服装设计论文范文1
1．1丰富性
蒙古族地域辽阔，部落众多且风俗习惯较多，服饰的种类和数量也自然很多，这些都为其民族文化多元化的形成创造了条件。因此，蒙古族是民族服饰中较为丰富多彩的民族。
1．2华贵性
蒙古族是游牧民族，在长期的游牧生活中经常会搬家，他们为了携带财产方便，会将金银珠宝等贵重首饰佩带身上，这就为服饰增添了贵气，也使得服装变得雍容华贵。
1．3文化性
蒙古族袍子上绣制的图案是具有本民族特色且能展现其独特的地理风貌、民俗习惯的各式图腾，颜色鲜艳、做工精美，具有鲜明的民族文化特征。
1．4实用性
蒙古族的服饰具有较强的使用性能，袍子是蒙古族人们白天晚上常穿的服装，其在白天主要起遮体装饰作用，夜晚起着御寒作用。脚上穿的厚且结实的蒙古靴子可以避免蚊虫叮咬和被荆棘刺伤。束在袍子外面的腰带有束紧腰身、保暖御寒，保护内脏在长时间骑马颠簸中不致于受到损伤的作用。
2蒙古族服饰元素
蒙古族一个年代久远的民族，在不同历史阶段有着自己独具特色的生活习惯、生活方式，在历史的演变中逐渐形成了专属自己的服饰特性，丰富性、华贵性、文化性、实用性和艺术性，除此外，其在款式造型、面料、镶边和绣花艺术等设计方面也有着独具一格的特色。下面主要就蒙古族服饰中这些元素进行简要分析。
2．1款式造型元素
蒙古族服饰以袍为主，其种类主要有直身、连袖、大襟、短袍和有断腰结构袍服，以及不同种类的坎肩等，这些袍和坎肩的共同点是都是H型的。其中直身袍与中国传统服饰的平面结构类似，前后片在肩袖位置处连接，袖子结构肥大，受面料条幅的限制，前后中心线是拼接而成的。蒙古袍下摆有宽松和摆量较小的两种，下摆较小直身袍为便于活动会设置下叉，断腰结构的蒙古袍下摆较为宽松，腰间有密褶，活动起来也较为方便。蒙古袍总体造型特点宽松舒适，款式特点是简洁流畅且色彩艳丽。
2．2镶边和绣花元素
镶边是蒙古族服饰中较为传统的元素，主要用来装饰领、袖、大襟、垂襟、开衩和下摆等部位，镶边面料主要有大绒、绸缎、棉布和不同种类的毛皮。乌珠穆沁袍服的镶边工艺种类繁多且色彩艳丽，因年龄而异，一般的袍服采用的是三指宽的大绒或库锦边，年龄稍大人的袍服以素雅舒适为主，常镶嵌一指宽的黑大绒或青大绒。察哈尔袍服常会在大襟、领座、领边、袖口、下摆边缘镶嵌单边，且袍身与镶边的色彩相对应，尤其是年轻女性的袍服表现得较为明显。阿鲁科尔沁皮袍上一般会镶有青色的宽边或大绒宽边，绸缎袍服上会镶库锦边。蒙古族的绣花艺术也比较独特，主要有刺绣、贴花、盘绣等，特点是色彩鲜艳对比强烈且图案装饰性比较强，一般会绣在袍子的边缘、袖口、大襟、帽子边缘和靴口处。
2．3面料
现在的蒙古族服饰中运用最多的装饰材料为库锦，其是利用聚脂薄膜和不同金属图层仿制而成的化纤面料，与传统的锦缎、皮革和棉布面料相比色彩鲜艳、物美价廉，符合现代化服装设计标准，更能满足时展需求。
3蒙古族服饰元素在现代化服装设计中的应用
民族元素在现代化服装设计中运用的例子较多，但如何将独具一格的民族元素合理地运用到现代服装中并使其与之融为一体是当代服装设计师尤为关注的问题。需要服装设计师在运用民族服饰元素过程中，对选定民族的生活方式、风俗习惯、民族心理等方面内容进行详细的了解，将民族文化内涵和服饰元素与现代化服装设计需求融汇在一起进行服装设计。
3．1蒙古族服饰元素与现代服装融合的必要性
随着科学技术的不断发展和新材料的不断出现，世界服装界的设计理念如雨后春笋般层出不穷，民族设计师应该借助新的设计风，在吸收和利用传统服饰的精华和先进科技技术基础上，时刻掌握时尚信息，将民族服装设计进行拓展，使蒙古族服饰鲜明的服饰特色以时尚的形式展现在世界大众眼前。下面就蒙古族服饰元素在现代化服装设计中应用优势进行分析。在继承蒙古族传统服饰元素特色的基础上，要吸收世界流行服装的设计理念，大胆地对民族服饰局部或特色元素进行夸张设计，使设计出来的服装能将蒙古族服饰简洁、大方、舒适、大气、休闲和流行的特点展现出来。如，在以蒙古族女袍子下摆元素为基础的现代化服装设计中，可以提取其连衣裙和百褶裙元素，使新设计出来的服装上部更加修身，下部更加宽松张扬，以彰显年轻人的青春活力。服装的袖口处可以结合现代化服装流行趋势对原有的袖口进行改造，贴上毛边面料或蕾丝，或对其袖口进行夸张，以显示年轻人对自由和梦想的追求。在现代化坎肩的设计中，可以在蒙古族坎肩的基础上，吸收和借鉴牛仔上衣和露脐装的特点并对其肩部进行适当的夸张，以彰显年轻人自由、洒脱、潇洒的一面。
3．2蒙古族服饰元素在现代服装设计中的表现
蒙古族服饰元素在现代化服装设计中运用的例子相对较少，从运用效果来看，其大体可分为三方面：一是在蒙古族传统服饰款式的基础上进行加工制作，再融入现代化服饰款式设计元素进行造型，服装成型后人们能通过服装看出蒙古族的服饰元素；二是现代T台中夸张运用蒙古族服饰元素中艳丽的色彩，将蒙古族粗狂野性的魅力以服装的形式展现在服装中；三是将皮革服装和皮靴元素运用到服装中，使之与时尚的服饰面料混搭在一起，彰显现代服装风采。某国内服装品牌时装展示过程中，一墨绿色风衣选取的是蒙古族民族服饰中特有的腰带和盘扣元素，墨绿色丝光面料袖口、腰带和衣兜部位都绣有蒙古族特有的图腾，在彰显该款风衣端庄华丽同时，也能将蒙古族服饰的高贵典雅显露无疑。服装大师杰里米•斯科特一服装作品选取的是巴尔虎蒙古族的发饰元素作为服装设计要素，他先对原有的蒙古族发饰进行变形，然后大胆地运用蒙古族常用的红色和橙色并将其作为主色调来进行设计，使得游牧民族特有的野性得以展现的同时，也将现代化服装时尚信息展露出来。
4结束语
服装设计论文范文2
一、南宁学院服装设计专业校企合作现状
1.积极引入企业办学，建立健全校企合作机制
南宁学院通过多方调研，把服装设计专业与行业现状紧密联系在一起，先后与南宁市邕宁区畅达制衣厂、鹏达制衣厂达成合作意向并签订合作协议，在多方争取下，畅达制衣厂实习实训基地、鹏达制衣
厂实习实训基地分别挂牌成立。南宁学院通过与企业的深度合作，以及加强对协会的管理，完善了校企合作机制，增强了学生的综合竞争力。
2.专业的教学条件不断优化，教学成果明显提高
通过一系列的深度合作，学校的师资力量得到了明显增强，服装设计专业已经成为学校的明星专业。在校内的各种服装设计竞赛中，服装设计专业学生展现出自己的风采和实力。此外，服装设计专业学
生参加2013年全国职业院校技能大赛高职组服装设计赛，充分展现了“校企合作”“以赛促学”的积极效果。在实训方面，南宁学院投资建立大型的服装实训中心，增添了许多新型的高科技设备，为学
生实训提供方便，学生能够充分利用资源，把上课所学的理论知识和市场需求紧密联系在一起，企业反馈学生能够适应市场环境，设计各类型服装。在实践中，充分体现了“工学融合”的效果，大批优
秀的人才得到发掘。
二、加强服装设计专业人才培养模式改革措施
采用校企合作的新型人才培养模式，学校、企业以及学生三方面都取得了巨大的进步。所以学校应强调继续巩固和加强校企合作模式，完善专业人才培养模式。根据教学经验，针对教学过程中出现的一
些问题，笔者提出以下几点建议，以加快人才培养模式改革。其一，建立并完善“前店中校后厂”的新型办学模式。通过与企业的合作，联系设计门店以及工厂，建立“前店中校后厂”的新型办学模式
。强调“前店后厂”的主要目的是为师生提供一个集设计、打版、成衣、营销为一体的平台，实现学生能够在工作中学习、在学习中工作，通过实践活动，将富有特色和市场潜力的服装设计作品投入生
产，并通过实体店进行销售，增强设计的成果转化。其二，进一步充实专业师资力量。学校加大人才引进，吸收优秀的人才到服装设计专业任职，这些人才会带来丰富的教学内容和先进的教学方法。学
校还应把企业设计师请到课堂内，通过他们的经验传授，帮助学生从各个方面得到提升和锻炼。优秀的师资团队增强了服装设计专业的综合竞争力，实现了良性循环，提高了专业知名度和认可度。其三
，创新教学方法及手段。在新时期，教师应采用先进技术，改善教学方法，通过教学方法的创新，带动整个专业的进步。如，采用互动式、开放式教学方法、示范教学法等多种教学方法相结合，形成以
学生为主体、以教师为主导的课程教学模式。再如，利用多媒体教学、教学网站以及多媒体演示等手段和途径可活跃课堂气氛，不仅能调动学生的积极性、主动性，更能提高教学效果。通过实践得知，
校企合作的新型人才培养模式非常适用于市场环境变化大的专业教学，它能把学校、市场和学生紧密联系起来，形成良性互动，提高人才培养的效率和水平，具有非常好的实践意义和教学效果。
作者：韦威贤 单位：南宁学院文学与艺术设计学院
（二）
一、中国传统服装文化的独特表现
中国传统服装讲究“含蓄美”。人们在其上可以观察到独有的中国文化精神和艺术表达方式，这是东方文明的历史沉淀形成的特别符号。中国的传统服装以“宽衣体系”的平面表达为主，讲究意境的通
达，通过纹饰的变化表达对“天人合一”的哲学思想的认知，通过色彩的专属认定来体现和维持社会的阶级属性。在结构设计上多以直线和垂线为主，以最简约的平面裁剪处理方式进行结构分解，以系
带式为主进行闭合处理。把对自然的理解、喜爱和敬畏以图案的形式表达于章纹中，传递人们对宇宙的认知观。揭示了中国传统文化的纯粹性、自由性、创造性，是写实与虚幻的完美结合，正所谓衣裳
是文化的表征，衣裳是思想的形象化。服装设计注重细节的同时，对服饰的穿着组合有明确的要求。中国传统服饰采用上衣下裳制度、深衣制度和短襦制度，结构上采用平面通裁方式。其服装的基本特
征是交领、右衽、系结、宽大袖身、配以多变的圆领与直领等，给人洒脱飘逸的印象。其中唐朝的圆领衫一直延续到明代，并对朝鲜、日本等近邻国家影响深刻。女装的襦裙裙腰高系，腋下以丝带系扎
，同时裙身修长，配上薄纱织制的披帛，挽于两臂之间，行走时摇曳多姿，别具美感。中国传统的色彩理论是以五行变化为基础的，对色彩的喜好源于黄帝时期。这一理论体系代表了中国几千年的审美
爱好。在这个理论的形成中，是以男尊女卑血缘延续为主要社会意识思想，加上对神秘自然现象的崇拜，通过儒、佛、道家等哲学思想的补充发展，形成阴阳五行学说的色彩理论，最终构成了中国传统
色彩的表达方式。中国传统服饰色彩是中国社会审美观念的外在表现。从中国服装的发展进程看，色彩包含的独有文化随着社会的发展而演变，具有鲜明的阶级特征和民族特征。在周代，就确定了中国
的服色制度，规定了皇帝着冕服、玄衣、红裳，服饰图案配以十二章纹，王公大臣等衣着按此规制依次降低一个等级使用。而在民间，每到喜庆的节日人们穿红戴绿来表达心中的喜悦。在用色上，以纯
色的红、黄、黑、白、青等5种颜色为正统色，作为服装的基本色调。具体到哪一种色为尊贵，与每一个朝代所崇尚的思想和五行理论有关。例如周朝尚火（红色），秦朝尚水（黑色），汉朝尚土（黄色
），汉朝之后尚木（青色）。同时五行和星相术结合，认为黄属土，居中央；青为木，居于东；红为火，居于南；白为金，居于西；黑为水，居于北；黄色居五行中央，居其他色之上，最为尊贵，为天
子专用色。从此也奠定了黄色在中国几千年传统中的尊崇和专属地位，成为了皇家的专有用色。最著名的便是宋太祖的黄袍加身成就帝位，可见人们对于黄色的态度。黄色还是佛教中的主要用色，通常
所说的“再塑金身”、“佛靠金装”等都是黄色的主要表现。
二、西方文化及其对服饰文化的影响和表现
从地理环境上看，中国文化起源于黄河文明，是在一个相对固定而且封闭的地域环境中发展形成的。自古以来，儒家思想、道家哲学、佛教、伊斯兰教以及基督教文化都曾在这块热土上相互碰撞、交流
和融会贯通，共同形成了以含蓄、包容为特征的中国文化，加上漫长的封建社会政治体制的统治，构筑起高度发达的文化体系。从地缘上看，西方文明是开放的，是希腊文明、罗马文明、美洲文明等多
种文明交互融合的产物，是以宗教文化为代表的包含整个西方世界中所推崇的标准和价值观的文化体系。以宗教、个人主义为主要代表，以此构成西方文化模式的基本特征和主要内容。这种文明源于古
希腊和古罗马的科学、哲学、民主、建筑、文学等的综合，并在此基础上作进一步的发展。在西方文化中，宗教确定了人人自由平等的观念，即上帝、真理和法律面前人人平等，每个人都可以通过自己
的努力取得成功，最后成为上帝的宠儿。这种思想和中国宗教文化截然不同。个人主义是西方文化模式的又一个典型表现。在西方，人们把个体的发展作为最高追求，强调个体发展的重要性，强调社会
发展进步是在个体发展进步的基础上实现的，突出强调个体的独立意识和创造意识对社会的进步作用,强调个体的主观能动性对价值创造的意义，强调个体权利高于一切，主张个人奋斗和竞争意识。张扬
自己的个性，对自我的充分认识是实现自我表现价值的前提，认为自我价值和社会价值的实现是一个整体的两个方面，但是突出强调个体的奋斗高于一切。西方服装服饰的造型和色彩装饰等受宗教和个
人主义影响较大。在圣经中就有对服饰的规定：女人做礼拜要蒙着头巾，男人则不能蒙头。同时十字架的宗教意义对服装的形制也是西方服装服饰发展的根源，到后期的丘尼卡的缠绕式形成了西方服装
的主要类型。西方的个人主义崇尚人体美，所以西方的服装以突出人体为前提，其形制外向，注重人体的自然属性，注重人体的自然表达。文艺复兴之后，随着科技的进一步发展，立体的裁剪方式应用
于服装，省、褶裥的作用使服装能更突出表现人体的自然美。服装的作用是用以表达自我价值的工具，所以西方的服饰是以露、透为美，以服装弥补人体缺陷，追求自然法则通过人体予以表现，这与中
国服装追求与自然和谐、着重表现精神气质与气韵不同。其裁剪方式和造型手法以线条、图案、色彩本身的客观化来集中表达，服装是为突出、表现个体而服务的。
三、现代服装设计中传统文化应用的缺失
1、创新乏味，模仿横行，设计缺乏历史内涵以模仿与仿制为主的再设计是服装界一直以来的做法。许多设计师在设计时对于中国传统文化以简单拿来主义为主，以传统题材为目标的设计没有任何新意。
多数设计师追捧西方的设计师，认为西方的文化和设计理念是先进的，因此在设计时不对国外的设计作品进行深入地分析和借鉴，尤其是没有从设计所表达的历史文化内涵上分析其形成的原因，只是追
求设计形式上的相似，设计的作品缺乏独有的文化内涵的支撑。单纯的模仿不能做到神似，也就无法满足骨子里满是中国传统文化浸润的消费者对时尚的至高追求。设计的作品以简单的某一种所谓的中
国元素为主，表面上看是中国模式，仔细分析却缺少以文化为支撑的思想骨架，产品没有长久的生命力。
2、设计远离市场，为设计而设计服装设计是依托于个体差异和文化背景的设计，是以产品的艺术表现与人的个体魅力相结合的艺术创造，服装设计的根本目标是为个体的着装提供合适的产品。在进行服
装设计时，如果忽视了设计与个体的组合关系，忽视设计与地域的文化属性的结合，忽视服装的最终极目标，单纯为了设计而设计，其最终的设计产品必将失去消费者。因此，在进行服装设计时，必须
明确定位，明确设计的服务目标，不能简单地走为设计而设计的路子，不能为生活存在将失去存在的意义。
四、现代服装设计对中国传统文化的吸收与发展
现代服装设计必须是依托文化背景的再设计，是结合思想精髓的再创新。从中国传统服装的设计元素来看，服装设计所要求的既不是对传统的重复,也不是对西方的简单复制,而是以一种宽容、包容的治
学精神与广泛的时空文化进行不同因素的组合,从而使得设计师从传统的服装艺术中取材，进行更为自由的再设计。服装再设计不仅强调文化的传统性，更为重要的是还要利用传统文化、地域特色来表现
当代的精神理念,以独特的民族特性和民族精神来参与世界文化的发展。在设计时必须抓住中国传统文化的本质，从中吸收优良的人文内涵，以时尚化元素来表达传递，这就要求设计师必须提高知识的修
养，提高对文化历史的把握能力，在长期的积累下消化为自然的情感。在当代各个方面都提倡传统化、民族化的大环境下,中国服装传统元素的再设计是永不落幕的艺术文化。
作者：冯志民 单位：河北师范大学美术与设计学院
（三）
一、服饰图案的应用方法
1.主题设计
主题设计是设计师在充分感受自然美的基础上进行构思，如将动物、植物的造型、色彩、纹理与服装的款式和装饰巧妙地结合。在提炼自然美的过程中，采用概括、夸张的手法加以美化。如蝙蝠衫就属
于这种形式，它概括了蝙蝠的某些特点，创造了一种轻松、舒适的服装风格。以蝴蝶为主题的图案应用也颇广，如蝴蝶的外形，鲜艳、斑斓的色彩，翅膀上的花纹以及轻盈翻飞的风韵都可以被运用到服
装的款式和装饰中。
2.根据款式特点进行装饰
（1）图案与款式风格相协调
图案的风格因款式而异。如，居家服的图案装饰应灵活而随便，朴实而轻巧；宴会服和晚礼服的图案装饰要求华丽、高贵、典雅；新娘的婚纱装束如白玉般纯洁无瑕、天使般可爱纯真。除了服装上的装
饰外，其他附配件也须与服式风格相协调，其种类和造型应随着款式风格的变化而设计。
（2）图案与服装造型结构相配合
服饰图案装饰宜点缀在人体S形的外曲线部位，即较为凸出而显眼的部位。有时与服装结构线配合，也可采取半露半藏的含蓄手法，如只在开片结构上的凸部表现大半朵花纹，另一小半则隐藏在线缝凹侧
。
（3）增强服装的动态美
图案装饰的应用得当，可以增强服装的动态，具体方法有：第一，采用斜向形、V字形的不同面料相拼，或呈线形装饰，增加视觉的动势感。第二，附加悬垂形的飘带、蝴蝶结、布带、丝带等垂挂系结的
装饰，在人体转动或微风吹拂时呈现自然飘逸，增强服饰的动态美。
3.装饰与实用功能的结合
装饰与实用功能的结合，具有悠久的历史。古代人们就开始使用纽扣，如古希腊、古埃及便有用兽骨、贝壳制成的纽扣。我国古代用丝带系结，发展到用布或丝绸缝成条状后编结成各式扣子。它们既有
实用功能又具有装饰作用。夏季真丝绣衣常采用镂空绣花，既有美感又增加透气功能，体现了实用功能与装饰功能的统一。冬季服装则常采用较厚实的面料，或以皮、毛装饰，或以绒绣装饰，或以贴、
粘、覆盖等方法装饰，而不是用镂空方法，从材质感受和处理手法上，都使人增加一种温暖的心理感受。对于童裤的装饰，常在易磨损的膝盖部位安排趣味性的贴布图案，同样起到实用与装饰的双重作
用。
4.展示工艺美
图案附加到服装上的制作工艺不同效果也不同。如，抽纱、刁绣能产生镂空和层次感；垫绣能产生立体感；扎染古朴、手绘如画；等等。这些装饰手法和装饰效果应与面料相适应，在柔软、轻薄的丝绸
面料上，可采用刁绣、影绣、抽纱、手绘等工艺，使服装产生清秀、飘逸、柔和的美感；而在丰厚、挺爽的呢绒面料上可选用垫绣、补花等工艺，使服装产生粗犷、立体的效果；印花、扎染、蜡染一般
适合于麻织物，因为它们都具有朴素、大方的风格。在为具体服装设计的图案中，还有一部分图案是立体的，如胸针、腰带扣、蝴蝶结等。
二、图案装饰的部位
服装图案装饰按部位划分，大致可分为领部装饰、胸部装饰、肩部装饰、腰部装饰、满花装饰、衣边装饰等形式。设计时，应根据不同风格的款式决定装饰的部位，以取得整体艺术效果。如，领部装饰
、衣边装饰要体现端庄、文静的风格；胸部装饰是较为醒目的常用手法；肩部、背部装饰能体现男性化的精神气质。服装的配件，如头巾、领带、鞋帽、围巾、手套、提包及纽扣、皮带、首饰等物件的
装饰，必须与服装相配套、相协调，装饰的部位以视线能见到为重点。服饰图案的应用意义在于增强服饰的艺术魅力和精神内涵。如果运用得不合理，则画蛇添足，不仅会削弱服饰的自然美感，也会无
谓地增加成本。因此，图案的运用关键在于合理、巧妙和新颖。
作者：陈桂红 单位：辽宁葫芦岛市建昌县职业中等专业学校
（四）
一、舞台服装设计中材料的运用
服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目
灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用；有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用；卡纸、塑料、
喷画等。植物材料的使用；新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及刺绣色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感
。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。
二、舞台服装设计中解构主义的表现
从结构到解构，是时展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重
建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、
雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。
三、舞台服装发展现状及趋势
舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足
现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会热点话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流
行元素，使舞台服装融入舞台剧中。目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。
我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。
总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。
作者：于佳 单位：江西工业职业技术学院纺织服装分院
（五）
一、话剧服装设计的主要方法
1、服装的写实性
一般来说话剧的演出形式更接近生活原型本身，是以人物对话、故事情节为主要内容的表现手段，更接近人的生存状态。虽然话剧服装的样式多变，款式各异，但话剧服装通常是以写实的方法为主进行
设计的。比如话剧的里程碑剧目《雷雨》，虽然重复演绎了很多次，但服装的样式依旧是简洁、写实的民国风格。再比如说今天赖声川导演的很多话剧亦是如此，虽然话剧的表演形式上有突破创新，但
是在服装设计方面依旧遵循接近人们生活本身的人物形象来进行服装的设计。话剧的服装也有写意性的服装设计呈现，但总体来说，写实性是其最主要的形态特征。
2、服装的时代背景
话剧的题材很丰富，角色的时代背景也不同，我院演出的话剧就有很多类别，有上世纪民国年代题材的剧目，如《茶人杭天醉》、《倾城之恋》、《我和春天有个约会》等；亦有西方的舶来剧目《狮子
王》、《借我一个男高音》、《乱套了》等，因此话剧服装也应随着剧目的时代特点而深入的剖析人物的特点来进行服装的设计。时代背景一般是一台话剧的整体舞台美术设计的大方向，在服装方面也
是首要的设计根据。比如本人设计的话剧《借我一个男高音》的服装，故事是发生在上个世纪80年代末的美国的故事，讲述了世界著名歌剧男高音星蒂特尔•梅里雷到美国演出歌剧《奥赛罗》，演出之
前吃了过量安眠药而长睡不醒，剧院经理亨利和助手马克斯以为他已身亡。为了救场，亨利逼马克斯化妆成奥赛罗代梅里雷出场，演出获得了意外的成功，而各色人等出于不同的目的对假梅里雷大献殷
勤……然而一片混乱之后，有情人终成眷属，皆大欢喜的结束了全剧。剧中人物的服装皆是美国80时年代末的造型，在这个大背景下，再根据角色的不同特点进行进一步的设计规划。如剧院老板的服
装，虽然是简单的一套工作西装，但是根据年代的审美特点，那个年代的西装要宽大一些，不像今天的西装更加修身。还有剧中人物需要演绎奥赛罗，奥赛罗是15世纪末是威尼斯公国一员勇将，这个
人物的服装设计又要回到欧洲15世纪的时代背景下，男人都是穿着大大的羊腿袖、拉夫领衬衫，紧身长裤，根据奥赛罗的自身特点，还搭配了装饰了铆钉皮马甲、皮靴和披风。而另一部话剧《乱套了
》是发生在英国撒奇尔夫人当政时期的一个喜剧故事，剧中的男主角是国会议员，服装也是西装为主的，由于年代、身份地位的不同，这套西装的设计要有英国萨维尔街的传统特点，强调合体，肩部稍
宽，腰部收紧，西装的设计要更修身和具有线条感。虽然同样是西装的设计，但是为了更能体现剧目的时代特色和人物的形象，设计的同时要充分考虑剧目的时代背景进而深入角色的服装设计。
3、服装的色彩
话剧服装作为一种舞台服装，其色彩会受到灯光的影响，为了使舞台服装表现出最佳的演出效果，就要考虑与灯光的结合。色彩是光线人的刺激视神经产生的不同感受。灯光的明度、色彩和照射角度会
使舞台服装的色彩呈现给观众多样的视觉感受。明亮强烈的灯光能大大提升服装色彩的明度，相反昏暗微弱的灯光则会降低服装色彩的明度和饱和度。比如《借我一个男高音》中女演员戴安娜的一套小
礼服，原本设计用香槟色的雪纺纱，但在舞台强烈的灯光下，色彩的颜色基本消失，而且显得十分惨白。最后换成有涂层的金色和银色面料，就保持了服装原有的色彩，而且也体现了女演员的靓丽形象
。服装的颜色对于观众而言，往往是观众对舞台人物的第一印象。色彩的刺激会让观众对人物的个性特点有更直观的感受。因此在服装色彩的设计时也要考虑人物的个性特点、年龄、职业等因素以及整
台剧目人物服装色彩的效果。《借我一个男高音》第二幕中人物都是参加宴会的装束，相同的场合，要体现不同的人物，不同颜色的服装可以区分他们的人物形象。比如剧院老板的女儿麦琪，是一个青
春少女的形象，一般的长款宴会礼服就不太适合这个人物，剧中设计了一套浅粉色的短款小礼服，充分体现了人物的青春少女形象；歌剧协会主席茱莉亚，是一位50岁左右的贵族老妇人，设计了一套
深紫色镶嵌水钻的齐地晚礼服，显示了人物的高贵气质和珠光宝气的形象；男高音的老婆玛利亚，是一位美丽时尚的女性，设计了一套宝蓝色的缎面和雪纺搭配的晚礼服，体现了人物的身份地位和美丽
形象。
二、结语
话剧服装并不是简单穿在演员身上的衣服，而是设计者对剧目和舞台艺术的理解，并运用服装设计的方法来呈现的一门艺术。本人根据亲历话剧服装的设计体验，粗略的提出在话剧服装设计中需注重的
几个方面，可供舞台服装设计者参考。随着舞台艺术的发展，话剧发展到今天已成为人们喜爱的舞台剧种，服装可以点缀和充实剧中人物的形象，掌握有效的设计方法，可以使话剧这门舞台艺术更添光
彩。
作者：巴蕾 单位：浙江艺术职业学院
（六）
一、激发学生的主动性是学习服装美术设计课的关键
学生的学习主动性，一方面体现在对所学知识的兴趣上，另一方面体现在学习过程的体会中。
1．培养学生学习兴趣，提高学生学习主动性
“兴趣是最好的老师。”要调动学生学习的积极性，培养学生专业学习的态度，从兴趣入手是最佳的途径。用信息技术强大的信息处理能力，在感觉上给学生以冲击，形成信息刺激场，激发学生对服装
专业和行业的直接兴趣；通过对教学内容的整合，形成学生对专业学习的间接兴趣；利用多媒体烘托课堂气氛；以问题教学为中心，将学生带进自主的学习情景之中，培养学生运用信息技术收集、分析
、处理信息的实践能力与创新能力。例如，笔者在讲解服装形式美的基本法则———比例时，运用信息技术查阅、收集、整理大量服装图片，通过对比来阐释服装的外观给人带来的美感，更为直观、准
确地让学生懂得组成服装外观美的各要素均要有良好的比例。例如，用不同的颜色组合服装，每种颜色所占面积要适当；在连衣裙上装饰图案，图案的大小、位置也要适当；上装与下装之间、领面与衣
襟之间、腰带与裙子之间都必须呈现美的比例关系，等等。通过观察、对比、讨论来激发学生的学习兴趣，提高学生审美能力。由于服装专业女生占大多数，教师可以紧紧抓住女生爱美的自然心态，培
养学生自觉地发现生活中的美与丑，在审美体验中逐渐增强对专业的学习主动性。
2．增强学生学习的自信心，巩固学生学习的主动性
心理学家认为：“意志在克服困难中表现，也在经受挫折、克服困难中发展，困难是培养学生意志力的‘磨刀石’。”因此，教师在服装美术设计教学中要经常给学生安排适当难度的美术设计练习，或
组织参加国家、省、市级的服装美术设计比赛，让她们经历一定程度的磨练，真正懂得“一分耕耘，一分收获”。例如，在教学中，笔者每学年都会组织学生进行一场服装美术设计比赛，并评出一、二
、三等奖，学生为了在比赛中取得好成绩而不断地努力，不停地钻研，去微机房，到书店、图书馆、商场、地摊寻找资料来进行设计，在相互竞争中学生们提高了独立解决问题的能力，得到真实的成就
感，从而增强了自信心，学习起来更加主动了。
二、挖掘学生的创新意识是服装美术设计教学的动力
创新型人才既要具备创新意识，更要具备创新能力。我们的教育从古至今都过于注重继承和记忆，总认为学习就是吸收知识，把知识记到脑子里就是真正学到了东西。其实，只有创新才能发展。
1．创新灵感的产生在教学当中，笔者经常给学生讲，虽然科技的发展为我们的生活带来了许多便利，但同时我们的生活空间正逐渐被各种科技产品所局限。于是，人类出现对自然生活的渴望，对无拘无
束人性的向往，对精神空间的深层探寻，对古老文明的继承和反思等。大家的这些探求，也正是我们所要寻找的创新。只有让我们的学生开阔视野，站在别人的角度上换位思考，才会不断产生自己的创
新灵感。在服装设计上的创新并不单单是指服装要追求时尚，有些人会认为服装的创新就是指服装要脱离现实（看起来独特、新颖），其实并非如此。复古迹象已悄悄地成为服装美术设计师们一个重要
的创新灵感。从服装的时代特征而言，商朝的“威严庄重”、周朝的“秩序井然”、战国的“清新”、汉朝的“凝重”、六朝的“清瘦”、唐朝的“丰满华丽”、宋朝的“理性美”、元朝的“粗壮豪放
”、明朝的“敦厚繁丽”、清朝的“纤巧”，无不体现出中国古人的设计倾向和思想内涵。但某一时期的审美设计倾向、审美意识也并非凭空产生的，它必然根植于特定的时代。在纷乱复杂的社会现实
生活中，人们的审美观也是复杂的，过去某一时期的饰品、服装的某一部分等，也会使我们产生设计的灵感。作为一名服装美术设计师，不仅要领导潮流，更要考察社会的变化、观察人们的审美意向，
只有这样我们设计出来的才是最具有创新性的服装。
2．以实例引导学生举一反三，培养创新能力
例如，在男上装的设计中，笔者让学生根据分割与褶裥作造型变化及根据领口与袖窿的采形来设计制作男上装。在实践中，他们结合自己已有的知识运用领子、袖口、下摆、拉链、钮扣、肩扣及图案装
饰等的不同变化，组合创作出大量不同风格的男上装。又如，在裙子的设计中，笔者让学生根据裙子的分割原理与施褶原理相互穿插，结合轮廓变化设计多种款式的裙子。实际运用时，她们结合自己的
喜好，利用腰围、臀围、摆围、裙长的不同变化设计制作筒裙、斜裙、褶裥裙、组合裙、超短裙等各式风格不同的裙子。学生能在教师讲解的基础上加上自己的想法，设计出了多款不同风格类型的服装
，在不知不觉中提高了创新能力。
3．用国内外的形势扩展学生对服装美术的设计思路
目前，发达国家借助技术、资金、文化和传统市场的优势，以高科技、高附加值、时尚性为竞争手段。一种是走“高档次、高价位”的道路，像意大利的呢绒面料；另一种是走“高技术、低价格”之路
，像韩国的化纤产品。在国内，中国服装纺织品的继续发展遇到了多方面的挑战。原来的劳动力成本低、价格低的优势，越来越不能发挥像以前那么大的作用；向高档次发展，又遇到了发达国家的“阻
击”。然而，我国毕竟是一个人口大国，同时也是一个服装大国，有压力就有挑战，服装的设计就在于市场。笔者认为，市场是学生服装美术设计的第一课堂。不论服装的变化方向如何，我们都能通过
市场得到最新、最快、最直接、最适合当时当地的服装信息，而把握市场的唯一方法就是通过市场分析、找到对策。综合运用人体结构构成和服装画的表现技法、服装设计的形式美法则、色彩配色原理
、设计中的面料应用、设计思维与创作方法、服装造型设计、服装信息预测以及服装成衣生产与服装市场研究等各方面的知识，来创造性地设计好服装，才是我们教好学生的最终目的。追求美是人的天
性，服装的作用不仅在遮身暖体，更具有美化的功能。
三、结语
总之，对学生服装美术设计学习方法的指导，要力求做到转变思想与传授方法相结合，课上与课下结合，学法与教法结合，教师指导与学生探求结合，统一指导与个别指导结合，主要是教会学生学习方
法，培养其学习能力。
作者：冯利敏 单位：焦作市职业教育中心学校
（七）
一、浪漫的、柔美的（romantic，feminine）女性风格形象
指甜美、柔和富于梦幻的纯情浪漫女孩形象，是纯粹表现女性柔美的服装形象。或表现少女的天真可爱，或表现大胆、性感、女人味十足的风格等，由于时间季节的不同，所追求的服装形象也会随之发生一些变化。用柔软的造型，飘逸的流动线条，纤细、薄软、华丽透明的面料等的设计，效果可完美表达这一形象主题。局、细部常采用波形褶边、花边布等进行装饰。色彩多用蜡笔色调（浅淡色调色）的柔和及精美的色彩搭配方式，如白色、浅藕色等，婚纱是最具代表性的服装。
二、民俗民族的（folklore，ethnic）田园风格形象
指吸取了民族服装理念精华的服装风格形象。所谓的民俗风格形象是从西欧、东欧的民族服装或美国垦荒时代的服装中获取的灵感，并展开联想所得到的田园风格形象。包括有深厚乡土气息的乡村农民形象，俄罗斯、原始美国和美国西部等乡村风格。民族的形象则指从亚洲、非洲、中近东、南太平洋、南美洲等不是信奉基督教文化的民族所穿用的服装展开而来的服装形象，包括东方风格，非洲风格、热带民族风格等。这种类型服装的造型、色彩、材质感特征，大多依据灵感源进行确定，既可以是古朴、含蓄的，又可以是热情奔放的，当然不是单纯的照搬，而是吸取民俗或民族传统服饰的精髓，再找到与时尚的融会点，吸收时代的精神、理念，用时代的新材料以及流行色等的介入，去诠释历史博大精深的民族，传统的精神文化与现代的思想内涵。（1）原始美国（earlyAmerican）风格：从美国垦荒时代的农民服得到的灵感启示，是素朴实用的服装形象，深暗（DK）色调的小花纹样，拼缀、绗缝等手工制作的连衫围裙等最具代表性，也可称之为开拓者形象。（2）美国西部（western）风格：从美国西部开拓者———牛仔们的服装得到的灵感启示创造的服装形象。最具代表性的形象是西部牧童衫与牛仔裤的组合，及牧童帽、流苏、牧童长筒靴等小物件的使用。（3）非洲（African）风格：是在非洲大地上得到的启示创造的服装形象，以热带丛林、动物、民间手工艺等为主题展开设计的图样花纹，动物的骨头、牙齿等的装饰品是它的形象特征，颜色多用极强色调色或能够激发人们产生思乡情怀的深暗色调。（4）热带地区的（tropical）风格：热带地区的风格，强烈的纯色，从热带的花、鸟、椰子树等展开来的花型纹样，带有贝壳饰物等都是代表性的特征，是阳光夏日的主题。（5）回归自然（natural）风格：崇尚自然，不需夸张，是纯朴中充满安定、泰然的形象。它总是有不加任何装饰、自然宽松的线条，且以白色、天然纤维色、树木、花草、地球色等天然素材的本色为重要特征，质感的特点是有干燥感、明显触感和传统手工感的材料。
三、前卫（avantgarde）风格形象
前卫是指抽象派、幻觉派、达达派、超现实主义等前卫艺术。从爆炸式（蓬克式）摩登派等市街艺术中获得灵感，奇特新异的服装形象与古典形成两个相对立的派别。如果说古典的风格是脱俗求雅的，那么前卫风格就是异俗追新的。它表现出一种对传统观念的叛逆和创新精神，是对经典美学标准做突破性探索而寻求新方向的设计，常用夸张、卡通的手法去处理形与配色及选择材料。造型特征以怪异为主线，所以比较古怪少见，富于幻想，它可以把宇宙的神秘感形象化，创造出超现实的抽象造型，突出表现诙谐、幽默或悬念、恐怖的效果，是对现代文明的嘲讽和对传统文化的挑战，追求离经叛道与标新立异的美。
四、运动的（sportive）风格形象
从运动装、工装、军服等获得的灵感启示、指运动感的服装形象，与高贵雅致形成对应效果。如：专业运动风格（activesports）、休闲风格、功能防寒服风格（survival）、工装风格（working）、猎装风格（safari）、军服风格（military）、海军形象（marine）以及以飞行服为主线设计的服装。
五、男子气的（mannish）风格形象
有“如男子般的”含义。吸收采纳了男性服装要素的女子长裤套装等形象。体现了男性意识、追求自立等前所未有的新女性魅力。与纯女性的柔美形成对比。如：花花公子风格（dandy）、中性风格（androgynous）。
六、成熟、老练，现代、时髦的（sophisticate，modern）都市风格形象
饱经大都市锤炼，富有时代内涵，机能性强，脱俗、考究、冷静的服装风格，是与田园风格相对立的形象。多用无彩色或冷色系色，是立体而有棱角的直线构成，与都市建筑、宽广笔直的马路相呼应，创造一种简洁利落的现代化景观，简练的造型也表现出了现代化都市的紧张节奏气氛。具有强烈的时代感。受现代艺术的影响，也有吸收采纳蒙德里安和康定斯基等抽象绘画艺术中的构图技巧来完成的设计。如：现代派风格（postmodern）、立方主义风格（cubisme）、迷你风格（minimalism）以及未来派风格。
七、结语
现代人在追求自我人生价值，突出个性表现等意识上表现得极为突出与强烈，所以个性化与多样化就成为现代人美意识的具体表现形式。
作者：谷莉 单位：天津职业大学
（八）
一、欧普艺术风格的诞生
欧普艺术家设计作品时长时间地研究受众的视觉由作品而产生的幻觉，并且研究这些幻觉的起源和反应。欧普艺术家善于挖掘藏在基本视觉感受背后的那些具有统一性的规律。如，在透视学上，人们从欧普艺术中可以看到印象派初期的影子；在形态上，欧普艺术又可以让人感受到立体主义、未来主义、螺旋主义的美感；在色彩的相互关系方面，通过图形的造型、色彩，欧普艺术可以让人感受到新造型主义、构成主义的特色。鲁道夫•阿恩海姆的著作《艺术与视知觉》给了欧普艺术家很大的启发，成为许多欧普艺术家最初的灵感来源。“OP”（欧普）来自“Optical”的英文缩写。欧普艺术是利用人们的瞬间错视而创作的艺术，它与波普艺术有一定的联系，是波普艺术之后的技术革命，更是一种全新的风格流派，其代表了20世纪70年代的大众文化。欧普艺术的设计原理，主要是根据人类视觉上的错视效应和视觉原理，通过科学的计算原理，使图片产生触动视觉作用的图形。欧普艺术创作手法的核心部分在于通过黑白或者彩色图形的不同排列、对比、交错和重叠等，构成形式美，造成整体形状和色彩的节奏感，给人变化不定的活动效应。结合欧普艺术的服装设计，理论上就是按照欧普艺术的图形变异规律，进行服装图案、造型、面料的设计，最终给人以视觉的动感。
二、欧普艺术的发展及研究现状
从1960年开始，欧普艺术几乎同时兴起于世界各地。在众多的欧普艺术家中，最杰出的代表是法国画家维克托•瓦萨雷里。维克托作品的特色在于具有特别的运动感和闪烁效果，常常使人惊异。维克托•瓦萨雷里是法国欧普艺术的主流代表，其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫•艾伯斯和安德鲁基威斯，英国的女艺术家瑞利及以色列的阿格姆、委内瑞拉的萨图等。在欧普艺术发展的开始阶段，欧普艺术主要通过不同的艺术形式，让人的视觉能感受到运动感和闪烁感，使视神经可以在与画面接触中感受奇幻的效果，也被人们称为“光效应现象”与“视幻效果”。许多欧普艺术家都会以此研究视觉语言与心理之间的联系，尝试证明欧普艺术是一种科学设计后的艺术，欧普艺术可以激活视觉神经，通过人们的双眼唤起潜在意识，并组合成某种形象，从而带给人一种美妙的感受。20世纪后期，欧普艺术走向了衰落。虽然欧普艺术盛行的时间并不久，但它震撼、新奇的视觉感受给人一种强力的刺激感。许多设计师忠于这种艺术，很多时尚产品体现了欧普艺术。如服装设计、包装设计甚至城市规划都深深地受到欧普艺术的影响。当代，欧普艺术的表现形式很多，它以人性为切入点，在裙装礼服、T恤设计、裤装等服装设计中具有不同凡响的影响力。欧普艺术也被广泛运用于男装设计。从本季Dolce&Gabbbanna的男装设计中，我们也可以看出近代欧普艺术的深远影响。作为年轻人所喜爱的设计元素，欧普艺术也成为设计的一个标志，一些内衣和T恤的设计巧妙地运用了欧普艺术，并成为欧洲风格的流行标志。
作者：戴竞宇 单位：：上海杉达学院
（九）
一、建筑风的历史溯源
建筑风这一流派的设计更注重时装结构，他们的设计构思与建筑师的构思有相似之处，其作品也带有类似建筑物的外观特征。建筑风服装起源于中世纪，在宣扬宗教的氛围中，设计师围绕教会建筑进行服装设计。比如哥特式风格的服装就深受哥特式尖顶高耸的教堂的影响，在服装中主要体现为高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角。而织物或服装表现出来的富于光泽和鲜明的色调是与哥特式教堂内彩色玻璃的折光效果如出一辙。在文艺复兴时期的欧洲，当时的西班牙宫廷服装所流行的造型就与建筑相仿：轮状折裥领、法新盖尔裙撑、巨大的羊腿袖和如扇子般高高耸起的折裥立领等，其中裙撑的设计以教堂的大刑窍顶结构作为模板，也有效地解决了承重问题。建筑风的历史悠久，从古罗马时期到洛克克时期，可以看到建筑的外观直接影响到服装的面貌，尤其是洛克克时期，女人被装饰的花团锦簇，并被塑造成各种造型（X、A、S型等），以迎合当时男性对女性理性形象的要求。实质上，这种以取悦和炫耀性魅力的建筑风表达方式，从另一个角度可以看到女性对男性的人身依附关系。随着政治经济的发展，人们的生活方式的改变，审美形式也随之多元化。二战后，女性社会地位急剧提高，女权运动高涨。纯粹的取悦男性的时装设计意图被逐渐淡化，建筑风在形式上发生根本转变，以迎合新的社会需求。这里的设计更倾向于展示一种纯粹的艺术，或是证明一种独立的女性力量和精神。
二、建筑风的设计风格分类
根据不同设计师的表现形式和手段，建筑风在现代时装设计中的分类大致有以下三类：一类为有机派。此类风格特征较为柔和，善用变化的曲线和较为柔和的外轮廓，结合曲线并使用一些贴近自然的材料，如卡布奇和詹姆士的作品，其设计看上去在给人以印象深刻的同时又能表现出一些人情味。时装设计师中最成功地运用有机理念的是埃尔莎•复帕瑞丽。她因首次将装有拉链的时装问世而名噪一时曾谈到：人的形体在服装设计中是绝不能忽视的，它必须犹如建筑物的框架，不管线条、细节多么有趣，都必须同人体这个“框架”有机联系起来。一旦人体与精致的纹样发生冲突，放弃后者保全风格是她的必然选择。出于对服装造型线的重视，在她的作品中，取消一切干扰服装整体风格的多余装饰，进行服装设计应有如同建筑、雕塑般的“牵问感”和“立体感”。另一类为几何派。这类设计师更倾向于通过螺旋形、圆形、方形等简单和对比强烈的几何形态和更“硬”更“冷”的质感来展现对服装的趣味。这类服装往往具备很强的视觉效果和丰富的艺术性。例如克里斯汀•迪奥的设计就深受包豪斯建筑风格的影响（包豪斯建筑风格的共同特点是：以简单基本的几何形体为构图元素，墙面平滑光洁，很少或没有附加的装饰雕刻，注意发挥钢结构和钢筋混凝土结构的轻巧特点及金属制品和大片玻璃的晶莹反光特性，使建筑形象具有简洁明快、合理有效、清新活泼的风格。）1947年迪奥第一个优秀时装系列“新造型”公诸于世之时，给世界带来了深刻的影响，并由此成为战后时装界的精神领袖。继“新造型”之后，他以几何线形为主，先后推出“锯齿造型”、“垂直造型”、“郁金香造型”、“H形线”、“A形线”，“Y形线”等，均获得巨大的商业成功。第三种则是设计师善于提取富有代表性的具象的建筑符号，将民族性和现代符号理论融为一体，细腻地传承了民族文化。1995年胡晓丹在世界各地的时装展“流动的紫禁城”，向世人展现了独特的服装设计理念：胡晓丹顿悟出紫禁城宫殿的房顶、香亭的顶部，都是帽饰中的亮点；九龙壁的色彩和图案，制成礼服，会使女性既有豪迈雄浑的龙威，亦有千般妩媚的韵味，同时服装设计中更透露出中国传统哲学的理念：在弘丽中给人以宁静，在绚丽中蕴含着淡雅。午门上的门钉、太和殿顶的走兽和鎏金龙椅、乾清宫的对联、汉白蕞栏望柱、御化园的草木、影壁上的飞龙、珍宝馆里的奇珍异宝经过重组和提炼，都演化成了服饰符号，明晰而精妙。
三、建筑风的设计元素表达
首先，建筑风服装的典型色彩特征是色调简洁。通常使用黑色和白色以及红色等单一色调，受到窗户结构、造型影响的现代服装款式设计讲究对比、单纯与利落，这与包豪斯风格化的原则颇为一致。在面料上，此类设计师们热衷于寻找诸如镀层织物等富有建筑外观的面料作为体现建筑风的首选。另外，随着科技的发展，各种新型面料也取得类似钢铁、混凝土、大理石和玻璃等建筑材料的质感，此外，现代建筑的框架结构、组合排列等形式也常被设计师借鉴到服装设计中。另外，现代主义对装饰的摒弃在“建筑风”时装中也得到很强烈的反映。此类设计虽然也关心人体，但真正关心的是处理人体的方法。他们将人体作为设计的出发点，将其不断抽象化，从而赋予服装一种独立的三维结构。这种注重精巧结构的时装并不能完全脱离人体或彻底改变人体的外观。设计师的意图只是想美化人体但又不停留于模仿或映照人体。这类设计师醉心和依赖形式的表达，甚至有意回避人体的有机曲线。无论现代设计是用哪种形式表达，建筑风时装表现的都是一种大都市情调，更多的是大都市女性争取权力和地位的新态度的反映。建筑风是大胆和强有力的，缺乏女性的文弱。这正是20世纪日益壮大的女权运动所追求的理想形象，它在现代服装设计中所呈现的这种力量更贴切的说明了女性社会地位的提高。
四、结语
建筑风与时装设计的融合拓展了时装设计的新空间，这是整个社会及时装历史演变发展的结果。同一时期二者的设计风格也具有同一性，并在审美上相互影响和共同发展。建筑与时装艺术在不断吸收与融合中得到发展，这种趋势深深地融于人类的文明中，并会随着时代的发展而持续的。
作者：白耀天 李?哲 周晓鸣 陈雯雯单位：上海工程技术大学中法埃菲时装设计师学院
（十）
一、立体裁剪课程的教改背景
1、缺乏与相关学科课程的结合
在立体裁剪课程的开设上忽视了本课程与其他专业课程的联系，例如，将本门课程的开设时间放在平面结构课程之后，造成学生专业课学习中知识的断层和重复。在大部分学生没有服装结构基础的情况下，如果只用平面的方法来学习服装结构制图，学生就不能直观地认识人体结构，只能死记硬背结构图上的数据，教学效果差强人意；在立裁传统教学中，基本单一依靠立体裁剪的方法，几乎不涉及任何平面裁剪的知识，使学生对平面裁剪与立体裁剪结合的理念处于空白状态，这不利于今后进入公司从事结构设计的工作。
2、重造型轻实用
立体裁剪主要体现在两类服饰上：一是成衣类服装，与实际生产相关，需要始终强调工业化生产；二是礼服类等变化服装，与创意紧密相连，需要通过各种细节技法的巧妙应用将设计的灵魂展现出来。在目前的教学中，普遍存在过于注重艺术性的问题，强调服装的造型，让学生在人台上做出各种款式的服装造型，最终却没有将这些造型取下来固定或做板型的修正，更没有形成样板制作样衣，只求造型漂亮而不去考虑服装结构的合理性、工艺的可行性和面料的可用性等服用性能，并没有使学生真正掌握立体裁剪的技术。
二、立体裁剪课程的教学改革
1、立体裁剪课程的教改模式
针对立体裁剪课程教学中存在的问题，首先要在教学模式上进行改革。
（1）与企业和市场融合
要优化理论教学，强化实践教学环节，实现学院教学与服装市场的真正结合。加强与企业合作，多参考企业意见，多聘请企业人员来教学，了解企业、市场需求与流行现状，据此合理安排课程结构；以工作过程为导向，优化课程设置，对课程结构进行项目化改造，形成相应的项目任务，建立基于市场需求和工作过程的课程模式；通过展示、试穿及企业评价，完善课程评价体系。
（2）调整服装结构专业课程设置
在平面裁剪课程的不同阶段引入立体裁剪教学，培养学生动手实操能力，开发学生创新思维，同时注重三维立体与二维平面之间的板型转化教学，为企业培养实用型人才。在服装结构设计中，立体裁剪和平面裁剪就像是人的两只手，事实上，与立体裁剪相比，平面裁剪具有成本低、稳定性强、受操作手法和技巧影响较小的特点，如果能集平面裁剪的迅速稳定和立体裁剪的直观于一体，不但不会削弱其中任何一方的价值，反而会使裁剪的能力大大加强，使纸样的准确度更高，这种结合在实践生产中的应用也非常广泛。因此，在立体裁剪教学中，也要注重立体裁剪和平面裁剪两种方式的结合运用，不但使学生对立体裁剪技法有更为深刻的认识，更重要的是让学生树立起立体裁剪和平面裁剪综合运用的理念。
2.立体裁剪课程的教改方法
（1）利用多媒体教学
立体裁剪作为一门实践性很强的课程，实践环节的教学主要是教师讲授和示范，学生跟着练，这就产生了一个问题，即学生在看的过程中必定会受到所处方位的影响，通常只有离老师最近的学生才能看清楚，老师操作结束后仍有一大部分学生没看清楚操作细节。而通过多媒体教学，教师在课前将所讲授款式用正式面料制成成衣穿在人台上，并对立裁制作过程拍照摄像做成课件，上课边动手操作边放投影，学生不但可以直观地感受到用正式面料缝制后的效果，还可以更清楚立裁操作过程尤其是细节部分的操作。同时将立体裁剪与平面裁剪的对照纸样一并做成课件，以更有效地达到教学目的，提高教学质量。
（2）强化教学环境
在教学环境方面要加强实训室建设，安装相应的多媒体设备、熨烫设备和缝制设备，保证每个学生有一个人台。针对学生人数多的班级，增加辅导教师，若只有一位教师辅导而学生人数过多，在辅导效果方面会受到影响。
（3）强调与立裁相关知识的综合利用
立体裁剪不仅要与平面裁剪相结合，还与材料学、美学、人体工学等知识相关。例如，立体裁剪所用的材料主要是坯布，通常根据最终成衣面料的造型效果进行选择，而教师授课只显示了白坯布的造型效果，学生也只练习白坯布的造型手段和技巧，对正式面料的包缠性和巧妙地利用面料上的服饰图案进行创意等理念不甚了解。
（4）立体裁剪过程的完整练习
教学中往往因为时间的关系，以假缝作为作品的结束，而实际上，假缝成功并没有彻底完成教学任务，在成衣生产中也只是个开始。鉴于时间因素，可以在大作业完成阶段，以小组的形式采用真实面料进行立体裁剪的完整练习，学生应在衣片假缝合格之后，把坯衣样板拓印在纸面上形成可用于生产的服装纸样，并将衣片按工艺流程和生产工艺规则缝制成成品服装，这样不仅可以从整体再次检阅服装样板的优缺点，同时还锻炼了学生的工艺能力和团队协作能力，使其更适应市场需要。
三、结语
服装设计论文范文3
1.1演员
在戏剧表演的过程中，演员是服装的承载主体，通过表演展示服装设计的水平。对于戏剧作品中的同一个人物来说，不同演员的演绎会产生完全不同的艺术效果。决定不同演员艺术风格和特点的要素主要包括外在形象、气质、性格等等外在因素，也包括艺术修养、文化水平等内在因素。对于服装设计师来说，需要根据不同演员的这些特点来设计适合的服装，服装的风格、款式和面料等等既要符合演员的个人特质，又要符合剧本中的人物角色特点，这对于服装设计师来说是一个巨大的挑战。
1.2导演
在戏剧舞台表演的过程中，导演的重要作用不言而喻。导演要对舞台表演的全过程进行严格把控，既要根据剧情发展的需要来分配不同角色的戏份，又要根据剧情的需要来指导道具、布景和服装等艺术设计。在这个过程中，导演会根据戏剧剧本的内容以及自身对于戏剧艺术的理解和认识来制定服装设计的基本原则和思路，服装设计师需要根据导演的总体思路和要求来相应地进行设计。值得一提的是，虽然导演提出的服装设计模式和方案未必得到全部的贯彻和执行，但是服装设计师必须在充分尊重导演的艺术设计和构想的前提下开展工作，确保服装设计作品能够完全符合戏剧表演的需要，实现艺术的高度融合。
1.3舞台表演
舞台表演的需要也是决定服装设计的重要因素之一。在戏剧舞台表演的过程中，演员除了要保持静态的状态以外，还需要大量的表演动作来推动剧情发展，展示人物形象。为了达到艺术表演的效果和要求，演员必须要穿戴合适的服装，这就对舞台表演服装的材料、款式、裁剪等等都相应地提出了要求。特别是一些对于动作要求较高的戏剧舞台作品，例如杂技、武术表演等等，服装设计师都要充分考虑到表演过程中演员的各种需要。因此，近年来许多服装设计师都广泛采用了涤纶等耐磨、高弹力材料作为服装设计材料。
1.4技术因素
在戏剧舞台表演的过程中，除了演员的因素以外，灯光、道具、布景等技术因素也会对服装设计师的设计方式产生一定的影响。例如灯光的明暗、数量、布置等灯光技术的运用，将会直接影响到人物服装艺术效果的展示。例如在相对昏暗的舞台环境下，演员身穿红色、高反光度的服装，配合追光灯，能够产生出十分鲜明的视觉反差，给观众留下深刻的印象。因此，说，在为戏剧演员设计服装的过程中，服装设计师还要综合考虑到舞台表演的各种技术性因素，采取不同的设计方式和方法，达到应有的艺术效果。
2、对于提高服装设计水平的思考
笔者认为，为了有效提高当代国内戏剧服装设计水平，我们可以采取如下几方面做法。
2.1服装设计师要进一步提高剧本文本阅读分析能力
剧本文本是编剧艺术构思的外在体现。服装设计师通过对剧本文本的细读和分析，要得到文本以外的深层次信息，这对于全面准确地理解编剧的艺术构思是至关重要的。当前，国内出现了一批新生代的戏剧作家，这部分作家的创作思维较为先进和新潮，这就给服装设计师的文本分析阅读能力提出了挑战。对于服装设计师来说，要对戏剧剧本的文本进行更加深入地分析和理解，获取更多指导服装设计的信息和线索。
2.2服装设计师要参与戏剧表演全过程
服装设计论文范文4
编织艺术品从古代到现代历史悠久，已经经历了数万年。从远古开始，人们就有结绳记事一说，生活中的工具有许多是编织制作完成的，例如竹椅凳、藤篮等。随着时代的变迁与发展，编织艺术不再只是出现在生活工具中，而是通过设计者之手变幻出的艺术品，美化并点缀着着我们的生活。中国传统的编织有竹草编、中国结、皮革编、壁挂、染织等等。编织从工艺技巧上区分，可以区分为“编”与“织”两种不同的工艺。编织艺术是根据材质的特性，运用一定的艺术处理手法，运用绳线的经纬交叉方式，采用压、挑、抽、编、结、缠、绕、交叉等手工编织艺术技法创作出的艺术产品或生活用品，一般使用的材料是纤维，例如植物的藤、茎、叶，动物的毛发、皮料等。运用不同材质的纤维编织出的艺术品其视觉感受力也不同，丰富而又韵味十足。
2编织艺术的基本技法
在编织艺术品中，丰富多彩的图案大多是在艺术品编织过程中形成的，有的编织技法本身就形成图案花纹。因此，编织技法对于编织艺术品的造型和图案装饰有着重大的作用。常见的编织技法有平纹编织、缠结编织、斜纹编织、螺旋编织、连珠纹编织、挑压编织等。
2.1平纹编织:
是最简单的一种编织方法。它的编织是采用经纬垂直交叉的方式，线料隔根交结完成，纹路表面经纬根数相同。
2.2缠结编织:
此种方法是用纬条与经条缠绕编织在一起，纬条缠绕经条360度，然后依次类推进行编织。
2.3斜纹编织:
是编织艺术品中采用最多的一种方法。它也是采用纬与经垂直相交，先是纬上压二经，然后经上压二纬，一织纬一经移，最终作品的组织结构出现人字交叉纹，与现今的芦席纹理类似。
2.4螺旋编织:
将线材从一头开始卷绕成螺旋的盘状，再用细针线将其固定缝住，这种方法与现在的日蒲团的技法基本相似。
2.5品字纹编织：
是多根纬线间隔穿行盘绕经线，形成“口”型，采用此法连续盘绕编织，最后成“品”字形，品字纹由此而来。品字纹理的特色是凸感较强，适宜表现编织品上需要重点突出的形象；不足之处是编织组织结构不够牢固紧密，多个部分运用此法编织会使得织品架构松散，易变形。
2.6连珠纹编织：
采用多根纬线盘绕单根经线排列编织，形成点状的织理，其样貌远看像珍珠形状，因此取名连珠纹。连珠纹的特点是点状纹形排列形成凹凸的肌理效果，视觉冲击力强。
2.7挑压编织：
是利用编织的材料经纬交叉、互相挑压编结成块面状。其艺术特点是编织物牢固结实，但视觉感单一，缺少变化性。
3编织艺术在现代服装设计中的运用
编织艺术运用在服装设计中由来以久，许多服装设计大师也十分钟爱编织艺术，有些艺术家甚至用毕生精力研究编织艺术，例如：苏格兰艺术家LiisaHietanen的针织艺术品维妙维俏；巴西手工钩织服装设计师海伦•罗德尔，每个系列服装作品都手工制作完成，具有精致、创新、高价值含量的特点。编织艺术服装指服装的内外造型设计、服装的色彩图案、服装的整体视觉肌理感受是运用不同的编织技巧完成的，因此服装在造型、色彩图案、肌理等方面具有较强的设计特色。
3.1编织艺术在服装廓形中的应用
编织服装的廓形是指在服装内外部款式造型上设计变化，它也是编织服装的重要环节。编织服装造型一般以其独有的视觉肌理感而著称，服装款式造型相对较为简单，通过编织面料的肌理效果和造型上的变化来展现其外形特色。编织服装设计中常用的几个廓形是:A型、H型、T型、X型等。A型编织服装的特点是整体造型呈现出服装上面部分较为紧身，下摆设计宽松肥大，人在运动中富有动感，这类服装具有宽松舒适、休闲简洁的风格特征。H型编织服装的造型特点是服装从上至下都是直筒状，腰部不收身，服装显现出宽松和舒适的特点，同时具有服装原始的质朴感。T型编织服装的造型是着重在肩部的夸张设计，通过对肩部的延展与设计，服装具有一种军旅风的潇洒感，如果搭配上帽子和腰带则更加突出T型服装的艺术美感。X型编织服装造型是注重缩腰设计，由此体现出人体的曲线美，服装具有优雅、女性化的特征。
3.2编织艺术点、线、面、体在服装中的应用
编织艺术服装是运用点、线、面、体等造型要素，通过一定的编织艺术处理手法而设计出形态各异的服装造型。点、线、面、体是最基本的造型要素，不同点的运用在服装中就会产生不同的造型风格，在编织服装中往往起到画龙点睛的作用。服装编织材料的丰富性使得点、线、面、体在服装中的运用千变万化，我们可以编织出纽扣、编织出胸花等，然后将其装饰应用在服装作品中，具有较强的装饰效果，同时产生节奏感和动态美。
3.3编织艺术在服装边口造型上的应用
编织面料具有卷边性的特点，编织服装在边口部位的设计上会有别于其他面料的服装，一般服装的边口造型设计会选择在颈部、肩部、袖口、裙摆等位置，编织成立体造型的边口可以增强服装的层次感，而且具有收口的功能性，同时可以做装饰，立体编织卷边造型设计使服装在肌理上更加丰富。
3.4编织艺术在服装图案装饰造型上的应用
图案装饰是编织服装中运用频繁的技法，由于绳线本身的特性及编织技法自身的丰富性，因此在编织服装的图案设计中发挥空间较大，通过不同颜色绳线的组合，不同材质绳线的搭配，不同绳线编织技法的使用等形成不同的编织装饰图案，基于绳线编织的局限性，编织装饰图案的设计为服装设计本身增色不少。3.5编织艺术在服装配饰造型上的应用服装配饰是服装设计中重要的搭配元素，它能衬托服装设计作品的美感和设计感，是服装设计师们常用的表达技巧。通常编织服装配饰有头饰、项链、帽子、手套、围巾、胸花、袜子、腰带、包等；在服装设计中起到了点缀服装的作用，增强服装的装饰造型效果。例如运用一些仿生设计学知识编织配饰，配饰造型独特，别具特色。
4结论
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（一）纺织工业发展的转变
在民生工程的“衣食住行”当中，“衣”首当其冲，这就充分的证明了服装的重要性。我国服装专业经过了30多年的发展，从最初的裁缝到现如今的服装专业各类学士博士等，为服装行业培养了大量的设计人才，给国家的经济建设与发展作出了非常大的贡献。人们对于幸福美好生活的向往与追求是社会进步与经济发展的中心动力，人们在追求有穿着、能穿暖后，对于新工艺、新材料以及新品牌的追求成了发展的必经之路。但是在当前高等工程的教育上很显然还无法满足这些需求，国内如今有许多服装一线品牌在全球的范围内开始招募各类服装设计人才，有懂经营的、会管理的商务人才，有懂织布的、会染色的艺术家，有懂流行的色彩与色彩搭配的设计精英等。在新时期的纺织业中，必须转变其发展的方式，向着更新、更流行、更符合人们需求的市场而迈进，进一步促进纺织工业发展的转变。
（二）高等教育模式的转型
在新中国时期的高等教育模式基本是模仿前苏联的高等教育模式，从20世纪50年代初开始，高校体系的规模受到大改造，按照当时中国工业的落后情况，理工类学院建设上也就随之加强，在一定程度上为中国在工业建设输送了大量的人才。而随着中国的经济迅猛发展，这样的教育模式逐渐显现出越来越多的弊端，重理工轻文化的人才结构打破了人才培养的平衡。在20世纪80年代之后，虽然高校的专业设置在不断的改革与完善，但其并没有在根本上把人们固有的观念扭转，并且在高中阶段实施文理分科教育，把文理学科的界限划开一道鸿沟，对于脑子灵活的学生，就要求其进入理科班去学习，对于记忆力好的学生就要求其进入文科班去学习，这样的教育模式在本质上就无法与“认识自然，并改造自然”规律相符合。当人们欣赏一件不仅合体还时尚的服装过程中，根本就无法区分出当中的文理属性。因此，实施卓越人才培养的对策，其重要的关键就是培养学生更高的综合素质。
（三）人才的知识结构优化
经济的一体化，带动了商业、文化和科技的迅速融合，特别是当前互联网的普及，对人们的生活、生产以及生存方式上有重大的改变。基于此，就要求作为现代新兴人类，必须具备有能够快速学习的能力，同时还要具备随时参与国际性政治、经济及文化的竞争能力，这不但要求要有专业的技术知识，还必须要有能够跨越文化领域的适应力与交流能力。所以，在工程教育的过程中，必须把注重知识变成注重知识和能力。而作为一名与新时代要求相符合的服装设计人才，必须要有较强的适应能力与实践能力以及创新能力，同时还要具有高尚的人文与科技素质，拥有良好的职业修养与职业道德。
二、基于服装设计和工程专业人才的培养对策
（一）制订人才培养的主要目标
在服装设计和工程专业的人才培养当中，人才培养的主要目标就是必须培养学生具备与服装设计和工程专业知识相应的能力，具有创新的意识、国际性视野与实践的能力，能够适应服装的工程材料、企业管理、营销战略、信息技术以及人文艺术等各个学科相融合的发展趋势，同时在服装设计和工程专业的某一个领域当中有其独特的见解，能够在服装行业及服装政府协会等相关部门以及其他的相关机构中从事产品的研发与策划、生产与管理、工艺与技术、市场与营销等。
（二）人才培养的目标存在的内涵
1．以培养的目标角度作为出发点，服装设计和工程专业人才的培训应该接受设计、纸样、工艺、材料与服装CAD、产品以及营销对策等各方面基本的培训，并具备有服装设计与生产、营销等各方面的初步能力。由于现在国内许多院校开设服装专业的起点存在一定的差异，有传统纺织工科类院校，有新型流行设计院校，还有综合类院校，这些院校在设备、生源与师资力量各个方面侧重点都不同，其培养的目标也就存在一定的区别，有培养服装设计知识与能力优先的，也有培养服装技术水平的。
2．优秀服装设计人才应该具备的一些素质：第一，具有较强的社会责任感与人文素养以及高尚的职业道德素质；第二，要有从事服装开发设计或者是工程技术中所需的人文艺术、自然科学及社会科学等基本知识与理论；第三，要有良好的环境、品牌、质量、安全及服务等意识；第四，要具有扎实的服装设计与工程基础知识以及相应的经营管理能力及本专业理论知识，掌握本行业在国内外发展的现状与发展的趋势；第五，要掌握服装的纸样、款式、工艺及设计基本的方法、原理及技能，并具有运用本专业知识理论来提出问题与解决问题的能力；第六，要具有独到的创新精神；第七，要了解行业相关发展的方向与发展动态、应用前景以及行业标准、市场变化等；第八，要具有较强的组织能力与交际能力，有团队合作意识与跨国际发展的视野及野心。
三、服装设计卓越人才的培养方法与具体对策
（一）课程设置企业化
制订各实践的教学大纲，仔细挑选实验的教学内容，整理实验项目可以用添加、完善、整合等方式，对实践的教学内容进行更新，跟上时代的发展。要遵守实验实训项目应用性的原则，把专业的教学与企业融合，添加实训课程以培养学生的实际操作能力，让应用性课程的质量得到进一步提高，并根据我国人才市场的要求来开展专业课程，关注市场的需求，随之应变。
（二）采取“双体实训”的模式
构建“双体实训”的模式。“双体实训”包括技术实训和关键素质的训练两个体系，在培养服装行业的设计人才方面具有重要作用。技术实训是指以服装的专业技术实训为核心的教学体系，它的开展与组织需要根据实训项目的实战性进行，让学生在实战演练的过程中学习服装行业的新技术，并能提高学生的动手能力，从而让学生掌握一些技术要点。关键素质训练是指培养学生关键素质的教学体系，通过一些实训与实验来培养学生的商业伦理、系统思考与有效沟通的关键处理能力，让学生在职场上能够随机应变。
（三）实施双导师制度
想要提高学生的技术技能、操作能力与职场能力，就必须实施双导师制度。学生在毕业之季需要完成毕业设计、毕业论文等任务，在实训的过程中需要校内的教师与企业的导师共同指导，学生才能完美地完成任务。企业的实训导师负责安排学生的实习工作与指导学生现场操作，监督学生完成毕业论文，并指导学生写论文，与校内的教师一起把关论文的质量。
（四）加强校企的衔接工作
根据校企合作、不同的专业和企业的实践教学背景、教师资源等，选择一些比较优秀的企业，做好准备工作，加强校企的衔接工作。企业也要做好保障措施与相应的工作，建立专业的组织团队与相关的规章制度，学生的实训导师让优秀的工程师担任，给学生提供一些相关的场所、设备与实践机会，把学生的实习工作安排好，并保障学生的安全等。
四、结束语
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在杂技服装的设计过程中，演员这一关键因素是不容忽视的，服装的合体与否会影响到演员的舞台形象，从而影响整个杂技节目的演出质量。演员穿着的服装的效果是留给观众的第一印象，这种印象往往会影响到观众对随后节目的观感。杂技服装在设计时不但要比照演员的身材进行美化，还要注意与演员的形象气质相协调。另外，还需注意演员表演动作对服装整体柔韧度的要求。杂技服装不同于一般的演出服装，对各个关节处面料的韧度要求较高，只有达到一定的张力才能方便杂技演员做出一些高难度的肢体动作。另外，服装的大小、剪裁、款式也都必须结合演员在表演中的动作特点来进行设计。在服装大小上，既不能太过宽松而影响形体美感，也不能过于紧绷而影响演员做动作。服装设计师要在美观与实用之间找到一个合适的平衡点：在杂技服装的剪裁方面，设计师一定要注意一些关键部位的结实度，因为有很多节目对服装的耐磨程度是有较高要求的，尤其是在关节和肩膀等部位甚至可以采用与主体面料不同的材料来进行剪裁。最后在服装的款式方面，应该在不影响整体美感的前提下尽量设计得较为宽松，也可以采用一些较为夸张的装饰和色彩来呼应节目的主题。
二、节目内容因素
在杂技服装的设计中，节目的主题和内容是必须考虑的。杂技服装不同于戏剧或歌舞的演出服装，它的设计可能没有特定的对应人物，但是却有鲜明的指向性内容要求。设计师在设计过程中，需要首先对节目的内容进行了解，都有那些具体的表演动作以及配合的道具和场地，在结合舞台效果综合之后才能最终确定演出服装的整体颜色和款式。另外，即使在同一节目中，不同的演员也有着不同的着装要求，只有根据不同的角色进行细致的分配，根据节目想要表现的主题来进行颜色与款式的搭配，才能设计出凸显节目主题内容的服装。
三、技术因素
在杂技服装设计的过程中，往往会遇到一些选材和技术的问题，为了追求更高的艺术表现力，设计者往往会在选择服装面料的时候尝试一些特殊的材料和高新技术以期达到意想不到的舞台效果。但目前，我国现有的特殊服装制造技术水平与国外还有一定的差距，服装设计者的设计理念和创意，有时会因为技术的局限而搁浅，导致在设计的过程中，设计师不得不降低标准与预期，这不得不说是一种遗憾。因此，杂技服装设计师在设计的过程中必须实事求是，在现有的技术条件下进行创作，充分发挥自己的创造力来争取更好的效果。
四、创新因素
观众的审美需求也对服装设计师们提出了更高的要求。过去的杂技演出中服装设计都比较单调，有些时候甚至整场演出中演员都只穿同一套服装进行表演，显然，这种穿着容易让观众产生视觉疲劳。现代杂技要求杂技服装成为整个舞台演出的一部分，在设计服装的过程中，设计师应充分发挥想象力和创造力，在可能的条件下做出更好的舞台效果。服装设计的创新可以从款式、面料、色彩等方面进行考虑。在款式方面可以在原有设计的基础上加上一些装饰物来为整套服装增添光彩，也可以注重一些细节的设计来凸显整套服装的品位：在面料方面，设计师可以大胆地尝试各种材料来取得更佳的效果；而在色彩方面，在进行创新的同时一定要注意整体颜色的搭配和协调性。
五、结语
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本课程教学改革的目标在于引导纺织品设计方向学生，经过课堂听讲、课后思考、小组研讨、课堂练习、课后制作等环节掌握课程内容，通过将理论版块与关联的实践版块交错进行的途径，提高学生的服用纺织品和系列服装的系统设计能力。我们将近十五年来国内外高等教育界积极探讨的“主题式教学”实践贯穿到课程全过程中。
二、课程改革方案规划
“服装设计基础”是一门实践性很强的课程，实践的前提是有一定的理论基础，庞杂的课程内容中有相互关联的理论和实践版块。“主题式教学是以主题为中轴，围绕教学主题而展开的，在系统论、学习理论与教学论指导下，以教学主题为枢纽，在系统内诸要素之间彼此联系、相互作用与协调运行中，驱动师生‘双适应双发展’以达成教学主体心理结构的完善与自我实现的整体性设计”。也是“基于内容向导教学观念的最常见模式之一”，与20世纪60年代末加拿大的浸入式教学法关系紧密。与20世纪年美国著名教育家莫里逊所提出的以“既强调学生的兴趣，又强调教师在教学过程的主导作用”为特点的“莫里逊单元教学法”亦有关联。按照主题式教学模式，将课程内容划分为四个理论模块：服装概论、服装设计的形式语言、全球五大时尚中心及其服装设计的艺术源流、服装设计方法论。四个实践单元：人体采寸与服装驳样、服装的零部件绘图练习、服装制图练习、服装系列设计实践。根据纺织品设计方向学生的知识结构，在教学方法上强调服用纺织品与服装风格的关系，服用纺织品在服装系列设计中的运用，重视纺织品和服装系统设计观念的培养。在学生领会服装风格感度的基础上，通过手绘平面服装结构图和借助面料、纤维设计小样来表达服装的系列设计。在教学手段上，积极利用多媒体及网络进行教学，开辟了课程微博的互动平台，由教师向学生参考书目、学术论文资料、专业期刊名称、行业网站链接等自学信息以及进行不受时间限制的远程单独辅导。
三、课程改革实践的深入开展
围绕提高学生的服用纺织品和系列服装的系统设计能力这一目标，将理论版块的四个模块和实践版块的四个模块教学环节交叉布局，逐步推进教学进程。学生对服装及服装设计的了解只源于日常生活经验并且已经留下了不严谨、不全面的印象，亟需从理论和实践两方面及时纠正。以理论知识指导动手实践，以动手实践巩固理论知识，从局部到整体的启动规范的业务训练。各模块具体主题教学如下：
（一）服装概论
通过讲述，让学生了解服装的起源、相关学术概念、商品品种分类，服装与人体的关系及衣生活的内涵。了解人体体型的分类及测量，成衣的号型。使学生掌握服装设计的出发点和要求，激发学生的学习兴趣。
（二）人体的采寸和服装的驳样
通过讲解与实践，让学生掌握人体各关键控制部位的定位和测量，能给简单款式服装的驳样，画出按1∶5比例缩小的纸样图。学生可以相互在身体上练习正确的采寸方法；由于“服装驳样”较为复杂，教师在演示实验之后留下课后作业，鼓励兴趣浓厚和学有余力的学生加强课后练习，待教师批改后作为期末成绩的加分项。
（三）服装设计的形式语言
掌握服装的廓型分类、造型特征和结构要素，并且能分析和鉴赏服装的主要风格感度类型、领会由色彩、材质、造型和结构变化所带来的服装风格转变以及服装与着装者的协调性。
（四）服装的零部件绘图练习
临摹各种款式的衣领、袖子、口袋的结构图，再根据实物参照绘制服装零部件，掌握各种款式的衣领、袖子、口袋的制图技巧。在此基础上进行衣领、袖子和口袋式样的设计，用铅笔素稿表达。
（五）全球五大时尚中心及其服装设计的艺术源流
通过对服装史上经典款式和国际知名品牌、设计大师代表作品的观摩、鉴赏，了解全球五大时尚中心巴黎、米兰、伦敦、纽约、东京服装设计的风格特征艺术源流。
（六）服装制图练习
通过对大量优秀服装设计作品的平面结构图临摹练习，掌握不同款式服装成衣产品的结构图绘制，学会通过笔触来表达各种肌理的材质、各种制作工艺。
（七）服装设计方法论
学会如何获取服用面料的流行情报、感知服装流行趋势预测、做好市场调研、领会服装设计流程、服装生产基本知识。对服装的整个生产流程有总体认识，利用所学的知识指导设计流程的制订与实施。
（八）服装系列设计
在掌握前期理论知识和实践技能的基础上，合理正确地将某一设计灵感源表达于有系列感的服装设计中。要求借助面料小样或纤维设计，展现服用纺织品在色彩、质感、纹样、肌理效果、材质拼接、二次造型方面与服装设计的搭配协调性。
四、成绩评价体系与课业成果展示
在相当长一段时期内，本课程曾以服装结构图的表现能力作为评价学生成绩的主要依据，教师认为这种模式对于艺工结合培养体制下的工科学生并不是最合理的。手绘技法在短时间内难以大幅度提升是制约完整表达设计思想的瓶颈，学生很有可能因此丧失自信心和兴趣。经过教学改革，建立起兼顾业务水平和学习过程的课程成绩评价体系，即出勤、课堂表现及课外自学占总成绩30％，专题研讨评价占总成绩20％，大作业服装系列设计实践占总成绩50％，另有服装驳样选作练习可获得上限为10％的红利分数。课程结束时，将每位同学的大作业与第一堂课上所交的“初始印象”（在第一堂课的说课阶段，即用15min的时间，让每位同学用一段文字概括自己对服装设计自发性的理解以及一幅简笔画表达自己最喜欢的着装风格，并署名）进行比对，可以清楚地看出学生课外自学的投入状况。服装风格感度专题研讨评价由各个小组依据教师所建议的几项考察规则互评，教师负责核算分数。课程结束以后，将服装系列设计实践作业在全校范围内进行静态展示，并邀请“卓越工程师计划实践基地”企业专家前来参观指导，取得了良好的效果。
五、结论
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1实验的方法
穿服装的实验者时,为保证实验对象的相似性,日本名古屋学艺大学的10名健康年轻女子被招募参与实验。其年龄在20～22岁之间,身高在160～165cm之间,BMI(人体质量指数)在21～23之间。实验前,所有被试者均身体健康视力正常,要求与目的将告知被测量者,并获得其同意。对于运动和呼吸情况下人体测量以及服装设计来讲,了解运动和呼吸状态下的人体尺寸变化是最为重要的,它是服装设计的基础,因此,在测量人体运动和呼吸时躯干各主要部位尺寸数据的变化。实验时穿用的服装有无领、长袖、没里子的前开门并且前边结扣的夹克衫,根据松紧带的伸缩率做成了3种型号,准备的服装规格尺寸分别为S、M、L,背心的上面穿着夹克衫,为了做成符合穿着要求的服装设计,就需要相应的测量值,根据人体动作适应性的功能的特点,动态人体尺寸测量主要包括运动过程测量(如关节运动角、运动灵活性和运动轨迹测量等),动作范围大小测量,形体变化测量。同时有几种动作,手臂位于体干的侧面,前屈、后伸,旋内,旋外等运动都会引起服装的牵引。躯干部运动包括躯体前倾、挺胸、抱胸、两上肢,外侧举90°、180°、前侧举90°、180°、双臂内收75°、后倾60°等6种动作。这几种动作基本上能够满足日常生活中的各种运动和呼吸要求,考虑到当人体的姿态在发生改变时,肌肉和脂肪堆积的位置也会随之改变的问题。同时还有脱掉夹克衫进行一连串的相同动作的测试,另外,为了除出夹克衫穿着顺序的效果而进行了随机测试。动作前后的脑波测定(睁眼、闭眼),进行动作后的唾液浓度的测试,关于脑波的测定,使用了日本奥林巴斯公司生产的脑波计,测定之前,项目设定大约有30秒左右简单暗算的紧张感,为了能够得到理想的相关数据,其中9名实验者安静的时候,α波的出现率在放松的情况下进行了评价,唾液浓度的测定,使用了日本渡辺公司生产的酵素分析装置［唾液浓度显示器］,取得唾液浓度(KIU／L)数据作为了压力度的指标。另外,脑波和唾液浓度评价是通过只穿着背心前和后的实验服3套的测定,考虑到前后的差分习惯的效果排除,并且,为了对记录实验状况和解析时为采取的补助办法,实验者的正面和后方进行了数码相机进行的跟踪拍摄。官能评价是在实验的最后一段时间里进行的,[穿着容易]、[触摸感觉]、[重量]、[对身体的容易熟悉程度]、[便于活动]、[综合评价]的5个阶段进行评价,通过得到的相关数据,服装全体以及条件分别与各种评价项目之间的相关系数累进行统计计算的同时,评价的项目中作为穿着条件(面料的质量)的要因,1元配置的分散统计也进行了计算。
2实验结果与分析
官能评价的结果,其中[便于活动]的相关数字是最高,其次是[重量]、[综合评价]、[穿着容易]、[触摸感觉]、[对身体的容易熟悉程度]中得到了0.809、0.760、0.731、0.714的相关数据,从老年人多数的提问项目之间,提取的相关数据来看,[便于活动]的相关数字最高,[综合评价]的统计结果比年轻人的[便于活动]的0.760还要高,认可老年人[触摸感觉]、[对身体的容易熟悉程度]的统计结果的倾向比较明显,通过分散分析的结果,看到的全部提问项目中,穿衣条件(不同材质的面料)的有意差已经频繁出现,穿着者对于[便于活动]的评价的平均值,与各种不同材质面料的伸缩性的大小和顺序不一致,个人的穿着服装的顺序70%左右的伸缩性的顺序一致,老年人保持在10%左右的事实得到了确认。考虑到实验用的服装舒适性,关于二套实验用服装之间的序列,脑波和官能评价的一致率出现的比较高,[重量]和[便于活动]一致率也是达到了48%左右,脑波和不同材质面料的伸缩性的顺序一致率达到了44%左右,唾液浓度和官能评价的序列一致率达到了30%以上,[综合评价]也是达到了40%的高数字,唾液浓度和不同材质面料的伸缩性的顺序一致率达到了40%左右。关于脑波、唾液浓度、官能评价的3个实验方法,3套实验用服装的序列全部一致,穿着实验者中8例就有4例完全一致的结果,相对于年轻人来说,相关数据的统计结果没有得到认可。
作者：杨燕 单位：长江师范学院美术学院
