电影中的舞蹈艺术分析范例6篇

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电影中的舞蹈艺术分析范文1

关键词：舞蹈；电影作品；运用；作用

一、舞蹈在电影作品中的运用

舞蹈在电影作品中的运用可以将原本只能在现实舞台上欣赏到的艺术形式，通过电影的蒙太奇手法多维的、全方位的诠释，让舞蹈的魅力充分彰显，拉近了舞蹈与观众之间的距离，各种类型的舞蹈样式为越来越多的观众所熟知。

（1）中国古典舞元素在电影中的运用

中国古典舞是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、处理、加工、创造，并经过较长时期艺术实践的检验，流传下来，被认为是具有一定典范意义的和古典风格特点的舞蹈。中国古典舞因注入了中国戏曲的呼吸和身段元素，形成了细腻圆润、刚柔相济、情景交融、技艺结合以及精、气、神和手、眼、身、法、步完美协和与高度统一的美学特色。中国古典舞还吸收融合了武术的动作和造型，形成特有的刚柔并济的美感。

（2）中国民族民间舞在电影中的运用

中国民族民间舞一般运用在表现民族生活题材的电影作品当中。如电影《孔雀公主》中运用了大量的傣族舞蹈元素。傣族是一个能歌善舞的民族，拥有丰厚的舞蹈文化底蕴。影片中，在男女主角婚宴上的一段舞蹈是傣族舞中的“嘎光”舞。“嘎光”舞步欢快，跳跃，表示对新人的祝福。影片中还出现了孔雀舞的片段。孔雀舞在傣族舞蹈中是最具特点的表演性舞蹈。傣族人民通常用孔雀来形容女性的身段美。紧束裹身的服饰突出了女性曼妙的身材，同时也束缚了舞蹈步伐，形成了典型的勾踢步。电影中许多舞姿动作把女性婀娜多姿的身材及优美舞韵表现出来。《孔雀公主》中运用傣族舞蹈元素，让人们了解到傣族舞蹈和深厚的传统文化。

（3）芭蕾舞在电影中的运用

芭蕾舞元素适合运用在表现现代生活题材的电影作品当中。电影《芭蕾人生》讲述的是女主角蕾从一个刚进芭蕾舞剧团的新人走到首席领舞的艰难历程。电影中多幕芭蕾舞场景贯穿了整部影片。蕾在条条丝带中翩然起舞的那一幕令人难忘。蕾高高立起脚尖，舞姿轻盈飘逸，好似蜻蜓点水般轻盈。这一幕注重意境的创造，扩大了观众想象力的空间，使舞蹈动作在连续流动的过程中给人以美的享受。这部影片中有一段双人舞的表演。双人舞是芭蕾舞的结构形式之一，并且占据了非常重要的位置。舞蹈的律动美为整部影片增添了艺术感染力。《芭蕾人生》中运用芭蕾舞元素向人们诉说，生命如同舞台，只要不断追求梦想，就会获得如舞蹈一般绚丽的人生。

二、舞蹈元素在电影作品中的作用

舞蹈艺术与电影艺术的融合在一定程度上推动了电影的发展。舞蹈元素运用在电影作品中丰富了电影的表现手段，使电影更具吸引力。根据剧情的需要在影片中加入舞蹈片段，不仅为电影添加了亮丽的风景，而且对影片营造氛围、突出主题、反映社会时代背景、表现人物性格和内心情感、推动剧情发展起着重要作用。

（1）突出电影主题

电影的主题是影片的中心思想，是创作者通过对社会现实生活的认识、理解而创作出被观众感知的艺术形象和生活场景。一部主题明确的电影不仅能反映现实生活的本质，还能引起观众情绪上的变化，达到理想的艺术效果。舞蹈元素运用在影视作品中，是基于一个电影大主题下的艺术表现形式，舞蹈与影片在主题上相呼应，给影片氛围加以烘托，更容易使观众产生情感上的激动，进而体会到影片所反映的主题思想和生活内容。

（2）体现社会时代背景

社会生活的变化发展是影响舞蹈艺术发展的重要因素。特定社会时代背景下的舞蹈元素在电影作品中，与影片所反映的时代背景相呼应，让观众从心理上产生共鸣。电影中常借助具有时代特征的舞蹈元素界定历史时代背景。电影《夜宴》讲述的是五代十国时期的宫廷悲剧。在电影开场和厉王为封后举行的晚宴上都安排了舞蹈场景。影片开场的面具舞，动作简单而又呆板，给人一种神秘的感觉，加上吴彦祖扮演的太子在舞蹈时戴的似笑非笑的面具，显示着太子那如傀儡般的生存状态与心境。在封后晚宴上，由演员周迅扮演的青女为爱慕已久的太子献上了一段越人舞，表达对太子的爱慕之情。五代十国时代是一个从唐朝末年藩镇割据的分裂混乱走向统一安定的过渡时期，亦是一个在文化上有所成就的时期。越人舞是源于古代伎乐的一种舞蹈。它与傩舞异曲同工之处在于舞者都要戴木刻面具，这就逐渐形成了一种特有风格的“假面傩舞”。由于五代十国距离我们太远，越人舞的表现形式我们所知甚少，而这种面具舞蹈在电影中的出现，使观众对五代十国时期人们的生活环境和精神生活状态有一定程度的了解。

（3）表现人物的性格及情感

舞蹈来源于对人的生活以及大自然各种运动形态的模拟，但又是对这些形态的提炼、凝聚与升华。它可以通过人体的动作折射出人情、人性和人生的真谛，充分表达人的内在心态。舞蹈的一个重要特性就体现于抒感，情感是由复杂的客观外界事物所引起不同倾向的心理反应，通过舞蹈这一艺术形式表达出来，更具独特韵味。舞蹈元素在电影作品中的运用也凸显出这一特性。电影作品中运用舞蹈元素根据影片中人物性格和情绪的纷繁变化而做出面部表情和肢体动作，以表现人物性格及情感。

电影中的舞蹈艺术分析范文2

，舞蹈制品的网络传播、交流，虚拟表演、教学，以及舞蹈的远程互动表演形式的出现，迎来了另一个全新的舞蹈呈现平台。网络的传输和数码摄影制作的低廉、特殊效果的光幻，而且与观者使一些科技化手段平民化，足够使更多的舞蹈创作者的独立化和舞蹈观念表达的个体化。特别是软件的普及，例如FLASH和SHOCKWAVE等动画软件，是许多艺术家在网络中极其自我和个体的进行创作，而且在闪烁的显示器前和电子信箱里得到的也是最自我的回馈和互动以及掌声。另一方面，舞蹈的数字化技术高端发展则是需要耗费大量的财力、物力和人力。需要精心的策划和熟练的操作，需要专业的技术人员参与和创作，是某种大型的工业化流程和项目制度。除了商业化的音乐电视和舞蹈电影之外，高科技在舞蹈影像制作的使用具有学科研究的前瞻性和学科建设的价值，例如动作采集系统的使用，将是不久的未来，用于更多的舞蹈学科当中的一项工具系统和创作系统，我们将舞蹈的记录和教学，舞蹈人体媒介的生命意义也将从另一个镜像当中被提升和被认识，但是一套动作采集系统的不菲价格也只有学院教学和电影制片场可以问津。包括大型电视集团、媒体集团进行和投资的舞蹈影像制作，诸如此类的高端的技术含量、高投入的物质标准，这一切与个体化的制作形成巨大的对比，却都在寻求新的方式，给自己或是这个时代的舞蹈以答案和揭示，寻求更多人更多舞蹈表达的完善和更新，或是完善个体小我的生命价值和个体封闭的艺术探索。不能否认，技术不仅没有消亡舞蹈的本体意义和力量，而且帮助了更多的人来参与舞蹈，包括残障人士或是非专业的舞者，这比空谈舞蹈民主的概念要更积极，也更多的手段技术支持。数字舞蹈的内容至今已经扩展到舞蹈数字影像、舞蹈的动作采集、舞蹈网络互动和远程技术、以及舞蹈的网络阅读和动作交流。

数字化的舞蹈表面上以技术的名义冲淡了剧场和人性的力量，另一方面也以多样的手段延伸和扩充着人们的感知。很多人涉及到技术的因素而抱有成见和观望的态度，但数字化舞蹈或是多媒体舞蹈不是一个神秘的事物，随着录影技术的数字化，所谓多媒体的舞蹈概念也在更大范围或是在数字化艺术范畴之中得到发展。舞蹈电影和录像舞蹈（下简称舞蹈录影）的创作者之间的合作和相互激发，舞蹈多媒体中的更多技术因素和设计的加入，使媒介改变了我们的生活，改变了我们的创作方式，同时舞蹈的创作也在改变媒介的性质并赋予了媒介涵义。

作为影像的舞蹈

不可否认，如今我们与舞蹈的第一次亲密接触，越来越多的发生在电视机、投影和网络的媒体之中了。舞蹈电影录像的发展、历史和主要人物对于舞蹈自身的发展都产生了巨大的影响。舞蹈影像波及范围及其快捷程度都远远超过了舞台的形式， 并且传播了舞台舞蹈，推广了现当代舞蹈，同时产生全新的艺术形式。关于舞蹈录影的说法众说纷纭，定义的方式已经不太适合某些艺术的发展，或许说明它的来源和范围更为客观，更有助于新形式的发展。德国著名的科隆舞蹈电影和录像节提到了以下的几种关于舞蹈录影的说法：

1、舞台、摄影棚的拍摄记录stage/studio recording 完整记录舞台行为，用一台到两台摄像机对舞蹈进行记录，不对舞蹈本身，及编舞进行改变，保持记录的原汁原味。

2、镜头改编 Camera Re-work 为了适合镜头的角度，而对原有的舞蹈作品进行改编和删剪。

3、 为录影而编舞Screen Choreography 专门为拍摄而设计构思而编排舞蹈，用镜头语言的思维角度以及互动的交流为主。

所以有了上面的几种分类，也就明晰了记录、改编和创作之间的区别。舞蹈录影在中文当中似乎比舞蹈电视更能够体现这种舞蹈媒体艺术种类，体现舞蹈与影像之间的介质关系，舞蹈录影原文是video dance ，其实更包括了电影和录像两种手段和介质，通称为video dance 即舞蹈录影。舞蹈录影把舞台舞蹈和电影交融出了一种新的艺术形式。舞蹈录影的意义早已超出了记录舞蹈的局限，成为了参与到某种编舞行为和影像角度的独特观察，是创作性的。

而某些文献和研究资料当中，涉及到了更多的舞蹈影像内容，都融入到泛化的舞蹈录影影像的内容当中。他们分别涉及到好莱坞的歌舞电影、励志型的舞蹈电影、介绍舞种的舞蹈电影、音乐电视中的舞蹈、舞蹈作品当中的投影影像、舞蹈排练厅中的排练影像、为了编舞而做的舞蹈录像笔记等等。其中象好莱坞歌舞电影《出水芙蓉》、《一个美国人在巴黎》、（又名《花都舞影》）、《雨中曲》、音乐剧电影《西区故事》、《歌舞线上》等，《周末狂热》、《霹雳舞》更是风靡一时，麦克尔.杰克逊的音乐舞蹈录影《月球漫步》更是带领了新的舞蹈风格和舞蹈录影的模式，当代的街舞和流行舞步的推广，都离不开音乐电视中舞蹈的帮助。90年代的法国《舞者》、西班牙的《弗拉明戈》、美国的《中央舞台》、《比利.艾略特》到最新的上榜之作《热力四射》都是优秀的舞蹈电影，印度更是一个歌舞片产量惊人的大国。当代的舞蹈电影可以是商业操作的歌舞娱乐，同时也可以是使用胶片为介质的艺术舞蹈，不仅在舞蹈的种类和样式的呈现上着色，更是对舞蹈精神的描绘，强调舞蹈对人个性和命运的改变，在人类精神中的地位。舞蹈不仅以身体的愉悦凸现，更以精神的自足面对世人。

舞蹈录像艺术的发展，是更为个性化的历程。在中国被称之为“舞蹈电视”，由于借用了音乐电视的称谓，舞蹈电视的流行借助中央电视台的舞蹈电视比赛传播到全国。舞蹈影像从欧美40年展以来，跟随者录像艺术的脚步，实验电影运动家的作品、后现代编舞家的趣味和实践，以及多媒体高科技技术的发展。从一开始就不是什么记录性的艺术行为，而是完全创造和互动的双向对话。

美国的默斯.堪宁汉、比尔.T.琼斯、英国DV8身体剧场、乔纳森.贝劳斯（原为英国皇家的舞者），加拿大人类脚步啦啦啦、法国的安德林.普雷约卡伊、鲁道夫.努日耶夫、德国编舞家皮娜.鲍希、Sasha .waltz、瑞典的马茨.埃克等等，都是当代较为活跃的舞蹈录影编舞家和观念的先导。这些是作为舞蹈录影创作的舞者和编舞家，体现着和延伸着他们的舞蹈观念和舞蹈形式，同时有更多的舞蹈录影的录影导演的参与，表现着他们的合作精神和创作观点。

更有早期的始作俑者实验电影美女先驱玛雅.德润用16毫米胶片在1945拍摄了短片《舞蹈录像编舞研究》和1958年的以芭蕾为题材，反转效果的《夜之睛》，开创了舞蹈录影方面的先河，虽然她本人更多的作为先锋电影的人物，但与舞者的合作，制作的无声舞蹈影像，场景之间的切换，动作与镜头的默契关系，屋中舞蹈和自然环境的跳接，都令人耳目一新，确是一部启蒙灵感之作。玛雅作为美国战后的先锋艺术人物和实验电影的独行者，这部研究舞蹈的短篇，却成为了舞蹈录影发展史上的重要的一部经典文本。1968年由加拿大蒙特利尔的动画制作艺术家、摄影师诺曼.麦克拉伦创作的“双人舞”更是呈现了动画幻觉的摄影术和剪辑技巧，更是以抽象简约、接近动作本质，近似在黑夜里感受动作的神秘和温度一样的风格，深深影响了舞蹈界的舞蹈录影的视觉观念。在90年代末，默斯.堪宁汉《手绘空间》、比尔.T.琼斯《魂灵捕》都是创造了结合更新的电脑技术作品，动画、三维到动作采集，作品不仅在意念上越走越远，同时在技术水平上也钻研雕琢。

欧洲在舞蹈录影上的发展似乎更加多元，更加天马行空，无拘无束。德国皮娜.鲍希的舞蹈录像更是充满反思的沉重和戏谑的力量。80－90年代英国BBC中心的舞蹈频道制作的大批舞蹈录像作品，风格多样，象《男孩》、《反转》、《清一色男人垂死梦》、《手》、《暴风雨》等等作品，涉及到各种年龄的人群、社会问题、爱情、传说 、抽象理念、动作游戏等等。这一大批的作品对于舞蹈录像艺术的发展影响颇深，也提供了研究舞蹈录像风格特性的文献。

诸多的舞蹈影像展或是舞蹈电影节更是推动了舞蹈录影的发展。美国的舞蹈电影协会、德国的科隆舞蹈电影录像节、洛杉矶西部舞蹈影像艺术节、加拿大的舞蹈电影节，英国的“荧幕上的影像”艺术节、舞蹈荷兰世界舞蹈电影节、挪威、阿根廷、西班牙都有诸如此类的舞蹈影像艺术节。其中以维也纳世界音乐中心为基础的世界舞蹈影像比赛为著名，从1990－2002年分别在法兰克福、里昂、科隆、摩纳哥等地举办过舞蹈影像比赛，并发展出摩纳哥舞蹈录影论坛等等系列，成为世界巡回举办和展示的舞蹈录影艺术节。

最近出现在众多的舞蹈电影录像节上的舞蹈电影作品合集，《为了摄影机的舞蹈》(又名《舞照》)用舞蹈电影新生代的六部经典之作，强调和表明了舞蹈与镜头之间的关系。其中的作品选自欧洲和北美电影艺术节，这些舞蹈电影向我们呈示了别样的幽默、美丽、戏剧性、内在节奏……完全不同于舞台上的某种力量，对于舞者和摄影机来说，都是充满了挑战性的视觉体验。作品包括：瑞士的派斯克尔.迈格尼《白昼皇后》，美国的33种眩晕咒语《衡量》，英国、荷兰 的安尼克.万姆《平静中安息》，加拿大的劳拉.泰勒《乡村三部曲》，麦克尔.唐宁《死角》，瑞士的派斯克尔.迈格尼《对侧伤》。

这六部作品长短不一，有的20分钟，有的只有5分钟，每个作者的角度都很坚定和独特，也成为了当代舞蹈录影艺术中鲜活的例证。《白昼皇后》由田园的静寂慢慢苏醒，三对散漫却好动的男女，在倾斜山坡的青草上，失重的快乐着，全是呼吸，身体滚动的声音，下坠，滑落，然后向山顶继续奔跑。简单的快乐里，睡意朦胧的小动作，在自然的景色当中，透出了一点悲情。舞蹈在失重和滚动当中完成，一次次美丽的冲撞。一些游戏打闹亲昵的小动作构成了轻松的情爱气氛，也在唤醒这每个观者回忆爱的味道和动作。凌乱舞步到清晨水中的寂静之舞，烛光遍布的水面，三位少女为舞蹈而动容，为舞蹈而虔敬，或者说是我们对舞蹈的某种感动，感动舞蹈之人在未可名状的命运面前的坦然和纯真。《衡量》则在一个走廊之中玩耍着同一组的动作游戏。同一组动作，我们想象的角度，在安静和踢踏的变奏当中，影像在特写、透视里似乎在预言着某种被我们忽略的发生。生效的力量凸现得很生动。《平静中安息》用一个葬礼的寓言让我们回到了记忆的深处，死亡带给我们的是悲伤和恐惧之外，还有很多留给在世之人的意外和真实。《乡村三部曲》则是一场群体的诗意合唱，黑白粗糙的影像，空旷的工厂，梦境恍惚的丛林，一些非职业的普通人在田园的寂静、欢乐和阳光中翩翩起舞。《走投无路》利用黑白影像，一个方向错乱的墙角，在玩耍视觉游戏。人在倒错的空间里慌乱惶恐。《对侧伤》则是一部都市的情感变奏，温情和暴力共存，记忆和现实对抗，偶然和命运相爱，在愤怒咒骂，用舞蹈来替代暴力之后，一切依然无法恢复平静。

虽然舞蹈影像的制作和活动已经有一百年的历史，但是关于其技术的发展以及舞蹈影像作品的文献资料却是凤毛麟角。主编朱蒂.米托玛整理出《电影和录像中的可视化舞蹈》这样一本至今为止，最为全面的囊括了舞蹈录影的有影响力的作品，从大制作到低成本，都在这本书的视野之内，包括早期的先驱人物作品，同时也最大限度的包容了“可视化的范围”，不限定于舞蹈录影的作品意义，而是把歌舞电影、舞蹈记录片都包容进来，也不失为一本详尽的资料。其中又介绍了书中所列作品的制作背景和流程，可读性极高。

《舞蹈电影和录像作品指南》则是Towers， Deirdre发表于1990，其中的作品和名字术语，都已过时，但是超过2000部的舞蹈电影录像作品的记录文献，却具有珍贵的资料性和使用价值。美国《为录影而舞蹈——舞蹈电影录像指南》则是Spain， Louise主编作品。在台湾，焦雄屏著书《歌舞电影纵横谈》也是详实地记述和分析了好莱坞歌舞电影的类型发展和时代意义。

舞蹈录像的制作教学，在西方的艺术教育当中，很早就存在于艺术系中的视觉艺术或影视制作当中。至今在综合大学艺术系的舞蹈学科中，已经有颇为系统的教学体系和详实丰富的资料咨询。2003年12月美国加州大学艺术系的舞蹈博士丽莎.玛丽.纳格尔和约翰.克劳福德曾到广东亚视举办舞蹈录影制作的工作坊，对于中国这方面的教学亦有建设性和拓荒性的贡献。短短的两周时间，从舞蹈录影艺术的渊源流变到实际操作，都进行了快捷的普及和交流。他们在加州大学亦有11周严密科学的舞蹈电视课程，舞蹈电影和录像的认知、作品的观后感、从舞蹈电视编舞、舞蹈录影脚本的写作、分析舞蹈电影和录像的镜头语言、学习设备和剪辑、完成作品等等，有很多文本和资料可参考。目前，他们将软件工程、技术言语融入舞蹈录像新作——《上升》，以及其他为数不多的媒体作品和动画制作作品。

北京舞蹈学院近年也在中国大陆首次开设了舞蹈电视专业，蓄势迎接一个舞蹈的数字化时代。

舞蹈视频游戏和大众化创作

20世纪90年代中国跳舞毯的狂热潮流，几乎达到每个人都需要一张塑料制成的，带有简单传感器的脚印图。似乎一夜之间，每个人都可以达到自己的跳舞梦想，曾经羞于见人的舞蹈训练过程，完全可以在无人的家中完成，然后到公众场合充满自信的展示，不再在一群拥挤的、汗流夹背的群体中间挣扎着减肥和锻炼美感，而是独自享受卡路里的消耗，就像在黑暗中跳舞一般。跳舞毯借助了一个简单的制品，看到了所有人跳舞的力量，流行的力量。然后来自日本的大型舞蹈游戏街机亮相世界，著名的舞蹈街机制作商科纳美公司研制出诸多的舞蹈游戏，例如“舞蹈革命”系列之独舞版本、对战版本，“曼波舞蹈”、“舞蹈狂热”系列、“80年代”舞蹈节奏、“啪啦啪啦天堂”等等种类繁多、而又分类精细的游戏街机，包括按照舞蹈音乐又有浩室、电子、放克、放克爵士、嘻哈、雷鬼等等，舞蹈人物多变，节奏复杂，游戏的界面色彩花哨、角度多变、热闹非凡。许多青少年在复杂的脚下变化的同时加入了诸多的手臂和躯干的动作，在游戏现场，如果是对战的模式，气氛也颇为火爆。这种被动跟随电脑指示舞动到主动的进行加工创作，完全是人本的某种改变，舞蹈创作成为了某种本能的反映，从手忙脚乱、受制于高难度的节奏和步伐变化，到不满足于征服和完成动作，而是加上了自己的风格和喜好，增加了机器之外的难度，准确地说，是乐趣，创作的乐趣。

随着韩国街舞和流行文化的大举复兴，韩国的“爱舞”网站推出了著名的三维动画人物舞蹈教学和舞蹈桌面的系列，人物制作精美，而且不厌其烦的重复动作，可以慢放，可以从不同角度观看，并且动画人物带有韩语的动作解说。舞者跳舞的场景可以自由转换成地铁、舞厅、城市街头、舞台等等。而且按照音乐电视中流行舞蹈的完整套路进行教学。在“爱舞”网站的舞蹈软件有些名气的时候，网站的互动，无限制下载就变成了会员制，付费下载新的舞蹈段落和舞蹈人物，包括舞蹈背景等等。按照商业化的路线扩大和稳定。舞蹈游戏有时也是舞蹈形象的推广。许多著名的舞蹈演出，比如“大河之舞”的网站也推出了踢踏舞的舞步记忆游戏。电子技术的进步和电子游戏的普及，舞蹈也在通过着全新的形式接近大众，通过全新的媒介和大众对话。

舞蹈的网络阅读和网络互动

网络舞蹈的发展借助于动画制作、互动网络艺术的影响和网络速度的大幅度提升，主要体现在形象宣传和提供与观众交流窗口；利用数字化技术在网上提供教学，提供大量的网上舞蹈资源；提供观众参与创作的互动界面，改观创作观念；利用网络传输进行的远程舞蹈的现场创作。网上舞蹈的模式集合了讨论舞蹈、观看舞蹈、学习舞蹈、创造舞蹈等多种交互功能一体，体现了全新的接触舞蹈的形式。

在线服务的发展，虚拟现实（VR）技术的进步，世界上的各个知名或是不知名的团体都可以借助网络宣传自己的舞蹈，散播自己的舞蹈影像，无论是皇家的芭蕾舞团，还是当代的小型舞团，无论大型的舞蹈节宣传，还是个体的作品展示，网络成为了一个平等的活跃的表演空间。“舞蹈之声”、“伦敦舞蹈”等网站都存有一定的当代舞蹈家的舞蹈作品片断。舞蹈作品的片断和舞蹈教学的片断在网上颇为流行，“另类爵士”则是以不断更新的舞蹈组合片断吸引着舞者和学习者的兴趣。舞蹈网站“电子芭蕾”，也曾经用简单的三维人物不停地重复每一个基本的芭蕾动作。网络舞蹈以媒体流（舞蹈作品），以过去时的状态，进行网上传播交流互动之外，还有实时当下的呈现，还有进行状态的跟进。很多观众对舞蹈排练很感兴趣，舞者也在期待着某种了解。所以无论是作品的需要，或是魅力的噱头，很多舞团的排练场安装着摄像头，网络实时在线播放着舞者的排练。这些令我想起了曾经路过的一个网站，网站上可以24小时看见纽约广场某个角落的场景。上班族，车辆，游客，日复一日的生活，摄像头平静地展示着生活的脸孔，没有表达，波澜不惊，网络的舞蹈和心灵，只是你在观看和关心别处的心灵。

互动和数字化的另一个影响，就是企图改变与观众的审美关系，以极端的自我去争取最大的民主创作，企图放弃所谓的艺术创作的完整性。观赏还是创作，主动还是被动，网络舞蹈的主要焦点放在了“分享”或是“共享”。共享资源，共享创意，共享记忆和情感，共享过去和生命中的某一刻。允许观众的情感经验和灵感的介入，在共同主题之下的某种分享。笔者在99年参与的杜赛尔多夫舞蹈剧场的作品“卡夫卡研究”和后续作品中，也是通过在舞蹈团体的网站上大量的公开排练计划，排练内容和进程，通过论坛采取网民的意见，不断的改进作品。

远程舞蹈创作是基于网络在线播放和传输技术之上，使几个不同地域同时发生的舞蹈表演发生关系。现场投射的远程影像和现场表演的当地舞者，时间和空间在这里发生了某种错变和重组，远程舞蹈并非是传输影像的形式，而是在追问舞者现时的发生，追问在传输的过程当中我们的表达是否还那么真实和可信，我们再次怀疑和质问这自己。

电影中的舞蹈艺术分析范文3

，舞蹈制品的网络传播、交流，虚拟表演、教学，以及舞蹈的远程互动表演形式的出现，迎来了另一个全新的舞蹈呈现平台。网络的传输和数码摄影制作的低廉、特殊效果的光幻，而且与观者使一些科技化手段平民化，足够使更多的舞蹈创作者的独立化和舞蹈观念表达的个体化。特别是软件的普及，例如FLASH和SHOCKWAVE等动画软件，是许多艺术家在网络中极其自我和个体的进行创作，而且在闪烁的显示器前和电子信箱里得到的也是最自我的回馈和互动以及掌声。另一方面，舞蹈的数字化技术高端发展则是需要耗费大量的财力、物力和人力。需要精心的策划和熟练的操作，需要专业的技术人员参与和创作，是某种大型的工业化流程和项目制度。除了商业化的音乐电视和舞蹈电影之外，高科技在舞蹈影像制作的使用具有学科研究的前瞻性和学科建设的价值，例如动作采集系统的使用，将是不久的未来，用于更多的舞蹈学科当中的一项工具系统和创作系统，我们将舞蹈的记录和教学，舞蹈人体媒介的生命意义也将从另一个镜像当中被提升和被认识，但是一套动作采集系统的不菲价格也只有学院教学和电影制片场可以问津。包括大型电视集团、媒体集团进行和投资的舞蹈影像制作，诸如此类的高端的技术含量、高投入的物质标准，这一切与个体化的制作形成巨大的对比，却都在寻求新的方式，给自己或是这个时代的舞蹈以答案和揭示，寻求更多人更多舞蹈表达的完善和更新，或是完善个体小我的生命价值和个体封闭的艺术探索。不能否认，技术不仅没有消亡舞蹈的本体意义和力量，而且帮助了更多的人来参与舞蹈，包括残障人士或是非专业的舞者，这比空谈舞蹈民主的概念要更积极，也更多的手段技术支持。数字舞蹈的内容至今已经扩展到舞蹈数字影像、舞蹈的动作采集、舞蹈网络互动和远程技术、以及舞蹈的网络阅读和动作交流。

数字化的舞蹈表面上以技术的名义冲淡了剧场和人性的力量，另一方面也以多样的手段延伸和扩充着人们的感知。很多人涉及到技术的因素而抱有成见和观望的态度，但数字化舞蹈或是多媒体舞蹈不是一个神秘的事物，随着录影技术的数字化，所谓多媒体的舞蹈概念也在更大范围或是在数字化艺术范畴之中得到发展。舞蹈电影和录像舞蹈（下简称舞蹈录影）的创作者之间的合作和相互激发，舞蹈多媒体中的更多技术因素和设计的加入，使媒介改变了我们的生活，改变了我们的创作方式，同时舞蹈的创作也在改变媒介的性质并赋予了媒介涵义。

作为影像的舞蹈

不可否认，如今我们与舞蹈的第一次亲密接触，越来越多的发生在电视机、投影和网络的媒体之中了。舞蹈电影录像的发展、历史和主要人物对于舞蹈自身的发展都产生了巨大的影响。舞蹈影像波及范围及其快捷程度都远远超过了舞台的形式，并且传播了舞台舞蹈，推广了现当代舞蹈，同时产生全新的艺术形式。关于舞蹈录影的说法众说纷纭，定义的方式已经不太适合某些艺术的发展，或许说明它的来源和范围更为客观，更有助于新形式的发展。德国著名的科隆舞蹈电影和录像节提到了以下的几种关于舞蹈录影的说法：

1、舞台、摄影棚的拍摄记录stage/studiorecording完整记录舞台行为，用一台到两台摄像机对舞蹈进行记录，不对舞蹈本身，及编舞进行改变，保持记录的原汁原味。

2、镜头改编CameraRe-work为了适合镜头的角度，而对原有的舞蹈作品进行改编和删剪。

3、为录影而编舞ScreenChoreography专门为拍摄而设计构思而编排舞蹈，用镜头语言的思维角度以及互动的交流为主。

所以有了上面的几种分类，也就明晰了记录、改编和创作之间的区别。舞蹈录影在中文当中似乎比舞蹈电视更能够体现这种舞蹈媒体艺术种类，体现舞蹈与影像之间的介质关系，舞蹈录影原文是videodance，其实更包括了电影和录像两种手段和介质，通称为videodance即舞蹈录影。舞蹈录影把舞台舞蹈和电影交融出了一种新的艺术形式。舞蹈录影的意义早已超出了记录舞蹈的局限，成为了参与到某种编舞行为和影像角度的独特观察，是创作性的。

而某些文献和研究资料当中，涉及到了更多的舞蹈影像内容，都融入到泛化的舞蹈录影影像的内容当中。他们分别涉及到好莱坞的歌舞电影、励志型的舞蹈电影、介绍舞种的舞蹈电影、音乐电视中的舞蹈、舞蹈作品当中的投影影像、舞蹈排练厅中的排练影像、为了编舞而做的舞蹈录像笔记等等。其中象好莱坞歌舞电影《出水芙蓉》、《一个美国人在巴黎》、（又名《花都舞影》）、《雨中曲》、音乐剧电影《西区故事》、《歌舞线上》等，《周末狂热》、《霹雳舞》更是风靡一时，麦克尔.杰克逊的音乐舞蹈录影《月球漫步》更是带领了新的舞蹈风格和舞蹈录影的模式，当代的街舞和流行舞步的推广，都离不开音乐电视中舞蹈的帮助。90年代的法国《舞者》、西班牙的《弗拉明戈》、美国的《中央舞台》、《比利.艾略特》到最新的上榜之作《热力四射》都是优秀的舞蹈电影，印度更是一个歌舞片产量惊人的大国。当代的舞蹈电影可以是商业操作的歌舞娱乐，同时也可以是使用胶片为介质的艺术舞蹈，不仅在舞蹈的种类和样式的呈现上着色，更是对舞蹈精神的描绘，强调舞蹈对人个性和命运的改变，在人类精神中的地位。舞蹈不仅以身体的愉悦凸现，更以精神的自足面对世人。

舞蹈录像艺术的发展，是更为个性化的历程。在中国被称之为“舞蹈电视”，由于借用了音乐电视的称谓，舞蹈电视的流行借助中央电视台的舞蹈电视比赛传播到全国。舞蹈影像从欧美40年展以来，跟随者录像艺术的脚步，实验电影运动家的作品、后现代编舞家的趣味和实践，以及多媒体高科技技术的发展。从一开始就不是什么记录性的艺术行为，而是完全创造和互动的双向对话。

美国的默斯.堪宁汉、比尔.T.琼斯、英国DV8身体剧场、乔纳森.贝劳斯（原为英国皇家的舞者），加拿大人类脚步啦啦啦、法国的安德林.普雷约卡伊、鲁道夫.努日耶夫、德国编舞家皮娜.鲍希、Sasha.waltz、瑞典的马茨.埃克等等，都是当代较为活跃的舞蹈录影编舞家和观念的先导。这些是作为舞蹈录影创作的舞者和编舞家，体现着和延伸着他们的舞蹈观念和舞蹈形式，同时有更多的舞蹈录影的录影导演的参与，表现着他们的合作精神和创作观点。

更有早期的始作俑者实验电影美女先驱玛雅.德润用16毫米胶片在1945拍摄了短片《舞蹈录像编舞研究》和1958年的以芭蕾为题材，反转效果的《夜之睛》，开创了舞蹈录影方面的先河，虽然她本人更多的作为先锋电影的人物，但与舞者的合作，制作的无声舞蹈影像，场景之间的切换，动作与镜头的默契关系，屋中舞蹈和自然环境的跳接，都令人耳目一新，确是一部启蒙灵感之作。玛雅作为美国战后的先锋艺术人物和实验电影的独行者，这部研究舞蹈的短篇，却成为了舞蹈录影发展史上的重要的一部经典文本。1968年由加拿大蒙特利尔的动画制作艺术家、摄影师诺曼.麦克拉伦创作的“双人舞”更是呈现了动画幻觉的摄影术和剪辑技巧，更是以抽象简约、接近动作本质，近似在黑夜里感受动作的神秘和温度一样的风格，深深影响了舞蹈界的舞蹈录影的视觉观念。在90年代末，默斯.堪宁汉《手绘空间》、比尔.T.琼斯《魂灵捕》都是创造了结合更新的电脑技术作品，动画、三维到动作采集，作品不仅在意念上越走越远，同时在技术水平上也钻研雕琢。

欧洲在舞蹈录影上的发展似乎更加多元，更加天马行空，无拘无束。德国皮娜.鲍希的舞蹈录像更是充满反思的沉重和戏谑的力量。80－90年代英国BBC中心的舞蹈频道制作的大批舞蹈录像作品，风格多样，象《男孩》、《反转》、《清一色男人垂死梦》、《手》、《暴风雨》等等作品，涉及到各种年龄的人群、社会问题、爱情、传说、抽象理念、动作游戏等等。这一大批的作品对于舞蹈录像艺术的发展影响颇深，也提供了研究舞蹈录像风格特性的文献。

诸多的舞蹈影像展或是舞蹈电影节更是推动了舞蹈录影的发展。美国的舞蹈电影协会、德国的科隆舞蹈电影录像节、洛杉矶西部舞蹈影像艺术节、加拿大的舞蹈电影节，英国的“荧幕上的影像”艺术节、舞蹈荷兰世界舞蹈电影节、挪威、阿根廷、西班牙都有诸如此类的舞蹈影像艺术节。其中以维也纳世界音乐中心为基础的世界舞蹈影像比赛为著名，从1990－2002年分别在法兰克福、里昂、科隆、摩纳哥等地举办过舞蹈影像比赛，并发展出摩纳哥舞蹈录影论坛等等系列，成为世界巡回举办和展示的舞蹈录影艺术节。

最近出现在众多的舞蹈电影录像节上的舞蹈电影作品合集，《为了摄影机的舞蹈》(又名《舞照》)用舞蹈电影新生代的六部经典之作，强调和表明了舞蹈与镜头之间的关系。其中的作品选自欧洲和北美电影艺术节，这些舞蹈电影向我们呈示了别样的幽默、美丽、戏剧性、内在节奏……完全不同于舞台上的某种力量，对于舞者和摄影机来说，都是充满了挑战性的视觉体验。作品包括：瑞士的派斯克尔.迈格尼《白昼皇后》，美国的33种眩晕咒语《衡量》，英国、荷兰的安尼克.万姆《平静中安息》，加拿大的劳拉.泰勒《乡村三部曲》，麦克尔.唐宁《死角》，瑞士的派斯克尔.迈格尼《对侧伤》。

这六部作品长短不一，有的20分钟，有的只有5分钟，每个作者的角度都很坚定和独特，也成为了当代舞蹈录影艺术中鲜活的例证。《白昼皇后》由田园的静寂慢慢苏醒，三对散漫却好动的男女，在倾斜山坡的青草上，失重的快乐着，全是呼吸，身体滚动的声音，下坠，滑落，然后向山顶继续奔跑。简单的快乐里，睡意朦胧的小动作，在自然的景色当中，透出了一点悲情。舞蹈在失重和滚动当中完成，一次次美丽的冲撞。一些游戏打闹亲昵的小动作构成了轻松的情爱气氛，也在唤醒这每个观者回忆爱的味道和动作。凌乱舞步到清晨水中的寂静之舞，烛光遍布的水面，三位少女为舞蹈而动容，为舞蹈而虔敬，或者说是我们对舞蹈的某种感动，感动舞蹈之人在未可名状的命运面前的坦然和纯真。《衡量》则在一个走廊之中玩耍着同一组的动作游戏。同一组动作，我们想象的角度，在安静和踢踏的变奏当中，影像在特写、透视里似乎在预言着某种被我们忽略的发生。生效的力量凸现得很生动。《平静中安息》用一个葬礼的寓言让我们回到了记忆的深处，死亡带给我们的是悲伤和恐惧之外，还有很多留给在世之人的意外和真实。《乡村三部曲》则是一场群体的诗意合唱，黑白粗糙的影像，空旷的工厂，梦境恍惚的丛林，一些非职业的普通人在田园的寂静、欢乐和阳光中翩翩起舞。《走投无路》利用黑白影像，一个方向错乱的墙角，在玩耍视觉游戏。人在倒错的空间里慌乱惶恐。《对侧伤》则是一部都市的情感变奏，温情和暴力共存，记忆和现实对抗，偶然和命运相爱，在愤怒咒骂，用舞蹈来替代暴力之后，一切依然无法恢复平静。

虽然舞蹈影像的制作和活动已经有一百年的历史，但是关于其技术的发展以及舞蹈影像作品的文献资料却是凤毛麟角。主编朱蒂.米托玛整理出《电影和录像中的可视化舞蹈》这样一本至今为止，最为全面的囊括了舞蹈录影的有影响力的作品，从大制作到低成本，都在这本书的视野之内，包括早期的先驱人物作品，同时也最大限度的包容了“可视化的范围”，不限定于舞蹈录影的作品意义，而是把歌舞电影、舞蹈记录片都包容进来，也不失为一本详尽的资料。其中又介绍了书中所列作品的制作背景和流程，可读性极高。

《舞蹈电影和录像作品指南》则是Towers,Deirdre发表于1990，其中的作品和名字术语，都已过时，但是超过2000部的舞蹈电影录像作品的记录文献，却具有珍贵的资料性和使用价值。美国《为录影而舞蹈——舞蹈电影录像指南》则是Spain,Louise主编作品。在台湾，焦雄屏著书《歌舞电影纵横谈》也是详实地记述和分析了好莱坞歌舞电影的类型发展和时代意义。

舞蹈录像的制作教学，在西方的艺术教育当中，很早就存在于艺术系中的视觉艺术或影视制作当中。至今在综合大学艺术系的舞蹈学科中，已经有颇为系统的教学体系和详实丰富的资料咨询。2003年12月美国加州大学艺术系的舞蹈博士丽莎.玛丽.纳格尔和约翰.克劳福德曾到广东亚视举办舞蹈录影制作的工作坊，对于中国这方面的教学亦有建设性和拓荒性的贡献。短短的两周时间，从舞蹈录影艺术的渊源流变到实际操作，都进行了快捷的普及和交流。他们在加州大学亦有11周严密科学的舞蹈电视课程，舞蹈电影和录像的认知、作品的观后感、从舞蹈电视编舞、舞蹈录影脚本的写作、分析舞蹈电影和录像的镜头语言、学习设备和剪辑、完成作品等等，有很多文本和资料可参考。目前，他们将软件工程、技术言语融入舞蹈录像新作——《上升》，以及其他为数不多的媒体作品和动画制作作品。

北京舞蹈学院近年也在中国大陆首次开设了舞蹈电视专业，蓄势迎接一个舞蹈的数字化时代。

舞蹈视频游戏和大众化创作

20世纪90年代中国跳舞毯的狂热潮流，几乎达到每个人都需要一张塑料制成的，带有简单传感器的脚印图。似乎一夜之间，每个人都可以达到自己的跳舞梦想，曾经羞于见人的舞蹈训练过程，完全可以在无人的家中完成，然后到公众场合充满自信的展示，不再在一群拥挤的、汗流夹背的群体中间挣扎着减肥和锻炼美感，而是独自享受卡路里的消耗，就像在黑暗中跳舞一般。跳舞毯借助了一个简单的制品，看到了所有人跳舞的力量，流行的力量。然后来自日本的大型舞蹈游戏街机亮相世界，著名的舞蹈街机制作商科纳美公司研制出诸多的舞蹈游戏，例如“舞蹈革命”系列之独舞版本、对战版本，“曼波舞蹈”、“舞蹈狂热”系列、“80年代”舞蹈节奏、“啪啦啪啦天堂”等等种类繁多、而又分类精细的游戏街机，包括按照舞蹈音乐又有浩室、电子、放克、放克爵士、嘻哈、雷鬼等等，舞蹈人物多变，节奏复杂，游戏的界面色彩花哨、角度多变、热闹非凡。许多青少年在复杂的脚下变化的同时加入了诸多的手臂和躯干的动作，在游戏现场，如果是对战的模式，气氛也颇为火爆。这种被动跟随电脑指示舞动到主动的进行加工创作，完全是人本的某种改变，舞蹈创作成为了某种本能的反映，从手忙脚乱、受制于高难度的节奏和步伐变化，到不满足于征服和完成动作，而是加上了自己的风格和喜好，增加了机器之外的难度，准确地说，是乐趣，创作的乐趣。

随着韩国街舞和流行文化的大举复兴，韩国的“爱舞”网站推出了著名的三维动画人物舞蹈教学和舞蹈桌面的系列，人物制作精美，而且不厌其烦的重复动作，可以慢放，可以从不同角度观看，并且动画人物带有韩语的动作解说。舞者跳舞的场景可以自由转换成地铁、舞厅、城市街头、舞台等等。而且按照音乐电视中流行舞蹈的完整套路进行教学。在“爱舞”网站的舞蹈软件有些名气的时候，网站的互动，无限制下载就变成了会员制，付费下载新的舞蹈段落和舞蹈人物，包括舞蹈背景等等。按照商业化的路线扩大和稳定。舞蹈游戏有时也

是舞蹈形象的推广。许多著名的舞蹈演出，比如“大河之舞”的网站也推出了踢踏舞的舞步记忆游戏。电子技术的进步和电子游戏的普及,舞蹈也在通过着全新的形式接近大众，通过全新的媒介和大众对话。

舞蹈的网络阅读和网络互动

网络舞蹈的发展借助于动画制作、互动网络艺术的影响和网络速度的大幅度提升，主要体现在形象宣传和提供与观众交流窗口；利用数字化技术在网上提供教学，提供大量的网上舞蹈资源；提供观众参与创作的互动界面，改观创作观念；利用网络传输进行的远程舞蹈的现场创作。网上舞蹈的模式集合了讨论舞蹈、观看舞蹈、学习舞蹈、创造舞蹈等多种交互功能一体，体现了全新的接触舞蹈的形式。

在线服务的发展，虚拟现实（VR）技术的进步，世界上的各个知名或是不知名的团体都可以借助网络宣传自己的舞蹈，散播自己的舞蹈影像，无论是皇家的芭蕾舞团，还是当代的小型舞团，无论大型的舞蹈节宣传，还是个体的作品展示，网络成为了一个平等的活跃的表演空间。“舞蹈之声”、“伦敦舞蹈”等网站都存有一定的当代舞蹈家的舞蹈作品片断。舞蹈作品的片断和舞蹈教学的片断在网上颇为流行，“另类爵士”则是以不断更新的舞蹈组合片断吸引着舞者和学习者的兴趣。舞蹈网站“电子芭蕾”，也曾经用简单的三维人物不停地重复每一个基本的芭蕾动作。网络舞蹈以媒体流（舞蹈作品），以过去时的状态，进行网上传播交流互动之外，还有实时当下的呈现，还有进行状态的跟进。很多观众对舞蹈排练很感兴趣，舞者也在期待着某种了解。所以无论是作品的需要，或是魅力的噱头，很多舞团的排练场安装着摄像头，网络实时在线播放着舞者的排练。这些令我想起了曾经路过的一个网站，网站上可以24小时看见纽约广场某个角落的场景。上班族，车辆，游客，日复一日的生活，摄像头平静地展示着生活的脸孔，没有表达，波澜不惊，网络的舞蹈和心灵，只是你在观看和关心别处的心灵。

互动和数字化的另一个影响，就是企图改变与观众的审美关系，以极端的自我去争取最大的民主创作，企图放弃所谓的艺术创作的完整性。观赏还是创作，主动还是被动，网络舞蹈的主要焦点放在了“分享”或是“共享”。共享资源，共享创意，共享记忆和情感，共享过去和生命中的某一刻。允许观众的情感经验和灵感的介入，在共同主题之下的某种分享。笔者在99年参与的杜赛尔多夫舞蹈剧场的作品“卡夫卡研究”和后续作品中，也是通过在舞蹈团体的网站上大量的公开排练计划，排练内容和进程，通过论坛采取网民的意见，不断的改进作品。

远程舞蹈创作是基于网络在线播放和传输技术之上，使几个不同地域同时发生的舞蹈表演发生关系。现场投射的远程影像和现场表演的当地舞者，时间和空间在这里发生了某种错变和重组，远程舞蹈并非是传输影像的形式，而是在追问舞者现时的发生，追问在传输的过程当中我们的表达是否还那么真实和可信，我们再次怀疑和质问这自己。

电影中的舞蹈艺术分析范文4

关键词：芭蕾；中央舞台；古典；大众

中图分类号：J732.5 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）04-0253-01

一、对影片中芭蕾舞的分析

电影《中央舞台》一明一暗两条线索，明线以追求芭蕾为线索，暗线以探索人生、追求生命真谛为主题。全片都围绕着芭蕾舞这个话题展开，对于芭蕾舞的表演、探索是全片最重要的内容，导演和编剧在这一点上做的很细腻也很专业，通过对许多细微而精致的芭蕾舞演员的细节描述，展现了芭蕾舞演员、芭蕾舞训练的真实生活。《中央舞台》中有三段经典芭蕾舞剧表演，《星条旗》片段、《罗密欧与朱丽叶》中相会片段、《天鹅湖》中众小天鹅共舞的一段。在这些舞段表演中演员的演技都达到了世界一流的水平，让观众由衷折服。在舞蹈表演的最后，女演员“挥鞭转”中，连续33圈的女主角连转，把芭蕾舞的经典动作表现到艺术的高峰。

影片的另一看点就在于对古典芭蕾和大众芭蕾的探索和分析，电影后半段通过两种芭蕾的矛盾碰撞，一直试图让事实做出解释。这种矛盾对立直接由两位关键人物激发――库珀是传统芭蕾的编舞，乔纳森是大众芭蕾的编舞，库珀固守传统经典芭蕾的艺术尊严，不容任何轻佻动作的亵渎，而乔纳森却志在冲破传统。他们两人的矛盾采用了美国电影矛盾渲染的惯用手法――两人不仅是事业上的对手，也是生活中的情敌。所有这些看点都让观众受益，两种芭蕾斗争的高峰时刻是在影片末尾的演出：一台是经典的传统芭蕾，古典芭蕾服饰下的演员在浪漫优美、超凡脱俗的经典音乐中跃动天使之梦，让观众倾心，之后，另一台大众芭蕾随之上演，又让观众耳目一新、点燃观众激情，大众芭蕾的演出无疑是颠覆传统的，编舞甚至将摩托车都搬上了舞台。

从影片中观察可以看出，虽然大众芭蕾和古典芭蕾的风格不同，但技艺却一脉相承，他们的基本技巧、训练动作都大体一致，而大众芭蕾正是在此基础上续写着自己的超越。大众芭蕾的超越首先在于动作，大众芭蕾的动作更多的嵌入现代意识和现代舞元素，动作更富有松弛感，也变的更丰富，它撇弃了古典芭蕾的严肃和古板，显得更有活力和时代气息。其次，大众芭蕾在音乐方面也明显有别于古典芭蕾，爆发的活力、多变的节奏、冲动、诙谐及社会流行的争议意识都荟萃其中，让大众芭蕾富含流行性、现代性，也更有律动性，所有这些，和观众内心形成共鸣。大众芭蕾的另一变化在于舞蹈的通俗化，通俗的芭蕾似乎真正成为群众的芭蕾，更易于受到大众的欢迎，同时，对于表演者来说，增强了演员的表演力，更能挖掘演员内心的表演诉求，因此她们的肢体动作和表情也显的更丰富，表演氛围也更轻松更活跃。电影中的舞蹈演员艾瑞克随口说的一句话也许真正道出了大众芭蕾和古典芭蕾通俗意义上的不同：乔迪嗜好大众口味，而我崇敬芭蕾，是因为芭蕾是众生仰视的美，是经典艺术。

电影《中央舞台》因为众多专业演员的加盟，让这部电影取得了超前的艺术高度，撇过故事情节不说，影片也不失为芭蕾舞艺术表演的一部优秀合集。

二、对影片中古典芭蕾和大众芭蕾的斗争、区别进行分析

首先，古典芭蕾被誉为神的舞蹈，表演尽显庄重、高贵、典雅，而现代大众芭蕾，则是众生的欢跃。古典芭蕾是传统艺术的结晶，以承袭历史文明为职责，包含着古典欧洲宫廷崇尚一统、尊崇君王的意识要求。而现代大众芭蕾则诞生于现代资本主义兴起下大众民主氛围，以创新、超越传统、彰显大众意识追求为责任。由此看出，两种不同的社会背景和意识、思想追求造成了两种芭蕾在曲目、题材选择，在审美诉求及动作规范上的决然不同。而现代大众芭蕾则可以说是芸芸众生的欢悦，是尘世衣食男女向往的归于普通大众的舞蹈。舞蹈以向下的动作指向为要领，以有意外露的动作用力为要求，以沉稳向下的动作质感为审美。现代芭蕾注重身体线条的任意发展，是自我身心的一种表现，由内而外，随着情感与心意自然发展，以全身作为动作的表现方式。现代大众芭蕾自诞生之初，曾经和古典芭蕾之间爆发了激烈的冲突，正像影片中库珀和乔纳森一样水火不容，而随着两者的不断斗争、融合发展，今天他们已经从对峙走向借鉴、融合。表现在创作上的取长补短相互学习，在训练上，也彼此补充，相互完善。电影《中央舞台》正是以这样的暗示让两者同台演出，在观众共同的掌声中，表达了对二者各有擅长的肯定。

三、总结

电影《中央舞台》把人生、梦想的追求和精彩的芭蕾舞表演及古典与大众芭蕾的矛盾完美的结合起来，不仅为我们呈现了芭蕾舞的魅力，也展示了大众芭蕾和古典芭蕾的社会背景和当下的争议，同时，也通过电影中主角的人生选择为观众很好的诠释了人生的价值主题。《中央舞台》成为一部当之无愧的歌舞题材的经典佳作，让观者久久难忘。

参考文献：

[1]王路灵.电影中央舞台赏析[J].中国人民大学，2009（09）.

[2]欧建平.现代舞欣赏法[M].上海：上海音乐出版社，1996.

[3]王印英.对峙与合作[M].在现代舞与芭蕾舞之间[J].湖南科技大学，2011（04）.

电影中的舞蹈艺术分析范文5

[关键词] 印度电影 电影发展 文化传播

doi：10.3969/j.issn.1002-6916.2012.24.015

电影艺术作为当今社会一种综合性的艺术体裁，它直接且形象地反映着特定地区特定时代的社会状况。同时电影作为一种传播媒介，对其它艺术形式的传承和发展具有重要的作用。印度电影，始终保持着特有的歌舞表演元素，使之呈现出一种水融式的结合。

一、印度电影的特点

印度电影虽然大部分是面对印度本土观众，但这并没有影响到印度电影业成为目前全球最大的电影工业之一，而其独有的特点也成为印度电影迅速崛起的因素之一。

1.鲜明的民族特色

印度电影给观众留下印象最深刻的应该是贯穿电影始终的印度歌舞表演。印度电影的歌舞元素根源在于其民族传统和宗教影响。印度人民是一个能歌善舞的民族，具有悠久的歌舞传统。在宗教领域，印度人民大多信奉印度教，湿婆是印度教中的三大神之一，印度教认为，舞蹈是由湿婆创造的，湿婆神就是舞蹈的化身，因此，印度人把对湿婆神的敬仰表现在对舞蹈的热爱。歌舞表演是观众喜闻乐见的艺术形式，尤其受到印度人民的推崇，所以当歌舞在二十世纪与电影这一新兴的艺术形式结合时，在印度电影人的努力下，理所当然地造就了具有独特魅力的印度电影。

2.传统的现实映射

印度电影虽以载歌载舞的画面著称于世，但同时印度电影也敢于直面尖锐的社会现象并充满着人文关怀。

进入二十一世纪，印度电影坚守其现实主义传统，从社会各个层面深刻反映了印度社会存在的问题和矛盾。如影片《季风婚宴》，整部影片都充满了色彩和旋律，民族风格鲜明，却在这样的氛围下揭示了一个印度中产阶级家庭讳莫如深的问题，从历史的高度对印度民族进行了自省。又如影片《三傻大闹宝莱坞》，整部影片用乐观的态度调侃沉重不堪的教育话题，用简单的方式力图改变令人窒息的制度。

除此之外，印度电影里大量流露出传统的人文精神。比如孝道，比如长幼有序的礼仪，比如那种以家庭为重的思想的坚守，比如对于惩恶扬善的看法，比如对于真善美的赞扬。

3.政策对电影发展的影响

印度电影的年产量上千部，票价一直较低，平均票价约60卢比，合人民币10元，还不到中国电影票价的十分之一，所以也是世界上电影观众最多的国家，每天进入电影院的观众达1400万之多，在全球更拥有36亿观众，印度电影蓬勃的发展现状和巨额的市场需求都将促成印度电影腾飞，从而使印度成为全球电影娱乐业遥遥领先的国家。

二、印度电影的启示

当我们的导演都在铺张大场面，玩特技的时候，看看印度，这个曾经甚至现在都不被我们放在眼里的国度，这个被赋予“落后”、“贫穷”、“拥挤”等标签的国家，是怎么另辟蹊径，生产出了优秀的艺术，生产出了激动人心的电影作品。这也就是印度电影带给我们的启示。

1.电影特色不鲜明

“民族的才是世界的”，这个原则同样适用于电影领域。

虽然印度电影的民族性特色十分显著，主要针对本土观众，但却吸引了全世界的目光。所以我国的电影人应该学习印度电影，充分发掘和巧妙利用自身的独特资源，如武侠文化，以及东方的审美观和民间艺术等，不盲目跟风。在中国发展的过程中，应该多利用电影等传播手段充分展示我国丰富独特的民族文化，从而让世界了解中国，让中国走向世界。

2.电影面向性窄

1995年到2003年，中国内地年度票房维持在10亿元左右，进入新世纪以来，中国电影进入高速增长的阶段，拍片数量仅次于印度和美国，2010年电影票房近102亿。虽然票房提升，但电影仍旧面向的是国内小部分的消费者，影院也只分布在一线和二线城市，中国广大的农村被排斥在经济现代化之外，且被文化市场所先在地放逐。

在这一点上，国产电影与宝莱坞有着较大的差别。当然，如何建立一种与更广泛的观众、与当下中国异常复杂的现实形成对话和互动的电影生态，使中国电影除了票房之外还能够发挥更多文化功能，是中国电影人需要思考的问题。

参考文献

[1]吴延熊，李晓丹.印度歌舞片的市场特征分析[J].现代传播，2010，（6）.

[2]高鑫，周文.电视艺术概论[J].中国传媒大学出版社，2005.

电影中的舞蹈艺术分析范文6

［关键词］ 女性主义电影；探戈叙事；身体；性别权力关系

跳舞时你什么都别做。只要跟着我，否则，你就干涉了我的自由，你搅乱了我的自由。

——帕布罗•贝隆

我不适合跟随，我适合引领，可你应付不来这一点。

——莎莉

《探戈课》(The Tango Lesson,1997)，又译《梦幻舞曲》，是一部跨国制作完成的作品（英国/法国/德国/荷兰/阿根廷）。它以导演莎莉•波特①本人的经历为蓝本，在真实之上加以虚构，因而具有半自传性。故事在极具节奏与韵律的探戈音乐中讲述了发生在一位初学探戈舞的白人女性电影编剧（片中人物即为莎莉•波特的本名）和一位希望拍电影的拉丁裔男性探戈舞者之间的拉锯战。电影的主要人物虽然只是莎莉和帕布罗，但两者关系的推动发展完全建立在探戈舞蹈的基础之上，探戈舞蹈因而成为影片情节发展的主要动力，成为影片隐含的第三个人物。

纵观整部影片，在探戈舞华丽炫目的舞步中，文化、性别、宗教、观看等多重权力层叠交叉，而本文首先要讨论的是，导演为什么选择探戈作为故事得以发生的缘起？探戈如何成为推动情节发展和人物关系的动力？影片如何区别于一般意义上的歌舞片和其他以探戈为题材的影片？作为一位有着鲜明女性主义意识的导演，莎莉•波特建构这一性别权力空间的意义何在？因此，本文试图从电影视觉层面的美学出发，分析舞蹈叙事中的身体权力关系、影像手段所建构的观看权力关系和声音手段建构的多重权力交叉，并进而探讨莎莉•波特对影像化的性别权力关系提供的女性主义新思考。

一、为什么是探戈——探戈作为影片表意符号的缘起探戈(Tango，西班牙文)，名称源自于拉丁文的Tangere，意义为“触摸”，被公认为是最性感最煽情的舞蹈形式，在西班牙、古巴、墨西哥和阿根廷都极为盛行。探戈的舞风、握持与其他舞蹈迥然相异。阿根廷探戈有独特的贴脸靠肩握持，舞步中男女四腿纠缠环绕，舞者必须适度调整身体手足，重心放置等位置，在原地彼此对绕，并大量使用旋转、轴转、回转及定点舞步，由摆荡倾斜的肢体驱动方式转换成垂直移动身体的运动方式。男女舞者动作敏捷轻巧，身体的敏锐度和柔韧度非比寻常；在错综繁杂的腿部舞蹈中尽显缠绵悱恻和高贵优雅。

本文认为，莎莉•波特之所以选择了探戈，正是因为它是权力关系的最生动展示，尤其是因为探戈舞蹈似乎从一开始就为权力关系设置了初始状态或者是默认状态，即男人引领，女人跟随——这是历史已然规定了的。因此，影片《探戈课》试图在内容和形式两个层面借助影像和声音手段来阐释探戈舞蹈的内在特征，由此开始其置疑、挑战和颠覆，即个体如何面对个体，身体如何成为意志，或许这正是导演莎莉•波特得以架构故事并表达诉求的起点。通常说来，作为艺术形式的舞蹈最擅长的是精确形象地展示人物情绪和感受，所以，本文将首先分析作为影片主体内容的探戈舞蹈，从舞蹈中的身体语言探讨影片对性别权力关系的建构。

二、引领，还是跟随——探戈叙事中的身体权力关系现代舞蹈与传统的古典芭蕾相区别，其分歧之一在于前者“让我们回到事物本身并面对独特性及意味的原初性”，（刘青弋，2004）而返回的原点便是身体，是身体的本能律动。社会学和文化研究中的身体是一个充满象征意义的符号，它既是自然属性又是社会属性，并在特定的历史时刻展现特定的含义。身体不是一个呈现文化形式的客体，而是文化的主体。刘青弋认为，舞蹈艺术作为身体“体现”的典型现象，“无论在官能感觉还是在抽象的精神方面，都集中体现了某种国家的、社会的、民族的、阶级的、时代的、文化习俗的身体特征”。（刘青弋，2004）舞蹈中的身体也是性别化的——女性化的身体、男性化的身体甚至是性倒错的身体，这些性别化的身体都被特定文化与特定历史规范塑形。因此，在这个意义上来看影片中探戈舞蹈的身体语言，就是在分析舞者对人类性别化身体的认知，在考察观看世界和观看自我的视角和方式。

探戈舞在片中的第一次出现是莎莉的剧场偶遇。莎莉从观众席向舞台上的表演者注目观看，被他们的精彩表演所吸引。舞台上的帕布罗完全是引领者的身份，以男性身体为轴，流畅地完成复杂的环绕、旋转、对绕、跳举等动作编排，这样的身体语言表达出作为舞蹈引领者的帕布罗占据着绝对的身体和意志优势。如果说影片一开始就暗示了男女主角权力拉锯战的启幕，那么影片字幕所提示的十二次课程则将拉锯战演绎得跌宕起伏。两位主人公的关系时而激烈时而平缓，时而温情脉脉时而剑拔弩张，推动这一切的就是身体化的探戈。不仅如此，探戈也成为莎莉和探戈、莎莉和自身之间关系的原动力。

影片中的探戈舞蹈可以粗略划分为五个阶段：莎莉初学探戈（第一课~第三课）——莎莉在帕布罗的教授下舞艺精进（第四课~第六课）——探戈表演引发莎莉和帕布罗之间的冲突和冷战（第九课）——莎莉筹备探戈电影（第十课~第十一课）——莎莉与帕布罗的平衡之舞（第十二课）。根据舞蹈动作类别来分析身体语言及性别权力关系的再现。从动作类型来看，以环绕、旋转、对绕、弹腿及跳举为主，但每个阶段都呈现出不同的舞蹈风格。

环绕、旋转与对绕这些动作都趋向于圆形，都可以在不断改变方向中寻找动态平衡，带来的动作感受是平滑流畅，收放自如。这一类的动作突出了莎莉和男性舞者（包括帕布罗以外的男性）之间的平等对话关系，尽管这种平衡是暂时的，会在不断打破后不断恢复。因此，探戈不仅是男女主角共同的喜好，当他们无法用话语交流时，探戈也是沉默的语言媒介。