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工艺美术运动的特征范文1
关键词：有意识设计；工艺美术运动；“无意识”设计；当代设计
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）03-0160-01
一、“有意识”的工艺美术运动
（一）工艺美术运动的概述
“有意识”的工艺美术运动，则是指工艺美术运动中所提倡的“技术与美的结合”，也就是说在满足功能的基础上还应满足大众对美的追求，能够充分的说明设计者在设计作品中注满了设计思想，而这些作品都是设计者通过设计思维缜密安排达到的结果，在这里我称其为“有意识”的设计。我们就以工艺美术运动为例，谈谈有意识设计。
工艺美术运动是从1851年在伦敦的水晶宫中举行的世界博览会开始的。这场运动的理论指导是作家约翰・拉斯金，而运动的主要人物则是艺术家、诗人威廉・莫里斯，他与艺术家福特・布朗、爱德华，柏恩・琼斯等人共同组成了艺术小组拉菲尔前派。他们的目的是诚实的艺术，主要是回复手工艺传统。他们的设计主要集中在首饰、书籍装帧、纺织品、墙纸、家具和其他的用品上。
（二）工艺美术运动的设计意识
工艺美术运动主要以复兴手工业的艺术为主要特征，作为设计的一个运动环节却推动了设计的发展。在这场运动中莫里斯认为“美就是价值，就是功能”。他认为：“不要在你家里放一件虽然你认为有用，但你认为并不美的东西。”其寓意自然是指无论什么，摆放在哪里，它自身应是功能与美的统一。①这场远离我们已久的运动中，设计的工具简单可设计的思想却不简单，无论什么设计都是设计者冥思苦想的结果，它们都经过了设计者严格的考究才面向大众。由此可见，那时的设计作品在功能与美的基础上可以充分的反映设计者的思想，可以更好的向大众传达设计的理念。这种带有设计思想，向大众传达设计理念的设计作品，称之为“有意识的设计”。
在工艺美术运动时期许多“有意识”的设计作品产生，例如：织物图案、字体设计、装帧设计等等。图1.2-1与图1.2-2是莫里斯设计的织物图案，他在设计过程中将欧洲中世纪与中国的东方艺术相结合，形成了浪漫、自如、华美的风格特征②。这些织物设计摆脱了欧洲惯用的光影与透视的手法，利用中国传统纹样的设计手法，将现实中的花卉通过归纳、总结、装饰、变形等艺术手法展现在二维的空间中。丰富的造型既有严谨的结构，在设计图案的色彩中，也不是含糊了事，对比色、邻近色、互补色在应用的过程中都不是那么随意，这两幅织物图案的色彩在柔和中不失对比，在紧张的对比关系中又不失轻松地氛围；在图案的组织排列中也是思维缜密。漂亮的花卉图案，鲜艳而又温和的色彩，画面中不失重心的安排，这一切的一切都是设计师的心血，为的是达到技术与美或者说功能与美的结合。尽管当时的设计工具远不如现在，设计创作还是能很好的传达设计师的思想，满足大众最功能对美的需求，它是“有意识”的设计的结果。
二、“无意识”的中国当代设计
随着生产力的发展，现代的科学技术发展的也越来越迅猛。在大的社会历史背景下，设计的发展也融合了更多的社会、政治、经济的问题，在这样多元化发展的进程中设计的角色和指向也变得越来越模糊了。
（一）“无意识”的当代设计概念
了解“无意识”的当代设计的概念，首先要了解何为无意识？弗洛伊德在精神分析理论中说到将人的精神意识分为意识、潜意识、无意识三层。无意识成份是指那些在通常情况下根本不会进入意识层面的东西，比如，内心深处被压抑而无从意识到的欲望，秘密的想法和恐惧等。③
无意识的设计有许多种含义，从褒义的角度来说，无意识设计是一种依靠直觉的设计，而其所需要的就是“无意识”达到“有意识”的效果。这并不是一种新的设计方向，而是作为设计师在做设计时需要关注一些别人没有意识到的细节，把这些细节放大，让别人注意到，使得设计出来的东西更为的有创造力，从而使产品更加的伟大更有意义。④这种对无意识设计概念的定位，也是在设计师的思维有足够的储备时，是一种较为高水平的设计能力。
（二）“无意识”的当代设计成因
所谓当代设计的“无意识”并不是自然因素造成的，其主要原因在于科学技术的飞速发展推动了设计工具的多样化，而其就成了一些设计能力不够过硬的设计师创作设计的“帮凶”。往往这些毫无意识创作的设计作品无论是平面设计，环境艺术设计或是工业产品设计都缺少了人文的关怀以及创作本身所应具有的趣味性。
工业产品设计中这点尤为突出，许多工业设计师的创作只能满足产品的功能性或只能满足美观性很难达到技术与美的结合，这些这几作品往往缺少人文情怀，这也是无意识的一种表现。平面设计与环境艺术设计也是如此。首先，从设计方法来看，当代设计越来越多的依赖电脑等高科技手段，在设计中不在以美的形式，使用的性能为考虑出发点，而是更多地考虑商业的利润，这期间就丧失了作品的人性化与趣味性。其次，从设计形式来看，当代的设计在形式偏于乏味，基本上也是在前人的基础上稍加改，并没有从真正的画面上创作出有意义的设计形式。最后，从文化的角度来说，这种“无意识”的设计，没有很好的应用当代的或是传统的文化，作品显得肤浅而又生硬。
三、“有意识”设计对现代设计的影响
我们的现代设计起步还比较晚，需要借鉴的东西还很多，在工艺美术运动中我们可以学习其“师承自然”的思想，强调美术与技术结合。而当代的设计将传统的文化弃之脑后，渐渐地背离了我们传统文化。在学习其在设计中主张合理利用自然，与自然亲密接触这点同时也应在现代设计中防止功利化、物质化，防止传统文化的丧失以及人文情怀的失落。现代设计应当借鉴工艺美术运动时他们对待设计的态度，最终将西方的优良的设计理念，与中国古代传统的设计美学合理结合，形成具有中国自己特色又符合现代人审美观念的设计。
四、结语
本篇文章在讲述了工艺美术运动时期的有意识之外，也讲述了当代设计的“无意识”化。总而言之，“无意识”的设计注重了现代社会的功利性与商业性，而缺失了有意识设计中的美学与技术、功能的统一。作为现代的我们，应尽量的弥补这个缺憾，将自己对传统对现代文化的理解融入在设计作品中，经过感性到理性的思维过程，更好的传达设计理念与设计信息。
将“无意识”的设计转变为有意识的设计，将会使新时代的设计走得更远。
注释：
①百度知道.http：// [D].工艺美术运动作品.
②宝儿博客.http：// [D].工艺美术运动代表人物威廉・莫里斯.
③无意识设计[J].北京：北京晨报，2010年.
④无意识设计[J].北京：北京晨报，2010年.
参考文献：
[1]尹定邦.邵宏.设计学概论[M].长沙：湖南科学技术出版社，2010年1月.
[2]朱钟炎.建筑设计与人体工程[M].北京：机械工业出版社，2009年6月.
[3]凌继尧.艺术设计十五讲[M].北京：北京大学出版社，2006年10月.
[4]韩丽娟.当代平面设计基本特征初探[语言文学][J].商场现代化， 2009年4月.
工艺美术运动的特征范文2
关 键 词：现代设计 装饰 设计风格 变迁
起始于18世纪下半叶的英国，以大工业时代为背景的情况下变化和发展的现代设计历经18世纪末和19世纪的萌起、20世纪的发展和成熟进入21世纪多元化的发展。装饰自人类之初就存在于创造活动中，在现代设计时期装饰更是设计活动中不可分离的构成要素和内容，它以形式美的审美特质，激发人类爱美的欲望和对审美的需求，在某种程度上现代设计实践和设计理念中装饰动 机和形式的变化，表现为一种螺旋式的轮回。
一、自然主义装饰动机——现代设计萌芽期
西方现代设计萌芽期，经历了工艺美术运动、新艺术运动，其设计理念中都强调了设计的形式美，通过装饰赋予设计生命活力，进而为人们的生活增添情趣。
工艺美术运动的发起者莫里斯曾在1880年发表的《生活之美》说过：“不要在你的家里放一件虽然你认为有用，但是认为并不美的东西。”表明工艺美术运动虽然主张设计的诚恳，反对设计上哗众取宠、华而不实的趋向，讲究简单、朴实无华和良好的功能，但亦重视设计的形式美感，手法上推崇自然主义和东方艺术形式的装饰，特别是日本式的平面装饰特征，采用了大量的卷草、花卉、鸟类等为装饰的动机。
工艺美术运动自然主义的装饰风格在染织品设计中的表现尤为突出，莫里斯本人最热心于纺织品的纹样设计，其设计图案往往采用植物的枝蔓和花卉为动机，枝条中有小鸟歌唱，充满浪漫的自然主义气息，其追随者莫顿·阿比延续了这种自然主义装饰动机，自己开设染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”。其次在书籍装帧、陶瓷设计、家具设计中都有体现。（如图1）
1865年，琼斯在《装饰的句法》一书中曾声称：“形式的美产生于波浪起伏和相互交织的线条之中。”预示了后来以弯曲线条为主要装饰形式的新艺术风格（Art Nouveau）。新艺术风格在工艺美术运动之后大约19世纪末20世纪初开始在欧洲流行，新艺术运动的理想是为尽可能广泛的公众提供一种充满现代感的优雅，接受了工业材料和制造工艺，但在形式感方面不喜欢过分的简洁，强调装饰性。
新艺术运动风格受工艺美术运动的影响，延续了自然主义装饰动机，但在装饰形式却避免对自然的完全模仿，表现为崇尚热烈而旺盛的自然活力，主张保留其内在的某种具有生命活力的装饰性因素，寻找自然造物最深刻的本质根源，发掘决定植物、动物生长、发展的内在过程。
新艺术运动在西方各国的名称各异，但是风格上保持了相对的统一，大批设计师参与到该风格的设计中来，创作了大量优秀的新艺术风格作品。如法国埃克多？吉玛德的巴黎地铁入口，比利时维克多·霍尔塔布鲁塞尔都灵路12号住宅室内设计，西班牙安东尼·高蒂居埃尔公园，美国芝加哥学派路易·沙利文“斯科特”百货公司入口设计等等。这些作品中典型的装饰纹样都是从自然草木中抽象出来的，流动的形态和蜿蜒交织的线条，充满了内在的活力，体现出蕴含于自然生命表面形式之中的无休无止的创造过程。（如图2）
二、形式追随功能，反对装饰——现代主义运动
现代主义设计大师米斯·凡·德·罗提出：“少就是多”，奠定了现代主义运动功能主义的特征。“现代设计风格”是为全体大众服务的，通过倡导“功能第一，反对装饰”的设计宗旨使设计大大降低了成本，从而达到民主的目的，这是现代主义运动批判“装饰即罪恶”的主要根源。
现代主义运动兴起于20世纪20年代的欧洲，经历了德国工业联盟、荷兰风格派、俄国构成主义运动的发展到包豪斯学院的建立成功确立了现代主义设计思想，二战后传播到美国最后影响了全世界。
从装饰观念上来看，现代主义设计强调形式为功能服务，但并非不注重形式，相反强调形式的简洁和理性，采用非装饰的简单几何造型和中性色彩计划，以适应标准化和批量生产。尤其是包豪斯学院在基础课程中三大构成理论的确立，为现代设计风格的无装饰的装饰效果奠定了理论基础。但是从另一方面来看，现代主义最后发展为单纯到极点、少则多、冷漠而理性、千人一面的国际主义风格，势必会引发对它的反对，以及装饰动机的再次复苏。
三、工业发展大潮流下装饰动机的延续——装饰艺术运动
装饰艺术运动是与现代主义同时兴起的设计运动，受现代主义运动的影响，展开了对工业化、机械化的设计形式语言的探索，从而采用大量新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，并设法把豪华、奢侈的手工艺创作和代表未来的工业化特征合二为一，与之前的艺术风格有所区别，从而产生新的艺术风格，但本质上与之前的工艺美术运动和新艺术运动都同为“装饰”运动。
在工业发展的大潮流下，装饰艺术运动能延续对装饰动机的坚持，这与它的精英主义，或者说为一小部分富裕阶级及权贵服务有关。我们可以发现，装饰艺术运动影响到的国家主要有法国、美国、英国等工业革命最彻底的国家，但它的影响力是全世界的，甚至在中国上海也能找到装饰艺术风格的作品，这些国家和地区的共同点是物质丰裕，经济发达，聚集了大量的社会财富。装饰艺术运动的这种传统设计立场与在意识形态上追求无装饰的，强调民主性、大众性的现代主义设计有本质上的区别。
装饰艺术运动常用设计语言的源泉多样，使得装饰艺术运动不像复古主义那样抱着历史样式不放，也不像现代主义那样完全抛弃历史，它走的是全新的一条路。当时考古学上的重大发现、传统艺术及原始部落艺术的启示、舞台艺术影响，给设计师众多的灵感。在设计形式上，装饰艺术风格往往以贵重金属、宝石或象牙等高档材料表现出来，因而给人以新奇和时髦的造型感受，弥漫着贵族高雅的情调；造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰，色彩强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色，造成强烈、华美的视觉印象，与以往讲究典雅的设计风格的色彩运用大相径庭，在其独特的色彩系列中、鲜红、鲜蓝、橙黄、鲜橙以及金属色受到特别的重视，达到了绚丽夺目甚至金碧辉煌的效果；趋于几何但又不过分的强调对称，趋于直线但又不过于直线；在色彩上具有鲜明强烈的色彩特征与以往讲究典雅的设计风格的色彩运用大相径庭。在其独特的色彩系列中、鲜红、鲜蓝、橙黄、鲜橙以及金属色受到特别的重视。通过色彩的运用，使其设计达到了绚丽夺目金碧辉煌的效果。（如图3）
四、装饰动机强势回归，历史、折衷主义、戏谑、文脉主义表象下对个性、情感、生命力的追求——后现代主义运动
1966年罗伯特·文丘里在他的著作《建筑的复杂性和矛盾性》提出“少即是乏味”，成为一场反叛现代主义设计的思潮和设计运动的宣言。
这场运动在20世纪60年代萌芽，于70、80年展壮大，它的出现主要原因是随着物质的不断丰裕，传统现代主义单调、缺乏人情味、理性而冷酷的面貌不再适合人们的审美需求，由此引发了追求富于人性的、装饰的、变化的、复杂的、个人的、传统的、表现的形式，以塑造多元化特征为目标，设计风格多样的后现代主义运动。从严格的理论上，后现代主义并未进行本质的变革，而是单纯从形式因素的角度批判和反对现代主义，是一种风格样式。
罗伯特·斯特恩曾将后现代主义的特征归纳为文脉主义、隐喻主义和装饰主义，在设计形式上喜欢用古典的建筑元素，因受大众化和通俗文化的影响，往往戏虐地使用古典元素，同时喜欢采用隐喻的设计手法，广泛使用各种符号和装饰手段强调建筑形式的含义及象征作用。后现代主义的设计领域主要是建筑设计，文丘里、查尔斯·穆尔 、詹姆斯·斯特林、迈克尔·格雷夫斯等设计大师都曾留下优秀而经典的后现代主义风格建筑作品。（如图4）
后现代主义以强大的包容力融合了多种装饰动机和手法，其开放性又使它并不排斥似乎将成为历史的现代主义风格，因此在后现代主义运动逐渐消退后，新现代主义、解构主义、高技术风格、新民族主义等等设计风格或流派层出不穷，以及当下对环境、人性的关注，我们的设计进入多元化时期，
值得注意的是，在80年代的后现代主义时期掀起对20、30年代装饰艺术运动风格的研究风潮，相隔半个世纪的两种风格之间有了千丝万缕的联系，再次验证了经典的设计风格和样式会经历几十年甚至几百年轮回一次，比如在西方传统设计史中对古希腊、古罗马古典样式的复兴出现多次。
西方现代设计不到两百年的历史发展中，装饰动机和形式不断变化和轮回，这与社会物质和人文环境有很大的关系。我们可以看到物质基础是设计能够注重装饰的前提，不管是工艺美术运动、新艺术运动还是装饰艺术运动的服务对象都是有钱阶级，甚至到后现代主义阶段也是源于人们的生活逐渐富裕起来了，对美的需求增强，而反对装饰的现代主义的设计理念追其根由是为了节约成本为更多没有钱的大众服务，因此，物质条件决定装饰动机和存在价值；另一方面装饰手法的变化与社会人文环境息息相关，英国传统田园式的浪漫主义情怀推动了现代主义萌芽期对自然主义装饰形式的热爱，而古埃及帝王陵墓——图坦哈姆墓黄金制品的考古发现、非洲原始部落艺术的推广甚至摇滚乐的传播都影响了装饰艺术运动风格，当下我国对传统文化的挖掘与提倡，推动了设计领域新民族主义风格的兴起。
总之，装饰是现代设计不可分割的一部分，对西方现代设计发展过程中装饰动机和形式变化规律的分析和把握，有助于我们更清晰的认识当下设计的发展的动态和趋向，帮助我们找到与时代气息契合的装饰理念和手法，以适应现代人追求简约而不失细节的审美要求，引领人们走出充满诗意的、生活情趣的和生命活力的人生。
参考文献
[1] 王受之.世界现代设计史.中国青年出版社，2006.9
[2] 朱怡芳 宋炀.中外设计简史.中国青年出版社，2012.1
[3] 朱和平.世界现代设计史.合肥工业大学出版社，2011
[4] 敖力琦. 现代西方装饰艺术设计思维探源.东北师范大学2008.6
工艺美术运动的特征范文3
新艺术运动在欧洲各国的性质和表现不尽相同，但也存在着一些共同的特色。比如他们通过艺术家集体的力量去探索现代工艺美术的语言，他们对反对传统的风格，要以新的工艺美术形式表现出时代的特征。尤其是新艺术运动所带来的影响和所形成的艺术特征更有相互一直的地方。
下面我列举一下几个国家，说明一下“新艺术运动”在各自国家的表现形态。在介绍的内容方面有所侧重，由于法国是“新艺术运动”的发源地，所以介绍的内容比其他国家相对详细一些。
法国是“新艺术运动”的发源地，“新艺术”（Art Nouveu）本是巴黎一家商店的名称，由出版商萨穆尔宾（Samuel Bing）1895年12月创立，是在仿效威廉莫里斯设计事务所的基础上开设的，取名“新艺术画廊”，（The Gallery De I’ art Nouveu）。虽然名称是“新艺术画廊”，其实主要经营和展览风格新颖的家具及室内陈设用品。“新艺术运动”在十九世纪末就初见端倪，1900年的巴黎世界博览会为“新艺术运动”提供了强大的展示舞台，从那时候起“新艺术运动”在法国持续二十余年，并影响到其他国家，因而，我们称法国是“新艺术运动”的发源地。
法国的“新艺术运动”的发展主要有两个中心：巴黎和南锡（Nancy）。南锡主要集中在家具设计上，而巴黎则包罗万象，涉及领域非常广泛，包括家具、建筑、室内、平面设计等。在巴黎，最主要的代表人物是建筑师格里马尔。他为巴黎许多建筑以其出色的很多相当精美的装饰，其中最出色的是巴黎地下铁路的出入口站，一共有141种不同图案。他还为卡斯第尔.布拉齐旅店设计了一扇非常出色门，上面的图形变化莫测，线条优美，更是体现了新艺术的风格。在南锡，玻璃工艺家加莱是个十分重要的人物，以他为核心有南锡派的工艺美术联盟。他的玻璃器皿，运用砂轮磨花、酸腐蚀、金属镶叠、金属镂嵌和吹泡等特殊技法，加工出来的图案和花草昆虫都流畅美观，因而被成为“玻璃玻璃镶嵌细工”也不足为奇。
具有影响的“新艺术运动”组织有“新艺术之家”、“现代之家”、“六人集团”等。
英国的新艺术运动是莫里斯美术与工艺运动的继续。在莫里斯和拉斯金相继谢世之后，他们的学生马克默多建立了"新世纪艺术家协会"，生产新颖的家具和装饰品，成为向"新艺术"的过渡。稍后，在格拉斯哥，出现了以麦金托什为首的设计家集团。1896-1909年间，他们为格拉斯哥的四家茶室进行了别出心裁的设计，风格简练、明快。1909年建成的格技斯哥艺术学院新主楼，被喻为英国第一所新艺术风格的建筑。
比利时地处英国和法国之间，经济和文化交流非常密切，英国工业革命对比利时影响很大，工业发展十分迅速。1859年，在艺术上比利时出现了一些基金的组织，如“二十人社”（Les Vingts）。“二十人社”由奥克塔毛斯（Octave Maus）领导，在比利时经常展出雷东、修拉、劳特累克、高更。凡高。塞尚等人的美术作品。
亨利凡威尔德是比利时“新艺术运动”核心人物，
新艺术在意大利的“自由风格”，主要表现在建筑设计方面，参加这一运动的建筑师、设计师，分布在意大利一些大城市里面，他们的创作大都与地区特色相练习，但新艺术在意大利新艺术发展中，一些期刊杂志的出版发行，起到了推进作用。都灵
新艺术运动在佛罗伦萨也得到了发展。佛罗伦萨是意大利中部的文化名城，这个历史上艺术家云集、群星璀璨的城市，建筑物古香古色，已经形成独特的建筑格局。建筑师乔万尼米凯拉泽的作品很有代表性，他不受传统的束缚，而是从中汲取为新艺术有益的成分、参照文艺复兴建筑的典雅形式，充分运用优美、流动的曲线，装饰建筑物的内部和外观。在传统中融合了现代艺术的成分
奥地利新艺术的代表是"维也纳分离派"中的工艺家和画家们。他们有建筑与设计家奥托瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇，画家克里姆特、莫赛等人。奥托瓦格纳为首的维也纳学派在新艺术运动的影响下形成了。奥托瓦格纳早期从事建筑设计，并发展形成了自己的学说，但在设计界的影响则是从1894年担任维也纳艺术学院建筑系教授开始的。他早期建筑风格倾向于古典主意，后来在工业时代技术的影响下，逐渐形成了自己的新的建筑观点。1895年，他出版的《现代建筑》一书中，指出新结构和新材料必然导致新的设计形式出现，建筑领域的复古主意样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务的，而不是为古典复兴而产生的。在维也纳艺术学院就职演说中，他说：“现代生活是艺术创造唯一可能处罚点：。”所有现代化的形式必须与我们时代的新要求相适应“。在《电代建筑一书中，他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑”像在古代流行的横线条他们设计的分离派陈列馆、印刷广告、装饰画等，主题上颇受象征主义影响。
德国新艺术运动是以"青年风格"出现的。它得名于1896年在慕尼黑创刊的《青春》杂志。年轻的设计家埃克曼、雕刻家奥布里斯特是其骨干。他们设计的缀锦、封面和各种美丽的花卉图案，被广泛地应用。此外，凡.德.维尔德和建筑家贝伦斯在柏林方面以抽象的青年风格设计建筑和建筑装饰。
西班牙的新艺术运动只限于巴塞罗那。建筑师高迪和蒙塔列分别代表着两种不同的风格。高迪以富有中世纪哥特艺术趣味的、简化的曲线形，设计了离奇古怪的卡萨.米拉公寓和圣家族教堂，至今是西班牙人的骄傲。蒙塔列所设计的卡兰塔音乐厅，代表了大陆风的历史主义的新艺术风格。
新艺术运动在欧洲大陆“昙花一现”，但在中国的哈尔滨却持续了30年。 哈尔滨的艺术运动建筑数量居世界第三。早在上世纪二三十年代就有人将中央大街同柏林的菩提树大街、东京的银座大街、上海的外滩、天津的维多利亚(解放北路)大街相提并论，可见其影响之深远。此次“修旧如旧”的改造原则基本保持了中央大街建筑的欧式风格。中央大街整体改造完成，市民发现原来松雷商厦门前侧面大广告牌不见了，取而代之的是一堵造型新颖、别致的“假墙”。这是一堵“新艺术运动”墙，它与所依附的中央大街58号保护建筑的前脸一模一样。哈尔滨工业大学土木楼后楼就极有新艺术运动时期的风格，现在世界上已不多见。这是1920年的作品，希腊陶立克柱式，厚重的石础，挺拔的柱身，柱身上匀称的凹槽，中段柔美的墙饰，与底层阳刚形成对比。目前是一类保护建筑。建于1927年的哈尔滨摄影社（现中央大街58号）就是世界“新艺术运动”建筑风格的句号。 二、新艺术运动在设计史上的地位
新艺术运动在设计史上有是有重要意义的。“新艺术运动”实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播，在思想和理论上并且没有超越“工艺美术运动”。它主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。在具体的设计中，避免使用直线，注重从自然中获得自然形式的运用，但还没有从功能、结构、形式的统一上进行产品设计。在追求自然形式上，“新艺术运动”试图摆脱任何古代亡灵，真正从自然中获得启迪，完全走向自然主意风格，强调自然中不存在直线和平面，在装饰上突出表现曲线、有机造型，装饰的构思主要来源于自然形态。艺术家在“师法自然”的过程中寻找一种抽象，把自然形式赋予一种有机的象征情调，以运动感的线条作为形式美的基础。
新工艺运动时期的建筑装饰的大胆实践，至今对探索新建筑发生潜在的影响。新艺术风格表现了19世纪末和20世纪初艺术家感到需要影响现代人生活的整个环境。这种风格当时不仅影响到工艺美术，而且还影响到建筑、雕塑和绘画。它是有意识地抵抗“循环论”，因而在工艺方面，如在陶瓷设计方面，为获自由的形式开拓了道路。良好地解决了艺术趣味同工业生产利益之间的冲突。与此同时，强调实用的主张，从建筑扩大到陶瓷、玻璃、金属器皿在内阿弟其他工艺美术，“形式服从于功能”的思想在各个领域表现日趋明显，工艺美术发展阶段也进入了造型简洁、装饰单纯的形式，对后来的艺术形式影响甚远。
参考书目及资料：
《工业设计史》 杨钢主编 张怀强编著 郑州大学出版社 2004
《外国工艺美术简史》 张夫也著 高等教育出版社 2000
《西方现代设计艺术史》董占军著 山东教育出版社 2002 第48、57页
《工业设计史》 杨钢主编 张怀强编著 郑州大学出版社 2004
《20世纪意大利美术》 晨朋著
湖南美术出版社 2002 第2页
《设计艺术教育大事典》:朱铭，奚传绩主编山东教育出版社 2001第143页
工艺美术运动的特征范文4
关键词：威廉莫里斯；“红屋”；装饰设计
1 莫里斯与红屋
威廉・莫里斯（1834～1896）被称为“现代设计之父”，同时他也是一名艺术家、作家、诗人和社会活动家。他出生在英国一个富裕的中产阶级家庭，自幼就接受了良好的教育。他被约翰・拉斯金（1819～1900）的思想所影响，对于中世纪哥特建筑和自然之美产生了极大的兴趣，因此开始学习建筑，进入了以哥特风格闻名的斯特里德建筑设计事务所做学徒。莫里斯也是“拉斐尔前派”的支持者，他曾尝试成为一名画家，在“拉斐尔前派”的圈子里面进行绘画创作。而后在“红房子”时期（1859～1865）放弃绘画，切合实际开展了与社会理想实践相关的艺术创作活动。“红房子”时期的设计活动对莫里斯个人以及工艺美术运动乃至现代设计都有重要的意义。
莫里斯一生的重要转折始于1859年他与“拉斐尔前派”著名模特简・伯登的结合。因为结婚需要用婚房，而学建筑出身的莫里斯对当时整个伦敦市面上繁琐的维多利亚风格建筑都不满意，于是他便决定自己设计婚房，并且还邀请了朋友――建筑师菲利普・韦伯来参与设计和建造。新房子落成之后，有一个很好听的名字――“红屋”。“红屋”问世之后，1861年，27岁的莫里斯和他的朋友们成立了莫里斯・马修・福克纳商社（Morris，Marshall，Faulkner and Company，简称MMF），从事家具、纺织品、彩绘玻璃和日用品的设计和制作。MMF的产生可以看做是“工艺美术运动”萌芽初期的表现，而红屋就是MMF的主要基地。
莫里斯对待生活一直坚持用艺术的眼光去看待。他曾说过这样一句话：“不要在你的家里放一件你认为虽然有用，但并不美的东西。”[1]他认为，在生活中美和实用应当结合起来。威廉・莫里斯的设计理论可归纳为：第一，艺术无大小之分，主张技术与艺术的高度统一。他认为，艺术家和工匠结合才能创造出完美的产品，艺术中的主体部分应该是实用艺术。第二，设计是为大众服务的。他说：“我所理解的真正的艺术就是人在劳动中的愉快表现，是为人民所创造、又为人民服务的，对于创造者和使用者来说都是一种乐趣。”这种社会主义认识在当时是极为可贵的，也为之后的现代主义发展奠定了思想基础。第三，主张设计材料要符合其自然性质，设计作品的形状要与其使用目的相同。他相信一切艺术根源于手工艺。第四，强调设计的整体性，认为室内的物品应和墙纸、地毯还有建筑的设计风格相统一、相和谐。[2]
2 “红屋”的装饰设计
“红屋”坐落于伦敦，这座红砖建筑是以莫里斯和韦伯都很推崇的英国本土建筑为原型来建造的，与当时所盛行的繁琐的维多利亚风格完全不同：把房子设计成U型结构，处处开门，强调不对称设计，红色的砖墙在外边，因此得名“红屋”。其室内设计也独具一格，采光丰富，空间利用高效，室内装修包括家具、墙纸、地毯、灯具和餐具等都由莫里斯亲自组织制作和设计。这座建筑整套的装饰配置和生活用品给人留下了深刻的印象，它成了工艺美术运动的样板房并获得了金奖。
“红屋”室内基本是红砖、红木色地板和木窗、浅灰色的墙壁、灰绿色配饰。在红屋的室内装饰方面，威廉・莫里斯最注重屋内墙壁的装饰。他对于墙壁的装饰有着独特的见解：你可以在光洁的墙壁挂上挂毯或者贴上壁纸，也可以请一位优秀的画家为你做一幅壁画，只要这是出于追寻美的目的而不是为了庸俗的炫耀，就不会是奢侈的表现，也不会打破我们的黄金守则。[3]这些充分体现了莫里斯对于维多利亚时期繁琐装饰的反感以及对于自然主义、手工艺的拥护态度。他给房屋内壁、墙裙、天花板和装饰边设计了不同样式的图案，还给当时社会的平面设计提供了丰富的艺术化的壁纸纹样。在对“红屋”的设计中，莫里斯为室内空间量身定做设计或者协助制作了各种装饰图案和物品。他认为墙面装饰应该是统一简洁的，为了达到统一美观的装饰效果，威廉・莫里斯将“红屋”室内的墙面分成几个层次来进行装饰，以打破19世纪流行的维多利亚装饰风格。他将踢脚、墙裙这些以往被忽略的元素，和檐口、天花板看做一体进行装饰设计。并且墙面的装饰一般以朴素的颜色或者印花墙纸为主，其样式是基于房间和家具的材质属性的选择。莫里斯将作品的实用性放在第一位，实用又美观的室内装饰成了“红屋”最大的特点。
长期的维多利亚风格蔓延导致了人们审美疲劳，莫里斯设计的“红屋”摆脱了其繁缛的装饰特点，装饰纹样都围绕自然界中的花鸟、卷草进行设计创作，使人们感到亲切，回归了自然质朴的生活状态，远离了大工业时代的嘈杂。例如，“红屋”的卧室设计中，壁纸采用的是他早期设计的、图案复杂的石榴壁纸，石榴繁密地排列，叶子的伸展和石榴颜色本身张扬的色彩，生动地传达出自然界的生机。[4]他提倡在室内只摆放必要的家具，不要无用的摆设，因此“红屋”的家具简单，多选用木质原色材质，金色的床罩和黄色的窗帘让整个空间笼罩在明亮温暖的温馨氛围中。红屋的壁炉采用了外墙使用的红砖，材质质朴，造型简单自然。在其他室内装饰方面，红屋走廊上的彩绘玻璃也是莫里斯的设计重点。玻璃上描绘着自然植物和飞禽图案，与传统的宗教风格浓重的玻璃彩绘完全不同，“红屋”的彩绘玻璃装饰干净简洁，轻松明快，也使阳光照射的光线变得柔和。
3 结语
“红屋”的建造和装饰，是莫里斯由家庭理想到社会理想的实践开端。本文着重从红屋的室内装饰特点来探讨威廉・莫里斯的装饰设计风格。我们从中发现，不管是自然的装饰动机，还是吸收自然主义的装饰纹案，都体现了莫里斯强烈的自然主义风格特征。威廉・莫里斯对自然主义的探索与推崇为后来的工艺美术运动提供了可借鉴的形式，“红屋”的设计一直都是激励设计师们追求社会理想的精神象征。
参考文献：
[1] 赵岳峻.威廉・莫里斯设计思想对我国当代室内设计发展的影响[J].艺术科技，2014.
[2] 梁梅.世界现代设计史（第二版）[M].上海人民美术出版社，2012.
工艺美术运动的特征范文5
【关键词】版式设计；威廉·莫里斯；书籍设计
版式设计是现代设计者所必备的基本功之一，要求在传达信息的同时，也要产生视觉上、心理上的美感。随着印刷技术和造纸技术的发展，版式设计有了飞速的发展，逐渐涉及到视觉传达的各个领域。威廉·莫里斯领导的英国工艺美术运动，为现代版式设计的理论形成与发展奠定了坚实的基础。尤其是他讲究版面的编排，强调版面的装饰性，并创造出许多编排构图方式，对现代书籍设计的发展，产生了重要的影响。
威廉·莫里斯被后人称为现代设计的先驱，他是19世纪末英国设计改良运动——工艺美术运动的奠基人，在平面设计、纺织设计、印刷、书籍装帧设计等领域取得了很高的成就。他打击产业革命大量生产的粗俗制品，反对机器美学，主张恢复手工艺传统，推崇自然主义和哥特装饰风格，并积极致力于设计实践活动。在廉·莫里斯的书籍设计生涯中，他集设计师、作者、艺术家于一身，励志通过设计去影响大众的文化品位和审美情趣。尽管莫里斯在对待大工业生产和机械化方面有他落后的一面，但他使先前设计改革理论家们“乌托邦”式的理想变成了现实，其独特的设计理念和形式确立了他在现代设计史上地位。
威廉·莫里斯十分注重书籍设计，强调形式感，并且在工艺制作上严谨，讲究技巧。他主张从植物纹样和东方装饰艺术中吸取营养，书籍设计简洁、优雅、美观，充满了理性的古典主义和自然主义风格，让人回味无穷。莫里斯努力通过自己的设计实践来改变当时书籍设计上繁琐复杂的面貌。他的理论体系和实践影响了其他国家在类似途径上的探索，产生了很多艺术流派，如构成主义、达达主义、未来主义、印象派等。这些流派也为现代书籍的发展做出了巨大的贡献，他们在书籍的版式、插图及封面设计上都注入了新的内容，改变了人们原来刻板统一的视觉习惯，形成现代书籍丰富多彩的艺术风格。
威廉·莫里斯非常讲究书籍的版式设计，尤其强调版面的装饰性。他的作品通常采取对称结构，形成了庄重、严谨、朴素的古典主义装饰风格。莫里斯受到欧洲中世纪田园风格和东方装饰艺术的影响，提倡浪漫、精致、华美的风格。其插图、边饰和首字母设计多以植物为题材，从大自然中汲取创作灵感，采用植物中自然线形作装饰范例，使装饰纹样呈现出自然变化。花卉和葡萄藤是他经常使用的图案，表现其温润、饱满的形象。这些装饰与莫里斯所主张的“师法自然”的思想相吻合，既能提高装饰趣味，又能在阅读文字的同时得到愉悦感和艺术美的熏陶。莫里斯运用了木刻的方法，将各种植物花卉图案组成精致华美的版面色调，采用平涂色彩和线条勾勒花纹的手法将内容与形式统一在一起。其作品结构严谨，极具装饰趣味和清晰的秩序感，体现了“生命与秩序的内在的美”。典型的作品有《诗歌之路》封面和《阿瑟之死》插页。
在书籍的版式设计中，威廉·莫里斯创造了许多编排构图方式，一直被许多后来的设计师广泛运用。比较典型的是将文字和左右对称s形曲线花纹紧密地结合在一起，将各种几何图形插入和分隔画面等等。威廉·莫里斯注重书籍的空间结构，尤其是插图页和文字页的安排上，主次分明，注重节奏感。版面中的空白是给读者留出视觉休息和思维想象的空间，莫里斯善于研究留白的尺度，使留白巧妙，在视觉上张弛有度，有效的烘托画面主题，拓展版面的视觉空间层次。我们现在所说的扉页是由莫里斯创造出来的，他将第二页用手写题字的标题和刻有葡萄藤和花卉的图案进行了装饰，把打开的两页书看作一个独立的单元，这都是书籍设计上的改革和创新。
莫里斯对现代书籍设计的最大贡献是书籍的整体设计。他非常注重形式与内容的统一，创造新的形式去完整体现书籍传达的内容和思想。他认为，“优秀的版面设计必须使每页的风格与整本书风格一致，否则将失去整体风格的协调性。”书籍从内到外是一个完美的整体，不能简单的拼凑，要运用美的法则将版面的构成要素结合起来，形成统一的整体，使版面产生优美的旋律。威廉·莫里斯认为，“关于书籍的理想版式形式是建立在一些基本构成原理基础上的。作为专业的设计师应该适度的对书籍进行设计，让所做的装饰成为文字的一部分，而不是无用的附加。”他的书籍设计创造出一种新的中世纪的风格。在《吉奥弗雷·乔叟作品集》这本书中，他对书中的字体、插图、装饰、版式及装订都进行了精心的设计，这本书是他设计生涯的巅峰作品，也是近代印刷史上非常了不起的杰作。
工艺美术运动的特征范文6
1.《历代帝王图》是我国_____朝的绘画作品。
A.唐 B.宋 C.明 D.元
2.油画作品《格尔尼卡》是_____的代表作之一。
A.梵高 B.高更 C.伦勃朗 D.毕加索
3.《安魂曲》是_____的作品。
A.贝多芬 B.莫扎特 C.海顿 D.舒伯特
4.在湖北随县出土的编钟是我国_____时期的乐器。
A.周 B.春秋 C.战国 D.秦
5.踢踏舞是_____的具有鲜明特色的舞蹈。
A.日本 B.韩国 C.墨西哥 D.斯里兰卡
6.被改编为戏剧的同名小说《茶花女》是_____的代表作。
A.大仲马 B.小仲马 C.墨西哥 D.斯里兰卡
7.导演过《绳索》的大导演希区柯克是_____人。
A.美国 B.苏联 C.意大利 D.法国
8.《花木兰》原是_____作品。
A.京剧 B.昆曲 C.豫剧 D.评剧
9.《威尼斯商人》是英国作家_____的作品。
A.乔叟 B.莎士比亚 C.艾略特 D.维吉尔
10.提出"童心说"这一文艺思想的是_____。
A.李贽 B.王守仁 C.袁枚 D.袁中
11.画论上的"气韵生动"是_____提出的。
A.张彦远 B.顾恺之 C.吴道之 D.谢赫
12.在诗学理论中提出体现艺术情感特征和形象特征"滋味说"的是_____.。
A.陆机 B.萧统 C.钟嵘 D.刘勰
13.文艺的社会功能方面，_____提出了"净化说".。
A.柏拉图 B.贺拉斯 C.亚里士多德 D.康德
14.德国美学家黑格尔的重要美学论著是_____。
A.《判断力批判》 B.《美学》 C.《论崇高》 D.《诗艺》
二、填空题：本大题共9个小题，共22空，每空1分，共22分。把答案填在题中横线上。
15.根据造型形式来看，雕塑一般可分为_____和_____两大类。
16.一般说来，我国古代的园林可分为两大类，一类是北主大型的_____园林，另一类是江南小型的_____园林。
17.王献之是我国_____时期的大书法家。
18."颜筋柳骨"指的是唐代大书法这_____和_____。
19.根据作品存在方式，艺术一般可分为_____、_____和_____。
20.艺术批评的形态可以分成_____、_____、_____、_____和读者批评。
21.审美效应一般有三个阶段：_____、_____、_____。
22.诗歌根据其性质，可分为_____和_____两类。
23.灵感的特征包括_____性、_____性和_____性。
三、简答题：本大题共5个小题，每小题10分，共50分。
24.简述艺术活动的构成。
25.简述艺术作品的层次。
26.简述艺术鉴赏的性质和特点。
27.简述艺术批评的作用和功用。
28.简述工艺美术的特点。
四、论述题：本大题共2个小题，第小题25分，共50分。
29.结合某艺术作品，论述审美想像的特征。
30.联系实际，论述艺术创作主体与客体的关系。
参考答案
一、选择题 1.A 2.D 3.B 4.C 5.C 6.B 7.A 8.C 9.B 10.A 11.D 12.B 13.C 14.B
二、填空题
15.圆雕 浮雕
16.皇家 私家
17.东晋
18.颜真卿 柳公权
19.时间艺术 空间艺术 时空艺术
20.社会 传记 心理 文本
21.共鸣 净化 领悟
22.叙事诗 抒情诗
23.突发 超常 易逝
三、简答题
24.我们可以将艺术活动视作一个系统，它由四个要素或环节构成：(1)客体世界，即艺术活动所反映和表现的客观社会生活及自然界;具有审美价值的客体世界是艺术创造的主要对象;(2)艺术创作与制作;(3)艺术作品;(4)艺术传播与接受。
25.艺术作品的层次可以简单划分为三个层次：(1)艺术语言。艺术语言是渗透了艺术家独特个性的特殊语言。(2)艺术形象。艺术形象是艺术反映社会生活的特殊方式，是通过审美主体与审美客体的相互交融，并由主体创造出来的艺术成果。(3)艺术意蕴。艺术意蕴是指在艺术作品中蕴含的深层的人生哲理、诗情画意或精神内涵，是艺术主体对艺术典型或意境深刻领悟和创造的结果。
26.艺术鉴赏是以艺术作品为对象，以受众为主体的欣赏活动，是接受者在审美经验基础上对艺术作品的价值、属性的主动选择、吸纳和扬弃。它是一种积极能动和审美创造活动。
27.(1)通过对作品的分析和阐释，评判其审美价值;(2)通过将批评的信息反馈给艺术家，对其创作产生影响;(3)通过批评的展开，对艺术鉴赏活动予以影响和指导;(4)通过艺术批评，协调艺术与意识形态其他领域的关系，促进社会文化的发展。
28.(1)实用与审美结合。工艺品首先应当具有实用性，审美性应当寓于实用性之中。因此，工艺品总是按照实际使用的要求来进行设计、选材、造型、色彩装饰等，艺术处理和加工等问题教要结合实用要求来考虑。 (2)工艺美术具有物质性，又具有精神性。工艺品是具有实用性的日常生活用品，满足着我们的物质需要;同时工艺品十分注重造型设计，并且尽量发掘材料和装饰的潜力，注意运用色彩、线条、形体等多种形式因素以及夸张、变形、均衡等多种艺术手法，来创造外观形式美。由于工艺美术比起其他艺术种类，更加直接地受到物质材料和生产技术的影响，因此更需要高超的艺术构思和制作技巧。
四、论述题
