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美术研究论文范文1
一、观察中的说话
美术是一门视觉艺术，美术的一切活动都是以观察为基础的，在美术活动中，教师要引导幼儿观察艺术对象的形象结构、颜色等特征，并用语言进行表达。所以我经常利用观察这一环节，让幼儿练习说话。如：在教幼儿画金鱼时，我先出示放在水中的金鱼，让幼儿观察金鱼的外形特征，并让他们用语言表达出来。当姿态各异的金鱼展现在幼儿眼前时，孩子们会情不自禁地表达自己的所见所感：“金鱼的颜色真多，有红的、有黄的，还有黑色的……”，“金鱼的尾巴摆来摆去好漂亮，真象美丽的飘带”，“金鱼的眼睛是鼓出来的，象珍珠”。……这时老师如果顺势地教幼儿学说新词和完整的描述性语句，幼儿就会很感兴趣，从而产生一种学习的冲动，积极主动地配合老师教学。
二、操作中的说话
幼儿不论手中操作什么东西，常自觉不自觉地发出一些声音，或自言自语，或与他人对话，这些声音大都与操作内容有关，而且老师也制止不了。于是我就抓住幼儿这个特点，并加以诱导利用。我常把操作过程编成儿歌，让他们边做边说。如教幼儿用泥塑苹果时，我就编了一首儿歌：“搓搓搓，搓成一个小圆球，上下轻轻压个坑，中间再插一根柄”。在教幼儿画小猫时，我边画边念：“有间小房子（头），开着两扇窗子（耳），挂有一个帘子（额），住着两个孩子（眼），合用一口锅子（嘴），每人一双筷子（胡子），房下有个土墩子（身体），旁边有个钩子（尾巴）。这样幼儿在操作时兴趣很高，既掌握了操作要领，也练习了说话。
三、评议作品中的说话
美术研究论文范文2
1.课程的开发、科研能力。
美术课的评价标准是多样的，而且科目的特殊性也使得美术课堂的灵活性、情趣性、活动性更强，所以，美术教师具有课程改革和实践的更大优势，具有发挥多种才能的更大空间，也就更有利于我们开发和研究出适合自己、适合学生的一套教学方法，增加美术课堂的吸引力。“教书匠”一去不复返了，教育科研能力、课程开发能力才是为我们教育进步保驾护航的基本能力。
2.沟通、合作能力。
沟通、交流在传统教学中也是重要的一环，但在研究性学习中更为重要。作为课题组的一员，教师既是指导者，也是参与者、合作者，所以和谐的语言交流，顺畅的沟通是合作的基本前提。同时，与同事的融洽相处，与家人、家长以及社会的良好沟通合作能力，都将对我们的教学工作有很大裨益。
3.跟上时代潮流，掌握当下的信息技术。
教师要学会使用网络资源，在整个互联网时代的环境背景下，网络资讯的普及使得教师的学习和学生获知的渠道变得四通八达。网络就是博物馆、图书馆、资料库和图库，教师要教会学生如何搜集整合资料，如何在网络环境下拓宽知识面，打开视野，为我们的课题服务。与此同时，除了能灵活地使用电脑，加强整合网络信息的能力，还要学会使用网络上流行的QQ、E-mail、MSN、微博、微信等对话方式，拉近师生距离，随时沟通交流。
4.为了很好地胜任“引导者”的角色
教师应学习一点管理学知识，加强领导能力、统筹能力、跨学科学习能力以及资料汇编能力。
二、教师角色的再定位
研究性学习课程的实施需要教师转变职业角色，采用以学生为主，围绕学生设计教学活动的课堂模式，充分发挥教师的指导作用。教师不再是三尺讲台的“主宰者”，不再是课堂的“独角戏”演员，而是师生以平等的身份共同学习、研究。在开展美术研究性学习中，课程的性质需要教师以引导者与协助者的身份介入到学生的课题研究中来，师生之间应该体现出“对话”的关系。教师以学习伙伴的身份与学生共同研究课题，及时了解学生的兴趣点，面对疑惑时能给予启发和指导，对整个研究过程进行统筹安排。尤其是关于课题的选择上，教师更应该把主动权和选择权交给学生，无论是问题的提出和研究的方向、方法都应该允许学生按照个人兴趣提出并经过筛选等方式最终确立下来。教师首先要把课题布置给学生，学生搜集资料就会相对容易和真实，课题的扩展空间也会相对变大，学生学到的知识自然就越多，教学效果自然更好。
三、教师的指导要张弛有度
研究性学习在本质上还是属于一种课堂活动，而不是科学创造，所以不能对学生的要求太高，或者课题选择太难、太深，都不利于学生掌握知识。但也不能完全“随意”“自由”，对学生不管理、少辅导；或者依赖多媒体，忽视教学内容和教学目标，不精心备课，只是充当了“放映员”的角色。有的教师把学生带到画室，让学生自己随意绘画，没有任何研究主题，采用“放羊”式的管理，自己“袖手旁观”，美其名曰为“自主学习”“自由创作”；或者带到网络教室，让学生自己随意搜集网络资料，没有选题，没有指导。还有一种现象就是教师参与的过多，原本的协助者成了代替执行者。担心学生不能很好地完成任务，或者教师自身的教学角色转换不过来，总是不能完全地放手和给予学生充分的自由，而是过多地干涉甚至代替学生完成任务，从而失去了研究性学习的初衷。这些现象告诫我们：
1.教师的指导和辅助作用，是有计划性的，有目的性的，教师要事先统筹好课题的开展，帮助学生选择适合的题目。
2.教师在课题开展过程中参与进来，成为研究的一份子，在学生遇到困难时及时帮助指导解决。
3.开发利用信息环境下的美术课程资源，而不是完全依赖多媒体和网络资源，教师需要对信息环境下的美术课程资源，哪些可以成为课程资源，哪些课程资源可以进入课堂转化为现实的课程进行鉴别、开发、积累和再使用。职业中专美术欣教学的对象是朝气蓬勃的年轻学生，这一阶段正是他们世界观、性格、创造力、想象力发展的黄金时期。研究性学习正好为他们提供了这样一个学习模式，让他们的探索欲、研究欲和创作欲得到施展和发挥，使学生的创新能力和个性品质得到发展，有利于提高学生的审美素养，更好地完成美术教学的根本任务。
四、结语
美术研究论文范文3
传统民间工艺品种繁多，艺术独特，历经千百年的锤炼，蕴含着丰富的历史价值、文化价值、科学价值和经济价值。世代相传，融合中外，推陈出新，闽南民间工艺从单纯的手工技艺上升为一种独具特色的文化，具有鲜明的民族性和地域性，是闽南文化和艺术的活化石。它以物化的形式融合于闽南民间的日常生活，体现出民间艺人质朴、纯真的情感和对美好生活的向往。闽南石雕整合了工艺元素和文化艺术，化顽石为神奇，极富艺术之魅力，繁多的种类、独特的风格和浓郁的地方色彩，驰名中外，独树一格。闽南木雕始于先秦，兴于唐宋，成熟于宋元，明清时期步入巅峰。既有古朴、淳厚的中原雕刻工艺的痕迹，线条流畅，人物造型生动，又具有闽南文化精巧的成分，充分表现出闽南侨乡的艺术特点，作品更是享誉海内外。闽南陶瓷均属民窑，从内容到形式，处处反映出民族化、大众化的特色。独特的瓷烧技术，精巧的工艺，简洁的装饰，体现了民众淳厚、质朴的审美情趣。闽南花灯将雕刻应用于骨架的设计上，绘画和书法融于纸面的花色调配上，造型和漂染工艺应用于花灯创作的整个过程。丰富的造型、柔美的线条、精巧的工艺，创造出一种意蕴和谐之美。闽南纸扎千年传承，内容丰富，造型生动，简练概括，经过剪、镂、镶、贴形成强烈的装饰效果，作品在海内外颇具影响力。闽南民众创造的丰富多彩的民间工艺美术资源具有丰厚的民俗内涵，艺术的原发性、创造性和手工技艺正是一切艺术表现取之不尽、用之不竭的源泉，同时也成为具有闽南特色的民间艺术手工制作课程的资源库。
二、闽南民间工艺美术融入当代艺术设计的有效性和可行性分析—以漳浦剪纸为例
漳浦以“中国民间（剪纸）艺术之乡”享誉中外，素有“金漳浦”之美誉。漳浦剪纸艺术源远流长，据《漳浦县志》记载：“元夕自初十放灯至十六夜，乃已神祠家庙，或用鳌山运傀儡，张灯烛，剪彩为花，备极工巧。”可见唐宋时期漳浦剪纸艺术就开始应用于花灯装饰等民俗活动。⑤剪纸俗称“铰花”，与刺绣艺术有关，常被应用于刺绣底样的创作。在中原文化如贴“窗花”习俗等影响下，漳浦剪纸逐步以独立方式使用在各种婚庆典礼、祭拜祖先等民俗活动中。如今漳浦剪纸已被世界认可，并在对外文化交流中发挥作用和产生影响，具有一定的经济价值和社会价值。继承传统、力求创新是任何民间艺术发展的关键，没有创新就没有生命力。漳浦剪纸在中国民间艺术中占有一席之地，主要表现在其艺术风格的独特性、艺术技法的原始趣味性和艺术品自身焕发出的美感。通过高校艺术设计教育从理论上探讨漳浦剪纸的构图形式、造型手法、创作意识等，增强在当代艺术设计中民族性、本土化的创新与应用，并在具体的艺术实践中探索漳浦剪纸与环境设计、装饰设计、平面设计等多个专业领域的结合点，注重传统与现代的结合，以新的设计艺术形式、设计语言符号使设计产生新的飞跃。
1.漳浦剪纸在环境设计中的应用漳浦剪纸所反映的内容非常丰富，其中包括闽南地区的地理环境、百姓的日常生活和传统习俗活动以及民间神话传说等，这些都以独特的符号融入剪纸作品中。例如，茶壶就是剪纸中最常见的装饰图案，这无疑渗透着闽南人爱喝茶的习惯；剪纸中常加入一些龙虾、鱼、螃蟹等水产品，这充分体现剪纸的闽南地域性和其来源于生活的传统特征。作为一种独特的设计素材，无论是在思想上还是文化的传承上，都将成为本土风格环境设计的创作源泉。同时漳浦剪纸在艺术表现上立足本土，注重主观想象，艺术构图奇巧、简练明朗、古拙抽象，表达着古老的民俗文化传统，具有浓厚的“原生态”趣味及“乡土味”气息，这对设计本土风格的环境设计具有重要意义。设计师应该以保护和传承历史文化为己任，唤醒人们对本土文化的记忆，将其融入现代城市功能设计中，赋予建筑内外部的空间乃至整个城市浓厚的本土特色风情。漳浦剪纸主要运用红色，通常以单色为主，其他颜色作陪衬，在对比色中求谐调，颜色上的创新运用突出了工艺装饰效果。这对设计闽南本土风格的室内空间有着重要意义。例如，在现代环境设计中可运用漳浦剪纸的图案，采用闽南地区的红砖、白石为装饰材料，设计出有关闽南红砖文化的主题浮雕、壁雕等作品。漳浦剪纸造型独特，收放自如，运用在现代室内外立体造型的细部装饰上，如隔断花墙、装饰品花架、屏风等，具有通风采光、借景叠景等功能，不仅起到了特殊装饰和美化环境的作用，而且也增加了艺术氛围。另外，还可以运用闽南文化元素的剪纸图案制成各种镜框式、挂历式的装饰画和装饰品，以此带动室内陈设品行业的发展。窗帘、沙发靠垫、沙、桌旗、布艺床品等都可以采用漳浦剪纸传统图案，这不仅使室内空间更具本土色彩，还能寄托民众美好的愿望。
2.漳浦剪纸在装饰设计中的应用漳浦剪纸将闽南人民物质生活和精神生活以图案的形式表现在作品中，形成了一种独特的艺术表现形式，折射出闽南人的性格和意识形态。漳州剪纸利用本身图案的抽象造型来反映闽南地区的意识形态和思想，糅合闽南传统文化。现代装饰设计对于诸如漳浦剪纸这类传统工艺的应用遵循“批判和继承”的原则，既尊重其自身发展特性，又对其进行产品创新，既将其作为现代装饰的补充，又在现代装饰中很好地对漳浦剪纸进行有效地传承。传统漳浦剪纸在线条、构图、剪功等方面具有特殊性，折射了闽南文化多元化的特征和细腻雅致的审美取向，传达了浓郁的乡土气息。现代装饰艺术中对于漳浦剪纸的应用可从以下方面为出发点：一是结合装饰设计作品的主题，充分挖掘漳浦剪纸的特点，在作品中对其在材料、线条、构图等方面进行大胆创新。二是根据不同设计作品的特殊风格，在刺绣种类、色彩选择、图案设计等方面进行搭配，凸显出漳浦剪纸的固有特性，同时又在装饰作品中呈现出典型的剪纸特性。3.漳浦剪纸在平面设计中的应用鲁迅先生说过：“在现在，艺术上是要有地方色彩的，有地方色彩的，倒容易成为世界的，即为别国所注意。打出世界，即于中国之活动有利。”⑥漳浦剪纸蕴藏着特有的文化内涵和艺术韵味，具有特殊的地域性和造型手法。比如，漳浦剪纸通常采用“排剪”技法，结合“阳剪”为主、“阴剪”为辅的表现手法，形成其在工艺上纤巧细腻，构图上线条简练、圆满匀称、对称平衡的特征。同时在物象形态的刻画上应用的简约意象表达方式或夸张的艺术表现形式等都可以为现代平面设计所利用。因此设计师可以从以下三个方面去考虑，一是将设计主题与剪纸图形意蕴相联系，从创意选题的角度思考选择恰当的主题表意，有目的地去把握对象的整体结构式样；二是从创新的角度在图形、材质、风格等方面上将漳浦剪纸包含的图形图像或其他意象特征进行夸张变形、化繁为简、重组创新，深化对漳浦剪纸艺术的价值认识，同时与现代平面设计的构型审美相结合，利用剪纸图形的形似和神韵创造出贴切的图形语言；三是在表现技法上运用“排剪”技法创造出新的设计表现语言，扩展设计的表达形式，将漳浦剪纸的视觉特征融入现代平面设计之中。
三、民间工艺美术融入高校艺术设计教学的方法
“生产者的艺术是世代人民所创造、所传播并表现他们审美观念和艺术情趣的文化艺术形式。”⑦民间工艺美术作为生活世界的认知和诉求，是群体意识与思想认识的一种反映方式，不仅包含了大量原生态艺术图形和工艺技法，还体现了人类本源的思维意象、审美观念和情感表现。因此，在艺术设计教学中不仅是要拓展学生的技法表现手段和途径，更重要的是要引导学生正确认识民间工艺美术的文化价值，真正体味到民间工艺美术的文化内涵和情感魅力，并应用于现代设计。
1.在艺术设计教学中开设民间工艺美术课程审美认知与创造力的培养是高校艺术设计专业教育的核心，民间工艺美术样式几乎都同时具备了高校艺术设计专业教育的基本要素。在艺术设计教学中，应以其审美鉴赏、技艺造型、品格精神等为基本内容，积极开设具有本土特色的民间工艺美术题材的艺术课程。在教授过程中，采用教与学的互动方式，增加学习的趣味性，突出创造的成就感，培养学生的动手能力、造型能力、材料的把握和认识能力以及创新思维精神，激发独立思考的意识，并在教学实践中引导学生去发现美、感受美、鉴赏美、创造美。诸如剪纸、雕刻、漆艺、陶艺、编织等课程，着重把研究民间美术功能的实用性、技巧的高明性、题材的丰富性、装饰的生动性、形式的多样性置于首要地位，把创造具有独特性和地域性的艺术文化作为教学的宗旨，做好民间工艺美术资源向地方工艺美术课程的转化，由此将传统与现代、现在与未来相互融合，形成未来艺术设计教学的新方向。
2.成立地方民间工艺美术研究机构，定期举办展览和讲座发挥地方的民间工艺美术文化优势，发掘和整合地方文化资源，成立高校民间工艺美术研究机构。组建一支以地方高校教师为主的研究团队，同时聘请地方各个门类的工艺美术大师、领军人物为客座教授，共同探讨民间工艺美术资料的收集、整理、理论研究和相关教学工作。通过对传统工艺的传承、保护、创新、开发和研究，积极运用现代艺术设计理念，将传统工艺的实用性、经验性和学术性特征应用于校本教材的编写中，用时代和科学的态度加以继承和改造，通过条分缕析、去芜取精、发展提高，形成一个特色鲜明而又具有时代感染力的文化产品体系。在教学中将民间工艺如雕刻、剪纸、编织等引入课堂，活化课堂教学，同时又让学生能够直观地感受到民间工艺美术的独特魅力以及其在设计领域中的突出表现。另外，可以让民间工艺大师将制作工艺直接带入课堂，通过举办专题活动，从表演技艺开始给学生讲授和示范制作工艺，让他们亲身体验民间工艺美术的神奇。定期开展民间工艺美术展览、学术交流、课题研究和专题研讨等，形成多种形式的教育方式，将民间工艺美术资源真正融入现代艺术设计教育。
3.创立民间工艺美术校内工作室和校外实践基地根据民族民间工艺美术的种类，结合其美术特点对艺术设计教学实验室进行改造形成专门的工作室，以工作室为载体，通过选修等方式实行开放式教学，将理论与实践融为一体，如漳州剪纸工作室、惠安雕刻工作室、闽南“妆糕人”泥面塑工作室、树脂彩绘工作室等。工作室的教学主要采用艺人的“技”和教师的“艺”结合，即通过教师对设计作品创作思想的理论阐述与“请进来”的民间艺人的技术培训相结合，实现与艺人零距离的“手手相传”，将工作室中的工艺技术应用于作品的创作中，寻找与作品主题的契合点、差异点，改进民间工艺的表现形式，突出表现民间工艺技术的独特性，从而引导学生用民间工艺的手法来进行创新设计，提高设计水平。同时，“走出去”设立校外民间工艺美术实践基地，让学生到民间亲身去感受当地乡土乡情，欣赏原汁原味的民间艺术品，培养学生对民间工艺美术的情感和认同感，创造学习民间工艺美术的氛围，提高实际操作能力和研究水平。
四、结语
美术研究论文范文4
艺术教育有不同于科学教育与思想教育的特殊作用，它不是单纯的艺术知识传授与艺术技能培养，而是一种提高学生智力和智慧，培养学生审美能力、创造能力、合作意识和个性，帮助学生初步形成正确的世界观、人生观、价值观的教育。”简而言之，艺术教育是实施素质教育的重要途径，它的这一特点决定了艺术课堂教学所采用的方法要有别于其他学科。艺术更为讲究的是情感的投入与心灵的交流，否则如无根之木，无源之水。但情感教育是一种春风化雨，润物细无声的教育，教师如何才能在潜移默化中让你的学生接受到这种情感教育呢？在我多年的美术教育实践中，比较注意以下几点做法，并小有收获，现简述如下。
1、角色互换，拉近师生距离
努力改变“传道、授业”的模式，把主角的位置让给学生。不要让学生产生“上美术课是一种负担，欣赏理解创作是一项任务”这样的错觉。教师可以把课堂自己坐到学生中间去，作为其中的一份子参与实践和讨论。从形式上拉近与学生的距离，营造一个愉快教学的气氛，让学生放松心情，带着轻松愉快的情绪去感受，才能得到美的体验。
2、合理评价，获得学生信赖
学生不管是完成作品还是思考问题,总是希望得到教师的肯定。作为教师首先要对学生积极参与的态度表示赞赏，然后对具体的作品要做具体的分析，做出科学、合理的评价。这样既保护了学生的学习热情，又能帮助他们提高思考分析与实践能力。合理的评价可以建立起学生对老师的信任感，同时也传递给学生一种信息——公正、公平的评价方法。评价的方式可以是多种的，可以采用学生自评或互评，再结合教师的点评，最后让学生通过自己的努力来确立正确的审美理念。比如在素描课中，大部分学生刚开始作出来的作品看起来实在不怎样，但我首先对学生的学习热情大加鼓励，然后对不同的作品分别给予分析与有选择性的建议，而避免具体教他们怎么做，教师用意见或建议的方式更善于发掘学生的潜力，这样使学生总能保持着自信的学习态度。
3、倾听心声，教学相长
现代教学论指出：教学是教师的教与学生的学的统一，这种统一的实质就是师生之间的互动，即相互之间交流、沟通及共同发展。通常在上课结束时，我会抽出几分钟时间，让学生相互之间来畅所欲言。学生可以谈自己对相互之间的作品的看法；可以讨论如何改进等等具体想法。师生间交流对教学的想法，学生会觉得老师的备课中有自己的思路，带着“这是我的课”的想法，更积极的参与到课堂教学中来。还因为得到教师的尊重而增强自信心和对教师的亲近感。作为教师则从中得到了课堂的反馈信息，得以改进自己的教学。
美术教学反思
传统美术教学只重视专业知识与技能的传授，把学习仅仅局限在书本上，脱离学生的日常生活实际，在这种学习观念下，不仅很难培养出学生的创造精神，而且会泯灭学生学习的兴趣，最终影响学生的发展。
新课改倡导的美术教学，既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养，还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系，创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，让学生在活动中学、在玩中学，让学生围绕目标自主选择内容、材料和方法，让学生在知识探索的过程中发现规律。我在教学中，努力用新的理念来组织教学，收到了较好的效果。
比如在进行色彩教学时，虽然学生对颜色并不陌生，但对色彩的调配和变化规律却不了解，而且因为学生第一次接触水粉颜料，可以说对每一种物品和色彩都充满了好奇，于是我在教学中充分让学生去自主实践，探索发现。我首先让学生观察教室里都有哪些颜色？你喜欢哪些颜色？教室里挂了很多漂亮的装饰物，有绿色的叶子，红色的国旗，黄色、紫色、粉色等各色的花瓣，还有各种颜色的衣物和文具。同学们惊喜地发现，原来我们的教室里竟然有这么多美丽的颜色，我又让学生观察外面自然界中还有哪些颜色，学生通过观察，发现了我们生活的世界真是五彩缤纷，也激发了学习色彩的兴趣。我又适时提出问题：这些美丽的颜色能不能用颜料调出来呢？学生齐声回答：能。我没有急于出示答案，而是让学生自己动手调配颜色，学生的积极性特别高，不断地向同伴和老师展示自己的新发现，学生在自主实践中体验着学习的乐趣，并久久回味。看到学生这样快乐，我明白了一个道理：不要让我们所谓权威的说教代替了学生的直观体验，扼杀了学生探索的自由，要让学生成为学习的真正主人。在教学中我们还要善于发现问题，分析问题，关注学生的情感，改进教学和组织形式，才能实现教学目标，创设教学的新境界。
美术教育是对学生进行美育、促进智力发展和进行美育、促进智力发展和进行思想品德教育的重要手段它对培养全面发展的一代新人具有不可忽视的作用。它以美为主线，陶冶学生的情操，培养他们良好的思想品德，发掘教材本身美的因素，根据教育内容进行美育。在绘画教学中要选择造型优色彩协调、明快而富有意义的实物作为教材，来培养学生对美的感受和追求。还要帮助学生创造一个"审美世界"根据画面内容进行教育，美术作品的欣赏教学，极有利于开阔学生知识面，提高他们的审美能力，我力求改变把自己审美感受直接灌输给学生的简单做法。而是让学生经过完整的审美过程，积极地进行艺术思维的锻炼与发展。现代教育不仅要传授知识，同时要开发学生的智力，促进学生才能的发展。
美术教学，在培养和发展学生的观察力、记忆力、想象力、创造力和思维能力等方面都起着特定的作用，对学生未来的成就有深远的影响。在人们改造世界的所有创造性活动中，想象力和创造力都是必不可少的。在美术教学过程中，教师要善于启发引导，让学生联系实际引起联想，充分发挥学生的想象力和创造力，发展学生的形象思维能力，创造出想象中的形象，培养学生的创造才能，而不是直接向学生传授具体形象的内容。美术教育要求通过对具体形象的观察，进行分析、比较、用提炼、概括的艺术手段加以表达，运用形象思维进行美术创伤。
美术教学对于发展形象思维促进抽象思维，提高学生的思维能力具有重要作用。
美术课教学反思
经常有不同学科的教师羡慕地跟我说，“你们的美术课最好上啦，学生上课积极性很高，上课轻松。”哎！我想想，如果真如他们所说的那样就好了。那真可以说明这位美术教师的教学能力很强。
上好美术课，是每个美术教师的追求，也是每个学生的期望。我一直在思考，如何来调动他们的积极性，让课堂既活泼又生动呢？在思考的同时，我在一次次实践的检验中寻找答案。一节课要充分利用好，又要学生兴趣能提高，就须让精彩纷呈的艺术有机的与课堂教学互相利用，使各类艺术互相渗化，保持课堂内容的新鲜感，如；预备年级的《豆贴画》，刚开始两节课，他们贴贴很有意思，兴趣也很高，但是这个作业花费的时间很多，要想很好的完成这幅画，需要三至四课时的时间完成，到后面他们就开始有情绪了。中学生对美术还处在简单的认知性审美上。美术学科也有技巧学习，要在审美与兴趣上提高还需有一些方式方法，对此我曾作过以下尝试：
一、美术的相关课外知识的运用，使学生丰富知识的同时提高兴趣。
如在上初二《雕塑》一课，这课的重点是教雕塑的用途，材料，以及如何制作圆雕。为了使学生在学之前能对该课产生兴趣，第一节课我用多媒体展示并介绍了“中国雕塑与外国雕塑”让学生参与，通过欣赏，分析说明不同时代的雕塑的不同之处，再比较得出结论。课堂上同学们观察很仔细，他们对老师出示的一些从来没有看到过的雕塑很感兴趣，学生的问题很多，有关心作者的，有关心年代的，甚至还有同学对它现在的处境很关心，整节课气氛比预期的还要好。因此我觉得像这样的课前准备是很有必要的，它在丰富学生的课外知识的同时提高学习的兴趣。
二、实物写生将提高学生兴趣。
也是初二《写生素描》一课，写生是这节课美术学习的关键，让学生知道写生是怎么回事，从而引起学生的学习兴趣，让学生去校园写生观察花草植物，通过自己的观察了解植物的结构，和写生的取景构图。最后从学生中找出几位结构特征较明显的同学出来当模特，学生的兴趣一下就提起来了，给模特摆好坐姿，坐好后，以真人为例讲解绘画要点，这时学生的兴趣明显上升，作业的质量也得到了保证。
三、欣赏与技法相结合。
初中美术教育以审美教育为主。审美能力的提高仅仅靠学生技巧的提高来实现是不可能的，只有将欣赏放在技能的前面，让学生在美术教学的基础上，拓展自己的思维，分辩美与丑。按照顺序每节课在黑板上展示范画，并在教师的引导下了解其技法的运用。通过以上的学习最后让学生通过所学的知识完成一张创作画，学以致用。
四、教师给学生的课堂作业给予鼓励和肯定。
美术作业是在课堂中完成的，教师在教学时一方面要下讲台对学生个别指导、指点。对学生的作业，给予一些赞扬，对绘画中有创造性的学生给予肯定，这对提高学生的兴趣起到一定的帮助。
以上是我这段时间的教学反思，谈及了自己的一些体会，在以后的教学中我会继续探讨研究，灵活运用各种教学方法，上好每一堂美术课。
研究的回顾于反思
一、意外收获
笔者在长期的专业培养研究中同时获得了学生的管理方法，在这里一并阐述一下：
1、学生的管理
美术专业有其独特性，除和其他术科的专业差异外还存在思维方式的差异，管理不当就会导致学生的自由散漫或阻碍正常的教学活动，因此管理学生一方面要照顾到专业的特殊性具体问题具体分析，另一方面又要照顾到学校整体的教育教学管理。根据实践和调查研究我认为用“粘贴”方法比较合适。
所谓“粘贴”就是随时随地对学生进行监督管理。这一管理办法是根据美术专业的特点进行实施的。专业辅导不是先上课后练习再讲评这么简单，而是注重在练习过程中进行个别指导。虽然老师不需要每一分钟都在教室里但需要经常在教室里。教师需要化去大量的时间在特长生的身上作个别指导，有时修改一幅画要化去相当长的时间，需要老师作出一定的牺牲，这样一来就解决了上面的三个问题了。教师在安排学生自由消化时也要经常在教室走动以免使学生在老师不在时养成自由散漫的坏习惯，这样一来就象把老师“粘贴”在学生的身上一样。不过要说明一点“粘贴”本身不是完全由老师一手控制学生的所有自由而是要经常关心学生的学习以外的活动和思想动向，课外要经常和学生一起聊聊天有利于建立新的师生关系。
当学生在班级学习文化课时就要进行“粘贴”转移至班级管理，减轻专业教师的负担。但是要解决第三个问题还得要专业教师和班主任时常联系，专业教师要做好上课情况记录及时和班主任取得联系。这样一来就又解决了第一类问题。
2、指导学生处理好专业和文化课的学习关系。
美术特长生在高中三年的学习中和其他学生相比，可以说在某种程度上来说学习负担要重一点、经济开支要大许多。他们要多学习一门专业课，而这门专业课所涉及的内容、范围又相当广泛。这一切在无形之中就会给学生增加很大的压力，如果处理不好就会使学生文化、专业两耽误，进而会引起学生的厌学心理，严重的会造成一无所获。要解决诸多问题的关键是除了关注学生的生活、学习，更重要的是要运用有意义的方法指导学生自主学习。
（1）激励方法
所谓“激励”方法主要是依靠老师的指导激励学生的学习兴趣，从而激发学生自主学习，或以激发学生自身潜力充分发挥学生自主性。在具体的操作过程中是以学生的学习阶段性及其发展过程能动地随时随地的引发学生的激情。只要把学生的激情引发出来，那么其他的事情学生自己会主动的去完成任务。有许多学生认为自己在天赋上的不足而失去信心，结果是不但专业课学不好而且文化课也落下不少。这时候就要鼓励学生，让他们觉得自己是有用的是有潜能的，只是自己的潜能没有得到挖掘，而挖掘的时间有长短。老师对学生的这一评价很容易让学生接受的。
美术研究论文范文5
应用型本科专业中CG游戏美术创作不仅仅需要有良好的绘画基础与美术功底，更要熟练掌握各种游戏美术制作软件。所使用的常用软件有：Photoshop，最出名的图像处理软件，有丰富的图像编辑处理功能，也是CG创作常用的工具。在游戏美术方面，主要是用于绘制游戏原画和游戏贴图。Flash，绘制矢量图的软件，也可以用来制作简单的交互动画和视频效果，是制作网页游戏常用的工具。3DMAX、Maya作为最主流的3D游戏开发软件，被广泛应用与游戏动画和模型建模方面。Zbrush是一款专业的高精度模型雕刻软件，可以进行高分辨率的专业模型制作。2D图形方面：传统的2D游戏都是以JPG、PNG之类的CG图形文件来表示。早期的游戏基本上是平面的，所以都是用2D图形来表现。最初的2D游戏美术由于技术的限制，画面都比较简单粗糙。如今的CG技术已经可以让PC电脑游戏上的2D图形支持1600X1200或更高的显示，展现非常逼真华丽的图像。3D图形方面：3DCG图像主要是应用在游戏的动画或者即时演算方面，通常使用3DMAX或者MAYA软件来制作。3D的使用使游戏画面更加的真实，也给了设计师更大的发挥空间。效果越高、多边形越多的3D模型，对机器的要求也越高。
二、CG在游戏美术各部门中的具体应用
在游戏美术部门中，根据工作内容的不同，可以细分为许多小部门。以下阐述CG技术在各游戏美术部门分工中的作用。原画：原画负责整个游戏美术部门的基本工作：根据策划部门所提出的故事需求与策划目标，决定游戏项目的整体美术风格，设计所有角色、道具、场景的具体形象。原画师的主要工作是设计，因此对于美术师基本功底的需求非常高。原画设计师常用的CG工具有Photoshop、Painter、Flash等，主要还是通过绘画的方式来表达自己的设计思想。三维模型：三维模型制作师根据原画师的设计图，用3DMAX、MAYA等工具制作出3D基本模型，并使用二维绘画软件画出贴图，这样就完成了从2D到3D的转化。这个工作需要设计师具有良好的空间感、对物体结构的理解、绘制贴图的能力。角色动画：紧接着三维模型师的工作，给3D模型的人物角色设计动作。设计师需有足够的动画原理知识来让人物的动作鲜活、可信、流畅。特效：特效负责游戏最终画面的润色，为画面添加光影、雾气、爆炸、抗锯齿、动态/静态模糊等等视觉效果。设计师不仅需要熟知动作规律，也要有丰富的想象力与创造力。
三、各国次世代游戏美术中造型特点
次世代游戏美术作品除了给游戏爱好者带来惊叹的视觉效果，也对游戏行业人才，特别是专业游戏美术师在画面的质量和细节的表现技巧上提出了更为苛刻的要求，通过国际间的交流与竞赛不同国家游戏团队的协力制作，不断有包含优质美术造型的游戏作品诞生，从这些成功的作品中对比各国次世代游戏美术特点。游戏厂商开发游戏项目内容的不同，主创团队对游戏内涵理解的不同，特别是所属美术制作团队对游戏中所要体现的美学观点认识的不同，使最终所展现的次世代游戏美术风格迥异，美国游戏更关注现代甚至未来条件下，人类如何通过高科技武力手段赢得战争，进而夺取资源获得权力的主题，为了追求临场感，游戏美术展现出极其强烈的硬科幻写实风，游戏中的武器设计都有其物理学与人机工程学依据，场景中道具的类别与摆放，建筑的风格样式可以模拟真实世界中的实际景观，并极尽所能达到影院级视效，同时和游戏性相互交融互补，就技术条件而言，美国游戏可说是走在游戏美术设计道路的顶端。日本索尼公司推出的次世代游戏，用宏大的异想时空和高清绝美画面包裹着的和风游戏，虽然游戏中的人物场景和怪物造型带有其他次世代游戏造型所共有的真实奇特等特征，但是游戏的人物造型相比欧美游戏更趋于唯美，特别是主要角色的形象，明显带有东方人的体貌特征，怪物的设定介乎于日本古代神话原型与欧美系怪兽造型之间，符合日本动漫作品所共有的造型标准符合现代日本人的游戏需求主要人物性格的刻画，语言的表述，字幕声音的运用，都可以使游戏玩家明显体会到这是一款日本游戏。中国次世代游戏借鉴美日强国与韩国的发展路径，目前投入的重点主要在拥有最广泛覆盖率的网络游戏上客观地说，游戏美术的水平通过开发者技术的不断沉淀，加上新一代引擎的展示效果，能够有较大的提高以改编网络热门小说为题材居多，也具有鲜明的中国特色。
美术研究论文范文6
关 键 词：透明物体 顺序 色彩 画法
透明物体是水粉静物中常见的不可缺少的内容。常见的透明物体有玻璃、有机玻璃、塑料等，其中玻璃最具有代表性。初学者常感到透明物体的质感很难画，望而生畏，其实掌握了要点后并不难，反而觉得容易一些。因为与某些不透明的物体相比，它用笔最少，无须表现复杂的五大调子。如何在短时间内快速提高学生的水平呢？笔者认为应该注意以下几个方面的要点。
一、掌握透明物体画法的顺序
我们以玻璃为例说明无色透明物体的画法，首先掌握绘制顺序，把玻璃制品后边的背景先画好，就好像没有玻璃制品一样，然后从玻璃制品暗一些的地方画起，这样做有一个好处，就是如果画得不理想也不会影响大效果，会很容易地被后来的涂层覆盖而不露痕迹。这样的顺序会使作画过程轻松自然、无拘无束。相反，如果我们将透明物体空出，然后再将空出部位填上，就要麻烦得多，就要画得很小心，要么有些地方填不好，要么就不能放心自由地去画。我们将玻璃制品后边的背景画好后，就开始画前面的透明物体，用中等层次的颜色，先画透明物体的左右、上下，这样等于一边画一边打轮廓，由暗一些的地方再过渡到不太亮的颜色，然后画比较亮的颜色，最后画高光，整个过程由暗到亮。绘制过程中，还要注意透明物体的透视变化，口部前半圆要大于后半圆，在视平线以下，圆的横断面越是往下就越圆。wwW.133229.coM如果是躺倒的透明物体，圆的横断面倾斜方向与透明物体的中线成直角。同时注意周围各种物体对它的反光，由于它本身是无色透明的，它的色彩只能是来自各种环境色彩的反射和影响。
二、画透明物体的技巧
最亮的高光颜色往往由较暗的颜色来对比和衬托。有时由于光线的折射作用，最亮的地方会出现在玻璃制品的后边，即有影子的一边。在画亮颜色以前应事先把深颜色铺好，来衬托亮色，亮色与深色在先后的步骤上要互相照应好。画玻璃制品要注意画出由暗到亮的各种层次变化，使玻璃制品显得厚重，不单薄。画透明物体时，有些初学者往往会有误解，认为要画得透明就要画得亮一些，到处用了很多白粉，其实，特别亮的地方很少，大部分面积是灰层次的。玻璃里边背景的颜色不可完全覆盖，完全覆盖则不容易表现玻璃透明的特点，也使一开始铺的背景失去了作用。当玻璃的背景比较亮时，玻璃的色彩就暗一些，当玻璃的背景比较暗时，玻璃制品的色彩则比较亮。
不必在透明物体上追求五大调子，这样做纯属徒劳和无意义，透明物体有自身的规律。画玻璃制品要有断有连、放松、爽快、不可描摹。有断有连即玻璃的边框不可全部相连，全部相连显得太死板，玻璃制品有些地方会看不清楚，这些地方就是该断的地方，这正是玻璃的特点之一，不能硬去把它画清楚。也不可画得零零碎碎，一般来说连得多、断得少。如果一个玻璃制品内有带色的液体或者它上边有大面积的标签，那么带色的液体或标签的部位可以空出，其他透明的部位仍按上述方法去画。无色透明物体不可能完全遮住光，因此它们的影子不像不透明物体那样深，要画得浅一些。有时有色透明物体的影子还会显出自身的颜色来，这也是光的作用。透明物体的影子里有时会出现类似高光一样的亮点。将这些情况画出有助于表现透明物体的特点。
三、透明物体的反光和高光
如果反光的颜色不好判断，那么一定要看看周围的颜色，因为反光的颜色就是周围环境的颜色，反光表达了透明物体的光滑程度，反光的物体距离透明物体越近，反光就越亮、色彩就越纯。透明物体反光的形往往很清晰。从色彩上来说，反光的物体与反光要对应起来，它们之间有一个因果关系，失去了这种因果关系，反光的色彩就会使我们感到莫名其妙。也有些玻璃有微弱的蓝、绿等固有色，这一点也应考虑。高光与反光一样，都是组成透明物体质感的重要因素。高光的处理要干一些、厚一些，并带有蓝色的天光。画高光要有层次，由亮到不亮要有一个渐变。高光不要画得太大，太大则不亮，太多太散则乱。要准确、集中，保留主要的，次要的省略掉。如果一幅画中有许多透明物体，那就要注意高光的空间感，前面的高光亮一些、突出一些，后面的高光要与背景接近。
四、有色透明物体的画法
如果是有色的玻璃制品，可以将外形空出。如画绿色啤酒瓶，可将瓶子外形空出。画瓶子时先画面积比较大的部位然后再画面积小的部位，如果瓶子的深色面积较大，可将瓶子的深绿色部位铺一遍，特别深的地方接近于黑，如底部。同时将标签空出，再将亮一些的绿色画出，其中有一块最鲜亮的颜色。注意亮颜色的明暗层次变化和色相变化。瓶子的两侧往往暗一些。反光要考虑周围环境对它的影响。各部分完全塑造好以后，最后点上略带翠绿色的高光。有时直接用纯白色画最亮处。如果整个瓶子的亮色面积较大，那就应先铺亮色，然后再添加暗色。褐色等有色玻璃、塑料等画法步骤相同。画标签时，应该画出大的明暗关系和立体感。对于上面的字体及图案等装饰，不可刻意地描出，而应该将它们看作色块来处理，画出大的感觉就可。方形标签的上下两个边是横断面的一部分，要符合透视。
五、透明物体的用笔
