古典主义时期音乐特征范文1
关键词：古典音乐；古典建筑；内在联系；风格；人性；
1 关于音乐与建筑
美国建筑大师莱特曾经说过：“所有的艺术都与音乐有关联。”赖特的父亲是一位有着很深音乐修养的的教会牧师，耳濡目染，莱特本人也会弹奏钢琴和大提琴，当年他在创办塔里埃森设计学校时，规定每个学生至少要会一种乐器。
音乐通过音的高低、强弱等表达人的思想感情；建筑通过形体、结构等提供美的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展，看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。
从公元前8世纪古希腊罗马时期开始，一直到20世纪初浪漫主义结束，在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品，尤其是音乐与建筑艺术，被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。
2 古典各时期音乐与建筑的对比
古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内，诞生了不同风格的音乐与建筑形式，接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比，找到音乐与建筑的内在联系。
2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑
2.1.1 音乐成就
（1）在古希腊神话中，重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”（缪斯）作为“音乐”的代称，这也就是流传至今“music”一词的来历。
（2）公元前6世纪，古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论，他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程，这是音乐理论方面的重大突破。
（3）大约在公元前5到公元前4世纪时，融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。
（4）古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。
2.1.2 建筑成就
（1）希腊：雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。
（2）罗马：万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。
2.1.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：固定的调式，如多里亚调式、弗里吉亚调式。
（2）建筑：固定的柱式，如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。
（3）共同点：固定不变。
2.2 中世纪时期的音乐与建筑
2.2.1 音乐成就
（1）这一时期的音乐多以宗教目的为主，宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌，此为单音音乐的作品，一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。
（2）世俗音乐也有了巨大的发展，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。
（3）连年的战争加上宗教的禁欲主义，音乐内容与形式以宗教为前提，在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。
（4）中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。
2.2.2 建筑成就
（1）罗马风：基督教堂、封建城堡、教会修道院。
（2）哥特：比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。
（3）拜占庭：圣索菲亚大教堂。
2.2.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：多为教会音乐，单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。
（2）建筑：多为教堂建筑，理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。
（3）共同点：朴素禁欲。
2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑
2.3.1 音乐成就
（1）这个时期的结束比开始有更为明确的定义，不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革，因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。
（2）早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单，声音致力于平滑。
（3）到15世纪末，复调宗教音乐又开始变得复杂起来，在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连；接下来到16世纪早期，音乐又开始简单化了。
（4）在16世纪晚期的音乐，尤其是小曲，趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯，音乐家也开始转向古典流派，他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形式。
2.3.2 建筑成就
（1）早期：弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府邸。
（2）兴盛：圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府邸。
（3）晚期：维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。
2.3.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：提倡人文主义，描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。
（2）建筑：批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑，多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。
（3）共同点：人性解放。
2.4 巴洛克时期的音乐与建筑
2.4.1 音乐成就
（1）巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。
（2）巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。
（3）那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。
（4）代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知，亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅，他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。
2.4.2 建筑成就
（1）早期：罗马耶稣会教堂。
（2）中期：罗马波罗广场、圣卡罗教堂。
（3）晚期：维也纳的舒伯鲁恩宫。
2.4.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。
（2）建筑：炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。
（3）共同点：装饰华丽。
2.5 古典主义时期的音乐与建筑
2.5.1 音乐成就
（1）广义是指西洋古典音乐，狭义指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐。
（2）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。
（3）“交响乐之父”海顿的小夜曲，“神童”莫扎特的奏鸣曲，以及“乐圣”贝多芬的 小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。
2.5.2 建筑成就
（1）早期：维康府邸。
（2）中期：卢浮宫东立面、凡尔赛宫。
（3）晚期：巴黎残废军人新教堂。
2.5.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。
（2）建筑：以古典柱式构图为基础，突出轴线、强调对称、注重比例。
（3）共同点：理性主从。
2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑
2.6.1 音乐成就
（1）这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。
（2）强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术。提倡标题音乐，强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，重视戏剧，作品具有民族特色。
（3）在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。
（4）初期：舒伯特和柏辽兹。中期：门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰：柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期：马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。
2.6.2 建筑成就
（1）前期：英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。
（2）后期：威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。
2.6.3 音乐与建筑的共同点
（1）音乐：强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。
（2）建筑：强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。
（3）共同点：自然趣味。
3 古典时期音乐与建筑的内在联系
3.1 感性层面
在古典时期，往往是先出现新的建筑风格，然后再出现新的音乐风格，在一段时期内，音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。
而在不同的历史阶段，古典音乐与建筑的风格会发生很大的变化，但是风格不管怎样变化，调子总是灰色的，充满信仰，压抑而厚重。
古希腊罗马时期风格是固定不变，中世纪时期风格是朴素禁欲，文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽，古典主义时期风格是理性主从，浪漫主义时期风格是自然趣味，整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性，再从感性到理性，再从理性到感性的变化过程。
3.2 理性层面
先有建筑风格，后又音乐风格的原因不难理解，建筑往往是在创造一种生活，而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来，当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源，再通过音乐语言把这种灵感表现出来。
而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于，西方文明一直处在一种宗教的氛围当中，不管是创作的起点还是终点，总有一端是与宗教联系在一起的，所以整体的风格不管怎么变化，仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的，不可能从一个极端走向另一个极端，总体上虽有变化但仍是一种延续。
整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时，就需要一种解放，当人性过分的感性时，就需要一种束缚，人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应，人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期，音乐和建筑会在一个时间段内，风格都极其相似，也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。
结语
通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比，找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律，在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往，在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物，它是人在一段时期内内心愿望的外在表现，必然会在特征上表现出高度的相似性，这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化，人性在其中扮演着重要的角色。
参考文献：
(德)谢林．艺术哲学．北京：中国社会出版社，2005．
古典主义时期音乐特征范文2
关键词：古典和声；特征；色彩因素；中国民族
中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）32-0143-01
“和声——犹如一切事物——基于它所处的时空条件、环境、土壤，甚至某种机遇，作为一个划时代的伟大艺术成果，诞生于人类文明史的发展进程中。自从和声成了音乐语言不可缺少的重要组成部分，它便自始至终伴随着音乐艺术浪潮的起伏演进而更换着自己的角色风貌，以求完成其烘托各种艺术格调的特殊使命。和声的发展虽以技法的变化更新为表征，但它所带来的，却是新音乐语言的艺术内涵在敲动人们的心弦。”和声的发展是逐步的，10～16世纪，欧洲复调音乐从早期的奥加农发展至复调写作的完善阶段当复调音乐的各声部相互间以协和音程为主作对位结合时，即形成和声音程、和弦与和声进行。17世纪，早期巴罗克时代随着单旋律乐曲的形成和歌剧的产生，采取为单声部歌唱加和弦式伴奏的方法。开始应用数字低音以指示伴奏部分的和声。18世纪上半叶，后期巴罗克时代在这一时期中，器乐写作得到更大的发展，建立在大、小调和声体系基础上的自由复调音乐是主要的织体形式。18世纪后半叶，古典乐派时期主调音乐成为主要的体制。19世纪，浪漫主义时期19世纪初，和声手法基本上与上世纪后期相同。20世纪在19世纪后期大、小调体系和声发展至极限的基础上，不少作曲家探索新的创作手法，或回复至古老的音乐风格，其结果都打破了过去200年来传统和声的规范。
本文中“和声”是指19世纪初古典乐派风格乐音音响组合。它包含：（1）和弦，是和声的基本素材，3个或3个以和声上不同的音，根据三度叠置或其他方法同时结合构成，这是和声的纵向结构。（2）和声进行，指各和弦的先后连接，这是和声的横向运动。补充一句。和声有明显的浓，淡，厚，薄的色彩作用；还有构成分句，分乐段和终止乐曲的作用。由于18世纪后半叶，古典乐派时期以主调音乐主要的体制。追求的是思想内容与结构形式上的单纯明晰的特点，也表现在和声手法的简朴方面。大、小调体系成为和声的基础，中古调式消失其影响。和声的调性意义更为明确集中。著名音乐理论家贾达群先生对于“古典和声”一词还有更详细的定义： “古典和声的定义应该是：建筑在泛音列前八个音基础上的、以三度叠置为基本结构、以属主关系为基本‘功能序进’逻辑、以大、小、增、减为色彩对比的和声。”
和声是多声部音乐的音高组织形态，是音乐的基本表现手段之一。和声一直被看成是对位的基础。和声有结构功能和色彩功能两种基本属性： 结构功能是指和声对音乐形式构成方面的意义。这主要表现在：（1）音高纵向结合的组织作用；（2）确立或瓦解调性、调式的作用；（3）发展或终止某一结构的作用。色彩功能即和声的音响作用。两种功能的对立统一，是和声内部矛盾的集中表现，它决定着和声风格的历史演变以至每一和声现象的面貌特征。和声在调性音乐中，具有功能性与色彩性的意义。和声的功能与调性密切相关，离开了调性或取消了调性，和声也就失去了它的功能意义。和声的色彩，是指各种和弦结构、和声位置、织体写法与和声进行等所具有的音响效果。无论在调性音乐或非调性音乐中，它都具有重要意义。这种西方色彩因素在中国音乐中的体现时，也能够达到美的效果。例如中国作曲家何占豪、陈刚创作的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，堪称中西结合美得典范。它充分体现了中国民族和声风格特色之美。其实，当今的中国民族和声写作技法理论主要还是建立在西欧古典乐派和声理论、方法基础之上的，自萧友梅等中国老一辈音乐家通过“留洋”发现了古典和声之美，并且将其引入中国，又经中国几代作曲家、理论家的改进和处理，使之融入了中国五声性调式风格特征。
“和声”是音乐的基本表现手段之一。它不仅仅是西方音乐的重要组成部分，在中国近代音乐发展中也有着不可候缺的地位。随着中国几代音乐前辈的不断探索，和声在于中国民族音乐的不断交融中，更加大发光彩。
参考文献：
[1]吴式锴.和声艺术发展史[M].上海音乐出版社，2004-10-1.
[2]桑桐.和声的理论与应用[M].上海：上海文艺出版社，1982．
[3][苏]伊·杜波夫斯基斯·叶甫谢耶夫等合著.和声学教程[M].北京人民音乐出版社，2000年1月北京第1版.
古典主义时期音乐特征范文3
近年来，我国声乐教育界掀起了一股古典意大利歌曲演唱、教学和理论研究的热潮，光从理论研究来讲，据笔者统计，从八十年代初至今，国内学者涉及到对古典意大利歌曲研究的文章多达80篇左右，如青岛大学音乐学院王锐发表在2009第5期《科技信息》上的论文――《意大利古典艺术歌曲在嗓音训练中的作用》、苏州大学艺术学院黄常虹发表在2006第5期《苏州大学》学报上的论文――《取之不尽、用之不竭的优秀声乐作品――意大利古典艺术歌曲在声乐训练中的价值》，华中师范大学音乐学院陈岭发表在2004年第1期《艺术研究》上的论文《论古典意大利歌曲的风格特征及演唱》及发表在2008年第6期《美与时代》上的论文――《古典意大利歌曲的人文主义精神》等等，这些论文大都通过具体的作品对17、18世纪的意大利歌曲的风格特征及在教学上的价值意义给予了比较充分的论证和说明，但还显得比较零散和不够系统。近年，随着全国声乐硕士研究生数量的激增，很多声乐硕士毕业生也选了这方面的专题进行研究，例如：南京艺术学院的2006届硕士毕业生郑奕的硕士论文《浅析早期意大利歌曲在声乐演唱(美声)与教学中的价值》，西安音乐学院2007届硕士毕业生赵远征的硕士论文《意大利古典歌曲及其演唱》等等，但所有这些研究都还有待于深入，其相关成果具有深化和细化的空间，尤其将古典意大利歌曲的风格特征与国内声乐教育教育相联系起来这一方面，还没见有系统和有条理的专著和论文出现，2010年，笔者研究的课题――《古典意大利歌曲的风格特征及在声乐教学上的训练价值研究》还得到了华中师范大学中央高校基本科研业务费专项资金的课题资助，在此，我想就此课题研究的意义、研究的内容等方面做如下的阐释。
一、研究意义
1.从文化的角度。学习古典意大利歌曲能使我们更好的理解西方文化特别是西方文艺复兴时期的人文主义思想。什么是人文主义思想呢?人文主义起源于14世纪下半叶的意大利，其后遍及西欧整个地区。人文主义者以“人性”反对“神性”，用“人权”反对“神权”。他们提出“我是人，人的一切特性我是无所不有”的口号。他们非常不满教会对精神世界的控制，他们要求以人为中心，而不是以神为中心，他们歌颂人的智慧和力量，赞美人性的完美与崇高，反对宗教的专横统治和封建等级制度，主张个性解放和平等自由，提倡发扬人的个性，要求现世幸福和人间欢乐，提倡科学文化知识。所以，人文主义的理念，其重点是“人”，是“人”的本能的发挥，是“人”追求真、善、美的动力。而通观每一首古典意大利歌曲，这些古典意大利歌曲的歌词同旋律不仅都结合得异常美妙，而且唱词非常显明地反映了文艺复兴以来的人文主义思想，呈现出世俗的而不是把目光投向彼岸世界的斑斓色彩，抒写出摆脱了禁欲主义的人的种种喜怒哀乐的情愫，既典雅、优美、流畅和风趣，又含蓄、高贵、庄严甚至气势宏伟。所以，这些古典意大利歌曲无不是当时文艺复兴时期以来人文主义思想的深刻体现，下面以《阿玛丽莉》《多么幸福能赞美你》《紫罗兰》《亲爱的，我为你留下这颗心》这几首歌曲的歌词为例。
《阿玛丽莉》(卡契尼作曲)
阿玛丽莉，亲爱的，
请相信我心里甜蜜的情意，让我们永不分离。
请你相信，假如你害怕忧郁，都会对你无益。
啊，你的名字永远铭刻在我心里：
阿玛丽莉，阿玛丽莉，阿玛丽莉，我爱你。
《多么幸福能赞美你》(G.B.博侬契尼作曲)
多么幸福能赞美你，我多爱你，
啊，美丽的眼睛，多么幸福能赞美你，
我多爱你，啊，美丽的眼睛。
爱情将会使我痛苦，但我仍旧永远爱你，
永远，永远爱你
虽痛苦，仍爱你，美丽的眼睛。
虽然没有爱情的希望，痴情梦想地整天叹息，
但是遇到你那眼光，谁能抗拒那种魔力……
谁能，谁能不爱你?
《紫罗兰》(A，斯卡拉蒂作曲)
紫罗兰芬芳吐妍，花瓣上面露殊点点，
风度典雅，妩媚娇艳，含羞般的站在一边，
掩袖遮面，若隐若现，在绿叶问，
仿佛责怪我的意愿，过分轻狂，过分大胆。
《亲爱的，我为你留下这颗心》(L・莱奥曲)
把这颗心留给你，作为爱情的凭据。
请相信我永远爱你，
别哭泣，我亲爱的，我最亲爱的，
假如你哭泣，啊!上帝，啊!上帝!
我心里悲戚，上帝!啊!上帝!
我心里，我心里悲戚。
这些歌词，表达得如此之率直和大胆，感情抒发得如此酣畅炽烈，实在难以想像它们是17、18世纪古典意大利歌曲中的唱词。这些闪耀着人性光芒的歌词，难道不充盈着文艺复兴以来肯定人的作用和价值的人文主义思想吗?难道学习古典意大利歌曲仅仅是歌唱技艺的训练?难道我们不能从文化的角度去体会西方各个时期不同的文化和社会风尚?
2，从声乐训练的角度。通过笔者这几年的声乐教学和演唱实践，使我更加认识到申请作好该课题的必要性和重要性。在实际的声乐教学中，尤其在我们声乐学生的基础性阶段的声乐曲目的学习训练之中，我发现个别声乐教师们在教学上和学生们在学习上不自觉地有贪大求难、好高鹜远的念头，对这些基础性训练极强的古典意大利的曲目怀有轻视的态度，认为它们太简单，不值得好好研究和学习，而众所周知，意大利是声乐的王国，这不仅因为美声唱法诞生于意大利以及意大利语被公认为是最适合歌唱的语言，更由于从古到今，在意大利流传下来了不计其数的优秀的声乐作品为世界各国的声乐演唱家、教育家学习、演唱和用于教学实践。17、18世纪的古典意大利歌曲是世界声乐作品中一枝独放的奇葩，这些意大利歌曲中的绝大部分具有典型的巴洛克时期的音乐特征和风貌，它们不但反映了当时的先进思想，在声乐写作技术上亦有不少可取之处。从声乐的技术角度讲，这些歌曲的歌唱部分多活跃、行进在人声的中声区，一般说来它们的音域不广，既无强力的高音，亦无浓厚的低音，适宜任何声部的歌手演唱，以巩固、发展中声区。同时这些歌曲风格纯正不浊，表情文火适当，常有长的连贯句和强弱明显、节奏清晰的各种语素。这些对培养演唱的技巧、练习呼吸基本功以及发好母音、咬准字音等均有极好的帮助。为摆脱传统声乐教学模式的弊病――无休止地练声，把声乐教学蜕化为“声乐体操”，我们的美声唱法的从业者(尤其是初学者)，完全可以从适量地演唱古典意大利歌曲入手，因为这些歌曲里面有着太多值得我们去追求和掌握的声乐技术、技巧方面的课题。而且在风格的纯正和表现古典美方面它们更是无与伦比的。它们是发展美好音质，学习得到在世界公认的的美声唱法过程中必不可少的经典，是全世界声乐教学普遍采用的教材。“几乎每个学声乐的人都唱过其中的一些作品”。
其实这些古典意大利歌曲历数百年的沧桑而仍光彩熠熠、魅力四射，是因为世界各国的音乐院校都把这些歌曲列为声乐学生的必修教材，连当今世界最伟大的歌唱家都仍然在音乐会上演唱这些歌曲，所以从声乐技术训练的角度来讲，我们决不能轻视这些古典意大利歌曲在声乐教学上的训练价值和意义。
古典主义时期音乐特征范文4
下面主要讲一下器乐在这时期西方一些国家的发展以及特征。
意大利的器乐
这个时期，在意大利各种不同体裁演奏的器乐获得了广泛的发展，在亨德尔和巴赫作品出现以前，意大利一直是局于欧洲音乐发展中最先进的地位，意大利作曲家创作了新的器乐类型：室内演奏，大协奏曲，小提琴协奏曲，古钢琴音乐和管风琴音乐的发展比较小，意大利器乐具有一系列的新风格特点：主调一和声写法占主要地位，横成线体中的一个因素，或运用模仿的写法，成为赋格式风格，就是这种风格很像赋格。这时期的器乐的特征是技巧性，独奏性的因素很发达，技巧性因素的体现者仍然是弓弦乐器。这时器乐的主题材料非常新颖，与前一个时期的复调音乐比较起来，新的器乐体裁的特点就是主题非常鲜明，器乐的主题是在舞蹈体裁，歌剧和部分的复调音乐的影响下形成的。在意大利最具有代表性的作曲家是多米尼科，斯卡拉蒂。
多米尼科-斯卡拉蒂(domenico scadatti，1685～1757)为键盘音乐做出了非常大的贡献，他为键盘乐器大约写了555首，是键盘乐器史上留下宝贵的财富。
在结构上，斯卡拉蒂的奏鸣曲虽然仍用二部曲式，但已稍同于典型的巴洛克二部曲式了，他更多地开始运用再现的二部曲式，虽然在这里还没有出现独立而完整的再现，但已有明显的再现因素，特别是有些奏鸣曲的第二部分的开始处已具有展开性，这就使作品的结构更加接近古典奏鸣曲式。因此，斯卡拉蒂的奏鸣曲的结构实际上已经是古典奏鸣曲式的萌芽。
英国与法国的器乐
在17世纪初，在英国古钢琴音乐得到了很大的发展。其中最有代表性的作曲家是帕赛尔，他对英国器乐的发展有很大的贡献。他写了大量的变奏曲，并且改编了许多民歌和生活歌曲的旋律，他的古钢琴音乐作品是英国古钢琴音乐的最高典范，这些作品以艺术上的细腻而突出。帕赛尔是英国作曲家中唯一的一个在室内器乐方面写了值得注意的典范作品的作曲家。特别是他写了许多“三重奏鸣曲”，这些奏鸣曲是非常有意思的，并且包含了帕赛尔的一切创作特点：抒情的表现力，旋律性，丰富的和声，充分发挥了乐器的可能性。
法国主要是讲古钢琴音乐，音乐法国作曲家们在古钢琴方面有很大的贡献。在17实际末出现了鲁库泊蓝(louis couperin,1626－1661)和其他几位作曲家(如玛尔商 louismarchand,1669－1792、达坎louis claude daauin,1694-1772)。法国的古钢琴是室内艺术，是宫廷贵族沙龙艺术。它是在这种环境里产生发展起来的。这种艺术是精美细致的，有很多程式化的因素，大自然的形象，农村生活风俗的情景是以田园诗的色彩来捕绘的。在法国古钢琴音乐的作品里装饰音七折八扣很大的作用，旋律里装饰着颤音，回音，波音，倚音等等。必须指出，在这种艺术里是有着相当程度的民族基础的，这一点表现在有本民族的风景形象，描绘了日常生活的情景，运用了民间的体裁，虽然对这些东西的表先都以贵族化了，法国古钢琴体裁基本上是小品。
德国的器乐
器乐在17世纪德国音乐历史中具有很重要的意义，虽然17世纪还没有出现很卓越的作曲家。但是它给具有世界艺术意义的作曲家(巴赫和亨德尔)的出现准备了基础。下面主要讲一下古钢琴在德国的发展。谈到器乐自然回想到伟大的作曲家巴赫，在巴赫的创作中，复调音乐风格达到了高度的发展。巴赫的艺术富于高度的。深刻的哲理意味，具有极其强烈的戏剧性和非常丰富的抒情性。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(johann sebastion bach,1685-1750)出生于德国中部图林根地区的一个著名的音乐家族。
巴赫的器乐以钢琴音乐为最重要。巴赫的钢琴音乐，体裁形式非常多样，但根据写法的不同大致分为5类：(1)舞曲；(2)前奏曲；(3)赋格；(4)即兴曲；(5)协奏曲。
古典主义时期音乐特征范文5
关键词：海顿 奏鸣曲 音乐分析
中图分类号：J605 文献标识码： A 文章编号：1672-1578（2013）01-0046-01
弗朗茨·约瑟夫·海顿，1732年3月31日生于奥地利，1809年5月31日猝死于维也纳，是奥地利作曲家、维也纳古典乐派奠基人，在西方音乐史中占据了重要的地位。其最大的贡献在于对交响曲、弦乐四重奏的创作，因此常被世人称作“交响乐之父”和“四重奏之父”。
海顿生活的年代， 一生跨越了从巴洛克时期到几乎整个古典时期的漫长阶段，所以从他的音乐中可以明显看出风格上的演变过程。海顿钢琴音乐风格可分为早、中、晚三个时期，作品主要以钢琴奏鸣曲为主。作为一个古典主义者， 海顿开创和发展了奏鸣曲式。他人生整个创作的转折点是18世纪70年代，那是钢琴艺术史上古典时期的开始。在1766年到1770年间，海顿经过了一个“浪漫主义激变”时期，而且受当时德国主义文学界掀起的 “狂飙突进运动” 的影响。
海顿钢琴音乐的风格正如他的基本创作风格一样，明朗、充满活力、富于幽默感和民间气息，带着光辉的智慧和对人生的透视，既厚重又富于结构感，既朴实自然又泛出一种温暖海顿一生共创作了 62首钢琴奏鸣曲，其中，早期的奏鸣曲类似于嬉游曲，结构及织体语言都比较简单他晚期的奏鸣曲数量不多，总共只有五首，即五十八 六十二，但却是他最富有独创性风格最成熟的作品，代表了海顿键盘风格的顶峰 特别是第六十二首奏鸣曲，是海顿奏鸣曲中最富有深刻意义和戏剧性的作品。
1 《D大调钢琴奏鸣曲》音乐技法分析
1.1呈示部（1-40）
呈示部由主部，连接部，副部和结束部构成。
主部（1-8） 为两个4小节平行句结构，第一乐句半终止在 大调的属和弦上，第二乐句完全结束在主和弦上，两乐句在和声上形成属与主的呼应，构成了方整乐段。
连接部（9-16） 此部分旋律转为低声部，右手配以分解和弦式的伴奏声部，调性保持在D大调上，但在第16小节和声落在V级和弦上，这为副部新调性的进入做好铺垫。
副部（17-34） 调性转入到主部调性的属关系大调——A大调上。前5小节右手声部以带有前倚音的四个十六分音符和一个八分音符的节奏型为主，音乐进行的动力性大大增强，而右手声部则以平行进行的三度叠置的音程为主，相互呼应。
结束部（35-40）音乐素材仍采用和弦音的分解式，以V7——I的和声进行为主，更加巩固调性的完整确立。
1.2展开部（41-56）
由中心部分和属准备两个部分构成，矛盾对比更加剧烈。音乐直接从A大调上开始，主题仍然是呈示部的旋律。通过采用副属和进行，使得主调的回归更加急切，最后停留在D大调的属七和铉上。
1.3再现部（61-103）
基本再现了呈示部的音乐内容，只是在副部再现时通过调性的变化使乐思进行了扩充，之后全曲调性回归到主调D大调上并圆满结束。
2 海顿《D大调钢琴奏鸣曲》的创作意义与影响
海顿一生创作了52首钢琴奏鸣曲。这些曲目主要是为教学个人演奏而作，大多纯朴而稍显平庸。海顿最早的钢琴奏鸣曲的曲式结构的末乐章通常不使用快板形式，而是用小步舞曲来代替。后来，模仿了北德乐派大师巴赫的奏鸣曲，1771年写了豪放而略带伤感的《C大调钢琴奏鸣曲》，到了80年代海顿在旋律的风格与结构上又受到莫扎特的影响，并十分重视莫扎特钢琴奏鸣曲的成就。《D大调钢琴奏鸣曲》是海顿所写钢琴奏鸣曲中最动人，最热情的作品，在技巧和艺术手法上更加成熟，堪称海顿古典奏鸣曲的范例，这首钢琴曲在容上表现了这一时期海顿的情感及生活态度，披露了作曲家的内心及其音乐观。第一乐章音乐较为理性，主题较为宏伟，曲调及情感丰富，主题材料鲜明，严格并富有逻辑，展开部在和声的变化下充满了动态感。
纵观海顿一生的音乐创作，他以平淡的形式表现出人性的崇高和伟大，以智慧和悟性应付了从巴洛克时期到古典时期音乐的转型，在追求古典音乐理性，平衡时，却没有失去本人鲜明的音乐个性。他的远见卓识，为后人搭起一座通向古典主义高潮和浪漫主义新路的桥梁，而其本身却是那样朴实无华。
参考文献：
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古典主义时期音乐特征范文6
关键词：浪漫主义时期 钢琴音乐 风格特征
在中外艺术史上，凡是杰出的艺术家都有自己鲜明独特的风格，这种风格体现在其全部创作之中，体现在其作品的内容与形式等各方面，使其具有独特的艺术魅力。同是德国音乐家，巴赫的风格与贝多芬的风格截然不同，同是意大利文艺复兴时期的著名画家拉斐尔的画风与达·芬奇的画风的迥异可以说是一目了然。
艺术风格体现出艺术家的创作个性，艺术流派则体现出风格相似或相近的艺术家们的共性。在近代文艺史上有过重大影响的流派主要有古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义等。下面笔者谈一谈浪漫主义时期钢琴音乐的风格特色。
19世纪（1830—1900年）的音乐，常被称作浪漫主义音乐。这个世纪是情感宣泄、多愁善感的世纪；是和声极度多样发展的世纪，是曲式结构大胆创新的世纪；也是音乐大师层出不穷、钢琴音乐发展到巅峰的世纪。
在19世纪初，钢琴的使用已很普遍，它的音响比以往的大键琴更有效果，尤其是踏板装置的增加，又为钢琴增加了一项新魅力，它使和声美妙地混合，产生了不可思议的色彩感，更能表达出浪漫的气氛。钢琴不仅仅成为一件独奏乐器，还进入室内乐的范围，从而吸引无数的作曲家和演奏家，它们使钢琴尽可能地表现以柔情的情绪到宏大的篇幅，使钢琴的技巧和表现都达到从未有过的高度，而此时作曲家兼演奏家是非常普遍的现象，又形成了明显的演奏风格。
“浪漫主义”与“古典主义”是相对的。“浪漫主义”的风格特征是个人主义，尚情感、重主观、尚新奇、重民族情。在这种观念下，浪漫主义的音乐在形式和技巧上虽承自古典乐派，但内容上都大有差异，古典乐派的音乐是超民族的、超个别性，着重在抽象的观念，只求表现“美的理想”，而较少宣泄人类产生的感情，浪漫乐派的音乐则是自由奔放，形式上无拘无束，喜用抒情和描写，民族民间因素大大增加，标题性也很强，与大自然密切结合，表现出强烈的个性和民族性。
一、19世纪浪漫主义乐派的作曲家对钢琴音乐风格产生重要影响
19世纪浪漫主义乐派的作曲家对钢琴音乐风格产生重要影响的作曲家有贝多芬（晚年）、舒伯特、舒曼、门德尔松、肖邦、李斯特、勃拉姆斯等等。
贝多芬是个重要的转折点，这位伟大的巨人一脚跨在古典主义，一脚跨在浪漫主义，他是沟通两个时代的桥梁。他的作品106第三乐章第二主部已经预示肖邦夜曲风格的先声，他的作品111第二乐章的第三变奏也隐现了“爵士”节奏的特征。
舒伯特则是纯粹具有浪漫主义精神的第一位作曲家，他的作品渗透的发自肺腑的抒情性格，直接开创了浪漫主义时期最主要的风格特点。舒伯特的钢琴作曲如《音乐瞬间》《即兴曲》等具有与大型作品（如奏鸣曲）同等重要的价值，这种单乐章的中小型曲体成为浪漫主义时期十分普遍的音乐曲式结构。
如果说从舒伯特的音乐中，我们感受更多的是他内省性的自我对话，那么从肖邦作品中，我们可以感悟到作曲家内心与别人的对话，肖邦的钢琴音乐仍是最纯粹的键盘思考后的产物。他的音乐只有在钢琴上才能发出他想要的声音。肖邦对钢琴音乐的贡献，一是他对这种乐器的性能从各种角度去重新观察；二是在作品的创造过程中，不断探索钢琴音乐的新的可能性，如双手节奏的复杂组合、大胆的不谐音响，以及巧妙的转调引出的色彩变化等等。
舒曼是另一位杰出的浪漫主义风格作曲家，他那具有非常创造性的钢琴作品为钢琴文献增添了宝贵财富，其最杰出的贡献是性格化的套曲或小曲，如《童年情景》《蝴蝶》等，他使用了快速和声节奏、不寻常的踏板效果、切分及交叉节奏、变化多端的伴奏音型等一系列有意义的探索性技法，对其浪漫主义作曲家产生了深刻影响。
李斯特不但创造了“交响诗”的结构形式，推动了奏鸣曲式之后音乐形态的发展，还创造了具有鲜明匈牙利民族气质的大量作品，他的钢琴音乐与肖邦、舒曼一起达到了超群绝伦的高峰。可以说，他在另一方面使钢琴的表现力扩大了；而肖邦是在色彩的表现上为钢琴增添了许多音的音质。他尽可能地把一切先进的因素引入钢琴音乐中，使钢琴技巧发挥得淋漓尽致。而且他晚年的音乐语汇，事实上开创了通向诸如印象主义、十二音体乐系等20世纪前半叶的现代音乐之路。
19世纪下半叶，钢琴技艺发展仍遵循着肖邦、舒曼、李斯特的道路，在浪漫主义音乐语汇上没有太大变革，但各种民族主义因素的增长成为该阶段另一段特征。勃拉姆斯就是一位杰出代表，他的钢琴作品仍能够以特有的内在深沉的情感力量打动听众的心灵。他的钢琴织体一般比较乐队化，不同于肖邦充满诗意的浪漫情调和李斯特光辉灿烂的弦技性格，往往是充满勃拉姆斯式的深厚宽大的和弦。
二、浪漫主义时期钢琴音乐的风格特征
19世纪钢琴作为乐器中最具表现力的“王者”，在它诞生100年后，达到技巧和艺术的最鼎盛时期。
1.浪漫主义时期的钢琴技术发展到了鼎盛时期，音乐具有绚丽、艰深的技巧
这个时期的钢琴制造业获得了质的飞跃，钢琴音乐域扩大到七个半八度，使钢琴的表现力大大提高，从此，钢琴登上了“乐器之王”的宝座。同时，钢琴领域涌现出一批超级炫技大师，音乐会性的“练习曲”也代替了纯技术性练习曲，钢琴演奏技术包括八度的大量运用，连续饱满的大和弦，开放排列的各种琶音，音阶、半音阶以及各种音型组合方式的华彩经过句，各类组合双音，托卡塔式的双手交叉，远距离跳跃，尖锐短促的快速跳音，闪电般的刮奏，雷鸣般的震音，快速的各种重复等等。眼花缭乱、辉煌壮丽的钢琴技巧发展到了前所未有的顶峰时期。
2.表达、传递、流露、强化个人的情感成为浪漫主义钢琴音乐的本质
浪漫主义音乐突破了循规蹈矩的古典风格，形式上无拘无束，情感自由奔放，强调浓厚的个人思想情感，偏重幻想和夸张的手法。梦幻般的诗意和火热的激情是这一时期钢琴音乐的显著特点。对大自然景物的描绘越来越多，远离城市的喧嚣，在大自然中寻求宁静和解脱。浪漫主义时代成为一个彰显个性、情感膨胀的时期。
3.标题性成为浪漫主义音乐的一种重要倾向与特征
浪漫主义作曲家多半聚集在包括画家、诗人、文学家在内的艺术沙龙圈子内，他们彼此影响激发灵感，促使音乐走向直观、诗化，呈现出文学化倾向，用各种文学标题来揭示和启发音乐内涵。同时，不同民族的作曲家追求着各自的民族、民间特色和情趣，体现出雄浑的民族精神和个性特征。
4.浪漫主义的体裁和表现手法丰富多样，各具特色
