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古典音乐的定义范文1
关键词：跨界音乐 融合 价值观
跨界音乐也称混合音乐，是指把两种或两种以上的音乐风格交融在一起的音乐形式。它的诞生为不同的音乐形态、不同的音乐风格的结合创造了条件，也为大众带来了全新的视听体验。跨界音乐的含义可分为两层：广义上泛指任何几种音乐融合在一起而形成的音乐，狭义上则单纯指古典音乐与通俗音乐相交融的古典跨界音乐，它是跨界音乐中最流行、最具有代表性的一种音乐形式。跨界音乐的历史时间不长，但是它符合社会多元文化的不断发展和人们审美需求的多样化的要求，深受大众的关注和喜爱，在世界乐坛上有着很强的影响力。
1 跨界音乐的起源和定义
跨界音乐的产生比较晚，大约起源于上世纪五六十年代，最早出现于美国。它的产生与音乐排行榜有关，一张新唱片登榜在不同类别的音乐排行榜上即被认为是某种意义上的音乐形式的交叉，成为跨办音乐的原始模型。伴随着这种发展趋势，出现了许多跨界音乐人，如古典辣妹组合、神秘园组合、莎拉.布莱曼、马友友、陈美等等。上世纪90年代，跨界音乐在中国逐渐兴起，女子十二乐坊的二胡演绎、刀郎的老歌新唱、西洋器乐伴奏在中国传统戏剧中的使用等等正成为一种新锐时尚的生活态度和审美方式，跨界音乐在中国的艺术领域获得了更新的诠释。
音乐和音乐家的跨界现象发展到今天具有广泛性和多样性，如何给跨界音乐下一个准确的定义？根据查看的相关资料以及所听到的跨界音乐，笔者总结为在广义上是指不种类、不同形态、不同风格的音乐相融合的一种艺术形式，在狭义上是指古典音乐元素与流行音乐元素的相互交织、结合的艺术形态。“通俗地说就是将不同领域的歌唱方法、演奏方法根据需要改编的一种新的艺术形式，由多种音乐元素混合而成更容易被大众接受和欢迎”。[1]
2 跨界音乐的特点
（1）跨界方式具有广泛性性和多样性。常见的有移植、改编、引用等。从更加宏观的角度来看，就是在古今中外、东西南北、雅俗文野、激进保守和乐内乐外之间的纵横驰骋、自由跨越。如中国作曲家周文中用古琴曲作为蓝本，用西洋的室内乐的编制来呈现的《渔歌》。
（2）跨界音乐人大都具有深厚的古典音乐修养。跨界音乐人大都毕业于专业的音乐学院或受到过名师指点，这是由跨界音乐本身的性质所决定的。跨界音乐脱胎于古典音乐，跨界音乐人必须有坚实的古典音乐基础，才能驾驭这些作品，并在此基础上进行变化创新。
（3）跨界音乐是一种嫁接，更是一种发展。[2] 跨界音乐由多种音乐形式融合而成，既不同于母本，又继承了母本的优点，是一种突破和创新。我们在以看到跨界音乐以打破传统、运用时尚元素和现代技术、融合多态风格的面孔吸引了更多不同层次的听众，形成了新的音乐演绎手法和演出方式组合。
3 跨界音乐的分类
（1）用古典音乐的演唱方式表现流行音乐。如“华人世界第一男中音”的廖昌永用在专辑《情释》通过翻唱王菲的《红豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少爱可以重来》等一系列脍炙人口的流行歌曲让古典音乐走近听众、走向市场作出了积极尝试。
（2）用流行音乐的方式演绎古典音乐。
以古典的弦乐四重奏组合“古典辣妹”为代表，“用流行音乐的形式和现代化的演出方式打破音乐的界限，将古典音乐的精粹与世界各地的声音和节奏互相结合，实现音乐的大同，把不被大多数人涉足的古典音乐展现出全新的概念。”
（3）流行音乐与古典音乐的交织融合。英俊潇洒、实力唱将il divo(美声男伶)为大家充分展示了这一跨办界音乐类型。他们的音乐把古典音乐和流行音乐完美地整合在一起，在音乐界可谓是独树一帜。
（4）民族与古典相整合的中国特色的跨界音乐。在这一跨界音乐形式中，谭盾的《地图》极具代表性。他将原汁原味的湘西本土音乐与现场交响乐融为一体，为我们呈现了一场传统与现代、时间与空间连接在一起的跨界音乐盛宴。
4跨界音乐产生和存在的必然性
无论是在西方还是在东方，跨界音乐能够长期存在并迅速发展，一定有它的必然性。
首先，跨界音乐的产生和发展符合欣赏者价值观和审美需求。人们传统的价值观认为，古典音乐等于高雅艺术，是上层社会的欣赏特权，欣赏古典音乐意味着高雅的品味和高贵的身份和地位。跨界音乐则化解了人们想显示自身的高雅品味却又缺乏对古典音乐的理解之间的矛盾，跨界音乐通俗易懂的特征使受众不同程度地产生“艺术修养较高”的自我认定，体现了受众的价值观。另外，接受群体审美需求的多样化导致了流行音乐创作风格的多样化，而吸收古典音乐元素则为多元化的音乐创作提供了丰厚了创作母体，满足不同人群的需求。从波切利与莎拉.布莱曼在中国演出获得的巨大成功右以看出，多元文化更加受到现代社会人们的喜爱。跨界音乐艺术正是满足了观众对古典、民族与现代等多重文化因素的需求，才受到人们广泛的欢迎和赞誉。同时，对青少年来说，欣赏跨界音乐也是一种时尚，正如何晓兵教授所说：“流行音乐的低龄消费群体真正想购买的，并不是原来意义上的音乐，而是以某种热门音乐为载体的时尚生活方式”。[3]
其次，跨界音乐的内涵在于融合和创新。在各种音乐元素通过自我调节融合在一起的基础上，结合创作者和表演者的更新与超越，从而使其表现力更加丰富，更具广度和深度。
第三，跨界音乐所蕴含的文化内容是跨界音乐长久发展和生存的基石。跨界音乐是一个极具包容性的概念，它所包含的音乐因素比世界上任何一种类型的音乐都要丰富，它应该具有旺盛的生命力和极大的发展潜力。无论是不同民族或不同风格或是古典与流行、严肃与通俗的音乐都能为跨界所用，并赋予原形式以新形象，从而更加鲜活、更具有时代感、更容易被大众所接受。
第四，经济发展、商业利益是跨界音乐发展的又一驱动。企业的营销宣传、演艺公司的商业演出往往会选择社会上正在流行或已经出现流行趋势的音乐形式，这无疑使跨界音乐成为被选择的对象并被进一步推动发展。一些作曲家、演奏家、音乐人也会通过不同的方式尝试对古典音乐的改编，以达到名利双收的目的。这些低成本、高效益和广受欢迎的跨界形式便成了古典音乐延续和重构的载体。
5跨界音乐未来发展的展望
古典音乐的定义范文2
一、流行音乐与古典音乐的区别
流行音乐指的是20世纪60年代以后有爵士、摇滚演变来的通俗歌曲都是流行音乐这个范畴,基本就是以歌曲为主而且内容90%都是以爱情为主题,所以内容比较单一。其实流行音乐也是有古典音乐演变看来的,它还脱离不了十二平均律这个规则,基本上以大调为主,曲式基本上是3段体,节奏也比较单一和简单,基本上以3/4,4/4为主。古典音乐原意是指19世纪时以海顿、莫扎特、贝多芬到布拉姆斯为代表的作曲家写的音乐作品,这个时期在音乐史成为称为古典主义时期,但是现在一般是指从18世纪巴罗克时期到20世纪初这段时期欧洲的音乐。更广义的古典音乐定义连欧洲的歌剧、舞剧、乐剧音乐、音乐剧、中国的民族音乐、地方戏曲、电影中以管弦乐为主的器乐音乐都算是古典音乐的范畴。其实认为古典音乐形式单一,以交响乐为主的是片面的,其实古典音乐器乐独奏、重奏、协奏曲等的形式也有很多,内容方面从历史、政治、哲学、文学、自然风光、民间民俗都涉及到。曲式和体裁更加是多种多样。
二、流行音乐具有一定的社会性
流行音乐鲜明的节奏、优美的旋律,能够舒缓神经,刺激大脑皮层,进而可以使人们从紧张的精神负担中解脱出来,在轻松的音乐中得到休息,提高大脑的工作效率。因此,流行音乐自身所具有的这种优点为流行音乐存在的价值创造了不可替代的前提提条件。任何一种音乐形式,只有在特有的社会背景下,才会产生真正的“美”。如上世纪70年代,英国社会给年轻人带来了极大的不满和压抑,因此,他们通过狂噪和喧泻来完成内心的反抗。再如50年代流行于美国西海岸的“冷爵士”,正体现了50 年代美国社会的安逸、稳定。白领阶层在紧张的工作之余听听轻松、典雅的冷爵士,对于他们,这种音乐恰到好处,所以它的价值便明显地得到了体现,因此“美”也随之而生。如果让70年代的朋克朋友去听软绵绵的冷爵士,而让那些白领阶层面对狂噪的“朋克”,换来的只有反抗。所以说,流行音乐的“美”是建立在一定的社会基础之上的。
三、流行音乐歌词中的传统性
歌词的创作其实就是诗歌的创作。毫无疑问,从传统诗歌中衍生出来的新诗,除了少了押韵的限制,区别的只是事件的述说方式用白话还是用文言而已。而歌词因为要满足大众的需求,多了其煽情的部分。无论是从刘德华的《忘情水》到陈亦迅的《十年》,还是从毛宁的《涛声依旧》到水木年华的《蝴蝶花》,无一不是凭着其独特的文化精髓,冲击大众的听觉神经,引起听众的心灵共鸣,以致成为脍炙人口的流行经典。十多年前,毛宁的《涛声依旧》响彻大江南北,直到今天在各大小KTV包厢中仍被广泛传唱,与其歌词中拥有幽雅的古典意境是分不开的。正是那句“月落乌啼,总是千年的风霜”,俘虏了众多男女的心。
四、流行音乐歌词与旋律的缺陷
古典音乐的定义范文3
在流行音乐出现以前，欧洲古典音乐是世界音乐的主旋律，但因为古典音乐的欣赏成本较高，且其表演形式和内容与一般市民存在着距离感。所以，古典音乐没能做到让全民共赏。就是在这样的背景下，流行音乐应运而生了。
事实上，流行音乐是古典音乐和民间音乐的精装版：流行音乐的早期雏形多为古典音乐的经典片段或民间音乐。如著名的《欢乐颂》便是贝多芬第九交响曲第四乐章的片段，又如中国民歌《茉莉花》最早是我国清朝的民间小调。关于流行音乐的定义，并没有统一的说法。一般地，我们把旋律朗朗上口，歌词通俗易懂并广为传唱的歌曲称为流行音乐。经过发展，流行音乐已经形成一种独特的音乐形式。例如：民谣，RAP，爵士，摇滚，乡村等等。从此，流行音乐为越来越多的人们所喜爱，它的出现，逐渐动摇了传统高雅音乐在世界音乐中的“垄断”地位；也翻开了世界音乐史的新篇章。
流行音乐之所以能焕发光彩，很重要的原因是它能够与时俱进；这一点古典音乐相比之下要逊色许多，拿乐器及演出编制来说：古典音乐几百年的历史，基本上没有什么变动，时至今日，其演出形式与环境仍然原样地保持着。而流行音乐却在不断地尝试着与时代科技接轨。如运用许多电声元素：电声话筒、电吉他、电贝司等等。这一特点更符合中学生的审美。
中学生正处在身体与心理的不断成熟的阶段，对许多事物有着无限的兴趣。因此，好听易学的流行歌曲深受中学生的青睐。随着MP3，手机等电子产品的普及，我们不难发现，中学生在教室里，在大街上，在公车间无处不在“随身听”；另外，我们小组还发现，许多提供唱歌的场所如KTV，已成为中学生课余常去娱乐消遣的地方。
为了进一步探究中学生与流行音乐之间的关系。我们以中学生常使用的QQ音乐、酷狗音乐等各大知名音乐网站为工具。查阅相关音乐信息后，我们发现近年来涌现出许多新歌手，如李宇春、周笔畅、张靓颖、曾轶可、魏晨、苏醒、陈楚生、张芸京、胡夏……他们都是通过《超级女声》，《快乐男声》，《超级偶像》，《超级星光大道》等选秀节目为许多中学生所青睐。他们当中有的拥有可人或另类或俊俏的外表；有的拥有一把好嗓音；有的还拥有音乐创作的才华。此外，他们所演唱的歌曲总是通过其它载体，像电视剧剧，贺岁电影等来影视作品来吸引中学生和达到引领音乐流行潮流：如2009年台湾青春偶像剧《海派甜心》，由杨丞琳演唱的主题曲《雨爱》的旋律被许多中学生挂在嘴边。同年，大陆出现了一部很流行电视剧《仙剑奇侠3》，这部电视剧的主题曲《偏爱》一度成为中学生电脑里，手机和随身听里的必备曲目，这首歌的演唱者就是《超级偶像》的冠军张芸京。又如2012年的贺岁档影片《那些年，我们一起追过的女孩》也同样带红了由《超级星光大道》冠军胡夏演唱的《那些年》。这些例子不计其数。不难发现，这些歌曲内容都符合中学生的心理需要。而且我们发现这类形式的歌曲在逐年增多，中学生这个群体已成为流行音乐的一片沃土，一块大蛋糕……
综合我们小组的调查和相关资料，我们得出：如今，中学生已成为流行音乐的主要消费群体。
流行音乐成为当代中学生生活的一部分已是一个不争的事实。那么流行音乐势必会影响到中学生方方面面。其中，既有积极的方面，又有消极的一面。我们小组针对中学生喜爱的流行歌曲进行思考，以便探究流行音乐影响的利与弊。
为此我们继续参考了各大音乐网站和本地的一档电台节目《1072流行金曲榜》的歌曲榜单和歌手排名，并结合问卷调查。我们发现中学生喜爱的歌手集中在周杰伦，苏打绿，梁静茹，蔡依林，韩庚，孙燕姿，黄小琥，陈奕迅，汪苏泷，许嵩，徐良，backstreet boy，艾薇儿，beyond……这些歌手上。
（1）负面影响当前我国的流行歌曲无论是创作还是演唱，都面临着新的危机，一方面优秀的新作匮乏，缺少词曲俱佳的新歌，另一方面歌手的整体素质不高，长期在公式化的演唱水平上徘徊。这导致歌曲内容和形式过于简单直白，不利于对中学生创造力的培养。因为中学生处于各种能力蓬勃发展的关键时期，长期偏爱流行音乐、忽视其他音乐类型的欣赏，不利于音乐领域中想象力的培养，更不利于音乐欣赏能力的提高和创造力的发展。
（2）正面影响。我们发现这些歌手来自世界各地，除大陆歌手，还有港台，东南亚，日韩，欧美等地区。这是个可喜的现象。这说明了当代中学生对音乐有独特见解。另外，多语种的歌曲增强了中学生学习外语的兴趣，对课内英语很有帮助。
在许多歌手排名中，我们发现周杰伦总是“名列前茅”，我们点击了周杰伦的一些热门歌曲，发现其中不乏有很优秀的作品，如《台》《青花瓷》《千里之外》……这些歌曲旋律优美，带着一股中国风，歌词十分脱俗隽永，很有古文韵味。中学生在欣赏此类歌曲时，能体味到中国文化的博大精深，历久弥新。
在问卷调查中，我们特别询问了一些组乐队的中学生，他们精通吉他，贝斯，爵士鼓。当问及玩音乐的兴趣来源时，他们表示爱上音乐是源自于自己喜爱的流行歌手。如香港的beyond，美国的Green days、披头士等。这些乐队的歌曲多为励志歌曲，如beyond的许多脍炙人口的作品：《真的爱你》赞颂母爱，《光辉岁月》谈论理想……这些积极向上的歌手的歌曲能激发中学生学习音乐的热情，对完善中学生的人格也有重要意义。
古典音乐的定义范文4
的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展,看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。
从公元前8世纪古希腊罗马时期开始,一直到20世纪初浪漫主义结束,在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品,尤其是音乐与建筑艺术,被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。
2 古典各时期音乐与建筑的对比
古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内,诞生了不同风格的音乐与建筑形式,接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比,找到音乐与建筑的内在联系。
2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑
2.1.1 音乐成就
(1)在古希腊神话中,重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”(缪斯)作为“音乐”的代称,这也就是流传至今“music”一词的来历。
(2)公元前6世纪,古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论,他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程,这是音乐理论方面的重大突破。
(3)大约在公元前5到公元前4世纪时,融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。
(4)古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。
2.1.2 建筑成就
(1)希腊:雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。
(2)罗马:万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。
2.1.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:固定的调式,如多里亚调式、弗里吉亚调式。
(2)建筑:固定的柱式,如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。
(3)共同点:固定不变。
2.2 中世纪时期的音乐与建筑
2.2.1
音乐成就
(1)这一时期的音乐多以宗教目的为主,宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌,此为单音音乐的作品,一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。
(2)世俗音乐也有了巨大的发展,大部分的作者都是一些没落的贵族阶级,其实内容大部分都是与宗教有关,但并不是在教堂里演出。
(3)连年的战争加上宗教的禁欲主义,音乐内容与形式以宗教为前提,在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。
(4)中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。
2.2.2 建筑成就
(1)罗马风:基督教堂、封建城堡、教会修道院。
(2)哥特:比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。
(3)拜占庭:圣索菲亚大教堂。
2.2.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:多为教会音乐,单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。
(2)建筑:多为教堂建筑,理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。
(3)共同点:朴素禁欲。
2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑
2.3.1 音乐成就
(1)这个时期的结束比开始有更为明确的定义,不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革,因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。
(2)早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单,声音致力于平滑。
(3)到15世纪末,复调宗教音乐又开始变得复杂起来,在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连;接下来到16世纪早期,音乐又开始简单化了。
(4)在16世纪晚期的音乐,尤其是小曲,趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯,音乐家也开始转向古典流派,他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形 式。 2.3.2 建筑成就 (1)早期:弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府? ? (2)兴盛:圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府? ? (3)晚期:维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。 2.3.3 音乐与建筑的共同点 (1)音乐:提倡人文主义,描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。
/> (2)建筑:批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑,多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。
(3)共同点:人性解放。
2.4 巴洛克时期的音乐与建筑
2.4.1 音乐成就
(1)巴洛克是一个时期,而不是一种风格,这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐,1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。
(2)巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩,当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。
(3)那个时期的器乐曲发展也很迅速,尤其是弦乐方面的发展,弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。
(4)代表人物有:巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父,维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知,亨德尔是旋律大师,他的作品有一种优雅,他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。
2.4.2 建筑成就
(1)早期:罗马耶稣会教堂。
(2)中期:罗马波罗广场、圣卡罗教堂。
(3)晚期:维也纳的舒伯鲁恩宫。
2.4.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。
(2)建筑:炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。
(3)共同点:装饰华丽。
2.5 古典主义时期的音乐与建筑
2.5.1 音乐成就
(1)广义是指西洋古典音乐,狭义指古典主义音乐,是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐。
(2)因为这一时期的三位代表性人物:海顿,莫扎特,贝多芬的生活与创作主要都在维也纳,因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。
(3)“交响乐之父”海顿的小夜曲,“神童”莫扎特的奏鸣曲,以及“乐圣”贝多芬的小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐,逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。
2.5.2 建筑成就
(1)早期:维康府邸。
(2)中期:卢浮宫东立面、凡尔赛宫。
(3)晚期:巴黎残废军人新教堂。
2.5.3 音乐与建筑的共同点
(1)音乐:严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。
(2)建筑:以古典柱式构图为基础,突出轴线、强调对称、注重比例。
(3)共同点:理性主从。
2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑
2.6.1 音乐成就
(1)这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚,对自然的热爱和对未来的幻想。
(2)强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合,提倡一种综合艺术。提倡标题音乐,强调个人主观感觉的表现,作品富于幻想性,描写大自然的作品很多,重视戏剧,作品具有民族特色。
古典音乐的定义范文5
关 键 词：古琴音乐 分形几何 音乐研究 方法 科学 分形音乐
一、引言
在我国传统音乐中，古琴是最古老的弦乐器之一。《乐记》有“昔者舜作五弦之琴，以歌南风”之说。清代著名琴家徐祺在《五知斋琴谱》中写道：“昔者伏曦之王天下也。仰观俯察，感荣河出图，以画八卦，听八风以制音律，采峰山孤桐，合阴备阳，造为雅乐，名之曰琴。”另外也有人说古琴是神农或尧帝等创制的。这些虽出自传说，无文字记载或实据可考，但在安阳殷墟墓葬中出土的文物中有两件像琴的石器，且甲骨文中把音乐的乐字记为“ ”，这是以丝弦张附在木器上的象形，由此说明在殷商时代（即甲骨文产生之际）就已有了琴这一类乐器，大概是可信的[1]。由此亦可推知古琴应产生于殷商之际甚或在此之前，即古琴已存在三千多年了。
对于这样一件产生于史前，而且几乎完整不变地流传至今的乐器，不仅在中国，即便是在全世界范围也难以再找到第二个！因此，对古琴尤其是古琴音乐进行详细的考察与研究，不仅能够揭示我国古代音乐的发展变化情况，而且亦可从中透视出我国古代社会政治、经济和科技的发展与变化[2][3][4]。
对音乐进行研究，当今占据主导地位的有三种方法，即历史的方法、分析的方法和比较的方法[5]。这三种方法在音乐研究中已经取得了辉煌的成就，而且仍还有着非常广阔的前景。但是，它们各自的研究范围都比较狭小，或某一作品，或某一人某一派的作品，或某一时期的作品，或某一地域(或西方或东方或非洲或拉美)的作品，而不能从整体上研究范围更广的音乐现象。众所周知，无论古今，不分地域，任何地方只要有人，就会有音乐，这就说明音乐必定有着某种属性，它是一种与时空无关的非民族性的属性，即音乐的自然属性。可这种自然属性究竟是什么呢？怎样才能将它表示出来呢？我们认为，分形几何为这一问题的解答提供了一种可能[6][7]。
二、分形几何与音乐
分形几何[8]的概念是由曼得勃罗在上世纪60年代末提出来的。它的主要思想是说，在不规则现象表面所呈现的杂乱无章的背后仍存在着规律，这个规律就是在放大过程中呈现出的自相似性。
在自然界中，分形现象普遍存在，俯拾即得。如：微观世界中晶体的生长，相变过程和化学反应等；宇观世界中太阳黑子的活动和星际空间物质的分布等；宏观世界中河流的走向，树枝的分叉以及地震震级的分布等；就连我们人体血液循环系统中血管的分支和脑电波分布都是分形的。也就是说，自然界似乎存在着“分形者生存”这一规律。
既然我们赖以生存的这个世界到处都充满着分形，既然我们的血管分支和脑电波都是分形的，因而想必在我们的潜意识中(或者是本能地)对分形现象定会有着某种默契或产生共鸣，或者说我们人也偏爱分形，正是这种偏爱形成了音乐创作与欣赏在主体心理与对象间的锁定。沃斯和科拉克[6]等人首先从实验上证明了这一点，他们发现优美动听的音乐的音量是分形的，后来许氏父子（许靖华和安得鲁·许）[7]又从理论上证明了古典音乐中旋律的进行也是分形的。
三、古琴音乐中的分形几何
为了研究音乐的分形几何，首先必须把它加以量化，因此撇开音乐的社会学定义不讲，现在我们从数学上给它下一个定义：音乐是具有不同音高（频率）的音的一种有序排列。既然如此，那么这种有序的数学表达是什么？随意地敲击琴键不会产生音乐，不同音的有序排列组成了旋律，这种排列是分形的吗？如果答案是肯定的话，那么在一首音乐作品中两相邻音之间的音程 i 与其出现的几率 F 应满足下述关系：
F = C/iD 或 logF=C’- Dlogi
即音程 i 的对数与其出现几率F的对数之间存在线性关系，也就是说以 logF 和 logi 为纵横坐标作图，则各点均应在同一直线上。其中 D 为该作品的分形维数(分维)，C 为比例系数，C’= logC。
许氏父子通过分析发现[8]，对于巴赫和莫扎特等古典音乐大师的作品，上述分形关系式均可确立，但对于现代无调性音乐作品，则无此种关系。为了对我国古代音乐进行深入的理解与研究，为了对东西方音乐的异同进行比较，下面我们也将使用这一方案对我国古琴音乐进行分析。
首先选取《古逸丛书》中管平湖打谱的《幽兰》[9]进行分析。对该曲中音程 i 及其出现几率的统计结果如下表：
将音程 i 及其出现概率F分别取对数对应作图可以看到（图1A），在区间2≤i≤11，存在分形关系：
F = 3.80/i3.15
图中与分形关系有较为显著偏离的是i=7（纯五度）和i=10（小七度）的过量。其实对于这种偏离也是不难理解的，根据和声音程在听觉上所产生的印象，音程可以分为协和音程与不协和音程两类。两音的频率具有较小整数比的音程叫协和音程，属于这一类的有极完全协和音程的纯一度（1：1）和纯八度（2：1）以及完全协和音程的纯五度（3：2）和纯四度（4：3）。所有这些音程听起来都很悦耳，因而在优美的乐曲中协和音程出现的几率就较大，从而导致了对分形关系的偏离。类似的，由于不协和音程（小二度i=1，减五度i=6和大七度i=11等）在听觉上给人的印象是比较刺耳，彼此很不融合，因而作曲家在创作时总是有意识地少用，这也就导致了与分形关系的偏离。
图1B是巴赫《创意曲》No.1的旋律分形关系。人们曾评论说，巴赫的作品有着数学般的精确，如果这种精确是指在其作品分形关系成立严格程度的话，那么把图1A和图1B相比较可以看出，古琴曲《幽兰》有着较巴赫《创意曲》No.1更为精确的数学。《幽兰》曲早《创意曲》千年而作，况中国与德国又相距万里之遥，且又分属东西方两种不同的文化圈，何以二者都服从分形关系呢？难道这只是偶然的巧合吗？
为了更深入地理解这一问题，我们对大量的古琴曲[9]进行了统计分析，结果表明，绝大多数的乐曲中均存在着分形关系。特别是《阳春》和《华胥引》，它们有一个共同的特点是分形关系中的比例系数C＝1（即分形关系线延长与纵轴相交于O点），这与莫扎特的F大调《奏鸣曲》及A大调《奏鸣曲》完全一样。一般认为，莫扎特的这两首曲子有着图画般的绚丽，而古琴曲《阳春》和《华胥引》亦是音画交融美妙无比。那么，这种对应仅是种巧合呢还是有着尚未发现的更深刻的原因？
与西方古典音乐相比，古琴音乐有以下几个特点。(1)同音重复和八度音出现的比例较大。究其原因，固然是因为同音重复（i=0）和八度音（i=12）属于极完全协和音程，听起来融合悦耳，但更主要的原因是古琴音乐大多来源于以民歌为基础的琴歌，而民歌中同音重复的比例极大，这是一个带有普遍性的规律，古今中外，概莫能外，如在莫扎特的取材于民歌而创作的A大调《奏鸣曲》的第一乐章中，同音重复的比例亦高达27％。(2)几乎没有半音（i=1）和三整音（i=6）。与西方音乐不同，我国古代音乐大多采用五声调式或以五声调式为基础的六声调式与七声调式。在五声调式中根本就没有半音和三整音，六声调式中由于清角和变宫音的加入导致半音的出现，七声调式中更由于在五声调式的小三度音程中加入了不同的“偏音”，从而导致除半音外又出现了三整音，但鉴于半音和三整音听起来比较刺耳，而且演奏起来也不易把握，故而出现频率较低。（3）小三度（i=3）的过量和大三度（i=4）的不足。众所周知，由于汉语语言的音韵特点对音乐旋律的深刻影响，小三度在我国民族音阶的发展过程中一直占有重要的地位，即使今天，在我国民间劳动歌曲的呼号声中，多数情况下小三度也还占据主导地位，如京韵大鼓口语旋律在行腔时就呈现典型的三度音程特征。所以说，小三度的过量是很自然的。大三度不足的原因同样来源于古琴曲的调式，如在五声调式中，大三度只能存在于宫音与角音之间，这样在一首乐曲中，除非是有意地采用大三度音程，否则它一定是不足的。(4)复音程(i>12)出现的比例较大。西方古典音乐中复音程呈现的比例均在百分之一以内，而在古琴音乐中复音程呈现的比例则在百分之几到百分之十几不等。这种差别可能来自于东西方人的心智模式（思维方式与思维习惯）的不同。国人一般是从整体上看待和把握事物，喜欢那种宽阔宏大的场面；而西方人通常是从细微之处认识和掌握事物，他们喜欢那种细致、严格、有确定界限的景观。这种哲学上的认知差别反映在音乐中便造成了上述差异。
在分析中，我们还发现了一个不存在分形关系的例子，这就是著名的古曲《流水》。其实，出现这一现象也是不难理解的，为了模仿水流的自然响声，为了表现流水的从容缓进和跌宕起伏，亦即为了表达流水的“洋洋乎”，曲作者过量地使用了小三度和纯五度等音程，从而使得其他音程显得相对不足，无法与其相匹配。但琴曲《流水》与西方现代无调性音乐（亦无分形关系存在）是不同的，在现代无调性音乐作品中，广音程特别是某些不协和音程（如减五度）出现的几率很大，甚至超过了狭音程，但在《流水》一曲中狭音程出现的几率仍是最大的。
四、结论
音乐研究通常是从音乐的社会性（即社会历史与民族文化）角度进行的。但是我们知道，音乐是一门艺术，也是一门科学。如何利用现代科学的成果进行音乐创作与音乐研究，是摆在音乐工作者面前的一个新问题。
本文利用分形几何的特征与方法，证明了古琴音乐中的旋律是分形的，并且对中外音乐作品的异同进行了初步的比较分析。是否可以利用这种方法进行完整的音乐形态（如和声与织体等）分析呢？是否可以利用这种技术进行音乐作品的改编呢？进一步的研究表明答案是肯定的。
参考文献
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古典音乐的定义范文6
[关键词]视听语言;动画;迪士尼;幻想曲
一、动画视听语言的定义
视听语言元素作为一种独特的艺术形态,其内容主要包括镜头、镜头的拍摄、镜头的组接和声画关系。
虽然视听语言作为一种没有语法结构的拟语言,但它仍然可以纳入语言的范畴,因为它可以像任何其他语言一样传递情感和赋予含义。就视听语言的文化特征而言,它是一种电影的思考方式;就艺术性而言,它是一种电影的艺术形式和表现手法,并通过电影的假设性和蒙太奇手法反映出来;而就交流方式来说,视听语言是通过镜头剪辑组接和声音制作等组成的一种电影符号编码系统来与观者进行交流。
关于视听语言的特性,首先,视听语言的编码原则不同于日常语言中的编码原则。视听语言中 “词”的能指与所指之间不像日常语言那样约定俗成和随意性。人们先天具有和后天积累的感知经验使其已经拥有了理解视听语言的知识,因为视听语言的所指是现实物象世界的延伸,是以模拟人的视听感知经验为中心的。
再次,语言的交流是双向的,而视听语言的传播是单向的,思维活动中有不少非言语的具有共时特征的思维方式,有着强烈的象征和暗示作用,影响人的感知思维。
作为电影4大片种之一,动画电影基本上是由视觉画面元素(包括运动和静止的视觉元素)与听觉声音元素(包括语言、音响、音乐)所组成的综合性艺术。动作与音乐的关系很密切,要使影片成功,从动画设计方面来说很重要的一点,就是做到音乐的动作性和动作的音乐感一致无间,使视觉形象和听觉形象相互补充,浑然一体,如同心率脉搏一样同步协调,产生节奏感。画面赋予声音以形态和神韵,声音给予画面生命和生活气息。这种影视艺术所特有的视听语言,具有形象、生动、感人的作用。
本文主要对动画视听语言中的声画关系进行分析。
(一) 视觉画面元素
动画的视觉画面能够自由营造某种氛围,特别是梦幻的效果,同时它也具有强烈的象征与暗示作用。
社会人类学大师、功能派的缔造者马林诺夫斯基在《文化论》中曾经表达过这样一种观点:“文化是包括一套工具及一套风俗――人体的或心灵的习惯,都是直接地或间接地满足人类的需要。”动画片以绘画或其他造型艺术形式作为人物和空间环境造型的主要表现手段,运用夸张、神似及变形的手法,借助幻想和象征,反映了人们在社会生活中的理想和愿望,具有高度假定性。画面营造的梦幻氛围符合了当代社会人们释放压力的审美需求,也满足了人们追寻“白日梦”的心理体验。
除此之外,视觉画面也是具有感情的,能使人产生比较强烈的心理反应。当一种画面与联想到的事物紧密联系,表现出某种特殊意义,并且被人们公认及在社会中流行的时候,就形成了这种画面与某些特定事物的关联象征意义。
(二)听觉声音元素
“动画片中70%的冲击力来自于声音。”在迪斯尼动画制作中流传着这样一句话。我们可以清楚认识到声音在动画片中不可替代的作用。
影视艺术中的声音包括语言、音响和音乐,它们是组成影视听觉声音的三个要素。
1.语言
现实生活中,语言是人类惟一完善的交流工具,它在电影里是反映现实生活的重要手段之一。语言除了具有表达逻辑思维的功能外,还因其音调、音色、力度、节奏等因素而具有情绪、性格、气质等形象方面的丰富表现力,同时它也是角色之间以及角色与观众之间进行交流的重要手段,能够最直接、迅速、鲜明地体现出角色之间的关系,并带动剧情发展。
2.音响
音响是影片中必不可少的组成部分,通常分为:(1)动作音响;(2)自然音响;(3)背景音响;(4)机械音响;(5)枪炮音响;(6)特殊音响。
在电影创作中,音响不止是对画面上已出现事物的补充说明,还可作为剧作元素纳入影片的结构中,成为创作手段之一。对于动画来说,音响的艺术功能不仅在于能增强生活感和真实感,还可以通过夸张变形与画面配合,产生的喜剧效果不亚于其他元素。
3.音乐
音乐是最早进入电影的一个声音元素。从默片开始,音乐就一直是电影的忠实伴侣,帮助观众读解画面内人物的情绪,渲染故事的气氛。随着有声电影的发展,音乐逐步加入影片内部,成为电影综合艺术中的一个重要元素。
音乐在动画中占有非常重要的地位,它的抽象性经常被用来代替语言和音响,借以塑造人物形象、渲染气氛、强调角色动作、解释画面内容。
音乐在动画片中从属于视觉内容,它的创作必须符合视听语言的语法和观念,它所具有的叙事和抒情功能,能够大大增强动画片的感染力和艺术性。好的电影音乐应该是融化渗透在影片的整体构思之中的。
二、《幻想曲》中视听语言的分析
(一)画面的运用
1.梦幻氛围的营造
在迪斯尼动画中,歌舞场面的注入,是不可或缺的梦幻情节,也为动画文化及感官带来新的变革与突破。
《幻想曲》这部电影,既秉承了迪斯尼公司的动画传统,色彩鲜艳,角色鲜明,又在其基础上有所突破,拥有超凡的想象力。动物、精灵、神怪等的歌舞画面在一般的影视表演中很难做到,而动画的梦幻特性却能为这样的歌舞情节提供可能性。本片在很多地方都有非常典型的充满梦幻氛围的歌舞场面。
其中观众印象最深刻的一段就是鸵鸟、大象、河马和鳄鱼伴随着乐曲《时间之舞》表演的令人忍俊不禁的芭蕾舞。这段画面,让人领略到动画艺术可以令动物呈现出高于芭蕾舞演员的专业技巧。雌性鸵鸟舞者在优雅的藤蔓花纹中舒展着肢体,大象舞者围绕着肥皂泡起舞,甚至骑在了上面。睡梦中的河马还被轻盈的肥皂泡托上了天空。最后,鳄鱼在其他动物的包围下疯狂追求河马。他一会儿和河马在大理石柱后面捉迷藏,一会儿又骑在鸵鸟身上。巧妙设计的情节,细致的场景,夸张的动作,让人完全沉浸于其中。
值得与其进行比较的《胡桃夹子组曲》这一片段也充满了梦幻歌舞表演。当音乐响起时,精灵们随着轻盈的音乐,跳着优美的华尔兹舞,把秋冬的转换美妙地展现出来。蘑菇们穿着传统的中式服装起舞,花朵在芦笛声中歌唱,水底的金鱼此刻也成了阿拉伯舞者。
动画制作者突破性的赋予了音乐生动的动画形象。我们能从画面中充分感受到梦幻的氛围。
2.象征与暗示
在影片里,伴随着巴赫的名曲和舒伯特的《圣母颂》出现了两组特别的画面。
首先在巴赫《赋格曲》结尾部分,画面中不断上升的光辉渐渐变成了发光的哥特式拱门形状,映衬在蓝色的背景下。镜头慢慢推移,拱门也越来越大,五束光束从空中投射下来。在《圣母颂》乐曲的开始部分,朝圣者手持蜡烛缓缓通过一座桥梁,桥拱呈现出三个哥特式的拱门形状与倒影相互辉映。接着一束光投进一个狭窄的隧道。伴随着灵歌的声音,镜头慢慢穿越隧道,穿过森林,最后定格在光芒万丈的金色天空。
全片无论是角色还是背景都没有任何真正具体的表现宗教的画面,但是我们能从这些抽象的画面中感受到宗教。哥特式的建筑很容易与教堂建筑产生联系,洒下的阳光很显然也是上帝和诸神的声音,他们就是宗教的象征。从某种意义上来说,这两段也是该片最典型的起心理暗示的视觉元素。
影片以宗教作曲家巴赫的音乐开始,经过了种种美妙的梦幻,神话,歌舞,魔界,最后又在圣洁的乐曲中得到了净化,超越。再配上这些惟一出现的典型的视觉元素,可谓是首尾呼应。
(二)声音的运用
1.对话
来自纽约爱乐乐团的播音员泰勒在《幻想曲》一片中作为贯穿整个影片的叙述者,在每段开始前为我们介绍了这段影片中将出现的情节大纲以及故事背景,辅助观众更好地欣赏画面及音乐。除了泰勒的叙述外,整部影片只有一段乐团指挥斯特科夫斯基和米老鼠之间的对话,出现在杜卡斯的《魔法师的学徒》乐曲结束后。
2.音响
影片进入下半部分前,有一个幕间休息。乐手们随意地演奏试音。这时,泰勒开始给大家介绍这个团队中不可缺少的成员:音轨,一条垂直的轴线来到了银幕中央,它就是音轨。
每一种声音,无论是对话、叙述、音乐,还是声效,都有自己的一种固有的模式。而每一种模式在音轨上都会呈现出不同的形状。竖琴、提琴、长笛、喇叭以及三角铁等不同乐器的音响在这里配合着画面,音轨在银幕上幽默地演示人性化的线条变化和不同音响之间的关系。
3.音乐
电影音乐是电影组成中重要的一部分。迪斯尼的《幻想曲》是一部完全为音乐而作的动画片。
从音乐方面来说,《幻想曲》以音乐作为基础,但不受其原创动机的限制,动画艺术家们沉浸在音乐中,无拘无束的展开自己的想象,创造了崭新的视听感觉的动画片。
一提起音乐,年轻人心里大概会首先想到流行歌曲、摇滚、RAP等时髦的东西,高雅的古典音乐对于他们来说似乎失去了生命力。但当你看完本片,就会感到古典音乐其实并不晦涩难懂,而是与其他音乐一样饱含感情。本片以动画的鲜明、清新和想象,唤醒了古典音乐的内在活力。
与其他的电影配乐不同,《幻想曲》大胆选用了声名显赫的古典音乐大师的作品。在为数众多的候选作品中,沃特和斯特科夫斯基最后决定使用的8首古典音乐作品包括:巴赫的《D小调托卡塔与赋格曲》(Toccata and Fugue in D Minor),柴可夫斯基的《胡桃夹子组曲》(The Nutcracker Suite),杜卡斯的《魔法师的学徒》(The Sorcerers Apprentice),斯特拉文斯基的《春之祭》(The Rite of Spring),贝多芬的《田园交响曲》(Pastoral Symphony),庞切的《时间之舞》(Dance of the Hours),穆索尔斯基的《荒山之夜》(Night on Bald Mountain),舒伯特的《圣母颂》(Ave Maria)。
(三)音画的结合
乐曲可以看成是有机的生命力,画面可以看做是人造的生命力。电影尝试从不同途径实现画面与音乐的融合。迪斯尼把他们融合在一起,互相汲取精华的部分,互相影响以致产生同步性。在有声的卡通世界里,任意的笔画好像都是由旋律激发出来的,都是对于声波的自然反应。《幻想曲》让音画技术的结合不再是奢望,画面与音乐所表达的情绪完美配合也给人留下了深刻的印象。
最开始配合音乐的画面是演奏者投影在幕布上的剪影和彩色的光影,接着乐师的影像逐渐模糊,幕布上的颜色随着音乐不断变化。小提琴闪光的琴弦在黎明的曙光中飞驰,散落下来的星光与太阳的光焰相接。抽象的波纹出现在画面上,瞬间又变成各种具体的动物和自然场景。视听效果的转换和过渡都是相当快的,伴随着音乐节拍同步生动的变化,一刹那间就可以从抽象图案变成具象形状。
片中还有个音乐界公认的最符合原作的音画结合例子就是《魔法师的学徒》这一乐章,它为我们展示了画面是如何与音乐完美搭配的,带给我们无尽的感官体验。例如,米老鼠沉浸在美梦中时,全然不知现实中已经一片混乱。好在魔法师及时出现在楼梯口,结合着音乐的节奏,一步一步让水退去。小提琴、低音管、竖笛争相吹出主题,法国号、短号也来凑热闹,音乐达到前所未有的张力。沉重的铜管乐器中,魔法大师解除魔咒,水势戛然而止,乐曲回到与序曲相同的缓慢拍子。当米老鼠小心翼翼地提起水桶继续工作时,魔法师拿起扫帚朝他屁股上重重地拍了一下,而整个乐曲的最后一个音符也在此时同时发出,画面和音乐完美的同步配合,时间和节奏都刚刚好。
三、结语
《幻想曲》创造出了传统视听语言外的对音乐与画面的定位,是一种“全新的艺术”。迪斯尼公司通过《幻想曲》,创作了一系列短片配合特定的古典音乐,努力尝试教会观者怎样去欣赏这类音乐,为他们提供了接触高雅音乐的途径。而动画则扮演了视觉辅助工具去帮助观众更好的理解音乐。抽象的音乐被赋予了一个个通俗易懂的画面,公众自然就能更好的理解了。迪斯尼这部开创了视听艺术新纪元的影片其实就是一部可以“听”动画、“看”古典音乐的经典优秀视听作品。
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