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古典音乐的作用范文1
关键词：大学生古典音乐接受
古典音乐是音乐艺术文化体系中的重要构成元素，引导大学生加强对古典音乐的学习，增强大学生对古典音乐的接受意识，能够促进学生音乐艺术素养的培养，为大学生深入学习音乐文化知识奠定基础。因此在高校开展古典音乐教育的过程中，应该针对古典音乐进行系统的分析，并结合大学生的特点和古典音乐教育需求以及教育现状等制定更加科学的教学指导方案，有效提高学生对古典音乐的接受意识，增强古典音乐教育教学实际效果。
一.古典音乐
古典音乐广义上就是已经进行长时间传承和传播具有持久价值的音乐艺术形式，其主要是相对通俗音乐和轻音乐提出的。一般情况下对古典音乐的内涵进行解读，发现其是一种高度关注音乐艺术价值取向和人生意义的音乐形式。在古典音乐的发展过程中其更追求音乐艺术的语言表现形式、艺术表现手法以及音乐技巧方面的创新，在具体音乐艺术的呈现形态方面具有复杂性和技术性的特征，不仅要求听众在欣赏音乐的过程中可以形成对音乐艺术的良好感知，还希望听众能够具备敏锐的感受能力，能在欣赏过程中获得相应的审美经验。对于当代大学生而言，由于一般没有接受过系统的音乐艺术教育，造成大学生对音乐艺术的理解不够深刻，在欣赏古典音乐时也难以感受到其艺术美感，因此对古典音乐的接受度偏低，甚至部分学生对古典音乐的学习存在抵触心理。所以要结合当代大学生的特点和古典音乐艺术的发展需求开展古典音乐艺术教学，有效促进大学生古典音乐艺术的接受程度得到明显的提高。
二.大学生对古典音乐艺术的接受现状
针对我国当代大学生对古典音乐艺术的接受情况进行了适当的研究，发现大学生接受古典音乐艺术的程度存在普遍偏低的问题，对学生的实际情况产生了相应的不良影响。结合相关调查数据看大学生对古典音乐艺术的接受现状，发现集中从以下几个方面体现出来：
（一）大学生接受古典音乐的程度不平衡
相关调查数据显示，我国不同专业的高校大学生对古典音乐艺术的接受程度存在明显的差异，文科学生一般接受程度偏高，理科生对古典音乐艺术的认同感则有所不足[1]。主要原因是学生在欣赏古典音乐时无法理解古典音乐，也不能产生良好的艺术审美感受，造成学生的欣赏体验感严重不足，打消了学生学习和接受古典音乐知识的积极性。
（二）大学生接受古典音乐的主动性不足
一般情况下如果学生喜欢古典音乐并愿意接受古典音乐，就会自觉搜集一些古典音乐加以欣赏，并有意识的从多渠道获取相关音乐素材，尽量创造更多学习古典音乐的机会。但是由于大学生对古典音乐的认同感偏低，对古典音乐学习重要性认识不足，导致大学生一般不会主动获取古典音乐方面的知识和素材，学习古典音乐的过程中出现了被动学习和被动接受的情况，会影响古典音乐接受效果。
（三）大学生接受古典音乐的目的不够明确
科学合理的设置学习目标是引导学生进行有效学习的关键，但是综合分析当前大学生学习和接受古典音乐的情况，发现存在的明显问题是教师没有为学生设置明确的目标，学生学习和接受古典音乐的目的不够明确，甚至部分学生学习古典音乐主要是为了附庸风雅、随波逐流，亦或是为了完成学业，学习古典音乐的目标引导性严重不足，会制约大学生学习古典音乐过程中对古典音乐艺术的认同感，不利于大学生对古典音乐接受程度的逐步提升[2]。
三.有效提高大学生对古典音乐接受程度的建议
在明确分析当前我国大学生古典音乐接受现状的情况下，为了能够促进古典音乐教育作用的发挥，奠定大学生培养工作的基础，新时期在指导大学生学习古典音乐知识的过程中，可以对大学生实施有效的教育指导，改善大学生对古典音乐的认识情况，使大学生能够积极主动的学习古典音乐方面的知识，为古典音乐教育的落实和大学生广泛接受古典音乐创造良好的条件。具体分析，在高校人才培养工作中，要想循序渐进的提高大学生对古典音乐的接受程度，可以从以下方面入手进行系统的解读。
（一）引导大学生树立正确的音乐审美观念
从当前大学生古典音乐接受情况的调查研究能够看出，目前大学生不喜欢古典音乐主要是由于大学生无法对古典音乐艺术形成深入的理解，大部分学生表示他们“听不懂”古典音乐，也难以感受到古典音乐的艺术美感[3]。针对这一情况，部分教育研究人员提出古典音乐教学应该转变传统教育中存在的文学化和美术画的倾向，避免使用语言文字的方式向学生呈现古典音乐的内容。换言之，音乐教师应该明确认识到，对古典音乐的理解不能将使用语言文字表述音乐作为标准，而是应该认识到音乐艺术所塑造的形象本身具有不确定性，在教育实践中要求学生“听懂”古典音乐并使用语言文字表述出来的做法是错误的。所以，在高校教师指导大学生欣赏古典音乐的过程中，必须转变传统的教育理念，在教学实践中引导大学生树立正确的音乐审美观念，在欣赏音乐时能够体悟和感受到古典音乐旋律的形式美，在高低起伏的音乐中获得情感共鸣，进而增强学生的音乐欣赏体验感。如此，学生在欣赏古典音乐的过程中能够感受到古典音乐的艺术美感，学生对古典音乐的认同感必然会明显的增强，其接受古典音乐的程度也会有所提升。
（二）开设专门的公共艺术教育课程
公共艺术教育课程是提升学生文化艺术接受能力的重要课程，高校针对学生古典音乐接受程度偏低的情况，应该有针对性的开设专门的公共艺术教育课程，对学生实施相应的公共艺术教育指导，并为学生提供参与艺术选修课程的机会，有效对学生的文学艺术修养加以强化。在开设专门公共艺术教育课程后，为了保障课程教学作用的系统发挥，还应该注意加强对课程的管理，从课程教学目标的设置、课程教学内容的选择到课程考核评价，都应该按照人才培养工作的实际需求制定相应的管理规范，并且积极选择业务能力强、教学水平高的音乐教师对学生实施古典音乐教育，增强古典音乐教育教学的趣味性和有效性，吸引学生的注意力，让学生能够基于公共艺术教育相关课程的学习主动参与到古典音乐课程的学习方面，增强对古典音乐的接受程度，为学生音乐艺术修养的培养奠定基础[4]。
（三）积极组件丰富多彩的学生艺术社团
在学生艺术社团中宣传古典音乐并组织学生加强对古典音乐的学习和接受也是提高学生接受程度的重要方法。在高校针对本校学生开展音乐艺术教育的过程中，可以结合古典音乐接受需求适当的开设管弦乐团、合唱乐团等，并将古典音乐艺术作为核心组织学生参与排练和演出活动，借助古典音乐艺术活动对大学生的课余生活加以丰富，有效提升大学生的人文艺术修养[5]。同时，在艺术社团中，结合教师的指导也可以有意识的让社团中的学生加强对古典音乐的学习和了解，并适当的组织学生结合现代音乐艺术理念对古典音乐进行合理的应用，创编新的音乐艺术形式。如此，高校大学生就能够形成对古典音乐文化的深入认识和理解，拉近学生与古典音乐艺术的距离，增强学生自主接受和自主学习古典音乐方面知识的意识。
（四）积极营造轻松和谐的校园文化氛围
校园文化氛围的营造会发挥出文化熏陶和环境影响的作用，增强学生对古典音乐文化艺术的认同感，促进大学生古典音乐文化艺术的接受程度得到明显的提升。在具体将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以积极组织开展高雅艺术进校园活动，并且长期将古今中外的古典音乐艺术引入到校园文化建设中，并适当的组织丰富多彩的文化活动让学生以古典音乐艺术为核心进行适当的沟通和交流，有效加深学生对古典音乐艺术的认识和理解，逐步提升学生的学习效果[6]。此外，在将古典音乐融入到校园文化建设的过程中，学校可以适当的邀请相关专家和学者到学校中开展讲座活动和表演活动，让学生能够与古典音乐艺术文化进行直接接触，在和谐的校园音乐艺术文化氛围中接受相应的熏陶，进而改善学生对古典音乐的认识情况，促进学生对古典音乐艺术文化的学习，进而真正发挥出古典音乐艺术文化在培养高素质人才方面的作用，为将高校大学生打造成为全面发展的高素质人才奠定坚实的基础。综上所述，古典音乐是人类音乐艺术文化体系发展过程中得以良好传承的精髓和经典内容，在高校大学生人才培养工作中，加强对古典音乐的重视，提升大学生的音乐审美品味，能够有效提高大学生的人文艺术修养，为大学生的未来全面发展奠定坚实的基础。因此结合当前大学生古典音乐接受现状，应该制定相应的应对措施，让大学生在学习和探索过程中能够真正感受到古典音乐的艺术魅力，进而增强大学生对古典音乐的认同感，有效增强古典音乐教育效果。
参考文献
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古典音乐的作用范文2
关键词：《猫和老鼠》；古典音乐；儿童音乐启蒙
中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）24-0105-02
随着时代的飞速发展，科学技术日益创新，作为孩子家长越来越用科学严谨的视角来看待早期的启蒙教育的重要性，音乐启蒙更是家长们几乎必选的启蒙方式之一。音乐对人的智商、情商、记忆、认知等等方面都产生巨大而深远的影响。正基于此，孩子的家长们在早期音乐启蒙中付出了很多人力、物力、财力。就美国动画而言，声音主要的用途更主要用于增加角色个性的描绘，用音乐预示即将发生的事及控制情绪的转换。这样的作用，常常可以在迪斯尼动画电影或是动画片中看到。《猫和老鼠》又叫《汤姆和杰瑞》，它从1940年问世以来，一直是全世界最受欢迎的卡通之一，故事内容简单，基本没有语言，都是通过背景音乐来表达故事角色的思想活动。在《猫和老鼠》这部作品中，古典音乐与动画处于并列和相互的关系，不再是音乐服务于动画，而是两者合二为一，这使观众第一时间感受到视觉与听觉相统一的冲击力，对孩子启蒙教育影响较大。
一、古典音乐的内涵
古典音乐作为音乐形式中的一种，具有很强的文化影响力。从广义上看，古典音乐在西方很多国家发展得都比较快，而且有一些知名的作曲家，尤其是欧洲的创作艺术，更是在古典音乐的历史上增添了很多文化特色。一般来说，音乐按照发展的阶段来分有古典音乐和现代音乐两个大类。现如今，我们对古典音乐的定义一般是从中世纪的格里高利圣咏开始，一直到19世纪结束前所创作的音乐，我们统称为西洋古典音乐。一般人印象中的古典音乐往往会被认为是西方音乐的代名词，也有人认为古典音乐是经典和高雅的代表，这些看法并不全面。古典音乐有广义和狭义之分。广义上的古典音乐指的是从西方中世纪格里高利圣咏开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，包括了巴洛克音乐时期、古典主义音乐时期、浪漫主义音乐时期等不同时期、不同体裁的音乐；而狭义的古典音乐则指的是一种带有古典音乐风格的音乐，是以海顿、贝多芬、莫扎特为代表的“维也纳古典乐派”。
古典音乐的表现形式是多种多样的。大量古典音乐大师为人类留下的宝贵音乐作品在许多动画片中被引用。由于这些音乐的加入，使得原本枯燥单调的动画赋予生机，也使得虚拟的卡通形象更加立体生动。
二、动画片《猫和老鼠》中的古典音乐
一般来说，在动画创作中的前期美术设计制定部分，尤其是角色场景的设计都会直接涉及到造型、色彩、声音彼此间的搭配，这些在当今的动画制作中已经是一个非常普遍且被广泛认知和接受的部分。但如果考虑在前期结合一定的古典音乐，创作者很可能从心理学视角将古典音乐要素的色彩引入，进而体现出画面的音乐韵律感，甚至音乐的画面感。在影片中色彩的冷暖变化甚至同一个场景中不同色彩之间的搭配也是有节奏韵律的，角色造型、场景制作的高低胖瘦厚薄远近实虚，也是有节奏韵律的。《猫和老鼠》通过对各种交响乐和管弦乐的使用来表现剧情，而汤姆和杰瑞的动作也和音调的变化同步。没有任何语言，在通过画面编配的大量的背景音乐的衬托下，人们只需要根据汤姆猫和杰瑞鼠滑稽的表情以及夸张的动作，就能够被深深的吸引，从而尽情地感受每一集故事的幽默和风趣。
古典音乐在《猫和老鼠》中应用十分广泛。在动画片中，音乐的配乐是为剧情的需要服务的，它往往能够根据剧情的发展，场景的过渡，画面的转移，卡通人物的情绪变化来运用相对应的音乐元素，从而在揭示主题、渲染气氛、表达情感、塑造形象等方面起到十分重要的推动作用。
如在名为《好莱坞音乐厅》的一集中，汤姆猫化身为交响乐团的指挥，身着燕尾服，手拿指挥棒，派头十足，而老鼠杰瑞这时也赶忙来凑热闹，也想来指挥这场音乐会，而汤姆猫对于老鼠杰瑞的到来却完全不欢迎，其恶劣的态度惹恼了老鼠杰瑞，从而老鼠杰瑞进行一系列报复行动，使得汤姆猫为了演出的顺利进行而疲于奔命，无暇顾及指挥，最后老鼠杰瑞如愿成功指挥全场而告终。在这一集中所用到的乐曲是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯所创作的《蝙蝠序曲》。《蝙蝠序曲》的序奏部分采用三部曲式，乐曲以一个速度为小快板的全奏开始，热烈而欢腾，而此时汤姆猫隆重登场，指挥范儿十足。在汤姆猫的指挥下，乐曲也逐渐舒展开来。在整个乐队轻柔的伴奏下，双簧管奏出充满生机的主题，流露出明显的喜剧色彩。老鼠杰瑞也适时登场。在交响乐团的演奏中，指挥是至关重要的，而在本集中，更引人关注的则是汤姆和杰瑞的激烈交锋，而它们之间的火花也与整首乐曲的演奏契合起来。当老鼠杰瑞决定实施行动来对付汤姆猫时，全曲进入最，在波尔卡舞曲的欢快节奏下，速度越来越快，情绪也愈加激昂，全曲也在这热烈的氛围中告终。
再如在名为《猫的协奏曲》的这一集中，汤姆猫化身为钢琴演奏大师，为我们倾情演绎着弗朗兹·李斯特的《升C小调匈牙利狂想曲2号》。在汤姆猫进行演奏的同时却无意中吵醒了置身于琴箱中安睡的小老鼠杰瑞，从而展开杰瑞的一系列报复行动。李斯特的《匈牙利狂想曲》具有浓烈的匈牙利民族特点，饱含着李斯特对于祖国的深厚情感。在汤姆猫和老鼠杰瑞的斗智斗勇中，乐曲由开始的沉重压抑逐渐进入欢快跳跃的部分，乐曲的速度越来越快，力度也越来越强，仿佛带领着我们进入了一场狂欢派对。一如既往的是汤姆猫不敌老鼠杰瑞，在一番征战中，汤姆猫已无力招架，整场表演则在一派热烈的气氛中结束。
在《猫和老鼠》中还有许多很经典的古典音乐作品。比如在名为《飞行猫》的一集中，汤姆猫为了捉住金丝雀和老鼠杰瑞无意中学会利用裙伞做成了飞翔的翅膀，当他得意且悠然地飞起来时，我们耳中能听到欢快的圆舞曲调，这时我们听到的乐曲，正是“钢琴诗人”肖邦所创作的《降E大调华丽圆舞曲》，这首身心都在跳跃的圆舞曲在此时为汤姆猫插上了翅膀。这些悦耳的乐曲和生动有趣的画面吸引着孩子们，潜移默化，并伴随着孩子们的童年，成为孩子们音乐启蒙的第一课。
三、《猫和老鼠》中古典音乐对儿童音乐启蒙的效果
（一）听觉注意力的培养
从一定层面上来说，动画对儿童启蒙的影响不仅仅因为其中画面所具有的吸引力，也不能小视音乐在其中的作用。在《猫和老鼠》这部作品中，对儿童听觉注意力培养的影响非常明显，能让儿童感受到来自视听两个层面的艺术冲击。例如，在《猫和老鼠》作品中，我们经常能看到汤姆拼命追赶杰瑞的场景，而在这一场景里面少不了急促的钢琴声、猛烈的鼓声和响亮的锣声，再配合频繁的色彩变换和场景切换，能让儿童对动画片有种别样的注意，尤其是能跟随着音乐节奏的变化，产生感染，增强儿童的听觉注意力。
古典音乐中不同作品、不同场景、不同乐器都可以产生很大的听觉差异，对于儿童启蒙而言，好听的音乐对于儿童以后的教育都会产生一定的影响，尤其是对音乐美感的认识与判断。在《猫和老鼠》这部作品中，不同的乐器种类以及各种乐器的不同演奏风格等等，都在刺激着儿童的听觉，吸引着他们的注意力，影响着他们的心灵，这就是音乐启蒙的魅力。
（二）音乐形象的初步建立
儿童对音乐的认知具有很大的不确定性，在音乐启蒙教育时期音乐的熏陶作用、规范性等都会对儿童音乐形象的建立产生很大影响。相信《猫和老鼠》对儿童的影响范围应该是以亿为计量单位的，这种影响绝不仅仅是杰瑞和汤姆之间的斗智斗勇，而是其中近乎完美的声音效果，尤其是二位主人公与背景古典音乐之间的契合度非常高，高兴时、搞恶作剧时、悄悄做事时等等场景灵活生动的音乐，能让儿童听到音乐，即使不看画面也能想象到会是怎样一个场景。这就是音乐产生的效果。
音乐形象属于哲学中的美学范畴。我国儿童音乐启蒙教育与欧洲国家存在很大差别，其中之原因也少不了宗教音乐背景的影响差异问题。在《猫和老鼠》的作品中，音乐是作品的灵魂部分，其作用甚至超过画面的效果，汤姆的出现经常有种“伪绅士”的感觉，而老鼠杰瑞的出现常有一种明星闪亮登场的范儿，音乐贯穿于作品之中，儿童通过其中的音乐能产生情感的变化和对美的认识，建立良好的音乐形象。
（三）促进身心健康发展
音乐对于儿童启蒙时期的教育非常有帮助，能有效促进其身心健康发展。一般而言，儿童年龄到3岁之后就开始识别不同旋律之间的差异，4岁之后就有音乐的节奏感，5岁之后就能分辨声音的响度和美感，6岁之后就能有音乐的欣赏和协调能力，7岁之后的韵律感和节奏感都进一步完善，9岁之后对音乐的美感认知基本形成，并具有一定的音乐辨别和判断能力。因此说，不同阶段的儿童对音乐的认知是在不断发展变化的，启蒙时期的音乐教育影响着儿童的身心健康发展。
《猫和老鼠》的作品中，实现了人物形象与音乐虚幻的完美融合，人物的喜怒哀乐都与背景音乐相协调，让儿童在观看的时候有种身临其境的感觉，能够置身于动画之中，去学习、思考、领悟其中的音乐与动作之间的关系。在儿童音乐启蒙时期，对于音乐的感觉以及对于肢体的协调性的控制都是在发展的，儿童的注意力和兴趣都随着故事情节的发展而变化，能在心灵上产生想象力和感染力，并逐渐形成抽象思维，产生有意识的心理动机。
四、结语
科学的实践已经证明音乐启蒙教育对于儿童的成才至关重要，音乐会影响到儿童的智商、情感、思维、能力等等很多方面，从一定意义上来说，对儿童进行音乐启蒙教育会收到事半功倍的效果。儿童启蒙音乐的发展越来越倾向于潜移默化的影响，注重对儿童音乐审美的培养。首先，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的整体意识。其次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的节奏意识。再次，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的欣赏意识。最后，《猫和老鼠》中的古典音乐能影响儿童音乐启蒙的审美意识，一些经久不衰的曲目带给儿童足够的美感，视听效果通过神经传递到孩子的心里，能引导孩子客观理解音乐的整体性美，达到音、心、形的完美统一，使儿童确立正确的音乐审美和世界审美。
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古典音乐的作用范文3
【关键词】电影音乐 古典音乐运用
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。电影音乐具有抒情、剧作、背景气氛、贯穿结构等美学作用和功能，是电影的重要有机组成部分，也是音乐艺术的一种新的体裁。它通过录音技术与对白、音响效果合成一条声带，随电影放映而被观众所感知。有的电影音乐因其在影片中的特殊魅力而超越了电影本身，从而单独分离出来灌制成唱片而独立发行销售。在电影音乐中除了片头配乐、片尾曲和主题歌以外都是“提示音乐”，简短的悦耳音乐，有时只有几秒钟，他们只是为了配合场景和场景过渡，为了分散观众对剪辑效果的注意力。但有时这种作用却胜过了电影故事、场面和演员的表演。
古典音乐是指中世纪的格利高利圣咏至19世纪末叶创作的音乐。古典音乐包括巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫主义音乐等不同时期不同体裁的音乐：而狭义的古典音乐被理解为一种带有古典风格的音乐。古典音乐有着极其复杂的配器及和声走向，一般有庞大的交响乐队演奏。巨大的乐幅篇章使得其它风格的音乐无法比拟。由于大师们的高超技巧及其呕心创作，更使古典音乐具有深刻的思想内涵。在无声电影时代，古典音乐是唯一的电影音乐。
电影与古典音乐的关系可以追溯至电影初生之时。在电影刚刚诞生时，为了摆脱在看无声电影时的憋闷感，甚至采用在银幕后说话的办法，但终因这种尝试过于天真而很快被另外一种形式所代替――现场器乐伴奏。这种现场器乐伴奏的出现，据说是为了掩盖放映时机器的噪音。伴奏乐队的形式有大有小，大则几十人，小则几人。最早的器乐伴奏十分随意，均由乐师根据画面上的情绪自己选择成品音乐。这些作品很多即是古典音乐。后来，出版商们出版了各种电影音乐伴奏曲集，音乐伴奏有了较为固定的乐谱。他们还针对电影画面的内容，对音乐进行分类，如进行曲、抒情曲、小夜曲等，以供乐师们在配乐时选用。舒伯特的《未完成交响乐》第二乐章，常被用来表现明快流畅的情绪和田园风格：肖邦的夜曲被用来表现爱情场面：贝多芬的《爱格蒙特序曲》用来表现追击场面等。许多电影出版商为了降低成本，还将这些曲谱灌制成唱片。可见，此时的器乐伴奏和唱片的播放已不仅仅是为了掩盖机器的噪音，而且极大地填补了听觉上的空白。也正是这两种音乐伴奏形式，伴随着电影走过了30年的默片历程。
在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。进入有声电影时期。影片中的听觉形象除了音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。作为一种听觉艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐的审美方式与普通音乐的审美方式有着众多的不同，其中最重要的莫过于电影音乐的非独立性，这就是说电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。所以，电影作曲者要关注的东西简直是太多了。这在一定程度上增加了音乐创作的难度，画面、音响、人声、节奏、基调、影片的情绪等等，这些因素都是一个优秀的电影作曲者所必须考虑的。一个优秀的在艺术上力求完美的电影作曲者，他根本无法也不可能像一个纯粹的传统作曲者那样。全身心地甚至是疯狂地肆意在个人情感的感性世界中忘情地表现独特的自我：他必须小心翼翼如履薄冰一般，考虑着电影音乐进程中的其他种种元素，考虑着音乐与它们之间的关系是否符合电影意图的传达，是否有利于这种意图的传达，甚至在时间长度上都没有完全的自由，而必须受到来自画面长度的精确的束缚。因此，从根本上说，电影音乐本身并不具有音乐原本所有的独立性，它必须也只能在同画面、音响乃至人声等元素的相互融合中，来完成电影整体的艺术意图的传达。与此同时，电影音乐受电影蒙太奇的限制，随剧情发展而变化，因而每个音乐片断的时间长度，均受到严格限制(误差通常不能超过半秒钟)。为此，在音乐的写作和处理上，必须作特殊安排。例如，可能采取自由或不完整的曲式，甚至出现一个动机、一个和弦、一声打击乐：在乐思的发展上有时必须很快推向，或直接过渡，迅速结束等。这使电影音乐的创作成为一种特殊的课题。同时，电影音乐在电影中出现形式的片断性与自身整体性的诉求存在矛盾。电影音乐在影片中是分段陈述、间断出现的(早期的电影音乐例外)。但电影音乐又必须有整体的构思和布局。因此，解决片断与整体的矛盾以求统一，是电影音乐的特有课题。而纯音乐是一个完全独立的系统，它通过旋律和节奏等音乐元素唤起听者内心的情感感受，引起听者的某些联想和想象，并进而达到表现相关的主题的目的。极端一点说，音乐可以直接唤起人类的情感或者表现情感。当然，也有更为简单的看法，“说到音乐，我不觉得音乐能表现什么。比如说表现了什么画面和场景。音乐有时就是音乐，它不需要表现别的，它就要展示自己的美。”不论是引起听者的联想和想象也好，还是直接唤起人们的情感也好，还是纯粹展示音乐本身的美也好，纯音乐都不存在同另一个外在的艺术元素之间的关系问题。传统的作曲家从来都不需要考虑音乐以外的任何东西，他只需沉浸在音乐的世界当中。尽情地听凭他的才华挥洒音乐的激情，直抒胸臆，简单而强烈。
在电影艺术中，把大段的古典音乐运用的独具匠心、丝丝入扣的是澳大利亚优秀电影《闪亮的风采》。这部影片描写了犹太钢琴家大卫・赫尔夫高特充满传奇色彩的生活经历。影片不仅探讨了音乐。也探讨了爱的意义。爱，可以毁灭一个人，亦可以拯救一个人。大卫因变态的爱而疯狂，又因得到真爱才在疯狂中生存下来，最终焕发出生命的光芒。为配合剧情需要，片中采用了大量的古典音乐名曲。影片一开始，少年大卫演奏了肖邦的“波罗乃兹舞曲”，表现出他对音乐的挚爱和天赋的音乐才能。而后随着情节的发展，影片中出现了肖邦的“雨点序曲”、“C小调序曲”、李斯特的“钟”、“匈牙利狂想曲第2号”、里姆斯基・柯萨科夫的“野蜂飞舞”、贝多芬的“d小调第九交响曲”、“月光奏鸣曲”等多首观众所熟悉的古典音乐名曲。这些古典音乐在影片中配合大卫的成长过程，除表现他天才的演奏技巧外，也深刻地刻画了他的心理变化过程，同时起到了渲染气氛、抒 感等作用。尤其是拉赫玛尼诺夫的“第三钢琴协奏曲”作为这部影片的主题曲贯穿始终。在影片的处。大卫在音乐会上演奏着这支曲子。在跌宕的节奏和起伏的旋律中。乐曲艰深的内涵诱使大卫长期潜伏的心理压抑爆发了出来，最终导致大卫精神分裂。在影片结尾处，在爱人吉利安的精心照料下，大卫的精神状况日趋正常。曾是祸因的拉氏“第三钢琴协奏曲”使他从毁灭中重生又回到了舞台，仿佛是凤凰涅榘。灿烂的生命之光感动了在场的所有人。在这部影片中。古典音乐的魅力得到完美的体现。
今年来，随着音乐形式的创新和发展。电子音乐、流行音乐、摇滚乐在电影音乐中长期占领着主导地位，古典音乐在电影音乐中逐渐式微。甚至有消失的迹象。在电影艺术中，古典音乐面临着双重困境。第一是电影音乐自身的问题，当然也是所有电影音乐形式必然面临的困境。音乐和电影是两个各自独立的艺术门类。音乐是时间艺术。它被认为是所有艺术中最为抽象的艺术，因为它与人类的内心情感最接近，并且常常是从人类的潜意识里影响我们的情感：第二是古典音乐在自身的诸多特性方面与电影格格不入的问题。首先，那些交响乐、协奏曲、奏鸣曲、交响乐主义诗歌。它们与电影的叙事性、紧凑性和观赏性难以契合。电影音乐所需要的音乐是短小精悍的。与歌剧中拘谨、小气冗长的音乐是完全相反的。其次。所有的歌剧齐奏乐，尤其是较典型的那部分，都带有修辞的音乐标准和一定的社会文化。它们镌刻的是当时代的文化历史语境。它们无法被真实地、完全地置入特定电影的特定文化历史语境之中，因为两者的文化历史语境永远不可能完全契合。由于这种双重困境，古典音乐在电影艺术中举步维艰。
但是，古典音乐由于其独特魅力，仍具有极大的市场的，不能断然抛弃。改造是重生之道，只有改造才能使之更具适应性。更有活力。在不影响古典音乐内涵的前提下，适当的改编会使这一古老的音乐形式更适应现代观众的欣赏口味，同时在古典音乐的应用上力求大胆创新而不拘泥于生搬硬套。也有助于将古典音乐的魅力更大限度地发挥出来。因此电影音乐人对所选取的古典曲目一般都要经过不同程度的改编，这样可使人们所熟知的曲目听起来更具感染力。也就是说，古典音乐在影片中的应用能否取得成功，关键在于对古典音乐进行的再创作。在好莱坞电影的黄金时期及其之后的年代里，将著名的古典音乐作叙事性的改造似乎已经成了一种普遍的电影音乐实践活动：在电影《珍妮的画像》中，蒂奥姆金和赫尔曼都改变了德彪西的部分作品：在影片《西部的执法者》中，维克多・杨将柴可夫斯基的音乐更加舒缓地引用和模仿到了其中。有些时候，完全可以依据影片的需要将古典音乐予以变形。在《金耳环》中，维克多・杨使得瓦格纳的音乐更显讽刺化。在《虎胆龙威》中的《欢乐颂》，作曲家迈克尔・凯曼就引用了贝多芬的曲子来描写和强盗。原来的音乐在这里被赋予了明显的节奏，成为了不断变换的声音元素，一段不完整的乐章。最后当赃物被发现时，音乐又变成了管弦乐的合奏。接着在影片《纽约大劫案》中，凯曼和麦克蒂尔南又联手对传统的《集合到国旗下》男儿们澈了不少改变，如同在音乐中做了一些游戏。使之更生动具体。更好地为电影服务。
古典音乐的作用范文4
选择什么样的音乐做胎教音乐？一说到这个问题，
也许很多准妈妈马上会想到是选古典音乐还是现代音乐？
是选民族音乐还是流行音乐？其实，用古典或流行的标准来选择胎教音乐，
正是准妈妈们常常出现的一个误区。
选择胎教音乐的三个标准
其实，胎教音乐的选择与古典还是现代并没有直接的关系，对于胎教音乐的选择通常需要依据以下几个标准：
音乐的节奏要与人的心跳频率接近。大约每分钟60 － 70 拍。节奏不能过快，太快的节奏会使胎儿紧张。但并不是说舒缓的音乐就好，过于平淡或单调的音乐也不好。摇篮曲或重复单调歌词的音乐，可能很快地让孕妇和孩子睡着，这样就不能达到胎教的目的了。
音乐的频率范围不能超过2000 赫兹。这是因为胎儿的脑部发育尚未完整，其脑神经之间的分隔也不完全，因此，过高本文由收集整理的音域会造成神经之间的刺激串联，使胎儿无法承担负荷，造成脑神经的损伤。轻则在出生后听不到高频范围的声音，重则有可能导致失聪。
音乐的节奏不能过于强烈，不应有突然的巨响。胎教音乐中不能使用较强节奏的架子鼓等打击乐器，因为架子鼓的“咚咚”声和子宫内的胎音混合在一起，形成一种不协调的杂乱无章的混乱节奏，会给胎儿带来不良的刺激。另外，音乐中如果出现突然的巨响，会给胎儿造成惊吓。
根据这三项标准来选择胎教音乐，不管是古典音乐还是现代音乐，民族音乐或是流行音乐，只要是不符合这三个标准的，都不能作为准妈妈的胎教音乐使用。
此外，胎教音乐不宜过长，五至十分钟的长度是较适合的，而且要让胎儿反复聆听，才能造成适当的刺激。等到胎儿出生之后再听到这些音乐就有熟悉的感觉，能够令初生婴儿有待在母体内的安全感，对于安抚婴儿情绪相当有效。
优秀的胎教音乐
依照上面所说的三条标准来选择胎教音乐就会发现，其中古典音乐占了相当大的比例，但这并不能说明所有的古典音乐都适于胎教。一部分古典音乐（特别是巴洛克音乐）因为其节奏和母亲的心跳旋律相近，所以对胎儿和新生儿有启发和安抚的作用，巴
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赫《g 线上的旋律》、莫扎特《21号钢琴协奏曲》、韦作特《d 调广板吉他协奏曲》、舒伯特《鳟鱼》钢琴和提琴五重奏，这些都是不错的选择。
音乐胎教，快乐情绪最重要
古典音乐的作用范文5
一、“主旋律”――泰国古典音乐的核心
泰国古典音乐中的主旋律最初由大围锣创作并演奏，其他古典乐器的旋律均以它为基础创作而成。主旋律是泰国古典乐队的旋律核心，固定的主旋律与依附于它之上的各声部运用支声原则形成了多声的
泰国古典合奏音乐。演奏中，主旋律是与其他乐器演奏旋律平行出现的存在于各个演奏者内心的音乐，并构成了泰国古典音乐的双层音乐模式。在实际学习泰国古典音乐的过程中，老师们不会刻意强调主旋律的重要性，主旋律已自然地融入了泰国古典音乐的传习、创作和演奏的过程当中，成为了泰国古典音乐的核心力量。
（一）“主旋律”的演奏乐器――大围锣
泰国音乐家认为“主旋律”就是由大围锣所演奏的旋律，是泰国其他古典乐器旋律的基础。大围锣是泰国古典旋律打击乐器中演奏速度最慢的乐器，在与其他乐器匀速演奏的情况下，大围锣一拍只需奏出一到两音，这使它成为了最适合演奏简洁又轮廓鲜明的主旋律的乐器，其他比大围锣演奏速度快的乐器再根据主旋律进行各自的旋律创作。
由于大围锣演奏了主旋律的缘故，泰国古典音乐的初学者都要首先学围锣，待熟练掌握大围锣演奏的主旋律后，再开始学习其他旋律打击乐器或根据自身天赋选择学习适合自己演奏的乐器。笔者在泰国乌东大学结识的泰国音乐家斯拉巴柴夫妇生长在传统的音乐世家，他们的三个孩子从小也跟随父亲学习泰国古典音乐。在父亲的严格要求下，孩子们每天都要练习各种乐器的演奏，并用大量的时间重点练习演奏大围锣。他们告诉笔者：“泰国的习惯是孩子们都先从大围锣开始学习，然后再学习其他乐器。大围锣的旋律记得越熟，其他乐器学起来也越容易。”[1]有了主旋律作为基础，学生很容易学习和记忆从主旋律创作而来的其他乐器的旋律，对每一件合奏中出现的乐器也非常熟悉，并且都会演奏两种以上的乐器。这种一人多技的现象在泰国精通古典音乐的艺人中十分普遍，无论演奏哪一种乐器，都能随时唤起演奏者内心对主旋律的回忆，正如三弦胡演奏者拉涵宁先生所说：“演奏三弦胡时，美妙的旋律将包围在你身边，而当初大围锣演奏的主旋律会清晰地浮现在眼前。有机会你一定要学围锣，这是泰国音乐的一把钥匙。”[2]
（二）“主旋律”在泰国古典音乐创作中的作用
与西方专业作曲的方式不同，泰国古典乐器的旋律创作不是通常意义上的以一个动机或乐思展开一段旋律的创作，而是在已有主旋律的基础上，对主旋律强拍部位骨干音以外的部分进行变化和填充。音乐学家泰瑞 米勒教授这样描述泰国古典音乐的创作过程：“作曲家其实是把创作的音乐记在脑子里，用大围锣演奏自己创作的曲子的基本旋律轮廓。其他不同演奏员按照作曲家演奏的旋律轮廓，用各自的乐器奏出相应的声部，由此，每一件乐器都会奏出同一内容不同的相应旋律。”[3]其中“基本旋律轮廓”就是指主旋律。潘尚教授[4]曾分别用大围锣和三弦胡为笔者演奏了主旋律与对应的三弦胡旋律：主旋律是十分简洁的旋律，多为四分音符与八分音符；三弦胡的旋律丰富了主旋律的节奏型，每一小节强拍上的骨干音与主旋律强拍上的骨干音一致，演奏中还加入了颤音、附点、滑音等三弦胡特有的演奏技法。其他泰国古典乐器旋律与主旋律的关联亦如此，一方面需要在骨干音上与主旋律保持一致，一方面却需要根据乐器的自然属性，利用各自不同的演奏技法，去填充和变化主旋律。
在泰国古典乐队中，不同的乐器根据各自的乐器属性扮演了不同的角色[5]：大围锣的角色是父亲，它的音色稳重而具有威严，最适合演奏主旋律；第一竹排琴（Ranad e）像一位英雄，有时与大围锣一起演奏主旋律；第二竹排琴（Ranatu）的角色则像顽皮的小孩，它自由地在以大围锣为基础的旋律上做加花变奏，演奏出具有诙谐幽默感的音乐；演奏三弦胡时的姿态一定要优美，因为三弦胡的气质就像一位高贵的女士；拉弦乐器的身份都为女性，它们用拉弦乐器特有的连弓和华丽的装饰音，将打击乐器清脆的音色装饰的柔美悠长。演奏泰国古典合奏音乐的乐器，可以分成以演奏主旋律为主的旋律打击乐器，如大围锣、竹排琴等；装饰主旋律、对主旋律进行加花变奏的吹奏乐器和拉弦乐器以及弹拨乐器，如泰国竖笛（klui）、皮、三弦胡、鳄鱼琴等。根据角色的分配，可以看出在整个乐队中，大围锣是乐队的核心；最接近主旋律的是竹排琴以及其他旋律打击乐器，它们负责配合巩固主旋律；其他吹奏、拉弦、弹拨类乐器，均围绕着主旋律形成了相对独立的旋律，并在此基础上进行自由的即兴演奏。从某种程度来说，其他乐器的旋律都是主旋律的变奏，每件乐器都根据自身的属性形成了各自的旋律创作的规律，因而从主旋律变化的程度和方式才会各有不同。
（三）“主旋律”在泰国古典音乐合奏中的支声原则
西方音乐在处理多声部音乐时，使用的是纵向思维，各声部之间依靠和声的功能排列在一起，烘托着音乐中具有完整意义的旋律主题，达到对整部作品的音响、情绪等的综合把握。泰国古典合奏音乐却是横向思维，每个声部都是一条可以用来独奏的完整旋律，每一条旋律都有它独自存在的意义，并通过每一层旋律与主旋律之间的关联将各声部结合为一个整体。各声部之间是按照支声的原则结合在一起。仔细分析各声部之间的关系，各声部均从自己的乐器性格和技能特点出发，旋律间互相交错、有繁有简又各自独立，但每进行到重要部位时各声部音调必然会重合：“它们在每小节的强拍上齐奏旋律骨干音，而在其余拍子上则各自进行发挥，从而造成时而协和，时而不协和的音响效果。”[6]由此可见它们之间具有某种亲缘关系，而这种关系都来自于固定的主旋律对于变奏衍生于它之上的各声部旋律的约束。
支声的合奏思维在我国传统的合奏艺术中十分常见，如工尺谱在演奏中只是一个基本框架，演奏时艺人在框架之上灵活地即兴创造出各个声部的旋律；又如江南丝竹的合奏，声部之间各自发展却又万变不离其宗。同样泰国古典乐队按照支声原则，各声部时而在强拍骨干音上汇合，时而又各自分离，加上贯穿整个演奏过程始终固定不变的主旋律，形成了纷繁多变又协和统一的音乐形态。在泰国古典音乐的发展中，创作与乐队演奏，练习与乐队演奏都是一体化的过程，这也是区别于西方专业音乐的特殊方式。许多流动的即兴因素需要与演奏同时进行，只有在乐队合奏中才能训练出支声的思维，达到每个声部的演奏者对主旋律和各声部旋律均能熟练把握的程度；也唯有参与了合奏，才能体验出以主旋律为核心的支声思维的重要性。
为了准备2012年中央音乐学院世界音乐周的演出，笔者参加了由五人组成的小型马荷里乐队，演奏泰国双面长鼓（Thon）和手鼓（Rammana）。乐队使用了四弦弹拨琉特（Kra-jub-pi）、三弦胡、泰国笛、双面长鼓和手鼓5种乐器，加上歌唱，旋律复杂多变。由于每个声部的旋律听上去均不同，笔者很难在正确的节拍上演奏出看似简单的8拍循环的鼓点节奏。而泰国乐手们却仿佛知道彼此的旋律，甚至能很快意识到对方演奏中的错误。在他们的帮助下，笔者认识到自己无法顺利演奏鼓的原因是不熟悉主旋律。乐队虽然没有大围锣演奏主旋律，但整个乐队的音乐是在演奏者内心主旋律齐奏的基础上进行的，因此在合奏中才能知己知彼、配合默契。不同乐器的演奏者需要在合奏中练习在倾听其他声部的同时灵活地对自己演奏旋律进行即兴调整的能力，泰国古典乐器的学习也需要在合奏的环境里、在和其他乐器的配合中完成，这些都是为了不断巩固主旋律在演奏者内心的熟悉程度以及培养不同演奏者彼此对主旋律共同把握的默契程度。
二、以“主旋律”为结构模式的泰国古典音乐创造与演奏
“主旋律”在长时间的学习、创作、演奏中已经潜移默化地成为了泰国古典音乐家的思维习惯，主旋律与依附于它之上的其他乐器的旋律共同构建出了泰国古典音乐独特的双层音乐模式。在这一模式里，主旋律与其他乐器演奏的旋律是同时进行的两条平行旋律，主旋律是内在的、不变的部分，其他乐器演奏的旋律是外在的、变化的部分。其他乐器旋律的变化都是基于主旋律的框架而产生的变化，而无论是版本的不同、后人的改变或演奏时的即兴发挥，主旋律都不再有任何变动。
对于主旋律和其他乐器旋律关系的理解，可参考我国《十六板》中，[八板]与[十六板]的关系：“[十六板]的每次变奏均与固定不变的[八板]相结合，[八板]在这里作为一种稳态的对应曲调，实际上是从纵向上制约着[十六板]的每次变奏，使其时时顾及到变奏与[八板]间的结合关系，即原型结合中就存的支声―派生关系。从而形成以[八板]为基础的固定旋律变奏。”[7]泰国音乐中的主旋律也同样是从纵向上制约着其他声部的旋律，并且形成了泰国古典音乐的双层的结构。如果只有由其他乐器演奏的外层面音乐而没有主旋律的存在，泰国古典音乐就不再完整。泰国的三个古典乐队中，真正有大围锣参与演奏的乐队只有皮帕特乐队，那么另外两个没有大围锣演奏的乐队是否就不存在主旋律了？答案正相反，在泰国音乐家看来：“没有大围锣演奏的乐队中，每一种乐器都好似在演奏主旋律。”[8]正因为其他乐器的旋律都来自于主旋律，更因为主旋律在长期的学习和演奏过程中已经深深地扎根于演奏者的心底，在没有演奏主旋律乐器的情况下，演奏者们完成了彼此内心对主旋律的齐奏，而各自演奏出的各声部旋律，则是在主旋律基础之上的变奏。因此在泰国古典音乐双层模式中的关键一点，是主旋律不再只以现实音响的效果出现，而是无论有没有大围锣或其他旋律打击乐器演奏主旋律，主旋律都以意识形态出现在演奏者的脑海中，这以意识形态存在的主旋律，才是真正的泰国古典音乐模式双层结构中的内在层面。
以主旋律为内在层面的泰国古典音乐模式，是在最初对大围锣所演奏主旋律的学习到之后对其他乐器的反复练习再到可以轻松地在主旋律上做其他乐器的旋律变化这样一个过程之上建立的。如果在这个运行过程中，脱离了对主旋律的学习而仅掌握所需演奏乐器的旋律和技巧，脱离了以主旋律为基础的创作方式而直接谱写其他乐器的旋律，脱离了在合奏中以主旋律为核心思想的演奏方式而仅以演奏各声部旋律为主，泰国古典音乐的核心也就不复存在。
“主旋律”体现了泰国古典乐器之间的联系与共性，给予了不同乐器泰国音乐的身份标识，让泰国古典音乐的创作和演奏成为个人风格与民族文化风格的共同产物。在泰国古典音乐的合奏中，演奏者将各声部的旋律化繁为简，以主旋律的形式将各演奏者的内心归于统一，最终到达平和、安宁的演奏境界，表现出泰国人民内心对平和的追求。也正因为如此，泰国古典音乐被泰国人民视为泰国传统文化的代表。
三、结语
“主旋律”的存在始终贯穿于泰国古典音乐的创作到演奏的全过程，是构成独具泰国特色的传统音乐思维模式不可缺少的环节。如今尽管泰国古典音乐在泰国社会仍十分活跃，但西方文化的冲击和现代化社会的进程还是给它带来了一些影响。部分学生跳过了学习主旋律这一步骤，直接记忆自己声部的旋律，虽可以快速加入乐队的演奏，但却降低了对主旋律和其他声部的熟悉程度。
“主旋律”容易被其他声部富有个性的旋律覆盖，往往在最初得不到很好的认识。对泰国或非泰国的、学习泰国音乐或刚接触泰国音乐的朋友来说，通过对主旋律的了解，均可以更好地理解泰国古典音乐的构造，更准确地把握泰国古典音乐的要领。这一过程对分析我国的传统音乐也有一定的借鉴意义。
泰国的学生尚且需要长时间潜移默化地学习主旋律，因而笔者短时间的田野工作不足以更深入和全面地去挖掘主旋律以及泰国古典音乐文化的内在，不足的地方还需在以后的研究工作中进一步地加强和改进。
注释：
[1][5]2012年10月26日笔者在泰国乌东大学拜访斯拉巴柴先生的录音整理.
[2] 2011年11月19日笔者在泰国马哈撒拉坎大学拜访三弦胡演奏者拉涵宁先生的录音记录.
[3]泰瑞・米勒.当代世界中的传统音乐：泰国和越南的两大对比模式[J]. 中央音乐学院学报.2006（02）.
[4]潘尚教授是泰国曼谷孙素楠塔皇家大学艺术系老师，也是笔者的三弦胡老师.
[6]俞人豪、陈自明.东方音乐文化[M]. 人民音乐出版社，1995：129.
古典音乐的作用范文6
关键词：古典音乐；当代影视；当代古典音乐艺术
中图分类号：J605 文献标识码：A
文章编号：1005-5312（2012）29-0113-01
每一部成功的电视剧作品必定会有让人深刻，无法忘却的人物和场景。这些人物和场景的刻画除依靠人物性格特征的体现和场景布置的效果外，另一个最重要的因素就是和所刻画的人物及场景相适宜的音乐。选择的这个音乐必须与人物的性格特征相符合，与所描绘的场景相适应。这就是所谓的主题音乐。最初，这些音乐都只是根据电视剧内容或是人物特点而量身定做。
第五号匈牙利舞曲放入剧中做背景音乐经过了量身的改编。比起原曲更加合适该影视作品。
一、旋律
在第一句的第五小节后半拍处，原曲的七音没有升高，而改编后的旋律将七音升高半音，比起原曲更显神秘。与第一场面画面配合，让观众初见就喜欢，就期待接下来的剧情。同样也是第一句，在第六小节最后四分之一拍与第七小节处，将原本是下行的音符，改写成了上行进行。这样，使之前原曲乐句的结束部分消失，没有那种结束感，音乐将按照改编者的思路继续进行，继续奔跑，从而更好的配合剧情的发展需要。第二句的改编比第一句的大。第二句一进入，除了第一个音相同以外，其他的均作了较大改动。虽只是在相同音上作了节奏的放宽，但整个打乱了原曲的布局，在听觉上与改编之前截然不同。同样也是为了与影片相结合，更符合影片剧情的发展需要。
第五号匈牙利舞曲在韩剧《My girl》中是以电视剧主题曲《Happy Happy》的前奏出现的。既然是前奏，就应该为引入主题音乐旋律做铺垫，而不是抢夺最高点。原曲中第二句第一小节和第二小节是一个纯八度的进行，中间加入了主和弦的和弦音做过渡，纯八度跳进给人的感觉是空旷，纯净。加入了过渡音之后，这个跳进顺理成章的成为了整段中的最。可作为电视剧主题曲的前奏部分，它的作用除描绘当时画面之外，还必须自然的引入主题曲的主题旋律，不应该在前奏部分就上升到全曲的最。所以，作者在第二句这个处，作了如下修整：
将第二句第一小节后半拍的两个十六分音符分别拆开，第一个音即主音，占时值半拍；第二个音三级音成为第二小节的第一个音，时值占一拍半；而原曲中最高点的五级音成了辅助音性质，位于第二小节后半拍，时值为半拍；第三小节为四级音，时值同样也是一拍半；后半拍为二级音，作过渡音，最后停在三级音上。以上是影片主题曲作曲者对于前半句的修改。后半句，采用原曲，而不作修改。这样将第二句的前半部分做以上修改，改变的作曲者将音乐拉宽，延迟进入，最高音被用作辅助音来协助音乐的进行。从听觉角度上来说，这种变化能让观众有意犹未尽之感，本来该来的，却迟迟未到，犹如古诗词《琵琶行》中，诗句“犹抱琵琶半遮面”所描写的境地，让人期待。这一点也能看出作为该曲为剧中女主人公主题音乐，它表达了女性内心里的一种温柔。
二、速度
这一段音乐在影片《My girl》中的运用，都是一些奔跑的场面。影片一开始，便以此音乐进入。刚开始映入眼帘的是一望无际的大海，随后就是女主人公周幼林往机场狂奔。音乐与剧中场景及人物切合的相当到位。在这里，音乐速度比原曲快了很多，这同样是为了与周幼林奔跑的画面一致，让音乐也有了生动的画面感。观众就会期待，女主人公为何在奔跑，跑去哪儿。在好奇心的驱使下，他们就会关注接下来的剧情。
当代，如不是专业音乐的学习者，就很难接触到古典的音乐。于是人们开始探究古典音乐与现代艺术的结合，开始疯狂的将古典音乐植入现代艺术中。如今的动漫影视行业中，已经大量的运用了许多古典的音乐元素。有的直接选用主要主题，有的运用各种变奏手法，还有的将古典音乐与现代流行歌曲相互穿插，让音乐更加切合作品所要表达的情感。这样，能接触到古典音乐的人逐渐多了，人们也就开始很自然的接受并且将其流传开来。
在当代古典音乐艺术的运用，不仅仅停留在为电视剧做背景音乐，它也在各大游戏动漫中有着较广泛的市场。这是一种音乐，是一种艺术，更是一种文化。是我们精神生活所必须的元素。就像经济基础决定上层建筑一样，上层建筑对经济基础也起到了相应的反作用。这是一种文化上层建筑，它必然对经济基础有一定的影响。所以，我们需要从根本上探究古典艺术与当代艺术的结合，更好的掌握两者的切合点，也就能高质量的引导与指导当代音乐艺术的发展，使当代音乐影视，动漫游戏也能沾惹点高雅的古典音乐气息。这样做的最终目的就是能使现代影视音乐，动漫游戏音乐能在最大的范围内，获得大众的认可和喜爱，从而霸占一块有感染力的商业市场，取得最高的商业价值。
