过其教育幅射功能，可以对地方传统民间工艺美术传承发挥直接的、有针对性的作用和影响，地方高校平面广告设计与地方民间工艺美术只有合作互补、相得益彰，才能促进彼此之间的良性互动和可持续发展。
2.平面广告设计形式与内容的创新
在“地方高校应用转型”的形势下，我院将艺术设计专业定位为“服务地方经济”，作为其主干课程之一的平面广告设计，将本地的工艺美术资源请进课堂，通过教学手段进行继承和延续，对平面广告设计表现形式进行创新的探索，对平面广告设计内容进一步丰富，将郴州民间工艺美术的吉祥寓意、造型特点、审美情趣引入到平面广告设计中，是对平面广告设计形式与内容的创新。
3.郴州民间工艺美术融入平面广告设计教学中是对课堂教学的改革创新
美术研究论文范文6
世纪是充满竞争的时代，国民综合素质决定着一个民族兴衰，能承担起历史重任的新一代大学生不仅要具有高层次的专业知识还应有高尚的精神与丰富的情感，强化素质教育则是实现这一目标的重要举措。“美育作为‘全面发展教育’的一个组成部分在我国教育中占有相当重要的地位尤其是在目前教育由‘应试’向素质教育转轨的过程中更有其特殊的意义而艺术教育则是实施美育的重要途径。” “对于促进学生全面发展具有不可替代的作用”。 为了贯彻实施素质教育这一战略思想，教育部针对基础教育改革制定了《全日制义务教育美术课程标准》，其所倡导的教育理念、课程价值、课程目标、课程评价、课程内容和教学形式等，都对高等师范美术教育的人才培养模式提出了新的要求。为此，必须从培养学生全面素质发展的角度出发，改变传统的简单以学科知识体系构建课程的思路和方法，坚持以“学生发展为本”的整体发展教育观，强调教育向生活世界回归，促进学生创新精神和职业意识的形成，促进学生个性形成与全面发展。这一改革客观上要求高师美术教育必须建立起一个有别于其他美术教育培养要求和与之相对应的教育教学体系。 高师美术教育是以美术作为教育的媒介，并通过这个媒介达到对人的审美能力、创造能力、思维方式、情感和道德感等方面的培养。因此，高师美术教育既要提高学生的美术知识、技能更要培养学生的文化素养、创新精神、完善人格和实践能力促进学生德、智、体、美全面发展。这里需要明确的是我们如何看待“专业”这个词，高等师范美术教育专业的“专业”定位首先是师范教育。我国香港地区的美术师范教育，甚至只把教育类课程称为专业课，而把绘画与设计类课程列为选修课。作为未来的教师，美术高师生必须具有较高的综合素质，但一个人掌握了一门或多门专业技能不等于具有了高素质，从能力和素养角度上看，素质是一个人在文化的全面性、文明的进步性与身心的健康等方面的综合反映，所以，仅仅掌握了美术专业知识和技能不等于具有了从事美术教育的能力，未来的教师应该是“多元素构成的”，高师美术教育必须注重将素质教育的思想观念渗透到专业教学中去。但现实中许多高师院校安于现状，无视基础教育改革，固守传统的教育教学模式，致使培养的学生无法适应基础教育改革的需要。主要表现在以下几个方面： 教育观念落后。一些专业管理者和教师对美术师范教育专业的发展认识不清，没有充分认知和理解国家推行素质教育的目的与意义，对新《标准》的推广更没有引起足够重视。缺少同基础教育保持密切联系，很少考虑自身师范性和素质教育发展的客观要求，过分强调“美术专业”的“专业”教育，认为高师美术教育仅是较高层次的专业（发展和延续美术文化的）能力培养，忽视对学生综合素质和教学能力的培养。 课程设置面窄。课程设置多局限于美术专业的“专业”范畴内，狭隘理解“一专多能”的内涵，将“一专”往往定位在国画或油画等某一画种的技能水平上，“多能”也多圈定在与之相关的知识、技能等层面。 在教学方法、考试评价方法等方面有待改进。许多教师在教学方法上依然停留在传统的知识、技能灌输上，在考试评价上重结果轻过程，这些都难以调动学生在学习过程中的主体意识，难以培养学生良好的学习方法。 满足于现状，缺乏竞争意识。近年来高考中的“美术热”使得美术师范教育生源充足，在一定程度上助长了许多院校竞争意识淡漠、安于现状的思想，对培养的学生是否能胜任未来工作漠不关心，造成认识上和工作上的“滞后现象”。 高考中过于重视“专业”考核，对学生综合素质的考察没有引起足够重视。文化课录取线过低，难以支撑其以后学习；专业考试落入新的“八股”之中，人物头像素描和静物色彩成为高考中的“永恒”主题，许多考生不是在“画”画，而是在“背”画，艺术天性正在被抹杀。新《标准》将着眼点放在未来，放在素质教育的大背景下，高师美术教育必须与之相适应。培养的学生必须具有从事“造型•表现”、“设计•应用”、“欣赏•评述”、“综合•探索”四个学习领域的教学能力。为此，必须从以下几个方面进行教育教学改革。 首先应更新教育思想观念。高师院校是培养教师的摇篮师范院校的教育理念、教育观念必须是超前的必须与国际先进的教育理念、教育观念、文化意识并驾齐驱；面对素质摘要：随着科学技术迅猛发展，国际间竞争加剧，高素质人才培养已成为竞争获胜的最重要因素。面对基础教育全面推行“全日制义务教育美术课程标准”的新形势作为培养美术教师的高等师范美术教育专业如何转变观念，深化改革，确立科学、合理、系统的师范美术教育体系培养出既有较强专业知识，又具有全面综合素养的美术教育人才，以适应中小学校素质教育改革的需要，是一项摆在我们面前刻不容缓的紧迫任务。关键词：素质教育；美术课程标准；师范美术教育；教学改革浅析素质教育背景下师范美术教育的改革教育的新形势，必须组织教师（尤其是教育教学管理者）进行有针对性学习和研讨，统一思想、转变观念、明确目标。 按照新《标准》要求调整现有课程设置、结构和教学内容。对美术高师生的培养不能仅仅局限于本专业知识范围之内，必须拓宽专业口径，凸显美术课程的人文性质，加大教育学、心理学、人文科学、社会科学以及计算机应用等学科的教育力度。美术“专业”课程也应拓宽知识领域，按照中小学美术教学要求，加大美术欣赏、艺术批评、艺术设计、民间艺术、手工制作等课程的教学。 要在教学方法、教学形式以及考核评价方法等方面进行改革。将知识灌输式教学转变为启发式教学，增强学科知识的交叉和信息量输出；充分调动学生学习的主动性和参与性，在互动中培养他们的思维能力、创作能力、表达能力以及处理问题的综合能力；在考核评价方法上要将重点放在学习的整个过程之中。#p#分页标题#e# 将中国传统文化教育提高到应有地位。教育是文化传承的重要途径，美术高师生是未来的教育者，是文化传承的重要参与者，一个对本民族缺乏情感、对自身文化不甚了解甚至一无所知的人，是不可能胜任教育之职的。 积极开展职业意识教育。高师美术教育的师范教育性决定了其职责是培养中小学美术教育师资，因此，高等师范美术教育不仅要对学生进行专业技能的训练、专业理论知识的传授更应重视学生综合素质提高和职业意识培养。要让我们的学生热爱教师职业，明白他们是全面推行素质教育的参与者，是素质教育中美育的重要承担者。 加强教学实践，提高美术高师生教学能力。教育理论以及实践已充分表明，教师的教学能力素质是决定教学质量的重要因素。美术高师生教学能力的培养是多因素的，在教学方法、教育理论学习的基础上，还应充分重视教学实践环节的设计，丰富实践课程形式的多样性，拓宽教学实践课程的内容和方法。同时，要增加教学实践课的时间。 重视学年论文的写作，提高美术高师生的科研能力。新《标准》中学习领域的划分对美术教师的理论水平有了更高要求，基础教育改革要求我们的高师生不仅仅要会“画”画，更重要的是会“评”画；没有一定理论水平将无法胜任美术教师之职。理论水平的提高是全方位的，学术研究与学术论文的写作是其中重要的方面。为此，高师院校学生的论文写作不能仅限于毕业论文，应高度重视学年论文的写作，以学年论文写作作为提高师范学生科研能力与水平的重要补充和途径；可根据师范专业特点在选题上尽可能围绕教学研究来展开，以提高美术高师生综合素质和教学能力。 加大教师自身综合素质培养力度。教师自身素质提高是教学改革能否成功的关键，只有自身具备了较高综合素养，才能帮助受教育者接受和领会知识。中国传统哲学的美育与素质教育思想中历来十分重视教与学、言传与身教、教育者的教学与受教育者的个人体悟的统一。孔子曰：“其身正不令而行其身不正虽令不从。”+《论语•子路》,墨子强调教师只有“得一善言附于其身”率先实践表里如一“使言行合一犹合符节”。 《墨子•兼爱》,教师要以身作则为人师表不仅要“言教”而且要“身教”用自己的模范行动为受教育者做出表率。为此要重视教师的再教育，逐步提高他们的学历、知识与能力，完善教师自身综合素质；要鼓励教师积极从事教学研究，以研究促教学；要加强教师职业教育，由于复杂的因素，目前从事高等师范美术教育的教师大多出身于绘画专业而非师范美术教育专业，因此强化教师职业教育十分必要；教师的引进也应从单一学历和技能考察转向综合素质方面。 培养学生的团队意识。开展多种多样文艺活动，丰富学生校园生活；在具体课题训练中尽可能多采用课题组形式，多层面多角度培养学生团队意识，教师职业更需要人与人之间的关爱、互助、合作。 根据师范教育自身特点，对现行招生政策进行改革，逐步建立起有别于美术院校选拔人才的标准。专业考试应从单一技能考试走向多元，可参照目前一些院校美术史论专业的方法，增加文艺常识、写作等方面的考核；提高文化课录取分数线，避免将那些综合素质差、有“技”无“文”的学生招入师范美术教育专业。 面对基础教育全面推行《全日制义务教育美术课程标准》的新形势高等师范教育必须主动适应基础素质教育课程改革和发展的需要，逐步“建立符合素质教育要求的大、中、小学相衔接的，具有中国特色的学校艺术教育体系”，培养出能胜任基础素质教育阶段美术课程教学需要的“宽口径、厚基础、复合型、高素质”的美术教育人才。
美术研究论文范文7
关键词：初中美术;思维导图;教学
一、思维导图概述
思维导图于20世纪80年代初由英国心理学家托尼•巴赞提出，也被人们称为“心智图”。思维导图是在对信息组织进行层级分类的前提下，以主题为核心，通过主题与分支之间的联系构建而形成的具备放射性思维特点的可视化工具。思维导图在美术教学中的运用，更加侧重于图文并茂的方式，以主题为中线，将各级主题关系通过图文的形式表现出来，建立记忆链接，加深记忆深度。思维导图作为辅助教学工具，可以用在学生的大脑信息加工、知识处理以及知识学习的各个阶段，加强学生在学习过程中的知识联系性，避免碎片化知识导致学生难以提高学习效果。思维导图在美术教学中具有独特的优势，主要体现在以下三点。其一，易学易懂、实用性强、自然有趣，有一定学习基础与生活经验的人均可以使用。其二，思维导图可以体现一个人的思维特点，具有较强的个性化色彩，为学生的个性化发展和思维多样化的显现提供了良好的平台。其三，制作方法简单灵活，满足个体的思维导图制作需求即可，在开放性的思维导图构建中促进了学生思维水平的提升。
二、思维导图在初中美术教学优化中的有效应用
1.在教学设计中的应用
在以往的初中美术教学设计中，部分教师突然迸发灵感但难以及时运用于教学设计，导致教学设计思维零散，缺乏具体性、系统性，教学目标难以实现，美术课堂教学停滞不前。在美术教学设计中应用思维导图，利用思维导图的发散性与层级关联性特点，将原本零散的知识点、碎片化的设计灵感体现在思维导图中，形成一个系统性的教学设计全景图，这种教学设计紧密度高、关联性强，让人一目了然。如，在人教版初中美术《凝练的视觉符号》一课的教学设计中，教师就可以思维导图作为工具。首先，教师需要引导学生掌握标志设计的基本知识点，包括意义、特点、构成要素、类型以及不同的表达形式等。如，我们在购物时可以通过图标辨认品牌，在看电视时可以根据图标辨认电视频道，等等。教师要让学生了解这些图标就是标志，是专门为某一产品设计的，具有特殊性。在学生了解常用标志的基础上，教师要利用学生的发散性思维，如以体育类标志为思维导图的核心，从体育类标志中分别发散出1984年洛杉矶奥运会、2000年悉尼奥运会、2008年北京奥运会的会徽，然后让学生观察三种奥运会会徽分别表现了哪些运动。以北京奥运会会徽为例，其通过图文组合的抽象表达方式，既体现了奥运会举办的地点，又体现了中国汉字文化，突出了奥林匹克精神，会徽中的红色代表了热情、希望、喜庆。通过对“京”字演变过程的讲解，教师引导学生掌握标志设计的步骤，具体为收集设计信息—设计元素综合—设计图形确立—信息准确传达—信息整合应用。在学生掌握标志设计步骤的前提下，教师组织学生开展设计尝试。如，根据班级特点、班级文化设计出具有代表性的班徽，要求表意准确、构图凝练、色彩醒目。
2.在课堂结构重建中的应用
随着教学改革的推进，学生在教学中的主体地位得以体现，而教学改革之路仍然任重道远。以往课堂教学中以教师为主体的教学方式、沉闷的教学氛围影响了学生的学习积极性。在以讲授为主的初中美术课堂教学中，部分教师过于关注教授学生美术绘画技巧，教学活动的开展以教师的主观意愿与教学经验为依据，忽视了学生的实际能力与心理需求。课堂教学中师生互动少，学生对教师心存敬畏，因此师生关系逐渐疏远，学生即使有疑惑也不敢提问，课堂缺乏交流。由于教师没有抓住最佳的教学时机，学生课后由于各种原因将在课堂中产生的疑惑抛在脑后，并越积越多，对美术学习产生了消极影响。在初中美术课堂教学中，教师利用思维导图中的线条、图像或者符号等，遵循简单易懂的原则，构建符合初中生美术学习特点、易于接受的知识结构，可以帮助学生快速整理出系统化的知识，突破教学重难点。教师需要发挥学生在思维导图创作中的主体作用，让学生参与创作的全过程。教师要发挥组织、引领与启发的作用，积极与学生交流，了解学生思维导图构建的进度，及时发现学生的错误思维并加以引导，促进学生在美术学习中构建思维导图。如，在人教版《漂亮的手工灯》的课堂教学中，教师在课前以小组为单位，为学生布置相关的工具材料准备工作，让学生了解美术与生活之间的联系。教师在课堂教学中鼓励学生大胆发言：你在生活中都见过哪些漂亮的灯饰、它们的独特之处在哪里、怎样将它们简单地画出来，以此帮助学生在美术学习中建立构图意识、形成造型语言。接下来，教师展示某种具有代表性的灯饰，如长信宫灯，让学生了解长信宫灯的历史背景与制作过程，掌握灯饰中包含的主题、意境、美术语言、材质特点，在此基础上引导示范，组织学生动手实践，绘制出一张具有代表性、经济适用、安全环保、外形美观的灯饰设计图，掌握立体构成的方式与方法。思维导图在课堂结构重建中的运用，符合以学生为本的教育理念，发挥了学生在美术学习中的主观能动性，一方面有助于加强学生对美术学习内容的理解，另一方面有助于实现学生对美术作品的深入理解，提高学生对美术作品的艺术欣赏能力，而不是教师说一步、学生走一步，培养了学生在美术学习中的主动探究意识。思维导图可以培养学生的创造力，并引导学生通过绘画进行更好地表达，是培养学生创造性思维的有力工具。
3.在学生美术思维培养中的应用
（1）发散思维培养
发散性思维是初中生在美术学习中的主要思维能力，也是学生美术艺术创造力发展的基础。在培养学生美术思维时运用思维导图，可以使学生以不同的思维方式看待美术作品，摆脱定式思维，提高解决美术学习问题的能力。思维导图为初中生的美术学习提供了轻松、多角度、多层次思考的平台，美术教师可以利用多元化的教学方法激发学生的发散性思维。教师可以随便选取一个物品，如铅笔，引导学生以绘画用的铅笔为中心向外发散思维，从铅笔的形状、功能或者颜色的角度发挥想象力。一名学生以铅笔为中心，通过铅笔的外形联想到人，以拟人化的绘制手法，为铅笔赋予了人的动作、表情、四肢特征，创造了一个卡通人物形象。从铅笔的功能出发，教师可以引导学生运用发散思维联想到五彩笔、刷子、油漆，并且联想到油漆在刷子上似乎流泪的场景，表现出铅笔越用越少、疼痛的作品，赋予绘画作品以艺术情感，在培养发散思维的过程中提升学生的美术创造力。
（2）逆向思维培养
发散思维是一种顺向思维，是从事物的现象与本质开始向外拓展；逆向思维是从发散思维的相反方向思考问题，以达到解决问题的目的。在初中美术教学中运用思维导图培养学生的逆向思维，主要体现在思维导图具有不受限制的特点，学生可以在思维导图的构建过程中同时运用发散思维与逆向思维，从多种思维角度分析问题。如果通过发散思维难以找到解决问题的出口，学生可以尝试从逆向思维的角度分析问题。如，在画荷花时，一般情况下，学生习惯采用顺向思维的思考方式，在观察与思考后通过思维导图形成绘画步骤，先勾画荷花的外形轮廓，然后再对荷花的茎、叶、花填色。这种方法绘制的作品往往比较拘谨、缺乏创意。此时教师可以引导学生以逆向思维的方式构建思维导图，然后创作美术作品，如先画出颜色，然后按照颜色的类型与分布勾勒荷花的形状。以这种思维方式绘制的荷花的状态更加放松、自然、洒脱，不拘泥于某一种形态，增强了美术绘画作品的个性，促进了学生在美术学习中创新能力的发展。
（3）逻辑思维培养
逻辑思维作为人类思维活动中的主要元素，不仅在美术课程教学中发挥着重要作用，而且对其他学科的学习也具有积极作用，是学生创新活动、美术创作灵感的主要来源。美术创作中的灵感并不是凭空出现的，而是基于人的逻辑和以往经验而产生的。通过思维导图在美术教学中的运用，可以引导学生从逻辑思维的角度出发，透过事物外在表现发现内在本质，促进初中生美术学习中的抽象思维生成。思维导图所呈现出来的思维图形框架，来源于学生对知识的整理，体现了学生的思考过程与思维特点，具有逻辑关系分明的特点。在思维导图构建的过程中，学生处于思维活跃的最佳状态，将课堂上教师展示的绘画作品以自己的思维方式表达出来，从而明确了美术学习的目标。以季节为例，学生对于四季虽然并不陌生，但不知道如何运用四季的特点改造画面。教师可以引导学生构建思维导图，提高学生在美术学习中的思维活跃性，在梳理、丰富四季的内容之后，让学生运用逻辑思维，从思维导图中找出最佳的绘画方案，以此提升美术创造能力与绘画水平。
三、结语
在初中美术课堂教学中，以思维导图作为教学辅助工具，对于培养学生的创造性思维具有重要的价值，有助于学生思维能力与思维品质的提高。在作为基础教育初中阶段的美术教学中，教师需要重点培养学生的创造能力与创新精神，利用思维导图提升美术课堂教学的价值，满足新课改对于发展学生综合能力的要求。同时，初中美术教师要发挥学生在课堂教学中的主体性，结合当前初中生的美术学习能力与课堂教学内容，总结在教学中运用思维导图的有效方法，实现美术课堂教学方法、教育理念、教育技术的优化，这具有重要的作用与推广价值。
参考文献：
[1]王通.初中美术“设计•应用”学习领域对学生思维模式训练方法的研究.长春师范大学硕士学位论文，2017.
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[3]嵇玲玲.思维导图在小学高年级教学应用中的问题及优化策略研究.渤海大学硕士学位论文，2016.
[4]宋元元.在初中美术课用思维导图培养学生艺术思维的探讨.上海师范大学硕士学位论文，2013.
美术研究论文范文8
中国近代自有了正规美术院校以来，课程中也开始注重传授人体结构知识，开设艺术解剖学作为美术专业的必修科目。在传统艺用人体解剖学教学实践中，教师一般携带幻灯片、人体模具和挂图等进入课堂，这些教学资料一部分可以购买到，一部分需要教师自己制作，资源极其有限。教师在课堂上还需花费大量的时间在黑板上绘图和板书，课程进展缓慢，效率太低，传统艺用人体解剖学教学方法使教师讲授很费力，学生学得也费神，教学手段的单一使学生学习兴趣不浓，对教学质量有很大影响。 在科技飞速发展的当代，普通高等美术院校在讲授技法理论课，如艺用人体解剖学、透视学课程的发展趋势，教师不仅仅是携带幻灯片、模具和挂图等进入课堂，已经不能满足学生们的需要。计算机数字多媒体技术的发展和网络的便捷，为艺用人体解剖学教学提供了新的支持和帮助，大大推动了其学科教学方法的进步。如数码高清图片、视频和三维动画技术都可以应用到艺用人体解剖学教学中，并有机结合这些资料和技术组合成完美的课件。 笔者在多年从事艺用人体解剖学的实践研究和教学中，有着丰富的教学经验，对于艺用人体解剖学在普通高等美术院校的教学现状研究掌握第一手资料，在理论和实践经验并重的前提下，曾主持大学生科技立项“艺用人体解剖学对艺术创作应用研究”的研究工作。并发表相关论文《人体造型解剖学与艺术创作》在艺术教育杂志上出版。以佳木斯大学解剖研究基地为依托，同时在佳木斯大学图书馆、佳木斯市图书馆以及佳木斯大学附属医院收集了大量的有关方面的书籍和资料，并在学术期刊网上查阅了大量的论文，来研究艺用人体解剖学在普通高等美术院校教学现状分析，逐步在艺用解剖学教学中，运用多媒体计算机技术，使课程讲授具有直观性、高效性、生动性和互动性等特点，目的是在高校教学中探寻更好的教学方法，取得更好的教学效果，也将成为今后课程教学研究的重点和难点。 一、采取趣味性教学方式。查阅资料、整理调查资料，通过分析调研资料，提炼行之有效的教学方法，形成理论体系，并在从中反思，实验教法改革教学的总结。艺用人体解剖多媒体教学中不管是高清图片和3D展示，还是视频播放，都能使学生非常直观地看到形象逼真立体感强的人体肌肉、骨骼的动态和形态特征，使学生对人体解剖结构有着全面、正确、完整的认识和理解。多媒体教学把图形、动画和声音等有机结合，屏幕上的形象不断变化，使教学变得极为生动。用不同的视角观察人体结构，打破了单一的思维定式和视觉习惯，调动了学生的学习兴趣。 二、为普通高等美术院校教学给出比较专业的材料和论证。 通过对艺用人体解剖在普通高等美术院校教学现状研究，为尽可能地加固学生在解剖学方面的记忆，通过手脑并用、“翻箱倒柜”的方式，将这门枯燥的课程转化成一门很有趣味的课程，提供借鉴和参考。为我国在普通高等美术院校艺用人体解剖教学理论提供材料。 人体造型解剖学是从造型艺术出发，研究人体形态结构的一门科学。我国普通高等美术院对艺用人体解剖学的这样一门理论技法的基础课程，应不应该加强？应该加强到何种程度？ 对普通高等美术院校，绘画专业教学如何更好地将人体造型解剖结构，运用到实践的绘画中，不仅仅只是为基础知识而基础知识，基础之所以是基础，就是因为它是为艺术创作的更高层次服务的。没有人体造型基本知识、造型的训练，所谓更高层次的艺术创作就是空中楼阁，这也具有非常重要的理论意义。 三、把艺用人体解剖学的理论知识运用到实际的绘画创作中，真正地做到理论和实践的结合。严格地以人体结构的科学理论为依托，并善于利用人体构造的理论知识，才能较为深入、真实地描绘和造型，解决人体造型中的诸多问题。人体造型解剖学是艺术创作的基础和美术基础教学的必要，而不是医用解剖学。二者对人体生物特性的观察及探索是一致的，差异是研究和探索的方向不同。所以，用艺术家的眼光对解剖学的认知，提高对绘画创作活动和教学实践指导，不断锤炼学生们绘画作品的艺术语言，提高艺术表现力，用艺术家的眼光对解剖学的认知，提高对艺术创作活动和教学实践指导，有非常重要的现实意义。 四、人体造型解剖学对高等美术教学实践的当代意义，增加普通高等美术院校绘画技法的厚度、审美深度。在课堂和绘画创作中，自觉运用人体解剖学知识。通过对学生和教师进行调查，不同种教学方法的比较研究，跟踪考查学生在学习了艺用人体解剖学课程后，能否将理论知识真正的运用到绘画作品当中，分别对素描课堂、油画课堂学科考察，并与教学实践相结合，对比教学效果。当今社会，经济全球化，西方后现代主义“反艺术”、“人人都是艺术家”等等一些思潮的强烈冲击下，人们变得疯狂起来，以前所未有的自信“表现着自己的艺术价值”，很多绘画作品削弱甚至完全没有了具体的造型。很多普通高等美术院的学生们的艺术创作没有了具体的形，曾经被实践证明行之有效的绘画基础训练方法被弃之不用，如人体造型解剖学，这种科学的方法，她的作用在哪里？如何看待这二者之间的关系？目前美术专业基础教学正面临冲击，如不很好地对待这个问题，势必影响到普通高等美术院美术专业的教学质量。 通过艺用人体解剖在普通高等美术院校教学现状研究，将人体这一个非常复杂的有机形体，通过长时间的研究与实践，对普通高等美术院校教学，给出较全面的论证。以论文的形式发表于专业美术刊物，为有关学者今后的研究提供参考。在不断增加教学容量与质量的前提下，在提高学养与技法的过程中，认真搞好艺用解剖学的教学工作。
