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工艺美术运动概念范文1
关键词：工艺美术；艺术设计；技术探讨
工艺美术与艺术设计是艺术的两种不同表现形式，两者均有一定的艺术成分与艺术意义所在，具备一定的审美意义。近年来，各大高校也相应的开设此类专业，如平面设计、环境艺术设计和包装设计等。工艺美术与艺术设计是对立统一且一脉相承的关系，要想彻底区分两者之间存在的共性与个性，掌握各自的发展规律与趋势，则需对工艺美术与艺术设计的本质与内涵进行深刻研究。
1.概念及其表现形式和发展
1.1工艺美术和艺术设计
在我国的古代便有工艺的说法。但，那时的工艺与现在的工艺还是有一定的区别。古代的工艺是“工”与“艺”二者合成的。工是指能工巧匠，有技术的人，而艺则是指才艺才能。发展到时期，工艺美术又被其他的名称所代替。如：图案美术工艺。直到发展到二十世纪五十年代，我国的各大院校纷纷设立工艺美术的相关专业，并且相关的工艺美术的服务也开始兴起，在我国工艺美术算是真正的确定了下来。在工艺美术的命名方面，后来也经历了几次变更，最终将工艺美术的名字确定下来。艺术设计在我国的发展只有短短的二十年的时间，他的名字的来由是英文的 design.艺术设计的范围更加偏向于工业的生产。艺术设计是指产品生产的过程中，按照产品本身的特性，考虑产品的使用性能，添加相关的艺术的成分，使得产品更加的人性化与艺术化。从艺术设计本身来看，艺术设计具有艺术性，这是他本身的特性，但是它也具有科学性，因为艺术设计要根据产品的特性合理的进行设计。艺术设计来源于美术，使得艺术设计更加偏向于艺术性，也使得它的科学性受到一定的限制。
1.2 内涵
关于工艺美术与艺术设计二者之间既有联系又有区别。目前我国对于二者 的关系主要存在以下的两种的看法：一种看法认为，工艺美术的存在严重的阻碍了艺术设计的科学性，阻碍了艺术设计的发展，并且艺术设计更加符合现代中国的发展，所以工艺美术应当被抛弃。另一种认为艺术设计是在工艺美术的基础之上发展起来，二者是继承的关系，但是关于二者应该如何发展也没有给出一定的方案。
1.3发展
“工艺美术”一词最早出现在我国封建社会时期，当时，为了丰富市场交易内容，工匠们通过生活与美学结合的方式制造的手工制品在市场竞争中占据了极大的优势，这不仅对工匠的手工技艺起到了促进作用，也使得工艺美术自 身的发展技术得到不断的提高，促使设计者设计出色彩更加华丽、应用更加广泛，并与人们日常生活联系紧密的艺术作品。通过19世纪初欧洲爆发的“工艺美术”运动，人们提出了“工艺设计”这 一概念，直到20世纪初，包豪斯学院的成立才使得这个概念得以确立。十九世纪欧洲工业化的发展，给市场带来的负面效应促使造价低廉且质量粗糙的工业产品繁多，一些对产品要求严格的艺术家看到这一现象反映出设计方面的严重缺陷，开始寻找解决这一问题的办法。随后，“工艺美术”由英国转向欧洲，在欧洲其发展的形式为“新艺术”运动，接着又发展成为“装饰艺术”运动。直到20世纪初期，“现代设计”出现在人们的眼里，“艺术设计”这一观点才逐渐得以确立。包豪斯设计学院成立于1919年，该学院利用先进的科学技术钻研新的艺术形式与艺术手段，适应工业化时期市场的需求，加强产品与实际应用之间的联系，使其产品的设计更加满足大众的需求。
2.区别
2.1服务对象不同
物质文化的发展是一个漫长的过程，需通过历史的发展与时间的筛选而确定其价值与意义所在。需求决定市场，市场决定价值，不同时代的人们有着不同的需要。有些器物的设计与制作并不是很快被人们认可与应用，而需相当一段的时间通过试用来验证其价值与意义。各种器物的制造与应用有其自身的发展形式，相比而言，在我国封建自然经济与社会计划经济时期，由于商业活动与市场发展水平低下，信息传播速度缓慢，因此而造成工艺美术展示空间狭窄，面向社会不广泛，生产出来的手工艺术品多以宫廷及达官富贵所用。作为工业革命与商品经济共同的产物，艺术设计随着社会发展进程的加快和功能不断的提 升，其产品设计与生产能够更好的面向市场与大众，满足人们的物质与精神需求。由此可见，工艺美术与工艺设计在其各自的服务对象上存在根本上的差别。
2.2美学价值不同
工艺美术作为艺术与技术的结合产物，是通过传统农业与手工业的发展及其价值模式的结合而产生，是集科学与艺术的精华所在；而艺术设计是现代工业化与信息化的时代产物，是结合人性与时代特征综合而来，并且学科之间交流频繁。也正是由于我国工业化起步较晚，因此我国的艺术设计还处于初级发展阶段，与西方国家存在较大的差距。宗白华先生曾经说过：“懂艺术美学的不懂技术，懂技术的不懂艺术美学”，这也是对我国目前工艺美术的发展状态 仍以画室作业为主的具体阐明。
2.3研究范围不同
田自秉的《中国工艺美术史》告诉我们工艺美术的发展由器、织、雕、染、 塑、绘六方面组成；尹定邦的《设计学概论》告诉我们艺术设计参与的范围远广于工艺美术，其主要包括环境艺术设计、视觉传达设计和产品设计三大类型。纵观我国工艺美术的发展史，从时代的角度反映出艺术设计的发展是随着社会经济的提高而不断深入，具备鲜明的时代特征。
3.结语
总而言之，工艺美术与艺术设计同源异流，工艺美术所蕴含的思想和文化是对艺术设计教学的指导，使得艺术设计教学在一种意识形态指导中开展，在学习先进设计理念的同时，掌握渊博的工美术知识和文化。从历史的发展历程来看，满足社会的需要，响应时代的呼唤，工艺美术转向艺术设计已成为艺术拓展的必然选择。
参考文献：
[1]白瑞.工艺美术与艺术设计探讨[J]. 住宅与房地产，2016（11）：21.
工艺美术运动概念范文2
【关键词】工艺美术；艺术设计；内涵；区别；关系
一、工艺美术与艺术设计的内涵
（一）工艺美术
“工艺美术”这一概念的提出可回到封建时代。在封建时期，工匠利用美学和实际生活相结合的理念制作大量手工制品从一定程度上丰富了当时的市场，然而这些制品为了能在市场竞争中占据更为有利的位置，不仅促使工匠不断追求精湛的技艺水平，和用色的华丽，从而促使了工艺美术发展的实创性不断提高，其根本是在依附实际生活要求而产生的，与人们的日常生活有着密切的联系。
（二）艺术设计
由于十九世纪欧洲工业化的繁衍，给当时的市场带来了负面效应使得造价低廉且质量粗糙的工业产品滥竽充数，一部分精益求精的艺术家看到这一现象折射出这是设计方面存在的严重弊端，并开始探寻解决这一问题的办法。艺术家们的行动影响便是促使了英国“工艺美术”运动的发生。随之，“工艺美术”由英国转向欧洲，在欧洲其发展的形式为“新艺术”运动，从而又发展成为“装饰艺术”运动。直到20世纪初期，“现代设计”出现在世人面前，使得“艺术设计”这一观点才开始得以确立。
二、工艺美术与艺术设计的区别
（一）服务对象有别
在旧石器时代，器物文化的发展是漫长的。有的器物在很长一段时间使用后才被人们广泛认可和普遍利用。每种器物的发展有着本身的发展模式。相比较而言，在当时处于比较闭塞形态的封建自然经济和计划经济时期，因为商业活动发展程度低下，因此工艺美术的针对领域对受到局限，从而生产出来的手工艺美术作品，多数是供给宫廷使用。而艺术设计是工业革命与商品经济结合的产物。随着社会不断发展，产品的功用性不断要求强大，从产品的设计方面看，产品的设计和生产更加趋向人们物质与精神需求，显而易见，其面向的是市场和大众。
（二）美学价值不同
工艺美术结合了科学与艺术的优势之处，艺术设计的特点主要是人性化、时代性与集成性，并且学科之间交流频繁。而艺术设计在我国的发展还处于萌芽期，与西方国家相比，差距还是有的。有位著名艺术家曾说：懂艺术美学的不懂技术，懂技术的不懂艺术美学。而我国工艺美术的发展现状至今依然以画室为主。
（三）研究的范围存在差异
在中国，工艺美术的发展范围不外是器、织、雕、染、塑、绘这些方面。从视觉传达设计、环境艺术设计、产品设计的三大类型能看出，其涉及的领域要比工艺美术更为广泛。从我国工艺美术的发展历史来看，艺术设计的发展不仅伴随着我国经济的发展，而且随着经济发展的深入而不断发展。因此，我国艺术设计的发展具有鲜明的时代性。艺术设计最根本的社会功能是审美功能，其他社会功能只有在审美功能的基础上才能发挥出来，审美功能是一切设计作品都必须具备的基本品格，至于其他功用，则要视具体作品而定。一件作品或许只具审美功用而无其他功能，如许多工业设计产品、建筑、服装等，可它确是艺术价值很高的作品。
三、工艺美术与艺术设计的关系
（一）传统工艺美术相对于当代艺术设计
本质就是手工技术的装饰美与机械技术的功能美相对比。手工技术的美常带有私人情趣,贯穿着个人的思想,保持着经验、感性的特征,以装饰为美。而机械技术的功能美是建立在流水线基础之上,以实用功能为最终目的,反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。
（二）工艺美术学让艺术设计的实体体现提供了评价的标准
产品只有接受社会的检验才是最好的例证,但如果是失败了,那就晚了;因此应该设立一套民主且有原则的科学评价体系。或者说,设计应该能满足人们各种需求,让其有良好的社会和经济效益,若让最终的消费者来评判,那么对此次设计来说就是定论了,它能做的工作只有推出改良产品或新的型号，与此同时一个设计要满足每个使用者的需求和评判标准是不太可能做到的,因此好设计就是符合设计要求的设计。
（三）设计工具也是工艺美术学研究对象之一
设计工具不是完成某一个设计项目所使用的工具，而是将大量系统方法信息分类、搜索和分析的技术工具，甚至可以简单理解为为实现对复杂信息的把握和分解所制定的工具方法，这些需要凭借具体的技术设备和软件来完成。像计算机辅助设计等都属于设计工具。它对艺术设计的影响可以说是显而易见的。
四、结语
总而言之，工艺美术学与艺术设计，两者之前同源异派。因此人们常论美术包含设计，而工艺美术又包含在美术中。展现出工艺美术和艺术之间的联系。两者之间还有着传统与现代的联系系，它们表现出的是一种艺术形式在时代变迁中的不断演变，能够影响着人类的常规生活，满足人类的生活发展需要，推动人类文明的进呈。从历史的发展水平来看，工艺美术转向艺术设计是艺术发展的必然趋势。
参考文献：
[1]何伟民.浅谈方法论在设计实践中的作用[J].家具与室内装饰,2004(3).
工艺美术运动概念范文3
一、近现代美术教育指导思想
我国古代早就存在“技艺相通”的观点。在不同的社会发展时期，人们对技术和艺术的概念的理解是不同的，因此它们所涵盖的内容随历史的发展而变化。古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和生活需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的物品，是中华民族造型艺术的重要组成部分。工艺美术涵盖种类繁多，涉及艺术的表现形式也是多种多样。中国工艺美术起源于旧石器时代的石器。在此后漫长的社会发展过程中，中国的青铜器、陶瓷、丝绸、刺绣、漆器、玉器、珐琅、金银制品和各种雕塑工艺品，相继取得辉煌成就。各个区域的创作及作品都有其浓郁的地方特色：秦汉的陶罐，隋唐的铜器、唐三彩、纺织艺术，宋、元时代的瓷器，明清的漆器、刺绣、建筑及景德镇的瓷器、山东的木板年画、草编，苏州的刺绣、杭州的丝绸，青田的石雕，陕西的皮影，安徽省歙砚和芜湖的铁画，吉林省的树根雕，贵州省的大方漆器和玉屏萧笛，这些区域有着各自的独有特色，保持着鲜明的地方特色。
二、近代美术教育对现代设计的影响
徐悲鸿提出“古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方画之可采入者融之” 1 在“西化”风气盛行之时，徐悲鸿的意见颇具见地、难能可贵。中国正规的工艺美术教育始于19世纪末到20世纪初，在“新学”和“教育救国”思想的影响下，我国开始仿效欧美发达国家的教育制度，陆续开办了一些美术专业学校，例如中华民族工艺美术，通过几千年脉络不断的文化积淀，形成了它所固有的文化精神与艺术样式。作为美术教育工作者，更应该抓住这千载难逢的好机遇，在美术教育中将中国的传统美术文化运用到现代的美术教育教学中，有句话说的好“民族的才是世界的”。在2008年的北京奥运会上，体育健儿大放光彩，但是中国的传统工艺美术文化令来自世界各国的友人们赞叹不已，依据传统青花瓷工艺再加上中国的旗袍服饰，一副楚楚动人的东方古典美女服装在奥运会颁奖仪式上夺人眼球，带着祥云的奥运火炬、金镶玉的奖牌、打着太极的汉字等等，传统的工艺美术文化助阵中国北京奥运，室北京举办了一次完美的奥林匹克运动会。我们的民族元素受到了世界的欢迎，取得了完美的成功。我们在美术教育中应理直气壮的把来自秦汉、明清的传统工艺美术元素告之学生们。
现代的美术设计教育无论从平面、环艺、服装来看具有很多的外来因素影响，例如“包豪斯”，它对世界设计及中国设计都产生了巨大的影响，但是我们在现代教育中应把我们前面所提到的中国元素与这些外来设计理念相结合，我们要想办法从“工艺美术”这座宝藏中挖掘元素，使之能够丰富我国的现代设计，使我们的现代设计在国际化的影响下还兼具有较强的民族特色，随着近几年的发展，国家间的交流也更为频繁和便捷。在去年举办的河南省大学生科技文化艺术节中，在美术类作品中，中国的传统工艺在现代年轻的学子手中也绽放光彩，例如某大学学生创作的“花馍”，将各种形象不一的小动物运用民间的传统手艺“蒸馍”给表现出来，让见惯了素描、水粉的参观者们眼前一亮；另一幅利用传统年画的表现形式将现代的设计元素表现出来，呈现在面前的又是一种不一样的创作风格，这些作品也给大家留下了深刻的印象。
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一、未来主义的特点
（一）顺应时展——对工业革命的“推崇”
顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，但文中所说的并不是“水波逐流”的概念。而是能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，从而拥有鲜明主张的艺术运动。在这里并不是要批判类似于发生在19世纪下半叶英国的工艺美术运动，因为他们所处的时代背景明显是不同的。工艺美术运动起源于在1851年英国伦敦海德公园的水晶宫所举办的第一个世界博览会，当时展览会上的与工业产品及其不搭的“丑陋”设计，引起了当时观看展览的约翰•拉金斯与威廉•莫里斯的注意，在展览结束后的几年里拉金斯一直努力企图通过理论来改变产品装饰，但一直由于缺乏实践的支持在当时并没有引起社会的广泛关注。直到作为工艺美术运动的践行者威廉•莫里斯为自己所设计的婚房——红房子的出现，这才引起社会的广泛关注，由此已引发了轰轰烈烈的工艺美术运动。但是工艺美术运动是在面对工业革命的迅速发展下产生的，当时艺术家对工业产品的产生持有不接受的反对态度，因为他们认为：“工业化进程一方面极大的促进了生产力的提高另一方面也引发了各种社会危机（事业、贫穷、童工等）一些具有民主思想的艺术家将这些社会问题归结于工业和机器”，所以他们对工业产品和工业革命发展持回避态度，并转向中世纪和自然界的设计风格，倡导手工艺产品。工艺美术运动也由于自身的“逆流而上”和自身的缺陷，像威廉•莫里斯所开凯尔姆斯科特出版社一样被淹没在历史的洪流之中，最终被新艺术运动取代。与工艺美术运动不同的是未来主义运动发端于20世纪的艺术思潮，当时人们已经历过第一次工业革命，并且始于19世纪中期的工业革命正在如火如荼的进行中。面对科学与技术结合产生的巨大创造力和生产力，正如未来主义的代表人马里内蒂在其未来主义的宣言中说到：“我们断言一种崭新的美——速度的美——使得世界更加的丰富多彩。一辆跑起来像机关枪一样发出尖利啸叫的汽车，远比萨摩色雷斯的胜利女神更美。”很多的艺术家和知识分子积极响应工业革命和大工业生产，他们赞美机械化生产。除此之外，未来主义运动还是意大利人为了找回原本是整个欧洲效仿对象的历史自信，所开始的一场主张与传统决裂的反传统运动。
（二）自由与反叛意识——强调运动的特质
“艺术史上没有一次运动像意大利未来主义一样，将矛头指向对传统的一切思想观念、文化，表现出极端的反叛意识与行为，亦没有有着反传统的主题、机器时代的元素符号与属于未来主义特有的动荡、眩光、激昂的感情。”这些评论正如1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上刊登的首篇《未来主义的创立和宣言》。宣言讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争。除此之外，宣言还诅咒一切旧的传统文化，强调现代都市是机器加速的动感世界，认为在枪林弹雨中转动的车轮和一直围绕在我们身边的工业噪音要比希腊的女神还美，主张彻底清除一切博物馆、图书馆和学院，为此他们高喊：“我们要歌颂战争，我们要催毁美术馆、图书馆，我们要在现代的首都歌唱革命，继续不断地燃烧书架，打开运河，淹掉美术馆的圆顶。”未来主义大师的安贝尔多•波菊尼的作品便是意大利未来主义主题的最好阐释，他在《街道进屋》中描绘的空间既然不是让人想要近距离接触和进入的空间，对于画作为观众所带来的舒适、愉悦空间代入感完全的消失。取而代之地是一个高速旋转、滚动的危险“物品”，在一定程度上刺激观者的感官，积极的调动人们的各个神经细胞，让观众随着即将倒塌的房屋及飞奔的马蹄一起体会画中的城市生活。除此之外还是有他的《空间中连续的独特形式》雕塑、《城市在上升》等作品无一不在宣扬作者的特立独行外，还具有未来主义运动的典型特征。由此可见未来主义剑走偏锋，以富有节奏感的运动代替传统艺术的沉思，以赞美机器和速度来凸显题材，以工业革命最为描述主题，倡导创作的自由和反传统的意识主张。
二、未来主义运动影响下的平面设计
（一）未来主义运动下影响下的平面设计特点
未来主义起源于文艺复兴的发源地意大利，他们有着浓厚的理论基础和在文学方面颇有建树的大家。所以对在经历过思想解放、又有理论积累的意大利发端的未来主义来说，它在理论观点的梳理和成型上具有先天优于其他艺术运动。未来主义在初期就形成了有着明显的反传统、倡导现代工业城市的理论指导，例如未来主义运动发起人——意大利诗人、文艺批评家马里内蒂在《费加罗报》发表的《未来主义宣言》，以后又相继发表《未来主义文学宣言》、《未来主义与法西斯主义》《未来主义戏剧宣言》等，一整套的未来主义理论主张。对于艺术评论家来说他们战斗的武器就是手中的笔，战斗的场地就是刊物和书籍，所以马里内蒂并不满足于在仅仅用别人的场地作为战斗的场所，他自己在1913年参与创办未来主义刊物《莱采巴》，并以此作为自己为未来主义奋斗的战场。他们在理论中强调的关于主题思想的阐述更是影响了20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义、平面设计等，其中影响较大的是现代平面设计。现代设计和现代设计教育的重要奠基人之一、著名设计理论和设计史专家王受之教授在其《世界平面设计史》中曾谈到：“现代主义中未来派、达达派和超现实主义、（荷兰）风格派、至上主义、俄国构成主义，在这个世纪直接影响了视觉传达的造型语言和视觉传达。”其中的未来派也就是现在文中谈到的未来主义。它在平面设计中的主要影响就是自由版式和自由字体的运用，未来主义下的平面设计强调无政府主义式的、反常规设计。在马里内蒂《未来主义与法西斯主义》文中，它的版式设计和文字便是未来主义下的平面设计表现特征的典型代表。
（二）未来主义运动对平面设计构成成元素的影响
在现代平面设计之前的招贴设计的基本构成元素图形、文字等一些基本的元素，并且它们的作用基本上是记录储存人们思想意识、历史变迁的一些具有简单的社会功能。等到发展到近代的时候，随着工业革命的产生和人们经济水平的提高，它从原本的艺术体系绘画、雕塑中独立出来，成为一门独立的学科，设计一词开始产生，平面设计一次也开始被人们广泛应用，并且拥有很多明确的划分。就现在而言，平面设计是把平面上的几个基本元素包括图形、文字、字体、插图、色彩标志登等符合视觉传达目的的方式组合起来，是指成为批量生产的印刷品，达到准确的视觉传达功能目的，同时给观众设计需要达到的心理满足。而把未来主义对平面设计的影响可以说是涉及平面视觉构成元素——字体、插图、色彩、图形、版面以及平面广告的视觉流程等具体的视觉要素的方方面面，而具体的把未来主义运动在平面设计中运用的践行者就是佛塔那多•德皮罗，他把未来主义的艺术纲领中强调的“共时性”彻底的践行到他的商业广告设计中。
三、总结
通过未来主义运动与工艺美术运动的对比基础上，所刨析出的未来主义的特点可见，能够直击人心、勇敢的介入当下并反应时代特点的美术运动总是能在艺术式中占据有利的发展位置，并且在其他领域也能产生深远影响。由于未来主义强调运动和自由的主张，所以通过对在未来主义影响下的平面设计特点以及平面设计的构成元素，可以发现未来主义对平面设计的影响主要体现在平面设计中的自由版式和字体方面。综上所诉，我们可以通过对未来主义对当时平面设计影响，来系统地了解当时平面设计风格、特点转变的原因，由此补充前人在未来主义与现代平面设计方面的确实。
作者:张培源 单位:山东工艺美术学院
参考文献：
[1]张乃沃.中世纪建筑艺术与工艺美术运动的家具设计.[J].装饰,2004:5
[2]马勇建.现代主义20讲[M].上海社会科学出版社,2005
[3]钱江.绘画传统的决裂与颠覆：未来主义与达达主义.[J].艺术评论,2013:8
[4]余珊珊译.未来主义的基础宣言.吉林美术出版社,2000
工艺美术运动概念范文5
关 键 词：环境艺术 设计教学 空间意识 建筑空间 传统造型艺术
环境艺术设计是为满足人类生理需求和心理需求，建造适合于人的生存，有益于人的活动，并具有一定艺术氛围或艺术意境的物质空间的现代整体艺术设计学科。研究建筑内部空间组合与分隔及家具、陈设诸要素的造型艺术，称之为室内环境艺术设计。而研究建筑外部空间限定与组织及建筑、绿化、小品诸要素的造型艺术，称之为景观环境艺术设计，或室外环境艺术设计。由此可以认定，提供人们生活使用的环境空间，与限定环境空间的环境实体要素，以及环境空间与环境实体的营造法则，即成为环境艺术设计教学研究的根本和核心课题。就环境而言，空间与实体是构成它的相互依存、缺一不可的两个方面。而就环境艺术设计目的来论，其造型活动的核心，则主要是创造能够包容人的“内空体”空间环境。所以空间是设计的主体，人是设计的主角。
意大利著名建筑理论家布鲁诺·赛维（BRUNO ZEVI）曾说过：“掌握空间与知道如何去观察空间，是了解建筑的钥匙。”我们将这一论断推广到整个环境艺术设计教学领域也是正确的。因而，环境艺术设计教学应该从环境空间的认识与掌握开始，教学指导思想中必须重视和强调空间意识的培养。
然而，环境艺术设计是多门类造型艺术并存的、新兴的关系艺术。它将传统的建筑、园林、雕塑、壁画、广告等各门类艺术，多层次、有机地结合起来，共同创造整体空间艺术氛围与意境。环境艺术“空间”的含义与表现形式，已经远远超出了任何一门传统造型艺术，或者称为空间艺术的概念，比以往任何一门造型艺术的空间都更为复杂、更难被人们所理解。在目前的环境艺术设计教学实践中，仍然比较多地存在着“重实体、轻空间”，片面地重视环境实体表象，而轻视环境空间功能和环境空间艺术意境的思想意识。这种片面、落后的错误思想意识，误导了环境艺术设计教学的方向及评价标准，严重影响和阻碍着教学的健康发展。因此，强化环境艺术设计教学的空间意识，正确认识环境艺术的空间特征，已经成为一个势在必行、不容忽视的研究课题。
一、既熟悉又陌生的环境艺术设计空间
人们每时每刻都生活于环境空间之中，也知道空间指的是什么含义。但是，若从教学的角度来探究环境艺术设计空间，又会感到它的概念是那样复杂与陌生。究其原因，主要有两个方面：一是“空间”本身的非直观性造成的。环境实体部分，因其具有直观性，很容易被人关注、认识和熟悉。相反，环境空间部分，看不见、摸不着，容易被人忽视，相对显得陌生。二是因为人们对造型艺术空间的知识了解和认识的局限性造成的。通常来讲，学生认识造型艺术的空间知识，大多从绘画、摄影的二维平面空间开始；之后是雕塑的三维实体（占有性）空间；最后到建筑、园林的四维（内空体）空间。由浅入深，循序渐进。在这个认识过程中，越复杂的“空间”概念，越需要专业知识的支撑和理性思维的参与方能把握。未经过相关专业知识训练的人很难认识和掌握复杂的四维，甚至是具有“多维特征”的环境艺术设计空间。
人们通过视觉和触觉就能够直接感觉环境实体。可是，环境空间印象的获得，如果仅仅依靠某些感官是无法完成的，它是建立在形状、大小、方位、距离等一般知觉之上的高一级的综合知觉。要想全面认识和把握环境空间的特征，通常还要调动人的一些理解能力。因此人们对实体的感觉和认识要先于空间，易于空间，而对环境空间的感觉和认识则后于实体。
传统高等艺术教育中的造型艺术，如绘画、雕塑和工艺美术等，是通过视觉和触觉，就能够直接欣赏到实体审美对象。它们运用的空间特征比较单纯，而且作用也次于实体艺术形象，人们多习惯于对实体形态的审美关注。新兴的环境艺术设计学科，主流诞生于传统造型艺术院校，是高等艺术教育中传统工艺美术设计形态向现代艺术设计形态转型期的新专业学科。其办学方法还处在探索和完善阶段，当新的教学体系尚未确立之前，旧的造型艺术教学观念、教学模式必然还会占有极大的优势。目前还有些环境艺术设计教学，依赖于工艺美术现成的教学体系和评价标准，甚至还会使用绘画和雕塑的审美标准来评价环境艺术设计的好坏，习惯于传统造型艺术的空间意识，而对环境艺术独特而重要的空间本质特点，则认识不清或重视不够。实践中往往把直观的环境实体形态，如地面、墙壁、天花板等围合空间的界面或空间的“外壳”，以及雕塑、壁画、植物、水体等环境小品和公共设施，作为指导教学和评价教学的主要对象。反而将提供人使用的环境空间场所，弃之于脑后，忽视它的存在。将环境艺术设计教与学的焦点，过分地集中于空间界面的造型装饰或环境艺术品的创造上。淡化了空间功能的探寻及空间整体艺术意境的学术研究，教学空间意识滞后于教学实践。造成用表面化的“装饰装修设计”，代替深层次“空间艺术设计”的一些不良教学弊端。
现行小学、中学美术课程，以及艺术设计类高考的备考科目中，均没有针对四维造型艺术空间知识的学习内容。一般人对造型艺术空间的了解，仅仅涉及绘画、手工美术或雕塑小品等二维、三维造型的基本概念。如何欣赏建筑与园林艺术？解读建筑、园林和城市环境的空间美学价值的知识十分欠缺。然而，进一步探究环境艺术空间特征时，我们发现它比传统意义的造型艺术，如绘画、雕塑、工艺美术和建筑的空间概念复杂得多，也并非是各门类造型艺术空间简单的累积之和，它的特征不是三言两语就能够表达准确的，它是现代整体艺术设计的新型空间概念，因而令人感觉陌生与难懂。
二、建筑空间与环境艺术空间
在艺术辞典或美学书籍中，绘画、雕塑、摄影、建筑和工艺美术统称为“造型艺术” 或“空间艺术”。诚然各门类的造型艺术均离不开“空间”的特征，并且都会在环境艺术之中呈现出来。但是，它们各自的“空间”概念却不尽相同。
绘画的“空间”是平面二维的，尽管画面所表现的内容可能是三维，甚至四维的空间。但人与画面为静态相对，仅凭视觉观赏。雕塑的“空间”是立体三维占有性空间，是以三维实体占据空间，本身并不能产生空间，人只能从外部环绕欣赏它，雕塑形体与观众分离，人在形体外面以视觉或触觉感受它。工艺美术的“空间”与绘画、雕塑的基本相同，主要是平面二维和立体三维的。
建筑艺术是人造环境的“主体”或“骨架”部分，它与环境艺术设计的关系最密切。建筑的空间比其他造型艺术复杂得多，它属于三维限定性空间，并具有四维的特性，人是在“内空体”中通过运动觉和视觉把握对象。布鲁诺·赛维（BRUNO ZEVI）曾经为我们生动地描述了建筑空间的特征，他说：“建筑像一座巨大的空心雕刻品，人可以进入其中并在行进中来感受它的效果。”“建筑的特征——使它与所有其他艺术区别开来的特征——就在于它所使用的是一种将人包围在内的三度空间‘语汇’。”应该讲这种空间特性，不仅仅是建筑艺术的特性，也正是整个环境艺术的特性。其实，除了建筑设计以外，室内设计、展示设计、园林设计和城镇规划设计等，与环境空间相关联的造型艺术设计，无一不使用这种空间“语汇”。从个体的室内、庭园、广场、道路等场所，到庞杂的城镇都市群体形态，无一不是能够包围人和物的“内空体”空间。布鲁诺·赛维进一步的论述更加肯定了整个环境艺术设计具有的这种空间特性，他说：“如果说建筑物内部的空间是由六个面所围成（地板、天棚和四面墙），这并不意味着由五面而不是六面围成的空场，如（无盖的）庭院或公共广场——就不能同样有效地数作空间了”，“……所有城市的空间只要视线被遮挡，不管用的是石砌墙还是成行的树木或护岸，都呈现了我们在建筑空间中所感到的同样特征”。日本著名建筑师卢原义信在《外部空间设计》中，也指出建筑外部环境空间是由地面和竖向界面两个要素构成的，比起建筑室内少了一个顶面要素。建筑是人类用自己的力量获取空间的艺术创造，自然成为最能让人了解和认识到空间的造型艺术。我们运用这一学科知识，推而广之，就能认清环境艺术设计的主要空间特征。
从环境艺术整体来看，单纯凭借建筑模式还不能完整地解读这门构成因素和表现形态极其复杂的现代艺术设计的空间“语汇”。卢原义信曾说过：“由建筑师所设想的这一外部空间概念，与造园师考虑的外部空间，也许稍稍有些不同”，“……即把整个用地看作一幢建筑，有屋顶的部分作为室内，没有屋顶的部分作为外部空间考虑。所以，外部空间与单纯的庭院或开敞空间自然不同。”这就是说，建筑所研究的空间，还不能完全等同于环境艺术探讨的空间。邓庆尧在其著作《环境艺术设计》中指出：“环境艺术是多学科互助的系统艺术，环境艺术是多门类并存的关系艺术。”由此可知，环境艺术设计的空间构成之复杂多样、表现形态之丰富多彩是任何一门传统造型艺术都不能企及的。它是以建筑艺术空间为“主体”，再综合其他造型艺术的空间特征，整合形成的新空间体系。
三、环境艺术的真实空间美
笔者认为，要探究环境艺术设计的空间规律与特征，寻觅与之相适应的教学方法，首要解决的问题是对这门新兴设计艺术的审美特征——独特的时空美，进行深入的解读与研究，并区别它与其他传统造型艺术之间的异同。环境艺术使用的是丰富复杂的空间与时间综合“语汇”，创造的是真实立体的空间形象。纵使环境空间由各种实体物质要素限定构成，可是诱惑视觉的形、色和材质等，并不是环境艺术审美的主要对象。反之立体真实的空间艺术形象，才是其他造型艺术不具备或无法比拟的艺术特征，真实空间美是环境艺术与其他造型艺术最大的区别。
1.环境艺术的真实空间性
工艺美术、绘画和雕塑等造型艺术的审美形象，主要表现在实体形态方面。不可否认，绘画和摄影等造型艺术，为了追求作品的逼真性或感染力，也努力地描绘和表现空间，写实绘画中应用的透视技法，即根据人眼观物的规律，精准地描画真实空间；摄影更能丝毫不差地记录或还原一瞬间的空间形象。但是，不管一幅画，画得多逼真；一张照片，拍摄得再生动，它们终归还是一个只能看，而不能走进去的虚拟空间。现代科技制作的电脑三维动画，或环型全景电影，能让人眼感觉到画面的纵深层次或环视四周景象，迷惑人的视听，产生空间幻觉。但仍然是针对人的某些感觉方面制作的“虚像”，终究无法把人带进真实的环境空间中，去感觉冷暖干湿，嗅闻芳香气息，触摸软硬粗细的真实存在。
建筑是最能让人联想到空间的造型艺术，是人类用自己的力量获取空间的艺术创造。建筑物包含众多的室内空间，建筑群体组合又限定出丰富的室外空间。可是它的整体气势、总体形象特征更多地是从外部获得的、给人带来类似雕塑体积造型的审美特征。
总而言之，只有环境艺术突出地表现了空间性审美特征。要欣赏环境艺术作品的基本条件是人必须进入其内部空间，边走边看，并将所有景象通过联想组合起来，才能获得完整的艺术形象与审美感受。试想一下，若仅仅凭借静止的、平面的照片或图画，就想欣赏和感悟到北京故宫、苏州园林、巴黎圣母院、威尼斯圣马可广场等艺术环境的丰富多变、生机勃勃的景致，及整体空间气势与空间意境，无疑是不现实的，只会落得个纸上谈兵或盲人摸象的结果。再如，旅游到了丽江古城外，或者杭州西湖边，而未能进入其内部游赏。就根本无法感悟到纳西人家小桥流水、天人和谐的空间意境；也欣赏不到“天堂”般绮丽多姿的西子湖风景美，留下的只有无限遗憾。唯有当观赏者亲临三度空间之中，调动眼、耳、鼻、口乃至全身感官，去接收周围各种审美信息，并经过综合联想与理解，方能实现对环境艺术全面的认识和评价。
这种基于立体真实空间的特殊审美体验方式，是认识和评价环境艺术特征的重要基础，也是指导环境艺术设计教学的基本原则。但是，由于受到种种因素的制约，教学中出现了对真实空间美艺术特征的认识不足，很多人往往把虚拟的设计表现效果，作为构思、设计、评价的最主要对象，其重视程度超过了对真实环境空间的注意。专业建立初期不少师生过分热衷于手绘效果图表现的竞技，之后又沉醉于电脑的虚拟视觉世界的再现。更有甚者，几乎把环境艺术设计课演变成了效果图技法训练课，或者装饰艺术创作课来上，用评价绘画或雕塑作品的标准来评价环境艺术设计。正如多年前布鲁诺·赛维批评错误的建筑评论时所言：“评论家们把评价绘画的方法扩大运用到整个造型艺术领域，这就把一切都缩减到仅有图面上的价值。”“这不仅是评论方法上的错误，也是由于缺乏一种哲学见解而引起的概念错误。”
2.环境艺术的时空综合性
现代物理的科研成果颠覆了千百年来人类对空间的狭隘理解，爱因斯坦之后空间与时间对立统一的辩证关系，越来越为人们重视。由庞杂的真实物体组成，通过连续观赏审美的环境艺术系列空间，必须以运动为基础才能实现。这种独特的运动观赏方式，给它的空间艺术结构中融入了时间的因素。以空间美创作研究为主的环境艺术设计教学，在讨论空间审美时，时间也就成为新的课题。波兰闵可夫斯基曾经提出“四维空时连续系统”的概念，这一理论认为空间除长、宽、高三维之外，还必须加上时间这一维决定因素。这正是环境艺术区别于其他造型艺术的时空综合的“四维空间”特殊性。
众所周知，通常艺术专业的分类方法之一是以空间和时间作为标准。音乐、舞蹈、戏剧和电影为动态的时间艺术类型；而绘画、雕塑、工艺美术，甚至建筑艺术，则为静态的空间艺术类型。实际上建筑艺术和园林艺术并非单纯的静态空间艺术，在三维之外均离不开时间这一维决定因素，具有强烈的四维空间特征。以建筑和园林为母体拓展开来的环境艺术设计学科，与生俱来带有空间与时间的综合性艺术特征。它不同于一般绘画、雕塑和工艺美术造型。而是呈现出复杂的、多层次的空间结构，要感悟和审美，观赏者必须沿着一定的路线“边走边看”。因此，环境艺术设计教学既要以造型艺术为基础，学习绘画、雕塑和工艺美术等表现空间的技巧，研究建筑和园林营造空间的方法。同时，还要借鉴和吸收音乐、舞蹈等表演艺术驾驭时间的知识技能。
音乐形象是在声音的运动中形成的，是活跃的、发展的、流动的形象。在流动的时间中音符、乐句都不停变换，形成几乎不重复的音响，正是这些不断变化的音响组合成了美妙动听的音乐形象。环境艺术形象虽然是固定的，但它必须沿着一定次序排列、延伸、连续和展开。室内外环境艺术，在构思、设计、欣赏时，同样讲究前奏、过渡、和尾声各不相同而又连续的计划安排。研究流动的时间、运用连续的时间，成为音乐教学与环境艺术设计教学十分相似的共同规律。
3.环境艺术空间的固定性
环境艺术设计创作必须具备真实的地址，作品建立于大地上某个不能移动的空间，受制于周边众多因素的影响和制约，这也是它区别于其他造型艺术美的一个鲜明特征。它不像大多数绘画、雕塑和工艺美术作品那样，可以随意搬运到不同的地点展出。中国瓷器和秦兵马俑可以不远万里漂洋过海到欧洲巡回展出；中国人也可以在北京、上海，甚至更多的城市，看到来自法国卢浮宫、意大利文艺复兴的馆藏绘画和雕塑原作。但是不论是谁、身居何处，要欣赏故宫、颐和园等中国皇宫及皇家园林，或者参观法国凡尔赛宫、罗马斗兽场和威尼斯水城，都必须通过旅行前往目的地，才能实现审美目标。环境艺术设计中的一栋建筑、一条街道、一个广场或一座公园，都根植于特定的空间之中，并与周围环境保持着各种联系，这就是环境艺术空间审美的固定性特征。
妥善处理好设计作品与周围大环境的关系，是关乎成败的设计原则。大环境是设计作品的背景条件，它能烘托设计作品。设计作品是大环境的精华部分，又提升大环境的审美质量。若两者关系失调，效果就适得其反。故宫、天安门广场的恢宏气势，出自于京城广阔平原上的中轴线整体布局；圣马可广场优雅的艺术氛围，得益于威尼斯水城和亚德里亚海的映衬；大理白族四合院坐西向东，是为了顺应苍山在西、洱海在东的地形地貌特征。成功的环境艺术设计作品就好似从当地“长出来”的，凸现着鲜明的地域特色，创造出引人入胜的“唯一性”景观风貌。旅游的魅力充分显示了环境艺术空间审美的固定性特征，并以此成为永恒吸引游人的“法宝”。
环境艺术空间的固定性特征，带给教学的研究课题是环境整体设计意识与环境个性设计风格。当前还有些设计教学实践中因为忽视这一空间艺术特征，导致师生无视本土文化传统和地方环境特色研究，盲目追捧流行环境“舶来品”，过分宣扬“洋”材料和“洋”工艺。仿效抄袭，缺乏地域特色，或者脱离本地环境，违背周围条件，孤立炫耀自我的作业。然而，稍稍考察一下实际，就会知道对于固定不动的环境艺术来讲，没有本地个性特征的环境形象，必然丧失吸引力。丑陋的环境作品因为固定不动，强迫人们观看，危害远远超过普通造型艺术劣质品。实践证明，整体意识是环境艺术设计教学的基本原则，个性表现风格是艺术创造的生命之源。
结语
综上所述，笔者认为，在当前环境艺术设计教学中，必须针对其专业要求，全面深入地认识它独特的艺术特征，加强空间意识的教育培养。师生务必突破传统造型艺术的空间概念和习惯，从传统造型艺术“感性”的虚拟空间感悟，转变为现代整体艺术设计“理性”的真实空间思索。以建筑和园林为“母体”，广泛吸纳各门造型艺术的空间知识，将立体真实空间意识注入环境艺术设计教学中。以造型艺术为主体，学习绘画、雕塑和工艺美术等表现空间的技巧，研究建筑和园林营造空间的方法；同时，还要借鉴和吸收音乐、舞蹈等表演艺术驾驭时间的知识技能，处理好环境艺术设计中的时空综合属性。重视环境艺术空间审美的固定性特征，扎根于现实生活背景，充分挖掘和应用本土历史、地理、民族民间文化资源；鼓励凸现鲜明地域环境特色和创造“唯一性”景观风格的原创精神，杜绝抄袭，避免概念。拓展参观考察、写生勘测等实践性教学手段，努力结合现实项目展开教学实践。树立全面、正确的空间意识，摒弃片面、错误的空间概念。
参考文献：
[1](意)布鲁诺·赛维著，张似赞译.建筑空间论.博远出版有限公司.
[2](日)卢原义信著，尹培桐译.外部空间设计.中国建筑工业出版社.1985年.
工艺美术运动概念范文6
关键词：传统工艺；工艺革命；“智造”时代；数码工艺；设计产业；人才培养
先让我们一起回忆一下那场存在于人类历史记忆深处却对当代社会而言仍然“历久弥新”的战争――“马拉松战役”。战役的过程不是我们今天要讲的重点，战役的结果也家喻户晓，让我们铭记这段历史的是现代奥林匹克的一个运动项目――“马拉松”。胜利的捷报传来，依靠的是一名战士不停歇地奔跑，这个奔跑的距离是42公里，这也是“马拉松”项目跑的全赛程公里数。每一次“马拉松”比赛的进行都是一次祭奠，纪念那个用生命换来的关于胜利的消息，更是纪念一个时代的过去，纪念人类在物理空间的长距离位移的最原始方式――跑步。此后人类社会不断进步、科技突飞猛进，物体的位移方式经过了汽车、轮船、火车、飞机、火箭、空天飞船等。相对于物体的位移，信息的位移在经过了信鸽、邮递、快递、手机短信后早已进入了“互联网”时代。随着“物联网”概念的提出和建设的开始，人们也渐渐将物移的方式从物理的方式转移到了“虚拟传输空间”里。通过互联网这一虚拟空间发送实际的物体是这次工业革命的真正意义，也是最大的诱惑。“工业4.0”也好、“第三次工业革命”也好、“互联网加”也罢，其本质就是生产工艺的革命。只有生产的工艺从解决实际的物理形态变成解决虚拟的物体形态，且虚拟形态与物理形态能实现双向自如的转化才能实现这次的“工业革命”。所以，也可以说第三次工业革命就是一场工艺革命，人们将这次革命之前的生产方式称为“制造”、革命之后的生产工艺称为“智造”。中国是一个手工艺的“大国”，如何将这些传统工艺转化成“智造”时代的强大生产力是当代“大国工匠”的历史使命。
1 传统工艺的“比特化”
在传统工艺美术的范畴内，提供创作材料的自然资源成为决定工艺美术种类与风格的重要因素之一，丰富的自然资源为工艺美术的发展奠定了物质基础。但是资源的有限性也限制了传统工艺走向平民，同时也导致了对工艺美术品的价值进行衡量的第一要素是“材料”，而不是工艺，更不是设计！所以，如果工艺能从物理形态进入到虚拟形态，可以有效地避开物料的问题，从一个新的起点开始新的工艺生命。
如前面所讲的“马拉松”战役后，一名士兵跑了42公里传达了一条信息：“我们胜利了”。当今社会，如果我们要传递这样一条信息，我们还会再跑42公里去喊五个字吗？不会，我们会拿起手机，发一条短信或微信来传递这条消息。但是，如果我们传递一件工艺美术品呢？目前，我们往往还是要跑这42公里把“物体”送达。因为，当下的工艺美术品都是物理形态，都是“原子”结构。
工艺革命正是要解决这个问题。我们一起来设想一下这样一个场景，你在上海，你要送一件工艺品给在北京的朋友，你将这件工艺品通过三维扫描仪输入电脑，通过互联网发送给北京的朋友，他接收数据以后，通过减材或增材“智造”设备进行输出、机械臂自动打磨喷漆后，这件工艺品就借助“互联网”实现了物体的位移，成就了“物联网”时代的工艺品位移方式。
这样的工艺品传输方式的优势除了大大节省运输成本之外，更具革命意义的地方一是数据的“可变性”、二是数据的“无重性”。数据的可变性是指你发送的工艺品数据在对方接收后他可以根据自己的喜好、需求、材料情况等进行改变，然后才进行物理形态的输出。数据的无重性是指数据传输过程中不会因为工艺品的大小或数量而产生重量的负担，数据的大小与工艺品的重量和数量无关。
我们再进一步设想一下，前面的案例中所实现的数据投送其实存在了两个物体即两件工艺品――原型与数据复制型。这是因为在这个案例中的工艺方式还是传统的，是“原子”世界物理形态的工艺形式，是通过三维扫描仪进行了三维数据的采集后才变成了虚拟物体。那我们为什么不能直接制作虚拟的工艺品呢？
我们都知道，虚拟世界的构成单位是“比特”，工艺在比特世界直接实现，之后才借助“智造”设备进行输出，这就是工艺革命的核心，既是核心理念也是核心技术。只有“革”传统工艺的“原子”之命，将传统工艺“比特化”，才能赋予传统工艺以新的生命。
2 工艺革命中的“数码工艺”
2013年，我在上海工艺美院成立了“数码工艺”专业（方向），2015年建起了“数码工艺”实训室。目前已经形成了一个中心两个实训室的基本形态。设计中心解决的是工艺品的形态、功能等问题，借助的数码手段主要是三维扫描、建模、编程、刀路计算等工艺品数据输入方式。两个实训室解决的是工艺品材料、制作工艺等问题，一个是增材工艺实训室，主要是3D打印技术方面，一个是减材工艺实训室，主要是CNC精雕技术方面。我们将这样的一个虚拟世界的工艺方式称之为“数码工艺”。
2.1 设计先行
正如前面提到过的，数码工艺品的价值不在于物料、也不在于技术、而在于设计。只有设计先行才能充分体现“工艺”的价值、更能创造新的工艺、综合考量或统筹各种工艺方式的结合或有效利用。只有设计不脱离市场、工艺品才能成为商品，只有设计让人惊艳、工艺品才不会不“土”，只有设计来源于生活且高于生活、工艺品才能免俗。
数码工艺是平民的工艺，数码工艺品的设计一是要思考设计与“智造”机器之间的关系，降低成本、简化工艺环节；二是要思考设计创造与生活的关系，要紧紧围绕公众的日常生活、为平民服务、以人为本。
数码工艺的设计应具备以下三个要素：功能、造型、材料，和一个核心基础：工艺技术条件。数码工艺设计以工艺方式分，可以分为增材工艺设计和减材工艺设计；以功能分，可以分为产品设计、礼品设计、工艺品设计、日用品设计、家具设计、空间装饰设计、古建筑构件设计、文物修复及其衍生设计、动漫或影视周边设计、文创设计等；以材料分，可以分为金属3D打印设计、陶瓷3D打印设计、塑料3D打印设计、粉末3D打印设计、食品3D打印设计；木雕精雕设计、金属雕精雕设计、石雕精雕设计、综合材料设计等。数码工艺设计的原则是强调工艺特点，积极采用多种多层穿插的方式、不惧怕复杂的工艺表面、敢于采用连续复制的密集纹理或绝对对称形式、大胆高度模仿自然形态等。数码工艺设计以功能之上，包括了实用功能和审美功能，数码工艺品的功能性是产生美感的源泉。
2.2 科技力行
一方面，科技作为智慧的结晶、其诞生之初的形式往往简单粗矿，科技研发的成果在固化的过程中离不开艺术的包装、特别是产品外观的设计，以及应用设计方面的研究。这是工艺美术之于科技产品的重要性。
另一方面，伴随科技的发展，产生了诸多新工艺，这些对于工艺美术的传承和创新有着至关重要的作用，也已成为工艺美术的表现形式之一。特别是3D打印技术、CNC精雕技术的出现和不断的技术革新，给工艺美术的创作乃至工艺手段都带来了更多的可能性。
探究工艺与科技在各自轨道往对方疾驰的轨迹和交互时产生的魅力火花是当代“工匠”不可回避的。工艺与科技的互相交融、互相补助、互相促进是未来的大趋势，接受、理解、研究、提升是历史交给我们的使命。
在工艺革命的大背景下，消费市场需要为平民消费进行工艺定制，数码工艺成为设计打样与生产加工的主流工艺手段。目前企业在工艺礼品、家具、室内陈设制作过程中已经普遍采用CNC精雕技术作为规模化、标准化的生产工艺。随着竞争的日益激烈，只有成本低、工艺品质好、后加工处理简单的工艺产品更能在工业4.0的大时代下乘风破浪。降低成本最有效的方式就是去人工、大量借助现代科技、规模化生产，在规模化生产的基础上，可以做到资源共享，这样有利于更好地提高工艺品质、加强后加工处理工艺及资源的合理运用。与传统工艺结合则是提高数码工艺质量的主要手段。数码工艺的工匠精神不仅体现在设计阶段，同时也体现在电脑绘图、刀路计算、三维建模时、工艺设备操作、后处理等阶段的“匠心”，这就更需要数码工艺的学习者深刻了解传统工艺特别是手工艺的技法，只有这样才能在设计制图阶段将个人情感、作品灵魂融入程序里，而一旦设备开始实物输出，就不存在更多改变的可能性。数码工艺借助科技实现了工艺的虚拟化，所以更要把“数据工艺”做好，紧跟科技发展的步伐和产业革新的趋势，不断完善、提高数码工艺水平。
3 数码工艺的人才培养
数码工艺的人才培养应依托高等职业院校借助行业中已普遍采用的增材或减材工艺设备解放学生的双手、释放他们的大脑，紧跟科技革新、技术创新的步伐，在商品经济时代下，依托高等院校、面向工艺产品设计行业及制造业，旨在培养能较好运用传统工艺美术与非遗元素并精通现代数码工艺技术进行设计、打样、生产工业产品、工艺礼品、装饰品的懂技术的设计人才或懂设计的技术人才。
对于学生而言，年轻是他们最大的资本，也因为年轻所以敢于创意，这是新时代下工艺设计的根本需求。在传统工艺的时代，学生们年轻的生命大多消耗在手艺的反复磨练上，创意随着生命的流逝、手艺的成熟在渐渐消散，待到他工艺水平炉火纯青时往往都已过了最敢想的年纪。数码工艺的人才培养过程将回归自然发展规律，在学生们年轻的时候引导、发掘他们的创意能力。可以大胆将工艺设计作为学校教育的主要工作，是因为数码工艺借助全新工艺技术大大降低工艺实现的门槛，使他们在校期间就“想到就能做到”，完全不必再花大量时间重复磨练技法。
新工艺在工艺设备和工艺设计之间的媒介是电脑。这是当代年轻学子们最不陌生甚至最擅长操作的工具，也是他们最喜欢的工具之一。当工艺必须通过手工完成时，对学生们而言兴趣已经大打折扣，这样的培养与其说是传承更不如说是培养了“传承”的炮灰，借传承之名保护“老师”的既得利益罢了，牺牲的却是一代又一代的学生，他们迈入社会后完全没有就业的方向，并掌握这个时代所需的电脑技能。传统工艺作为传承的性质，在高校范围里进行研究、传授是无可厚非的，但规模化“批量生产”所谓的“传承人”就是一种作秀了，对社会和工艺的传承有害而无益。
“工业4.0”时代下的工艺人才培养应该紧贴产业对人才的需求，深入研究生产进入工艺时代后对相关应用型人才提出的要求，培养符合这个时代的掌握应有技能的合格人才。
4 结语
清华大学史论系教授陈岸瑛说过“在传统社会中，传统工艺是为等级制服务的，最好的东西应该献给最有权势的人。复兴传统工艺绝不是搞复辟，而是在一个新的起点上，满足温饱之后的差异化和个性化需求。”1
权贵的时代早已过去，工艺的“权贵时代”却因为种种原因还残喘至今，大有“百足之虫死而不僵”的意思，并且成为了一个民族脆弱内心的慰藉，摇尾祈怜寻求保护之余却又狐假虎威凶神恶煞，蔑视、诋毁、打压新工艺。以高贵自居的传统工艺恰如封建贵族的“自豪”和自欺欺人，对新工艺特别是高科技、全自动工艺的扼杀正是其恐惧被替代、害怕自己失去“权势”的哀鸣。
其实，这样的恐惧是没有必要的，传统工艺的历史地位是不可动摇的，研究和保护性的传承也是必要的，就像京剧等戏曲形式一样也留存至今，自有其一小批受众。传统工艺走入历史是必然的、新工艺成为新时代里与生产紧密结合的全新工艺样式也是大趋势，现在的问题是传统工艺的“玻璃心”想以孤魂残绕当代、试图阻挡历史的潮流、挽回人们对权贵时代的眷恋，心存“复辟”的幻想。
打个比方，传统工艺就像戏曲、新工艺就像电影，电影工业的发展并不影响对于戏曲的保护事业，甚至可以借助电影的发展对戏曲进行再研究、再发扬、相互嫁接。同样的，对于戏曲的保护也不应该影响更不应该排斥或阻挡电影的发展，况且，后者是阻挡不了的。你可以自命戏曲高雅、说电影低俗，你可以将戏曲捧得很高贵、电影的确廉价，但这并不影响大众特别是平民对电影的喜爱和追捧。传统工艺和新工艺的关系不也是这样的吗？现在传统工艺对于新工艺的“敌视”不可能换来传统工艺的生机，反而接受新工艺、拥抱新工艺才有可能让传统工艺前途光明。
观工艺之历史，工艺与艺术之最大不同在于工艺的艺术里有“工”，工艺与技术密切相关。以玉雕为例，最早是用石头敲打、后来用刀具雕琢、近代用半自动机械加工、现代用全自动雕刻机精雕、未来3D打印甚至4D打印也在跃跃欲试。随着工艺科技的不断改变，工艺的形式、风格也随之发展，技术不断出新、作品就不断创新，这是紧随时代的工艺发展之路。最后，借用我的老师，上海大学教授、博导罗宏才先生的赠言：工艺生命当随时代！
