电影艺术范例

电影艺术

电影艺术范文1

 

一、技术的缺陷:对电影本质的一种认识   爱因汉姆对电影的本质探索遵循两个维度,一个是通过心理学途径研究感性对形式的把握,他认为:“即便是最简单的视觉过程也不等于机械地摄录外在世界,而是根据简单、规则和平衡等对感觉器官起着支配作用的原则,创造性地组织感官材料。”[1]2另一个维度是所谓“物质论”的思想,即“对现实进行艺术或科学的描绘时,其最后形式通常在更大程度上决定于所使用的手段(即物质)的特性,而不是素材本身。”[1]2工具决定着对形式的把握,这样一来,艺术的产生便落脚于“工具”这个完全物质性的概念上。爱因汉姆由此断定:“使得照相和电影不能完美地重现现实的那些特性,正是使得它们能够成为一种艺术手段的必要条件。”[1]3艺术依附于工具,先存在电影工具,后延展出电影的艺术性。以人作为中介,电影工具与客观现实之间的“飘忽不定”的关系,就是电影艺术手段的来源,所以爱因汉姆认为:“把照相与电影贬为机械地再现,因而否认它们同艺术的关系的这种论点,值得进行系统的、彻底的驳斥,因为这正是理解电影艺术的本质的最好途径。”[2]爱因汉姆拟合出电影工具的六个“缺点”:电影影像是立体在平面上的投影而不是物体的本来面目;影像深度感的减弱;照明与没有颜色;画面的界限和物体的距离;时间和空间的连续并不存在;视觉之外的其他感觉失去了作用。他将物质性引入电影的“本体领域”,而不只将其看做单纯的美学现象,什么样的工具产生什么样的作品,这是对电影本质更加全面的认识。从客观物质出发比从主观精神出发更能接近电影的本质。所以综上所述,电影成为艺术的两个必要条件是:其一,对外在世界的摄取过程有人的参与,是人在进行的创造活动;其二,电影工具不能完整无误地再现客观世界。而电影成为艺术的充分条件则是:人通过艺术的能动,合理地利用电影工具的这些具体“缺陷”。   二、接近与复制:电影技术与现实模拟   然而电影工具的发展超过了所有人的预料,在电影融合新技术的每个阶段,都会引发一场前进还是保守的争论。   反对技术发展的艺术家们往往从两个方面提出观点:其一,在旧的电影工具下,艺术并未获得完全发展,技术的革新明显带有商业利益驱使下的盲目性,这是对电影的不负责任;其二,新的电影技术与电影本质相违背,这种技术不该被运用于电影。就像爱因汉姆所说的:“理论家的职责是检查工具和要求工具保持洁净。”[1]6不适合的工具应该被排除在电影外,而让电影在已经确定适合的工具作用下获得充分的发展。   在所有的艺术门类中,电影与科技发展关联最紧密,相关技术的进步很快就会对电影产生影响。“电影的这种火箭式的演变速度,必然使得它从内容到形式,都处在经常的、频繁的变化之中。”[3]13爱因汉姆对电影本质的论断是正确的,但他的电影发展观却没有按照正确的路径走下去,爱因汉姆对电影技术的看法与他建立电影本质理论的根基相矛盾了。   首先,电影技术革新的动力是什么?巴赞认为是“创造出一个符合现实原貌而时间上独立自存的理想世界”[4]283的“木乃伊情节”。所以电影的发展史是一个追求形似的历史。摄影机是满足这一心理需求的最好手段,“唯有摄影机镜头拍下的客体影像能够满足我们潜意识提出的再现原物的需要”[4]288。这种观点显然与爱因汉姆相矛盾。爱因汉姆认为:“最基本的美学冲动之一来自人类渴望躲开自然界饶人耳目的复杂性,因而努力用最简单的形式来描绘使人眼花缭乱的现实。”[5]一个是努力靠近现实,还原其暧昧性,另一个则是尽量区别于现实,只选用我们需要注意的事物。   其实电影最初的观众恰是被电影与现实生活的相似(而非区别)吸引到影院里的,很多成功的技术革新都是在向人眼对现实的视觉感知靠拢,人们更乐意通过贴近自身视觉经验的媒介进行观察,这种倾向发源自人的内心。确实有一段时间内观众和电影制作者是为了听声音而听声音,为了彩色而彩色,为了感受立体而看立体。所以,看待电影技术的革新不应该只是现实与艺术的关系问题,而需要充分考虑观影者的需要。   导演谢飞就认为:“电影作为一种社会存在,它的观念应该包括商品、交流工具、艺术三个部分。”[6]电影自诞生之日起就是一种商品,只有观众花钱买票,电影才能生存。   同时,电影是艺术家与观影者交流的工具,对工具的革新要使得交流更便利、更自由。新技术的运用能否提升电影的艺术价值则是在前两个条件都得到满足之后才考虑的。   所以,虽然在有声电影初期和彩色电影初期,电影都发生过艺术上的倒退,但声音和色彩都成功地保留了下来。任何一种电影技术的革新都不可能在第一时间就以艺术化的面目示人,而必须遵循市场规律,激励消费,以便在市场运作中进一步扬弃和发展。对好奇心的满足并不只在电影诞生的早期存在,而是会贯穿电影发展的始终。电影技术的发展遵循两个维度,一是这种技术增进了观影感知与现实经验的贴近程度,二是提升了艺术家表达自身的便利程度。一种新的电影技术能否在电影实践中获得更大的发展,就是看这种技术是否同时遵循上述两点。   三、动态与发展:新技术的推动作用   爱因汉姆认为:“电影的真实性恰好被削减到最令人满意的程度”[7],而新技术的运用会使工具的“缺陷”不复存在。一旦如此,人的创造力便无处容身,原本完美的电影工具就变得“不纯洁”。他认为:“电影正在让博物馆的蜡像逐步战胜创造性的艺术。”[8]一种技术被运用到电影中时甚至来不及论证其艺术功能,就已经被其他技术所取代,电影的艺术空间就这样被逐步挤压直至消亡。其实这样的推论建立在一个基础上:新技术的运用使电影工具不能完整再现现实的特性而逐渐消亡。这个基础真的牢靠吗?爱因汉姆举出的电影工具的几大“缺陷”是从无声电影作品中归纳而来的,其实声音、色彩、宽银幕等新技术虽然在一定程度上减弱了这些“缺陷”,但即使在今天,电影也绝对不可能复制客观现实,这是一个电影技术方面的问题。如何艺术地运用这些新的“缺陷”,则是方法论的问题。以有声电影为例说明,声音的使用是电影的第一次大变革,加入声音的电影确实更接近我们的现实经验。其实,有声电影这个概念中的声音更多的指向与画面情景相关联的影响,即使在无声电影时期,很多影片也包含着与画面发生某种联系的音响。声音是人的需要,无声电影显然并不能使观众满足,对有声电影的探索早在19世纪初就开始了。观看有声电影时,听觉也开始起作用,这无疑使信息更加复杂。爱因汉姆把声音看做是用来炫耀的技术花样:“由于电影技术的发展,对自然的机械地模仿很快会发展到极端。添加声音就是朝这个方向迈出的明显的第一步。”[8]然而事实却是,电影中的声音绝非现实生活中声音的再现。#p#分页标题#e#   日常生活中的声音通常包含了几十种音响的组合,而在电影录音时,首先就要对声音进行筛选,只有有助于传递影片信息的声音才会被保留。不光是筛选,已经被录入的声音还要经过“装饰”,哪一种声音需要增益,哪一种需要减弱,哪一种需要适当扭曲,不同声音之间如何过渡,声道之间怎样配合,这些都是音效剪辑的工作。“声音在时空结构上给电影带来了一个新的维度,使电影从四度空间(光、平面、立体、运动)的艺术变成了五度空间的艺术。”[9]电影符号学认为,声音也是一个符号系统,通过能指(声音文本中一定的基频和泛音的组合)和所指(能指所标识的类的状态)的区分和相互作用来实现符号系统的表意。观影中,声音能指的实现过程就是对观影者的两次同化过程。   “一次同化是对声场的认同,二次同化是对话筒和调音台的认同。”[10]艺术家引导着观众经历这个声音世界,调动观众接受这个不能完全复制现实听觉的音响。更重要的是,“有声电影为电影语言的某些美学原则敲响了丧钟”[11],发展出很多立足于声画关系的电影语言。声音的运用促成了对镜头的再次开发,“并由此逐渐形成电影自己特有的场面调度”[3]16,即“镜头内部蒙太奇”。运用爱因汉姆的理论,我们仍然可以将电影声音的艺术本质归结于电影声音不能完全复制现实音响的“缺陷”。电影的声音逐渐释放出艺术潜能,这并非出于侥幸,而是电影技术发展的必然规律和电影艺术内在要求的体现。   同理,其他的电影技术也不可能消除工具的先天“缺陷”,它们都与现实保持了相当的独立性,工具的“缺陷”仍然存在,以后也不会被“弥补”,而电影,仍然在飞速的发展中。多样化的电影工具肯定会使艺术家的主观表达更加自由、便利。从爱因汉姆的“物质论”出发也会得出这样的结论:物质性的电影工具的发展,是电影艺术发展的基础。

电影艺术范文2

 

作为继文学、戏剧、音乐、舞蹈、美术、建筑之后出现的“第七艺术”———电影是现代科学技术发展的产物,是20世纪最生动、最流行的一种艺术形式,自它产生之后,不但自身获得了飞速的发展,也对其他艺术产生了深刻的影响。   在中国,电影问世不久即由西方舶来,首先在当时处于开放最前沿的上海登陆,并迅速成为“海派”必不可少的一种生活方式。“海派”作家多有着一种浓厚的电影“情结”,在生活中热衷于看电影,在艺术上积极参与电影的批评与创作,小说创作也直接受到了电影艺术的影响。   在“海派小说”中,“蒙太奇”手法、特写和镜头语言等电影艺术手法都被转化为小说创作的常用技巧,使“海派小说”艺术获得了新的特征,具有一种“电影化”的效果。   一、“蒙太奇”   “蒙太奇”是法文“montage”的音译,原为建筑学术语,指的是建筑上的装配与构成,后来逐渐成为电影叙事手段和表现方式的术语,指电影剪辑与组接的一种重要艺术手段,具体说来就是把许多分散的不同镜头按照故事的发展艺术地加以剪辑、组合,使其通过画面形象间相辅相成的关系,造成烘托、联想、对比、暗示、悬念及节奏变化的效果。20世纪的“蒙太奇”手法已相当成熟,在电影艺术中得到了广泛应用,也被其他艺术形式借鉴和吸收。   “海派小说”作家由于对电影的热爱和熟悉,充分注意到了电影艺术的这种表现手法,刘呐鸥曾在《开麦拉机构———位置角度机能论》《影片艺术论》等文章中对“织接”(即蒙太奇手法)作过详细介绍和分析,他认为:“影戏是动作的艺术,影戏的内容应该渗入动作表现的形式里”①,“普通用摄像机所拍好的在软片的四角框内的景,无论它的配置和构图是怎么样好的,本不过是个‘死’的静画,毫没生命”,而惟一能让画面动起来的因素就是“织接”(蒙太奇手法),“如果用织接的魔力把这些四角长方形的各片的头尾连接而统归在一个有秩序的统一的节奏之中,这一连的软片便成为有个性的活泼的东西”,“织接是影片生成上最生命的要素,它是诗人的语,文章的文体,导演者‘画面的’言语”②。这种理论上的具体论述,与直觉的感受结合在一起,对“海派小说”作家的创作产生了很大影响。   “海派小说”表现着光怪陆离的都市生活和复杂的现代都市情绪,传统小说的表现手段已无法满足其需要,“海派”作家就借用蒙太奇手法,突破了中国传统小说按照时间流程展开线性叙事的单一模式,在时空交错和意识跳跃中使小说情节安排更加灵活多变,把上海都市的喧嚣与繁华、人性的浮躁与虚无淋漓尽致地表现出来,给人一种耳目一新的感觉。   刘呐鸥较早地将“蒙太奇”作为其创作的常用手法,形成了其小说艺术的一大主要特色。其代表作《游戏》开篇就是一个典型的“蒙太奇”,这一段颇为人们熟悉,作者通过“蒙太奇”的手法把舞厅的混乱奇异的景象传神地展现出来,灯光、酒杯、各色人物———画面急剧地切换,造成了一种炫目的感觉。这里的“蒙太奇”艺术运用得相当精妙,使文字充满了画面感,生动传神。而在刘呐鸥的很多作品中,都可以见到这种“蒙太奇”艺术的风采。   章克标的《南京路十月里的一天下午三点钟》也运用了“蒙太奇”手法:两边的人行道,阔四步半,中央的车道十八步。电车轨道,双轨,车子来,车子去,飞,飞,飞一般的,司蒂倍克,雪佛兰,欧斯康,奥斯汀,道奇,发施登,派卡,飞霞509,克雷斯勒,黑泼麻鼻尔……大塌车,人力车,马车,小车,货车,运货汽车,无轨电车,下来,下来,下来,人,男,女,上去,上去,开。走,脚踏车,人力车,人力车。人力车,汽车,汽车……③这一段描写把南京路上来来往往的车辆、熙熙攘攘的人群生动地描绘出来,一个个街道场景,一组组絮乱的镜头,他用破碎的语言将一个个画面组接在一起,既表现出都市的动感与繁华,又显露了令人眩晕的拥挤与嘈杂,还折射出人们的烦躁心态,“蒙太奇”手法运用得恰到好处。   穆时英的“蒙太奇”手法更为“老辣”,他的小说里常把许多交织的线索与互不相干的故事拼贴在一起,相互冲撞、反讽、回旋,造成一种极不寻常的艺术效果。《上海的狐步舞》全文就是由不同场景和画面组接而成的,画面既各自独立,又相互衔接,恰似一部以“蒙太奇”手法拍摄的电影。他用文字摄取一个个镜头,镜头不停地移动转换,一幅幅不同的画面交叉组接在一起,形成对照与对比,产生出强烈的视觉和感觉的双重艺术效果。在他的《街景》《夜总会里的五个人》《黑牡丹》《夜》、PIERROT、《红色的女猎神》等作品中都采用了这种“蒙太奇”。   张爱玲的小说则常常使用“时间蒙太奇手法”的手法,即“主体可以在空间上保持不动,而人物的意识却可以在时间上移动”④,使过去与现实“闪回”转换,自然流畅,既拓展了作品的表现空间,又造成了一种悠然雅致的艺术效果。其最典型、也最为人称道的例子是《金锁记》中七巧在房间里监督两个丫鬟放箱子的一段描写。作者用七巧看着箱子一只只叠放在一起作为“引子”,将七巧过去的记忆交叠在现在的现实生活之上,描写了“麻油西施”时代的麻油店的景象和七巧青春的样貌及日常生活,而昔日肉案上扑面而来的生猪油的“腻滞的死去的肉体的气味”让七巧还记忆犹新,也让她想起了曾经“床上睡着的她的丈夫,那没有生命的肉体”⑤。这时,风吹得房间墙上的“囘文雕漆长镜”摇摇晃晃,七巧按住镜子,镜子清晰地照出了现在七巧所在的房间的景象———褪了色的陈设和丈夫的遗像,一切在镜中荡漾着,令人晕眩,而镜中老了十年的七巧的样子则更为触目惊心。这里,过去的回忆和现在的实景通过作者巧妙地画面组接紧密联系起来,形成了鲜明的对照,写出了十年间主人公的巨大变化,也表现出其不同的精神状态,给读者以强烈的视觉和感觉刺激。而在《沉香屑•第一炉香》中,张爱玲也运用了“时间蒙太奇”的手法,将前后发生的两种感受黏合在一起,加以梦境般的呈现,也很值得品读和玩味。#p#分页标题#e#   薇龙一夜夜不曾合眼,才合眼便恍惚在那里试衣服,试了一件又一件:毛织品,毛茸茸的像富于挑拨性的爵士乐;厚沉沉的丝绒,像忧郁的古典花的歌剧主题歌;柔滑的软缎,像“蓝色的多瑙河”,凉荫荫地匝着人,流遍了全身。才迷迷糊糊的盹了一会,音乐调子一变,又惊醒了。   楼下正奏着气急吁吁的伦巴舞曲,薇龙不由想起壁橱里那条紫色电光的长裙子,跳起伦巴舞来,一踢一踢,淅沥沙啦响。⑥   叶灵凤的《流行性感冒》、黑婴的《1000尺卡通》和《伞•香水•女人》、禾金的《造形动力学》等小说,也都巧妙地化用了“蒙太奇”的表现手法,取得了突出的艺术效果。   “海派小说”运用了大量的“蒙太奇”手法,巧妙地将不同的形象、场景交错组接在一起,构成了小说多角度、多层次的立体化、空间化结构,改变了传统小说的线性叙事模式,这对现代小说文体的发展也具有一定的贡献。   二、特写   特写,是指电影中针对某一对象而拍摄的特定的局部镜头。其作用是强调,即通过对特定事物的集中关注,使表现对象从周围环境中凸现出来,形成清晰的视觉效果。电影中的特写镜头不仅能够帮助观众更直接、更迅速地抓住事物的本质特征,加深对事物的认识,而且也能够表现人物细致的表情与动作变化,揭示人物细微的情感与思想变动,使观众在视觉和心理上受到强烈的感染。因此,特写是电影通过细节刻画人物,展示人物丰富内心世界的一种重要手段。这给“海派小说”作家以许多启示,他们的创作也大量引进了特写的手法。   叶灵凤的《流行性感冒》中,直接幻想了“就要开始的电影的场面”,而这个电影的场面中最突出的表现手法就是特写,这些特写主要集中于人物的眼睛和脸部表情上面,用以表现人物细腻、变化的感情。   “新感觉派”小说中对于女性形象的描写,常常运用特写的手法突出其主要特征。   肢体虽是娇小,但是胸前和腰边处处的丰腻的曲线是会使人想起肌肉的弹力的。若是从那颈部,经过了两边的圆小的肩头,直伸到上臂的两条曲线判断,人们总知道她是刚从德兰的画布上跳出来的。但是最有特长的却是那像一棵小小的,过于成熟而破开的石榴一样的神经质的嘴唇。   ⑦她鬓角上有一朵白的康纳馨,回过脑袋来时,我看见一张高鼻子的长脸,大眼珠子,斜眉毛,眉尖躲在康乃馨底下,长睫毛,嘴唇青得发腻,耳朵下挂着两串宝塔形的耳坠子,直垂到肩上———西班牙风呢!⑧这两段文字都以特写的方式,细腻地刻画了女性的形象,突出了她们在容貌和体态上的主要特征,显示出其独特性。而穆时英在小说Craven“A”中,更使用大量的比喻对女性身体的每一个部位都做了特写式的描绘,“黑松林地带”“大理石的平原”“葱秀的高岭”“纤细的草原地带”“湖泊”“火山”“熔岩”“海峡”“孪生的小山”“紫色的山峰”“海堤”“纤细的黑嘴的白海鸥”等等,特写式的展现细腻多彩,彻底颠覆了以往文学作品里对女性肉体遮遮掩掩的态度,精雕细琢的刻画强烈地刺激着读者的情欲,以致有论者惊呼“中国作家中还从来不曾有人这么大胆地做这样的色情幻想”⑨。   如果说“新感觉派”作家的电影特写“镜头”,还大多停留在色情的诱惑中,那么,张爱玲小说的特写则更为丰富,既有人物的特写,又有景物的特写,也有事物的特写。   张爱玲的人物特写非常善于抓住人物的主要特点,不仅展示出人物的外在特征,而且也努力揭示出其内在的性格特点。   还好,她还不怎么老。她那一类的娇小的身躯是最不显老的一种,永远是纤瘦的腰,孩子似的萌芽的乳。她的脸,从前是白得像磁,现在由磁变为玉———半透明的青青的玉。下颌起初是圆的,近年来渐渐尖了,越显得那小小的脸,小的可爱。脸庞原是相当的窄,可是眉心很宽。一双娇滴滴,滴滴娇的清水眼。⑩   那是仲夏的晚上,莹澈的天,没有星,也没有月亮,小寒穿着孔雀蓝衬衫与白袴子,孔雀蓝的衬衫消失在孔雀蓝的夜里,隐约中只看见她的没有血色的玲珑的脸,低下什么也没有,就接着两条白色的长腿。她人并不高,可是腿相当的长,从栏杆上垂下来,分外的显得长一点。她把两只手撑在背后,人向后仰着。她的脸,是神话里的小孩的脸,圆鼓鼓的腮帮子,小尖下巴。极长极长的黑眼睛,眼角向上剔着。短而直的鼻子。薄薄的红嘴唇,微微下垂,有一种奇异的令人不安的美。   这些特写都极简洁,寥寥几笔,但却准确传神,充满了生趣,也凸显了人物的独特特点。   张爱玲的小说也特别注重景物的特写,借以介绍环境、渲染气氛、烘托人物的感情。如《沉香屑•第一炉香》中对梁太太的房子的特写:依稀还见那黄地红边的窗棂,绿玻璃窗里映着海色。   那巍巍的白房子,盖着绿色的琉璃瓦,很有点像古代的皇陵。梁家那白房子黏黏地溶化在白雾里,只看见绿玻璃窗里晃动着灯光、绿幽幽的,一方一方,像薄荷酒里的冰块。渐渐的冰块也化了水———雾浓了,窗格子里的灯光也消失了。   这两段都描写了梁家的房子,景物是一样的,但两次特写却因为人物不同的心境而具有不同的色彩,前者疏远而威严,透着些许恐惧;后者则迷幻朦胧,带着诱惑。张爱玲作品中还常常出现对于“月亮”和“灯光”的特写镜头,也都非常含蓄而出色地营造出故事发生的独特气氛和人物的复杂情感。   特写已成为“海派小说”创作的一种娴熟的技巧,突出了其所描写的人物与景物的特点,也给读者以深刻的印象,增强了“海派小说”的艺术表现效果。#p#分页标题#e#   三、镜头语言   镜头,是电影构成的最基本单位,指摄影机在一次开机到停机之间所拍摄的连续画面。构成镜头的基本要素包括:画面、景别、拍摄角度、镜头的运动、镜头长度、镜头声音,等等。镜头语言则是根据影片内容的要求、情节的发展以及观众审美习惯而采取的有逻辑、有节奏地进行镜头切分或组合的方式。每一部电影总有他特定的镜头语言,而不同的镜头语言也会造成电影的不同风格。   “海派小说”的创作大多有比较强的镜头意识,常常运用不同的镜头语言来结构小说的画面,使描写的视点如摄影机的镜头一样,不断移动,并将一个个镜头组接在一起,完成一个完整的叙述过程。   整齐的狗的行列里边,李将军的阔嘴突了出来;再过一秒钟,看到它的耳朵了;在二百码的地方,它的两条腿也跑出来了;跑到三百五十码的地方。李将军的雄伟的剪影整个地出现在跑道上面!   这是穆时英《红色的女猎神》中的一段描写,作者采用了电影里惯用的“跟镜头”的方式来展现赛狗的过程,小说的关注点一直跟随着被关注的对象而移动,一个镜头接着另外一个镜头,始终保持着运动的姿态,使小说的描述连贯通畅,紧紧抓住了读者。   穆时英的《夜总会的五个人》里,文字描写的镜头运动的特点更加明显,作者首先将霓虹灯不停闪烁的光通过买《大晚夜报》的孩子蓝色的牙齿和红色的牙齿反照出来,并与对面高跟鞋和葡萄酒的广告画面交替呈现,然后由近及远地摄取了“亚历山大鞋店,约翰生酒铺,拉萨罗烟商,德茜音乐铺,朱古力糖果铺,国泰大戏院,汉密而登旅社”等林立的繁华街道,最后将镜头转而凝固在“皇后夜总会”的霓虹灯上。整段描写作者的视点一直在移动,于是文字的描写像摄影机的镜头扫过一样,沿着街道将耀人眼目的都市夜景———闪烁的霓虹灯、各色的广告、琳琅满目的商户和灯火辉煌的夜总会———一一呈现出来,“镜头”推拉、停顿,组成了一幅完整的画面。   而张爱玲的《金锁记》中的一段环境描写,也充分利用了镜头语言:天就快亮了。那扁扁的下弦月,低一点,大一点,像赤金的脸盆,沉了下去,天是森冷的蟹壳青,天底下黑黝黝的只有些矮楼房,因此一望望得很远。地平线上的晓色,一层绿,一层黄,有一层红,如同切开的西瓜———是太阳要上来了。渐渐马路上有了小车与场车辘辘推动,马车蹄声得得。卖豆腐花的挑着担子悠悠吆喝着,只听见那漫长的尾声:“花……呕!花……呕!”再去远些,就只听见“哦……呕!哦……呕!”   这里采用了“推拉镜头”的方式,由远及近,再由近及远,出色地展示了清晨城市从寂静中渐渐醒来,却又依然宁静的特色,声画浑然一体,表现具有层次感,形成了一种独特的意境。   “海派小说”对环境的描写不再停留在平面上,而是刻意造成一种空间感,电影“景深镜头”的表现技巧为小说表现空间的建立做出了巨大的贡献。所谓“景深镜头”是指利用光、影等各种摄影技巧表现具有纵深感的画面的镜头方式,以视觉空间的纵向距离来产生更多视觉容量,造成画面强烈的空间感和立体感。“海派小说”中景深镜头的运用,也有效地增强了小说景物描绘的立体效果。如张爱玲《金锁记》中描写世舫在“阴森高敞”的餐室喝酒后初见七巧的一段:世舫回过头去,只见门口背着光立着一个小身材的老太太,脸看不太清楚,穿一件青灰团龙宫织锻袍,双手捧大红热水袋,身旁夹峙着两个高大的女仆。门外日色黄昏,楼梯上铺着湖绿花格子漆布地衣,一级一级上去,通入没有光的所在。   这段描写从逆光的角度,以黑暗的长楼梯为背景,描写了七巧的形象,整个画面立体感强烈,营造出了一种阴森恐怖的气氛。   总体说来,“海派小说”中电影镜头语言的运用具有多侧面、多角度、多层次的特点,这增强了小说叙述的空间感和立体化效果,小说的艺术表达手法得到了扩展,艺术表达效果也得到了加强。   “海派小说”对电影艺术语言的运用较为普遍而纯熟,电影对“海派小说”创作的影响可见一斑。

电影艺术范文3

在我国近年来的改革开放与社会主义现代化建设前进的浪潮中,特别是进入21世纪后,消费大众的思想被经济娱乐化观念充斥着,而网络媒体流传的恶搞理想、解构崇高等,更是成为当下的流行时尚消费元素。可是,当这一切消解、恶搞正面精神的热闹过后,留给大众思索的精神又会有些什么呢?所以,我们发现,当物质将人们的思想囚禁在浮华之中,就需要理想、精神的出现来挽救道德的滑坡,开始呼唤有正面积极的价值观出现来重建我们的精神家园。这样,“红色经典”电影中所彰显的老一辈无产阶级革命家们对于神圣的革命理想的执著追求,以及在艰难困境中始终洋溢的坚定信念,就具有鼓舞人心、推动人类迈出寻找自己精神家园的脚步的作用。特别是在“红色经典”影片中所弘扬的革命者关于国家民族大义的崇高理想诉求及其舍身卫国的坚定信念,在当下这个理想苍白的时代具有很大的励志作用。

“红色经典”影片对于“艰苦奋斗”精神的重述

艰苦奋斗,是我们中华民族与中国共产党的一个优良的精神传承,是我们民族与党多年来形成的不怕困难、百折不挠的意志体现,更是在那个艰苦的红色革命年代形成的中国共产党与广大人民群众的真实写照。作为我们革命前辈传承下来的一种勤俭节约、艰苦创业的精神,作为一种革命前辈遗传下来的奉献思想,艰苦奋斗在“红色经典”影片中得到了成功的彰显,革命前辈那种自强不息、勇于开拓进取的蓬勃向上的精神风貌,在红色经典影片中运用图像的形式被充分地演绎出来,突显了我们党在革命战争年代形成的坚忍不拔的革命精神,对当下物质化的消费社会起到了很好的励志教育意义。

“红色经典”中“开拓创新”精神的弘扬

我们可以毫不夸张地说,中国共产党最终走向成功的革命史,其实就是中华民族一部与时俱进、不断创新的历史。在“红色经典”影片中弘扬的创新精神,就是我们党自身所蕴涵的革命走向胜利的创新精神,以及在时间的淘洗下能够最终传承下来的具有创新精神的内质,这对当下我们置身的精神缺失的境况是一个有力度的鼓励。而当下社会中掀起的“红色经典”影片观看热潮,则与其影片创作过程中吸纳的创新性元素有着直接的关系。“红色经典”影片的这种创新方式,也对我们整个民族、人类都有着积极的正面启示,创新是人类与民族继续生存发展的必备条件。

体育题材影片的励志效果

相对于整个电影艺术来说,体育题材的电影所承载的励志意义,在电影艺术中占着很大的比重。比如以一个拳击手作为故事叙事中心的《斗士》,片中没有多么耀眼炫目的镜头语言,导演只是用一种平实的叙述方式为消费大众讲述了一个拳击手不断地自我完善、通过自我努力获取成功与幸福生活的故事。影片荣获奥斯卡七项大奖,彰显了一种积极乐观的精神与对美好幸福生活不懈追求的体育精神,具有很好的励志效果。以发生在1980年盐湖城冬奥会上的真实事件为素材的影片《冰上奇迹》,则向我们展示了一种互相理解、友谊至上、团结互助的精神。20世纪80年代正是美国与苏联这两个世界级霸权国家处于冷战的时期,80年代初期的美国大地,正是经济低落、政治身份尴尬的一个时期,美苏两国的竞争体现在每一个方面,而体育,则更是成为两国荣誉竞争的焦点。

就在这种大的氛围中,影片《冰上奇迹》以图像的形式表达了一种冲破种族文化差异的大同精神。这部电影展示了不同民族的文化差异,使观众看到的不是不同国家民族之间的矛盾与冲突,不是自我封闭、相互鄙视,而是打破狭隘观念,去以一种广博的情怀接纳、认识、理解本民族以外的具有相异性的文化,以此来更好地领悟人类不同精神文明所蕴涵的深厚宽广的底蕴,通过学习他种文化的精华来不断地丰富自我的世界,从而成功地在片中彰显了一种包容的奥林匹克国际精神。美国影片《篮球场上的奇迹》,以受训于篮球名人堂的教练唐•哈金斯为影片叙事的主人公,唐•哈金斯曾经是俄克拉荷马州的篮球运动健将,在上大学期间曾经获取过全额篮球奖学金,他还是俄克拉荷马州中最好的大学的篮球队长。细细数来,哈金斯的运动生涯战绩赫赫。他从篮球队退役后,成为专职教练。作为高中的教练,他带领着他的队员们在198场比赛中赢了157场,担任大学篮球队教练时,他又率领着他的队员赢得了赢球场数排名历史第四的优异成绩,而且还获得过11次季后赛的冠军。一系列优异的成绩将他推上了篮球事业的巅峰,使他有了进入篮球名人堂的资本。但是,真正使哈金斯成为他所置身的时代最伟大的篮球教练之一的事件是,1966年他带领了不被大家看好的没有任何实力的平民队员、并以全输的赛果参加的美国大学生经典联赛。在这场比赛中,作为白种人的哈金斯,却作为教练带领着美国历史上第一支全部由黑色人种组成的篮球队———德州西部大学队,在种族歧视盛行的年代,哈金斯率领着这支由黑人组成的球队打败了白人的篮球队,一举夺取篮球联赛的冠军。由此,美国的历史翻开了篮球史新的一页篇章。而影片所体现的公平、公正、平等、自由超越了种族界别的体育精神,则具有很好的励志效果。

体育比赛的竞技原则是公平、公正,这就使人类在一个平等的氛围中抵达励志精神的一致性。奥林匹克宪章有着这样的规定,即奥林匹克主义是增强体质、意志和精神并使之全面均衡发展的一种人生哲学。因此,体育运动与励志精神相结合形成的合力,特别是体育电影中所彰显出来的、容易被消费大众接受、具有强大的励志作用的精神,对于人类励志精神的传播与发扬起到了很大的作用。体育精神也借此传播方式进入到寻常百姓家,为更多的人接受,体育的励志精神也以一种润物无声的方式潜移默化地作用于人们的精神世界。

电影艺术作为励志载体的教育价值

电影是一门源于西方的新型艺术门类,它的产生与工业科学技术革命的发生与发展有着密不可分的关系。19世纪末期,西方的工业革命以及蒸汽机的发明、科技的进步,为电影的问世奠定了技术的基础。当历史进入20世纪末期的时候,电影已经成为人类生活中必不可少的一个部分。它的内容与艺术形式,都与人类的生活发生了紧密的关系,而且成为一种被大众广泛了解、并在社会上得到广泛传播的艺术门类。在一个多世纪的时间中,电影艺术的发展先后经历了从无声到有声再到立体声,由黑白到彩色再到3D效果的历史进程。电影科技的不断发展前行,对于其他各种艺术门类的形式的不断吸取借鉴,尽可能地使自己不断完善、完美,最终发展成为一门融音乐、美术、科学技术等为一体的既综合又独立的艺术门类,具有着极为有效的传播性能。#p#分页标题#e#

电影艺术范文4

音乐艺术与电影艺术的艺术形式

1.音乐艺术与电影艺术的存在形式

音乐艺术是听觉、时间的艺术;电影艺术则是现实的直观的艺术。音乐艺术的展现要在一定的时间过程中完成,是抽象的,不会有具体的物质存在,只有在记忆中体现;电影艺术中的电影作品则是一个具体的事物,通过镜头的运用达到一种具体形式的存在。电影是借助演员的表演对情节进行动态的表现,让人们有一种面对面的交流的感觉。音乐艺术与电影艺术相比,音乐艺术最突出的特点是间接性,只能让人们在聆听音乐时通过自己的想象来理解和感受;而电影艺术则是直接性的,人们只需观看一部片子就可以明白它想要表达的思想与情感。

2.音乐艺术与电影艺术的构成形式

音乐艺术用音符在纸上表现出音乐中的旋律,在纸上的每一个符号都不能被孤立出去,每一个符号都有它自己对整曲乐章的贡献,只有在一起才能表象出这个乐章中旋律的灵魂,才能称之为一首完整的乐曲。电影艺术中通过创造者用一个个不同拍摄手法的镜头来表现艺术作品。而这些镜头远非一般人所想象的那么简单,每一个镜头中都寄存着创作者的情感,不是给人表面上的视觉效果,而是使作品中的艺术感染力更浓厚。

3.音乐艺术与电影艺术的创作形式

每个能发声的物体都有自己的形式,通过它们各自不同的声音形式来表现各自的特征。不同的声音形式,可以表达出不同的内在感情。音乐艺术中声音不仅有形式的不同,而且还有民族、地方风格的不同。不同民族、不同的时代和不同的地方,形成不同的风格、音调、特色。这些声音状貌又可以表现不同的事物、不同人的感情。这样一些外部现实被音乐艺术塑造出来,体现了音乐艺术的创作性。电影艺术可以从不同的角度去划分。按内容题材,可以分为故事片、动画片、美术片、舞台艺术纪录片等等;按媒介形式,可以分为无声电影和有声电影、黑白电影和彩色电影、标准电影和宽银幕电影,还有立体电影、全景电影、香味电影。[4]这些不同题材不同媒介形式的作品,体现了电影艺术的创作性。

音乐艺术与电影艺术的作用

1.音乐艺术与电影艺术对人能力培养的作用

音乐艺术通过的旋律来传达给人们一个轻松愉快的心情,在这个过程中使人们的心灵得到陶冶,情感得到升华。在陶冶情操的同时,提高了人们的音乐审美能力。电影艺术运用镜头剪辑和画面创造美,展现美。人们在观影时,可以忘却生活中的琐事,使人们的感情得到陶冶和升华。在欣赏电影艺术作品的同时,我们也可以在影片中寻找到生活中的点滴,是我们情感得到释放。

2.音乐艺术与电影艺术都具有提高爱国情操的作用

电影艺术范文5

关键词:电影艺术;电影音乐;协调发展

引言

电影是一门通过刻画主人公人物形象来展现故事情节和矛盾冲突的艺术形式。电影主要以反映现实生活中现象和历史事件为主。电影中的音乐虽然大多数以简短的形式出现,但是作用确实非常大。不仅可以渲染整个电影的气氛,还能够起到推动电影剧情发展的作用。只有把电影和音乐结合在一起,才能让整部电影变得更加地吸引人,最终受到人们的好评,得到人们的喜欢。

1电影音乐的产生

电影最开始是一种无声的状态,一直到1927年,人们在研究无声电影时,发现虽然无声的电影也非常得好看,但是在播放的时候和观众缺少一种互动的感觉,同时也很难和观众产生共鸣,为此人们开始研究在无声电影中添加一些因素,音乐就是在这个背景下出现的产物。起初,电影中的音乐只是一个辅助的作用,随着时代的快速发展和进步,人们对电影的要求越来越高,开始有越来越多的人觉得无声电影在观看的时候会让人产生一种枯燥的感觉,这个时候在电影中添加音乐的愿望就变得愈发地强烈。电影也开始从无声时代朝有声时代的方向发展。现在电影中的音乐更多的是表达一种思想和一种感受。声音融入到电影中之后改变了传统电影的形式,让电影在美学上有了非常大的改变,同时也突破了传统电影的空间。和传统音乐不同的是,电影音乐必须要建立在电影影片的基础上才能出现,电影音乐想要表达的意思也必须要切合整部影片,只有让电影音乐随着电影剧情的发展而推进,才能真正地发挥出电影音乐的作用[1]。

2电影音乐的作用

电影音乐的作用主要包括以下内容:

2.1电影音乐可以反映电影人物的心理感受

一部电影在拍摄的时候会借助电影音乐的力量来表达电影中人物的心理和状态,当电影中的人物心理发生变化的时候音乐也会发生变化,例如:对电影中比较活泼的人和电影中比较阴险的人在配备音乐的时候就需要有自己的特色,表现上也需要更加地鲜明,这样观众在观看电影的时候才能区别出不同人物的特色,也可以随着音乐的变化来推测后续电影剧情的发展。

2.2电影音乐可以优化电影主题思想

一部电影在播放的时候都会给人以思考,这个思考就是电影想要表达的主题思想,主题思想可以充分地表现出电影中人物的冲突和矛盾。每一部电影在拍摄的时候所使用的表现形式也有自己的不同,特别是电影在后期剪辑的时候,人们会根据整部电影想要表达的思想来配上合适的音乐,音乐和电影内容的结合可以起到提高电影生命力的作用。

2.3电影音乐可以烘托电影画面的气氛

和常规音乐不同的是,电影音乐在使用的时候最主要的目的就是吸引观众,让观众在观看电影的时候感受到电影里面的环境,同时为了铺垫电影即将上映的情节。通过实践发现,在电影中添加音乐既能起到烘托氛围的作用,又能展现出一个电影中最完美的情调。当电影随着情节此起彼伏的时候观众也可以根据情节的变化而变化。对于不同年代和不同时间来说,都有代表这个阶段的乐器和乐曲出现。

2.4电影音乐的感召能力

电影音乐和电影内容两者之间是一种相互通融的关系,音乐和内容密不可分,两者之间互相影响。人们在观看电影的时候可以通过视觉和听觉双重感受来感觉电影所表达的思想,电影在播放的过程中电影剧情也会随着情节的不同流露出导演想要表达的情感。例如:在一些爱国电影中,人们在观看电影的时候就会有一种身临其境的感觉,观众可以在这些爱国人士的身上联想到历史中的一些英雄形象,所以很多人在观看电影的时候都觉得电影内容就好像是一个时代的缩影,不仅给我们一定的启发,还深深地影响着我们。

2.5创造叙事的节奏

音乐最大的特点就是节奏性非常强,电影中使用的音乐更需要有强烈的节奏感,只有这样才能和电影画面完美地结合在一起,但是有的时候电影在配乐的时候也需要有和电影内容相关的感觉,出现这种情况的主要原因就是为了更好地表达电影中的主题思想。除此之外,为了给人一种美的感受,有时候导演会在播放背景音乐的时候把镜头来回地进行切换。

3电影艺术和电影音乐的结合

音乐可以在一定程度上影响人们的情感和情绪,人们在听到音乐的时候会联想,然后产生一种共鸣。最开始的时候音乐是在劳动的背景下出现的一个产物,主要反映当时劳动的情况。电影和音乐两者之间的关系就好比鱼和水之间的关系一样,谁都离不开谁。只有把音乐和电影内容结合在一起才能创造出一部优秀的影视作品。随着社会经济的快速发展和进步,音乐艺术的表现形式也有了一定的改变,音乐在电影中的地位也变得越来越重要。例如:在电影《战狼2》音乐里面就透露着《战狼3》要拍摄的信息,这个时候人们在听音乐的时候就会有一个期待。因为《战狼》电影是一部爱国影片,所以在配音乐的时候,所有的音乐都会给人们传递一种中国的力量。人们在研究的时候发现,在20世纪80年代的时候很多流行的歌曲都是电影中的主题曲或者是电影里面的插曲,人们在唱这些歌曲或者听这些歌曲的时候都会想到电影里面的情节和桥段,这样不仅能够引起观众的回味,还能提高观众的视觉效果[2]。

3.1电影音乐对电影人物心理和情节的融合

著名的音乐家贝多芬曾经说过:音乐给人的启示要比智慧和哲学都要高。现在日常生活中音乐也已经成为了人们的精神食粮,人们在烦躁的时候听一些安静的音乐可以让自己静下心来。在电影艺术里面,所有的音乐都和电影里面主人公的喜怒哀乐联系在一起。例如:在一些爱情电影中为了体现出男、女主人公的爱情,在配备音乐的时候会用一些轻松的节拍来表达出爱情的真谛,同时给人一种美好的感受。

3.2音乐对电影结构和叙述之间的结合

要想让人们感受到电影内容的饱满程度,导演在制作电影的时候都会借助音乐的力量来完成衔接工作,例如:电影《中国合伙人》中就在学生考托福和模拟签证片段中响起了音乐《国际歌》,给整个电影增加了更多的色彩。

4电影艺术和电影音乐的协调发展

音乐无论在任何时候都可以打动人心,人们在听音乐的时候情绪上也会发生一定的变化。电影艺术在创作的时候把视觉和听觉结合在一起,可以增加电影的力量。现在大部分导演在导戏的时候都喜欢用音乐来进行衬托,最终达到突出主题的目的。在电影里面音乐就好像是一个流动的画面,把电影里面的人物和音乐表达得淋漓尽致,让电影变得更加得有感染力。不同类型电影会有不同风格的音乐,在选择的时候一定要严格按照电影的主题思想来选择,例如:喜剧就需要选择一些欢快的音乐;悲剧就需要选择一些悲伤的音乐。

5结语

综上所述能够发现电影创作者在创作的时候要想真正发挥出音乐的作用就需要在创作之前先了解音乐,然后合理地进行分配,这样就可以把音乐和电影完美地结合在一起,最终在表达电影情节的基础上烘托整部电影的氛围,让更多的人喜欢上导演创作的电影。

参考文献

[1]路璐.浅议电影艺术与电影音乐的协调发展[J].声屏世界,2020(01):56-57.

电影艺术范文6

文化产业及相关产业范围包括:提供文化产品、文化传播服务和文化休息娱乐活动有直接关联的用品、设备的生产和销售活动以及相关产业产品的生产销售活动。电影文化产业是一种高层次的文化产业,它符合文化产业的基本特点,为受众带来精神的愉悦体验。电影放映是电影文化产业链的末端,体现电影文化,反馈受众信息,反映经济价值。电影在宣传、销售、放映的过程中,利用艺术设计提升宣传质量,创造销售业绩。本文通过对吉林省各地实地考察、采访并收集资料,研究吉林省电影文化产业下的艺术设计,综合结果,主要体现在以下几个方面。

一、理论的形式探讨电影艺术和环境艺术的关系

电影运用其表现方式呈现文学、戏剧、音乐等综合性艺术魅力。受众在感受电影艺术的过程中理解并延伸其内涵。环境艺术建立在空间、人文、建筑等多学科的基础上,运用专业技术手段创造让受众愉悦、实用的艺术空间。二者在表现手法和对艺术门类的需求上都体现了艺术综合性。同时,电影是通过光、电等手段体现的平面艺术;环境设计则运用一定专业技术创造具有艺术效果的立体空间,是实用性艺术。两者在时间、空间、表达方式等方面存在着差异。社会进步和现代技术让电影和环境艺术之间存在着千丝万缕的联系,它们体现出的不仅是两个不同的艺术门类,还将社会、生活和经济价值等学科交叉,共同发展、促进。

二、电影的宣传形式

宣传是电影推介的重要手段。在这里我们谈的宣传仅指设计方面的形式。

(一)电影海报。电影海报属平面设计范畴,是平面宣传最直接、最形象的一种艺术设计形式,是电影的一种重要的促销手段。电影海报以绘画形式表现在平面上,宣传电影,伴随电影的发展不断成熟。电影海报在内容上突出主题情节或某个动人的场景,标注电影信息;色彩上大多鲜亮、醒目;平面的组织形式符合大众审美需求;艺术表现手法也越来越科技化。一些经典的电影海报成为许多人收藏的对象。电影海报的张贴形式至关重要。首先将海报裱框或陈放在玻璃窗内,悬挂在墙壁上,利用光的照射体现海报的神奇魅力。其次,在醒目的位置做一些固定的方形架子(相框或灯箱形式)进行张贴展示。一种新的“易拉宝”,尺寸可大可小,摆放位置随意,方便,醒目。另外,还有一种超大尺寸海报,张贴在通道、走廊等位置,强化宣传。

(二)其他设计票根属于平面设计的范畴。电影票面体现电影放映的详细信息,通过设计可以更好地体现电影宣传,树立影院的形象,便于检票,刺激消费。

(三)电影平面宣传的几点建议目前,吉林省内的电影信息主要公布在影院内部,观影者查找信息极为不便。根据现状,提出几点建议。(1)政府支持。在政府文化部门的网站上公布电影信息,树立长春电影城形象,宣传电影文化,拉动电影产业链。(2)将电影广告植入生活场景。利用城市电子屏、车体广告、站牌广告等形式,统一形象,既有利于电影宣传又有利于树立城市品牌形象。(3)定期发放宣传册。设计简单的平面册子或书签等形式定期发放,引导不太关注电影的人走入影院消费。(4)利用媒体宣传影片或塑造影院形象。以上建议希望带动更多的人走入影院,促进影院消费,推动文化传播。

三、吉林省各主要城市电影院及消费群体的调查分析

我们在吉林省选择了几个具有代表性的城市进行了电影院基本情况的踩点和分析。

(一)长春市长春市最具影响力的属全国连锁机构的万达影城,无论装修风格、管理体制到电影宣传,都走一体化的路线。万达影城实力强,影院的外在表现力和电影放映质量都是首屈一指的,并且欧亚卖场店拥有一块东北三省惟一的IMAX屏幕,曾为万达影城乃至长春市都带来过巨大的经济效益,也让观众领略了一种全新的视觉享受。长春市其他影院也具备基本条件,影院与商业结合,有独立的售票区、服务区、休息区和几个独立观影厅。

(二)吉林市中东集团的连锁影院在吉林市是比较大的影院。全省中已经有长春、吉林、通化建设有中东集团的商场,同时在顶层建有电影院。吉林市东方商厦和江城剧场都建有电影院。电影院都具备几个放映厅,设有独立的售票服务区和小食服务区。观影人群比较多样化。

(三)通化市通化市有四家电影院,其中一家属于中东集团连锁影院,一家隶属于通化市广电局,装修层次比较高档,设备齐全,观影环境优良。另外两家也具备电影放映的功能,属于私人设立影院,观影人员以中青年和学生为主。

(四)延吉市据了解延吉市有一家电影院,坐落在延边大学附近,与娱乐场所结合在一起,拥有多个独立的观影厅,影院设备比较完善。

(五)松原市中东集团在建松原市最大的休闲、娱乐商城,坐落在拥有百万人口的住宅小区群中,相信建成后其影院的效益会随经济的发展而不断提升。综合全省情况看,各地电影院基本都建在商业圈内,达到影院与商场人流互动,保证观影人群的可达便利性。大多数影院具备现代电影院的特征,都能够很好地放映电影,传播电影文化。由于不同地区间存在经济差异,各地的影院设施配备也不尽相同。从消费群体上看,影片是决定电影消费的决定性因素。一般来讲,动画和科幻电影是学生和年轻的朋友们的偏好。中青年观众是看电影的主力军,他们对大部分影片都有兴趣。60岁以上的退休老人喜欢像《建党伟业》这样政治题材的影片,也愿意第一时间走进影院观看电影。

四、电影放映场所的空间环境设计

电影放映是表现电影艺术的重要过程。电影内容和艺术效果以及文化意义都要通过电影放映实现。电影放映场所顾名思义是放映电影的地方,这里的场所主要指放映的条件和周围的环境。研究电影放映场所有利于发扬电影文化,提升电影观赏质量,促进精神文明建设。

(一)电影院电影院一般由服务厅和放映厅组成。服务厅分为几个部分,主要出入口对面是售票服务台。服务台的背景墙设置电子字幕,显示各影厅的观影信息,通过计算机联网售票,观众可以人性化地选择观影座位。零食饮品售卖区方便观众需求。另外设有一些休息区,一是为方便等待检票的观众,同时为观众大流量地出入提供一个缓冲的地带。检票口设在服务厅的一侧,有明显的标识,进去后是连接各个放映厅的过廊。过廊空间通常设置一些电影宣传的海报或物品,增加观影氛围。各个影厅的出入口及序列号码会被醒目标注,同时利用天棚、地面或墙壁的造型结合灯光的照射引导观众走入各厅。过廊空间各界面往往附有吸音纳声的材料,降低噪声,避免对影厅内产生干扰。各影厅要严格遵照电影院设计标准规范要求进行施工和设计,同时通过空间设计体现人性的关怀。放映厅设计中,天棚和墙面的造型不宜过于复杂,要尽量平整大方,选择可以吸音和进行音反射的造型设计,并按规范要求解决影厅中必需的技术问题,如照明、音箱、通风、消防喷淋等。地面造型一般呈阶梯状上升,座椅和楼梯及各通道的不同功能空间要有明确的指示划分。在每一级楼梯的外侧立面最好设置一个小指示灯,可以将各级台阶清楚地显示。每排座椅边侧也要有明确的夜灯标识,显示座椅的排数。每个座椅的扶手上有相应的标号,但不设夜灯。品质较高的影厅座椅相对的活动空间会较大,座椅软包,避免起、坐时产生噪音。舞台基本专属电影放映展示功能,所以其空间仅够挂放屏幕的厚度即可。无障碍设计日益被提到日程上来,发达国家的公共场所无障碍设计都很成熟。目前,我国很多艺术设计人员都在研究,相信电影院的无障碍设计也会早一日得以实现。#p#分页标题#e#

(二)汽车电影院汽车电影院选址要求周围环境比较安静的一块露天场地,能同时停放约百十辆小型汽车。在与入口相对方向悬挂一块大银幕,将电影影像投射其上,声音则通过低频发射到车载收音机中,这样人们坐在车里就能享受电影,体会大家共同观赏影片的氛围。有车族、浪漫情侣和对此感到新奇的人群会来观赏电影。目前长春汽车电影院还在重新建立,我们期待更新奇并具有丰富内容的汽车电影院成立。

(三)私人会馆、酒吧、咖啡厅等小空间放映厅这类电影院在吉林省比较少见。前些年在艺术学院曾出现过咖啡厅放映厅。一般这样的场所都属于私有场所,对观影者有一定的身份条件限制。

(四)小区放映场长春各大型居住小区中,一般在小区会馆前或一块比较集中的空地竖立一块银幕,利用简易设备放映电影。在小区物业的配合下,准备一定的座椅作为观影条件。一般这样的放映场所要远离城市主干道,周围环境较好,常常在春、夏、秋三季天气较好的周末进行电影放映。这种活动的组织者属于小区物业或政府文化部门,为人们提供生活休闲文化活动,借此传播电影文化,提升民众的集体精神。

(五)农村电影放映场由于当前电视、网络等文化传播媒体发达,在农村较少有人观看电影,也没有相应的放映部门走入农村。建议政府采取干预行为,在农村放映电影,宣传艺术,树立政府形象。另外,电影作为一部有声的教科书,可以普及文化,聚集群众群体活动,凝聚核心力量。不同的电影放映场所以不同的形式传播着电影艺术文化,具有积极意义。利用环境艺术设计可以提升观影环境的质量,增强观众与艺术的交流和沟通,促进观影行为,拉动经济,提升社会文化品味。

电影艺术范文7

 

艺术风格是指艺术家或艺术团体的创作在总体上表现出的独特的创作个性与鲜明的艺术特色,电影亦不例外。电影的艺术风格是指从题材、视听语言、思想主题、情感抒发方式等方面形成的一致趣味。   “写意”是中国艺术独特的审美观,原是中国画法中的术语,《辞源》“写意”条解释为“以精炼之笔勾勒之神意,注之艺术家的主观灵魂意向。”不追求形似而追求神似是写意的精髓。在中国传统美学中,写意已成为一种至高的境界,它不以“写实”“形似”作为追求目标,其主旨在于注重神态的表现和抒发作者的情趣。中国很多艺术形式都是讲究精神气韵的,电影也在于此。电影的“写意”不像中国传统绘画那样真的泼墨挥洒,而是要在摄影机有形必录的写实空间之外营造一个集含蓄性、虚空感、隐喻性于一体的意象空间体系,以传达影片的“象外之象”“境外之旨”。概括来说,中国电影艺术风格中的写意性表现体现在以下三个方面:   一、叙事结构的简洁含蓄“崇尚简洁”是中国传统美学中写意性的重要特点之一,因为“简”就意味着概括、含蓄,易于抒情表意。第五代导演的代表性人物张艺谋在这一方面可以说已经到了非常纯熟的程度,无论是做摄影师还是做导演,张艺谋都从“简洁”二字入手。他所执导的电影《红高粱》就是以主旨的简单和画面色彩及其感性表现的强化而取胜的,张艺谋剪除了不必要的枝蔓,压抑了理性的精神,从而保持了感性的单纯突出。   “简”有时又可以理解为“淡化”。而电影中故事情节的适当“淡化”就可以创造出电影的意境美。正如写意画一样,中国传统的艺术意境并不追求情感的快意宣泄,而是追求司空图主张的“不着一字,尽得风流”的含蓄韵致,更重视表现艺术家独特的审美体验和情趣意兴。观众审美的感受与影片所要传达的意蕴,常常是在简洁的叙事中慢慢得出来的。北京师范大学艺术与传播学院周星教授在《中国电影艺术史》中也讲到:“在电影的纪实潮流中,创作出现了情节更为淡化,韵味更趋淡远,人物更求淡泊,情感更加含蓄的散文诗式电影。这批电影把纪实推向极致,结构推向似有似无,意境推向耐人寻味,画面推向诗情画意的地步。”[1]因此,中国电影中的“简洁”所传达出的是景外之韵,是从“一点”到“无限”境界的延伸,而这正是中国电影区别于欧美电影的标志。   张艺谋的作品《黄土地》《我的父亲母亲》和《英雄》都淡化了故事情节,使得叙事行云流水,强化了影片的象征性、隐喻性效果。黄土地在叙事手法上运用了不同以往的开拓性创作方法,即在构思上以写意统帅,用黄土地那震撼的“黄”这个可见的视觉形象暗喻着理性的内涵———对历史的反思和对民族精神的开掘,情感亦是淡而含蓄。正是这种不够激烈外露的情感激发着观众对它的参与和体验。而《我的父亲母亲》这部影片虽然淡化了故事情节,不着意讲述一个具体的故事,然而张艺谋却通过其纯熟的音画造型技巧传递给观众一种诗情画意的美感,表现了一个中年男人对那种浪漫、那种美好纯情的向往。   这种叙事手法也可在许多新生代电影作品中看到。比如霍建起导演的影片《那山那人那狗》,其中既没有惊天动地的场面,也没有生离死别的情节,构成影片主体的仅仅是“离村”“遇侗家姑娘”“见转娃”“父子夜谈”等生活片段,通过对故事情节的弱化,我们反而更加深了对片中人物情感和景物的体验以及感悟。这种高度节制的叙事方式所营造出独特的审美韵味是繁琐冗长的叙事结构所不能完美传达出的。   二、镜头画面的虚空悠远中国众多的电影艺术家为广大观众营造了一个个经典的感人至深的意境,这些艺术家明显地受中国造型艺术,尤其是绘画艺术的影响。   中国传统绘画在构图取景上一般很少用到近景和特写,描绘景物一般都是以远景和整体面貌出现的,这在中国电影艺术家对于影视画面的运用上有异曲同工之妙。中国传统绘画具有空间广大和人物渺小的特点,可表现出作品的层次感和虚空幽远的意境,而中国电影艺术家们对于镜头画面的处理正暗合了中国传统绘画的“远”空间。影视画面镜头中远景的运用势必会突破镜头画面有限的范围,使镜头远离观众而延伸至悠远的想象,从而产生一种独特的韵味和意境。例如《英雄》中镜头的选取就是大量采用大全景及远景,通过对周围大环境的描述,最终030为我们勾画了一幅幅具有诗情画意的优美图景,给人以飘逸优美的美学效果。[2]而台湾新电影运动主将侯孝贤在他的影片中几乎无一例外地偏重于中远景的运用,这正说明了“远”的传统绘画美学原则在其诗情盎然、韵味悠长的影像风格中的长久存在。   在镜头的角度和运动方面,中国传统绘画遵循散点透视法则,画家常以鸟瞰的方式观照大自然。游动视点的美学观念决定了移动摄影在中国电影中的普遍运用。香港著名电影导演王家卫就是极其善于运用移动摄影构图的大家。王家卫在其执导的影片中从不拘泥于局部的构图,而是在运动中去把握影片的整体风貌,在拍摄时其摄影机的机位经常是变动变化的,从而使得影片的画面产生了像流水一样的流动感,而视点尽量保持时空的完整一致,这是一种类似于中国画的全方位式的多视点透视法,这与传统的写意性美学思想在中国绘画中的表现颇有异曲同工之妙。[3]   此外,空镜头和空白也可以营造出如“写意画”般浓郁的诗化意境。《英雄》中无名被万箭穿身钉在大门上,却留下干干净净的“人”字形状,即是对“留白”技巧的运用。空镜头其实并不“空”,其可体现无限空间以及凝滞的时间,引发人们无限的遐想,构成妙不可言的美学意境。王家卫的影视作品中亦常用空镜头以抒情,传达整部影片思想的意境,如《东邪西毒》里看似平静的海水以及《重庆森林》里高楼之间偶现的布满乌云的天空等,都不仅仅是普通转场,而是要与人物情感相结合以构成深层次的意境。[3]#p#分页标题#e#   三、造型设计的寓意象征   电影是用画面来叙事的,所以对画面造型的处理直接影响电影的视觉效果。画面造型的写意性即导演运用一切可以调动的造型元素创造出象征、隐喻、诗化的意境。   张艺谋在其电影场景的选择上可谓煞费苦心,他的电影可以不惜为“美”而失“真”,甚至会人为地为制造美的画面而无视自然或人文环境的真实。张艺谋是有意将其电影的画面造型布置出五彩斑斓的环境,目的就是要让人物在装饰下的场景中表演,使银幕美化,而且还有某种象征意义,所以他的电影是典型的表意性电影。《英雄》外景地的选择就很充分地印证了张艺谋的这种创作理念,胡杨林和湖面的两个打斗场景就极具审美意境。又如《十面埋伏》中刘捕头与金捕头花海打斗的场面被张艺谋以泼墨方式呈现,画面唯美至极,视觉冲击力非常强,让人看后永久难忘。张艺谋把这些电影的经典场景意境化,使其充溢着完美东方化的内涵。   电影中的色彩造型也是电影写意性表现的重要因素。色彩的约定俗成的惯性使之具有符号性,因而具有较强的表意性,它在电影中侧重于表达人物的情绪、情感等心理倾向。张艺谋曾经说过:“我认为在电影视觉元素中,色彩是最能唤起人的情感的波动因素。”[4]例如在《花样年华》中飘荡的红窗帘、猩红的地毯、红被窝,女主人公频繁更换的旗袍外不变的红色外套,都是一种情欲的暗示。在《英雄》中,色彩则直接成了叙事线索。影片中有三次叙事,不同的叙事配以了不同的颜色,不同的色彩把我们带入了不同的氛围之中,透过颜色衍生的暗示观察人物的真正面貌,透过颜色与个性的密切的关系进入人物的内心,借此了解人性的深层意义。[2]可见,色彩作为一种视觉语言,不仅作用于人眼的感受,而且还要进入人的心灵引起人的联想。   电影的造型主要是通过画面造型来体现的,但画面造型并不能完全包涵电影的造型空间,比如声音也能起到营造电影空间的作用。声音是具有心理性的,在影视作品中音响就是直接作用于受众的心理感官,强化影片所要表达的内涵,以产生深刻的寓意,来丰富影片的艺术表现力和艺术感染力,声音的写意性也正是因其心理性而存在的。“音响效果能表达相当多的含义,有时甚至能产生巨大的情绪感染力”,正所谓“声在意,听于心”。声音作为一种造型元素在张艺谋的电影中得以充分展现,《英雄》中无名和长空在棋馆的那场意念打斗,一旁老者正襟危坐地抚琴,无名和长空各站一端,凭意念在一起打斗,刀剑相击声,伴戏曲中花脸“呀呀”念白声,抚琴声伴雨滴声,这种抽象化的符号化的意境着实达到了“大音希声”之境界。   影片中的人物造型设计也具有写意性。写意的造型设计多见于武侠剧和一些古装剧中。人物造型设计所要表现的写意,是指重在描绘人物的精神,重在形式,强调以意写神,而在外部视觉特征上则通过用象征、比拟、抽象等手法进一步虚化真实的形象。《英雄》中的服装并没有完全照搬战国时期的历史服装,而是如同中国写意画那样用粗放、简练的笔墨表达出形象的意态神韵,不仅强化了影片所要体现的思想意境,同时也使人物形象更加符号化。   中国电影中许多经典的影片都在运用视听语言与传统美学中写意性传统相结合,这也是极具中国特色的,中国电影美学的发展和弘扬,不再表现为对西方的一味模仿。当今,中国电影人也在努力探索如何更好地运用电影的视听语言与中国传统美学相结合,力求建构中国特有的电影美学理论及欣赏价值体系。

电影艺术范文8

关键词:电影艺术;服装设计;色彩;融合

引言

电影艺术中的服装设计随着影视业的发展不断发展,在发展中电影对于服装设计起到了极大地促进作用。在21世纪快速发展的今天,服装对于电影业的发展注入了新的生机和活力,特别是新型材料和技术的应用,给电影艺术带来了新的展示方法和新的视觉语言。电影艺术不再局限于视觉的满足,而是转化成一种内在联系,把电影、演员、服装、观众联系起来,形成共鸣。电影中的服装设计经过设计、制作、管理、应用的环节,还要符合电影制作所处的时代背景、风土人情、历史人文等相符合。服装设计是电影制作过程中的准备阶段,它既要符合电影剧本剧情,又要符合穿着者的个体形象、塑造的人物形象、拍摄效果、时代背景等多方面的要求,从而提高电影的品味。

1电影服装的概述

在一部影片中,服装并不是孤立的艺术元素,而是同电影息息相关的艺术形式,是一种与观众交流思想、诉说情感的语言方式。服装在电影中的媒介不仅在于表现人物的背景、时代、阶级、性别、年龄及形象,更在于注重人物与人物之间、人与环境之间的关系。在影视中,着重突出主体人物的服饰,能够使观众的注意力更加集中。电影艺术中的服装与日常生活中的服装分类大致无二,同样是多种多样。根据电影艺术中的服装的具体表现和运用,大致可分为以下几类:(1)根据所处的时代可分为:古代服装、近代服装、现代服装、流行服装、未来服装。(2)根据年龄可分为:婴儿服装、青少年服装、青年服装、中年服装、老年服装等。(3)根据电影的地域分为:亚洲、欧洲、非洲等。(4)根据职业分为:律师、教师、医生、古代宫廷装(皇帝、大臣、将军、妃子等)、工人等。(5)根据国家分为:中国、美国、日本、英国、韩国等。还可根据电影中的定位分为:主角服装、配角服装、道具服装、群演服装等。

2服装与电影艺术

电影艺术是利用现代摄影技术手段拍摄的,以文学、戏剧、音乐、绘画等艺术为基础,并吸取其他艺术的表现方式、方法发展起来的一门综合性艺术。一部优秀的影视作品离不开服装的设计,电影与服装两者之间有着密不可分的联系。电影中的服装就像无声的语言,铺垫剧情、传达情感、人物塑造,服装在电影中的地位日益提高,两者之间是相互作用、相互影响。不同的题材、不同的区域、不同的时代的电影角色要演绎的形象所穿着的服装不同,使得观众感受到剧情的真实可信。同时,电影的服装可以增加视觉的观赏性,从某种意义上说,它已经成为了电影艺术的美学品味的标准。

2.1电影服装对电影艺术的影响

电影中的服装是多种多样的,主要是根据角色、人物的表现来定位的,是人物塑造的的重要手段。任何角色、人物都是处在同一时间和空间之中的。不同的角色,需要穿着不同的服装,就像现实生活中一样,有的还要换多套衣服。不同题材、背景、内容的影片对于服装的要求也各不相同。(1)塑造人物形象。“衣如其人”,服饰作为一种装饰手段,它能最直接的反映穿着者的整体形象和人物特点,这一特征对于电影中人物形象的塑造起着决定作用,这也是服装最为突出的特点。(2)反映角色的心理。电影的人物塑造要追求有深度、有层次的表现,才能创造生动饱满的人物形象。

2.2电影艺术对于服装设计的影响

随着科技的发展,彩色、有声的电影的诞生为电影艺术的发展提供了更加广阔的舞台。鲜艳明亮的服装使人物形象更加生动立体,开启了人们视觉享受的序幕。(1)剧本的分析。一部成功的电影首先要有好的剧本,在服装设计的过程中,要认真分析剧本中的各个角色的心理特征和矛盾冲突,观察人物所处的时代和场景,还要分类主角、配角和群众演员等不同角色的特征。(2)分析角色和研究资料。电影依靠主题、叙述、视听等多种元素构成的艺术形式来感染观众,它属于集体艺术,所以,在设计服装的时候要坚守这个原则,人物造型要符合剧本要求,人物的服装也起到叙事作用对于场景起到烘托作用。主角和配角是电影的关键人物,其服装设计对拍摄有直接、巨大的影响。通过对于搜集的各种材料进行分析、同类题材的作品以及所处时代的分析和研究,然后进行创作。(3)电影时代背景的分析。不同的文化背景及故事情节体现的社会心态,很大程度上影响服装的设计。随着经济全球化的推进,世界各国之间的文化交流越来越紧密,各个国家的服装设计也在借鉴其他国家和民族的风格和特色,在本国的风格上吸取其他的元素和优点进行创新设计。电影服饰是对所处的时代政治、经济、文化的综合反映。服装的风格既可以迎和电影风格有时也会限制服装的设计。例如《红楼梦》见图1,它改编自同名著作。这部著作在中国文学界的地位有着无可替代的重要作用。尤其是当中对人物服装、造型、场景的描述极具时代特色。其中电影的服装、造型设计与原著高度一致,使得其难在超越。

3服装设计与电影艺术融合面临的问题

3.1服装与角色的契合程度不足

目前而言,在我国的电影作品中,人物服装设计上普遍存在着人物与故事背景缺乏契合度,这种情况的存在不利于通过服装来表现电影的特色,难以给观众留下深刻的印象。对于千差万别的人物形象,内在因素、外部因素、人的因素、审美因素等影响人物的塑造。

3.2电影服装设计缺乏创新意识

近年来在电影服饰创作上,缺乏创新。在商业化的时代背景下,影视服装的发展走向两极分化:一是大投资大制作的服装常常过于浮夸,服装造型过于华丽,与实际情况不符过于追求视觉效果,而不管内容的缺陷和题材的空洞。二是影视服装与时尚行业的时尚剧。对于现在的中国电影来说,要想取得更高的水准,服饰造型需要更高的艺术质量。当前,中国影视剧中的服装,形式过于单一,对于人物的情感引导较少。在历史题材中,情况相对复杂,服装造型过于复杂,很容易出现多种时期的服饰风格混杂的情况,这就要求设计师具有较强的专业知识。

4促进服装设计与电影艺术融合的对策

4.1电影服装设计的考虑因素

一部优秀的电影或电影作品,是依靠叙事、主题、情感等多种元素构成的艺术感染力来吸引观众的。服装的媒介作用不仅在于表现人物的背景、时代、阶级、性别、年龄及形象,更在于注重人物与人物之间、人与环境之间的关系。在电影中,突出主体人物的服饰,能够使观众的注意力更加集中。(1)服装的审美区别于个人和不同的时代。角色们精心梳理发型,穿着贴合人物形象的服装,融入着适合现代人审美的元素。从这部影片中不难发现时代的变迁,人们的审美观也在发生着变化。(2)不同的国家中电影服装的差异。不同国家由于地理位置、民族文化、生活习惯、审美风格等的不同,在电影中所反映出的风格也各不相同。伴随着全球经济变迁与发展,推动塑造人物形象和剧情的发展的重要因素越来越倾向于服饰。前者以创造人物和服装的关系为中心,衬托人物的处境。路易斯詹内蒂说:“服装是影片的另一语言系统,如同导演使用的其他语言系统一样,它可以是复杂的和具有揭示作用的象征性表达形式。”

4.2对TPO原则的借鉴

电影服装设计应该借鉴服装设计的TPO原则,同时要明确服装的实用功能和审美功能,根据穿着的对象、地点、时间等条件进行创造性的设计,做到人、环境、服装的高度统一。(1)时间。服装的款式、面料、色彩的运用都受到时间很大的限制和影响。服装的设计都要与季节、历史背景等相吻合。(2)地点。电影中的人物角色通常要处在不同的环境中,这都需要相应的服装与之相适应。作为设计者在设计服装时要充分考虑穿着者出席的场合,要符合一定的礼仪和习俗,还要与环境相一致。(3)穿着者。人才是服装的主体,也是设计的中心。所以在设计的时候要对穿着者进行分析,才能准确的设计出具有针对性和定位性的服装,这样设计出来的服装才能符合穿着者要塑造的人物形象,使观众更容易接受。近几年来,随着电影的深度发展,电影艺术越来越注重视觉形象的吸引力,其导演及当红明星的加盟,摄影、后期制作、服化、音乐等的技术愈发完善,故事情节简明扼要,同时能抓住观影者的注意力。同时还能从以往经典的影片中创造出新的作品,又能推动其他制造业的发展,而电影的制作方通过与品牌合作,可以降低制作成本,更加注重讲究电影的视觉传达。二者相互作用、相辅相成。

5结语

现今,服装对于电影业而言不仅仅是道具,它更多的是是一种审美,一种艺术品。对于观众而言它是一种视觉的享受,所以服装在电影行业中占据着越来越中的作用。我们在设计的过程中,要认识到服装上的缺陷,这就要求设计师在设计服装的过程中有自己的见解,有对细节的追求。

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