打击乐培训总结范文1
摘要：本文结合现有文献资料及亲身经历的打击乐学习与教学过程，对如何更好地提高和推动现有的打击乐教学进行阐述，旨在探析如何在打击乐教学中通过各种训练使学生在演奏时表达出情感。
关键词：打击乐教学 情感教学 训练方法
前言
众所周知，音乐是一门善于表达情感的艺术。在音乐这个领域之中，各种门类如歌唱、器乐表演等在音乐情感表达方面都是相通的。对于打击乐而言，许多人都冠以“无音高”，“无旋律”，甚至于“伴奏乐器”之称。其实不然，打击乐的情感世界虽没有其他音乐门类那么容易表现出来，但其情感仍是相当丰富而富有内涵的。那么，在当今的打击乐教学中，怎样让打击乐表达出情感是打击乐教学研究中一个相当重要的问题。因此，本文的写作目的就是通过探究打击乐教学中影响情感表达的几个因素，从技巧练习以及后期教学等方面来探讨如何使学生在打击乐演奏中表达出情感，从而真正体味到音乐的内涵。
在打击乐艺术中，甚至在所有的艺术表演中，除了高超的演奏技术外，对音乐本身的理解和感悟也是相当重要的，只有把对音乐本体的感知与技巧的训练相结合，才能在最高层次上把握音乐。当然，此时打击乐中的情感表达也就应运而生了，那么在打击乐教学中，如何更好地去实现这两点便成了当今教学中的重中之重。下文中，笔者就基于打击乐教学，来探究怎样更好地实施打击乐训练让学生充分达到以上既有高超的演奏技术，又能很好地把握音乐的情感，藉以升华作曲家所要表达的感情。
一、技巧练习
（一）节奏训练
高超的技术离不开基础的训练，这是一个相当基础的问题，而节奏训练更是基础训练的基础。
德国当代著名的作曲家、儿童音乐教育家卡尔·奥尔夫认为：构成音乐的第一要素是节奏，不是旋律。节奏可以脱离旋律而存在，旋律则不可能脱离节奏而存在。可以这么认为，节奏是音乐的生命，是音乐生命力的源泉，他特别强调节奏训练对于音乐教育的重要性。而对于刚开始接触打击乐学习的群体来说，从节奏入手进行打击乐教学是相当重要的。
笔者在近几年来通过自身的实践，以及对国外几大音乐教育体系中有关打击乐训练的归纳，总结出几种有助于各年龄阶层进行节奏训练的方法。
1.语言节奏练习
语言是人人都具备的能力，作为人声，与歌唱有很多共同的东西，从呼吸上又与节奏的律动产生微妙的连接。奥尔夫的音乐教育体系中，语言在节奏教学中起到相当大的比重。通过对不同年龄阶层的打击乐教学实践，笔者认为奥尔夫音乐教育体系中有以下几种方法对于幼儿及青少年的节奏训练有很大的帮助。
从字词、姓名开始的节奏朗诵教学与成语、谚语做节奏短句教学的练习，可以作为同一类型的训练方式进行开展，这种训练方法对于培养学生“节奏基石”有很大的效果。①所谓“节奏基石”，是指由语言中最短小的、具有一定音乐意味的字、词拼成的最小节奏单元。也就是一个最小形态的固定节奏型，将许多这样的小节奏型合在一起训练朗诵，再由学生进行改编创造，不仅能调动学习者的学习兴趣，还能最大化地提高学生的节奏感知。另一方面，笔者认为念唱也是训练学生节奏的好方法，其中包括儿歌、童谣的节奏朗诵练习、语气的游戏、嗓音的声响游戏等，这几种练习与游戏的方法不仅能够起到节奏训练的目的，还能培养学生的创造性，提高对自己的控制与把握能力，学会与别人的合作精神。是有较高教学效益，能够整体提高学生音乐素质的教学方式。
在柯达伊教学法中，对儿童的节奏训练是采用节奏时值读法的方法，它把象声词的音响加入到节奏中，通过这种节奏读法引入并发展为复杂的节奏练习，这种节奏名称体系最早是由法国人契夫所发明的。
笔者在实习过程中，通过不断地实践教学，初步总结出了一种节奏教学的方法。这一方法是借鉴了一位美国打击乐博士教授我打击乐时所用的方法，我称之为“微分节奏”的训练方法，在教学附点、前十六、后十六等比较复杂的节奏型时，我将大拍子微分，即是将一个全音符分为两个八分音符，每个八分音符再分为两个十六分音符，每个十六分音符再往下分为两个三十二分音符，以此往下分，具体我用图示来表示：
而给学生讲解这个之后，那些复杂的节奏类型就可以这样解释了：
如附点节奏型：学生们往往会对附点后的拍子产生疑问，采用微分教学法后，附点的位置就是十六分音符的第一个音和最后一个音，这样的音符时值学生一下就能明白，在训练中也比较不会出现打附点节奏有“瘸了腿”的现象了。而其它节奏型也一样可以采用：
这种教学方法在日后的延伸教学中就能演变为重音转换练习，可见这种教学方法是可以实行的，也是相当有用的。
2.律动练习
②所谓体态律动的音乐教学，原来是指由音乐伴
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奏，以身体动作做出反应，从而训练音乐的节奏感的教学方法，律动教学的目的不仅仅在于对节奏感知的训练和强化，更重要的是这种结合动作的方法对培养学生对自身的自控把握能力和身心发展也有着深远的影响。 在奥尔夫音乐教育思想中，声势练习是一种不受时间、环境、条件约束的，并且极其简单，对培养幼儿、儿童，甚至成年学习者行之有效的方法。在声势练习的基本形式与方法中，有拍手、跺脚、拍腿、捻指等四种主要的基本形式。在进行声势训练的同时，在节奏中加入固定音型（Ostinato）的伴奏声势，使学生在领悟节奏训练目的的同时又能在各方面如创造力，合作力等方面及音乐素质上得到提升。
另外，笔者在实习中采用的一种律动教学也收到了不错的成效。这种教学方法对培养学生的身体（手脚脑）配合是相当有效的，在实践教学中我发现，在教学后半拍节奏型的学习中，可让学生用脚来打节拍，手打节奏，左脚踩一拍即等于节奏中空下的那一拍，这样既解决了打后半拍常常打不齐的问题，还能吸引学生，使学生对学习打击乐产生兴趣。加上脚的拍子，一方面晃动了身体，使打击乐这个看似比较枯燥的教学有了“舞蹈”的活力，更能在教学过程中激发学生表现音乐的欲望。另一方面，也加强了学生手脚脑配合的能力，长期训练也能促进学生的身体协调能力。
节奏的训练是对学习者基础的一种针对性训练，这种训练是对日后进行打击乐情感教学的一个前提条件，也只有在技巧达到一定程度之后，音乐的表达也才能水到渠成。
二、情感教学
在技术训练达到一定程度后，情感的表达就成了打击乐教学中一项较为艰巨的任务。音乐是一种特殊的语言，其最完美的表达形式就是情感。笔者认为音乐同语言相比，那些微小的表情记号、乐音行进过程中产生的休止符号，甚至于曲谱上作曲家的任何一个笔记，都是真实地把握了生命运动和情感产生的起伏、消亡的全过程。作曲家将情感赋予了曲子中，同样将表达情感的任务赋予了演奏者。那么，打击乐演奏者在演奏中的情感是怎样产生的呢？笔者认为其中一种是与生俱来的，这种对音乐的感觉与认知可以称之为“天赋”；另一种则是大多数人所需要的，也是打击乐教学最高层次的体现，即在后天的训练中培养形成的。这也涉及到个人自身的音乐修养与生活经历，当对音乐的学习从演奏音乐上升到享受音乐的高度，才是音乐认知能力的最终目标，打击乐亦是如此。
(一) 曲谱认知
作曲家在创作过程中，均是将自己的内在感受和构思通过音乐形式表现出来，在许多钢琴、小提琴等曲谱中，作曲家通过各种感情记号将旋律连接起来，成为一条跌宕起伏的情感线条贯穿整个乐曲。在打击乐的曲谱中，这种做法同样存在。打击乐曲谱中，由于没有传统音高概念的存在，表情记号、休止符号等细小的符号就变得相当重要，这也要求在打击乐教学中要强调演奏者严格按照乐谱上的记号进行。在传统打击乐曲目中，各种感情记号都有其表达的固定内容范围。如在《秧歌锣鼓点（）》片段中，“∧”为闷击记号。在现代打击乐作品中，这种对曲谱符号的重视尤为重要，笔者近几年来随福建师范大学音乐学院功夫打击乐团到各地演出，接触了许多现代打击乐作品，其中曲谱上的符号已不仅仅是传统的情感记号，有些则与我们的传统理念相反，如在温德清老师的作品《悲歌》中有如下记号： “bols”“bells”“ppppppppp”
这要求演奏者首先用“PPPP”的强度演奏，其次“bols”符号则告诉演奏者要演奏的乐器为罄，而“bells”的意思是要求演奏者演奏得像钟声敲响的感觉，综合上面两点，作曲家告诉演奏者的不仅仅是符号字面上的意思，还有一层意思是需用硬锤来演奏此小节。那么“硬”锤和“p”是否会有冲突呢，其实不然，回归原曲，作者讲述的是一个母亲找不到孩子，一路上撕心裂肺地喊叫，到最后几近疯狂的场景，这个小节是曲子的最后一个小节，不难想象作曲家到这里是想表达这个母亲最后无可奈何、疯狂心碎的境地。“pppp”表达的是此时整个音乐空间的寂静，伤感，充满着凄凉的哀愁，而“bells”则告诉演奏者这四下敲击要饱满，充斥着力量，但在“pppp”的束缚下，却又带着对失去孩子的痛苦，一点一点消散，直至语音消散。可以看出，作品中这几个小小的记号是作曲家对于曲子表达的感情寄托，演奏者严格按照谱面记号很好地将其表达出来，不仅能够演奏好曲子，也能从情感上感受到作曲家要表达的东西，进一步达到在演奏时享受音乐。
（二）二度创造（即兴演奏）
打击乐演奏也存在对原作品的二度创造，也同其他任何乐器演奏和音乐表现一样，仅对原作品进行理智分析和忠实表现是不够的，必须是在客观理性研究作品的同时，加上自己的个性创造，注入自己对乐曲的情感、思想，甚至要赋予演奏曲目全新的生命。
打击乐培训总结范文2
[摘要] 音高、时值、音强和音色是任何文化背景下的音乐共有的基本构成要素。这四个要素在音乐的横向组织中表现为节奏和旋律，在纵向组织中表现为和声和织体，在音乐表现力中为强度和音色。因此结合音乐教育活动培养音乐听觉可以先从培养节奏感和音准训练开始。在这两方面计算机音乐系统可取到很好的辅助作用。
[关键词]计算机 音乐 听觉训练
人的音乐才能包括音乐听觉和音乐感觉。良好的音乐感觉总是建立在起码的音乐听觉之上的。因此，提高音乐素质应从音乐听觉的培养开始。人们普遍认为：音高、时值、音强和音色是任何文化背景下的音乐共有的基本构成要素。所以，培养音乐听觉能力就是培养对这四个要素的听的知觉能力。
音高、时值、音强和音色这四个要素在音乐的横向组织中表现为节奏和旋律，在纵向组织中表现为和声和织体，在音乐表现力中为强度和音色。因此结合音乐教育活动培养音乐听觉可以先从以下两方面进行：
（一） 培养节奏感受力方面
1．在培养学生对节奏的感受力方面，教师们经常用如下方法：
（1）听：听音乐感受节奏有种种的方法，如未正式上课之前，让学生听钢琴演奏的音乐进课堂，从中感受进行曲的节奏；听老师范唱或听CD录音带里的音乐，体会其中的节拍和节奏型等等。
（2）念：节奏有各种念法，可用“大”字来念，如：【图一】
用象声词来念，如模仿火车的声音“咔嚓”来念节奏：【图二】
用衬词来念，如：【图三】
也可通过念一些词句来感受不同的节奏型：【图四】
匈牙利著名的音乐教育家柯达伊发明了一整套念节奏的办法，简单明了，易于掌握。
（3）奏：即用乐器演奏。一般是打击乐器。
（4）动：由于节奏在自然界和人的生活中无所不在，所以在音乐的诸要素中，它最容易被感知。一首扣人心弦的乐曲，很容易使人闻声而动。不管是微微的律动，或是轻盈的舞步；不管是脚板拍打地面，或是手指敲击桌子，这些动作都是随着音乐的节拍而动。由于严格的节奏和节拍是相互依存的，所以教师经常让孩子们跟着旋律用拍手、跺脚的方法来打拍子，从中感受音乐的节奏。
（5）作：即编写节奏音型或节奏短句。
以上五种培养学生对节奏的感受力的方法，在长期的音乐教育实践中被证明是非常有效的。这些方法有着不可取代的作用，但有了计算机音乐系统的辅助，可以做得更好。
2．计算机音乐系统在培养学生节奏感受力方面的应用
（1）在以上各种培养学生音乐感受节奏的方法中，听、念、动三种需要教师播放CD、磁带上的音乐或用钢琴演奏相关的乐曲。CD和磁带上的音乐内容是固化了的，只能因教学的需要进行选择，而不能因教学的需要而进行改变。钢琴在现代的音乐课堂上已成了必不可少的工具，利用钢琴教学，方便、灵活、有情感。但也有缺点，如：课堂上教师必须花一部分精力在弹奏钢琴上，无法全身心的投入到教学活动的组织中去；钢琴的弹奏不但受演奏技术程度的制约，也受人的精神和体力状态的制约，人在情绪欠佳或在长时间弹奏（如连续上多堂课）后略感疲劳可能会屡弹错音或弹奏的节奏不准确；钢琴的音色较单一等等。这些缺点，可由计算机音乐系统来弥补。
首先，可把音乐用音序软件或绘谱软件做好，存为MIDI格式的文件。然后在上课时根据需要在多媒体教室或带软驱的电子琴上播出（Roland Yamaha Casio都生产带有软驱的电子琴，其市场价在人民币3000元左右，比钢琴便宜多了。）这样的音乐在多媒体教室运用时可随时变换速度（这是CD和磁带作不到的）；可以准确地演奏各种复杂的节奏；其次，所演奏的乐曲可多遍重复，并且每遍都一样，不会出错；第三，可有多种的音色变化（这是钢琴演奏所做不到的）；最后，用绘谱软件制作音乐，还可在MIDI回放时把谱面在投影屏幕上同时放映出来，利用人类发达的视觉系统（著名的心理学家Treychler认为，人类从外界获得的信息中有83%通过视觉，11%通过听觉）来配合听觉对节奏的感受。
在课堂上进行培养学生节奏感受力的活动中，让学生通过计算机音乐系统来演奏相关节奏代替打击乐演奏有许多优点。音色多时其中之一，一般课堂上所用的打击乐器有：铃鼓、沙球、碰铃、木鱼、三角铁、双响筒、大鼓、小军鼓、镲、钹、小军鼓等，不过十来种，并且不可能每个学校都把打击乐器配齐；而计算机音乐系统就不同了，在GM音色所规定的打击乐键映射里就有49种乐器的音色，再加上乐器预置值映射里的第113至120号有音高的打击乐音色共有57种音色，涵盖了管弦乐打击乐，流行音乐打击乐和各民族有代表性的打击乐。其次，演奏简便。演奏打击乐，目的不在演奏技术而在感受节奏，所以，演奏的方法越简单越好。各种打击乐器有各不相同的演奏方法，而通过计算机音乐系统演奏各种打击乐器只需一种方法，即弹奏代表某项打击乐器的相关键位就行了。最后，能纪录学生的演奏结果。课堂上用打击乐器来感受节奏，演奏完了，体验也就结束了，事后的评价只能依赖于记忆。计算机音乐系统能把学生的演奏进行实时纪录，过后马上可以重放，有利于教学活动的进一步展开。
现举一个实际例子进行说明。
在课堂上欣赏《瑶族舞曲》后，用如下片断来感受节奏：【图五】
在上课前先把以上片段用音序软件Cakewalk录好。可录成单声部旋律，选适当音色（如选GM音色表73号Flute音色）。也可遵照乐队总谱录为多声部音乐。录好后存入磁盘待用。
上课应选在装备有多媒体教学设备的教室，用合成器音源。打开Cakewalk软件，把MIDI出入端口设好，选择一空音轨，把MIDI通道设为10，此时在合成器键盘上演奏，只有35—83键位能出声，每一键位就是一种打击乐的音色。
感受节奏一般从体验节拍开始，如果我们启发学生先用每拍敲一下打击乐器的方法来为此曲伴奏，可把录音方式设为实时，设置适当的速度，把节拍器的录音预备拍设为1，选择大家喜欢的打击乐音色（如梆子），然后按下录音键（或快捷键R），节拍器打点两下（一小节）后，原来所录的单旋律或多声部音乐就开始响起，此时学生敲击75号键（梆子音色的键位，相当于基本乐理中钢琴键盘分组的小字二组bE）为旋律伴奏。曲子奏完后，按Stop键，录音停止，必要时进行量化。此时如打开五线谱窗，可看到如下谱面：【图六】
这个录音结果可以回放，大家可以一边听着音响一边对演奏的结果进行评论。
由于Cakewalk允许录入256个音轨，所以可以让每个学生在不同的音轨用实时录音的方法演奏一遍。Cakewalk允许通过简单的设置使某一音轨播放或哑音，所以回放的时候可以只听一轨或其中几轨，以便对各位学生的演奏进行讲评。
节奏伴奏可以由浅入深，逐步增加难度。比如，我们可以主要用后半拍的节奏来伴奏，选用牛铃（MIDI键盘第56号键）的音色，其五线谱谱面如下图：【图七】
打击乐的演奏可以是单声部的，也可以是多声部的。多声部的打击乐可以由不同的学生先后录入不同的声部，也可多位学生共用一台合成器同时录入不同声部，如有多台合成器可以用合奏的形式来感受丰富多彩的音乐节奏。
教师有时在课堂上用节奏填空的办法来培养学生的节奏感受力，下例摘自一位中学音乐教师的教案：
【图八】
其中，第一行谱由教师用钢琴或某种打击乐器奏出；第二行谱括弧内的空白部分由学生解答。在听完老师演奏第一行谱后学生可用声音来回答（用念、奏的方法来回答），也可用书面解答。如果利用计算机音乐系统来进行这样的练习，学生的解答结果不仅有声音而且有谱面。具体方法如下：
用Cakewalk软件，选择第1音轨，设置MIDI通道为10，在MIDI键盘上弹奏适当的键位（如弹37号键位即为小军鼓、弹76号键位即为木鱼、弹81号键位即为三角铁等等）把第一行谱录好。选择第2音轨，仍把MIDI通道设为10，把第二行谱录下。在练习时，先用MIDI回放的方法让学生聆听第1音轨的内容（把第2轨设为哑音）；学生解答时，把第1轨设为哑音，第2轨设为放音，选第3轨，设置MIDI通道为10，按录音键，此时第2轨的内容会播放出来，学生跟着播放的节奏片断弹奏适当的键位就可把括弧里的节奏填好；录完后我们不仅听到学生的答案，也能通过五线谱窗看到学生的答案，还能与第1轨的内容进行比较。
（二） 音准训练方面
在音乐的坐标中，横轴是节奏的交替，竖轴是音的高低。在音乐的流动之中，正确地听辨音的高低，是非常重要的。培养学生辨别音的高低的能力，要通过必要的音准训练来进行。
计算机音乐系统辅助学生的音准训练，有较大的优势。体现在：
1． 音高准确性好。作为训练音准的的媒介，音高是否准确，最为关键。计算机音乐系统的音准不成问题，并且不必象钢琴那样要经常调音。
2． 音色丰富。李重光先生在其《怎样教孩子学音乐》这本书里谈到有关训练孩子的听觉时说：“从音乐教育来说，各种乐器的声音，各种人声，不同音区的声音……都可以作为听的内容。”计算机音乐系统的音色非常丰富，单从GM音色来讲，共有128种音色，其中有管弦乐乐队、流行音乐乐队的乐器音色，也有某些民族乐器的音色，还有一些合成的音色和人声。多种多样的声音，可以引起学生的极大兴趣。这是传统训练方法所用的听音媒介不能比拟的。
3． 在计算机音乐系统上进行练习，自己一人可单独完成。传统的训练方法，往往需要教师操琴，学生才能进行训练。通过计算机音乐系统，教师可以把训练的内容录好，用一定的文件格式存起来，学生自己在家用计算机上通过相应的软件打开文件，就可以进行练习。
对学生进行音准训练，先从基本音级开始，然后把变化音级一个个依次加入。训练方法主要有三种：听辨、模唱、听记。音的高低，必须有比较才能感觉，所以辨别音的高低至少要牵涉到两个音。任何两个音的出现体现出的特征为每个音的绝对位置和音与音之间的相对关系，而其中最重要的特征是音与音之间的相对关系。在调性音乐中音与音之间的关系体现于音乐的“调式”。音乐的调式构成了音与音之间的不平等关系：统帅与从属、稳定与不稳定。所以辨别音的高低可以先给标准音，从音的绝对音高出发辨别音的高低；可以给某一作为基本音高的音，从一个调式主音出发辨别音的高低。在小字一组的基本音级里，大调式主音就是C，标准音是A，辨别音的高低可从这两个音开始。也有人主张从G — C 开始，因为其体现的是大小调式的主属关系，不稳定到稳定的关系。这些见解都很有道理。在练习方法上，传统的方法总离不开钢琴弹奏，现在用计算机音乐系统辅助，更为简便。
音序软件录听音素材非常方便，选择音轨，录上标准音或某一调式主音作为参照系，并录上其他高高低低的音作为听音的材料，选你需要的音色，然后反反复复的听，仿佛计算机里有一位老师始终跟着你。计算机音乐系统丰富多样的音色，不仅可以增加学生学习的兴趣，还能适应于训练方法的不同，如：你用模唱方法训练音准，不妨选择齐唱“啊”（53号）或“哦”（54号）的音色，接近人声，便于模仿。
打击乐培训总结范文3
关键词：打击乐；教学；重奏；训练
中图分类法：J632 文献标识码：A 文章编号：1004－2172(2007)03－0078－04
重奏是打击乐演奏中最丰富的领域之一，它的风格极其多样，音乐形象丰富、内容充实，能表达各种各样的内心体验。让学生清楚地认识到重奏的重要性，加强重奏训练，培养和提高重奏方面的能力，是打击乐教学中的重要环节。本文结合个人的教学及演奏经验谈谈重奏的重要作用，以及在演奏中需要注意的一些问题。
一、重奏训练应是打击乐演奏者的必修课，培养和提高学生的重奏能力，是打击乐教学中的重要环节
与其他乐器的教学有所不同，老师从学生初学打击乐之时，就会对其强调与他人的配合。打击乐演奏者通过各种不同的训练逐步培养较强的合作意识、合作能力甚至合作心态是至关重要的。
对于打击乐演奏者而言，大多数的就业机会都在各种类型的乐团里。如果学生一门心思只想当独奏家，仅仅把时间投入到独奏的训练中，只会事与愿违。一旦不能成为独奏家，合奏能力又很差，走上社会以后甚至有可能面临找不到工作的困境。因此，让学生更多地参加重奏、合奏的训练，培养和提高学生重奏、合奏的能力，应是打击乐教学中的重要环节，已受到人们越来越多的关注并将其作为打击乐学生的必修课。
二、重奏训练前的准备
(一)重奏的组织工作
建立一个具有较高专业水平的重奏团是非常艰巨的工作。演奏者的选拔、工作条件、工作纪律、练习的组织，直至挑选乐器在内的一系列问题都具有重要意义。在技巧方面，大家的演奏水平应该比较接近。在练习重奏中，一个重要的条件就：纪律。应该培养正确的艺术道德和纪律，使演奏者们感到有责任为每次训练预先做好准备。
(二)认真阅读和分析总谱
其练习一首作品对，演奏者必须从熟悉乐曲开始，对其有所了解。阅读和分析总谱是非常重要的，通过阅读总谱揭示作品的艺术内容，看清声部的结合，找到音乐发展的主要线条。与此同时，应该对节奏、力度、速度这些因素加以分析，并对作品的结构、形式有所了解，统一重奏合作者对节奏、乐句、乐段的表现方法的认识和把握。对音乐的理解、表达等方面的细节非常多，需要演奏者做大量的工作。有了这些充分的准备工作，才能保证合乐得以顺利进行。
(三)独自练习，做好准备
一般来说，重奏作品的技巧难度比独奏作品小一些，但是如果不注意一些技巧细节，将严重影响重奏的效果。演奏者应首先在合乐前独自练习自己的难点部分，解决技术方面的问题，这样在合乐时大家才能将精力集中到互相配合上来。
三、重奏练习时应注意的问题
(一)慢速练习
慢速练习是一种运用得非常普遍而且很有成效的方法。放慢速度演奏有助于演奏者在对作品还不太熟练的情况下，细心聆听和分析节奏、解决作品中技术等各方面的问题。演奏者在刚开始合乐时放慢速度练习．并对合乐前阅读总谱时对作品的各种认识和了解进行统一，有助于提高训练的效率，有助于重奏合作者对乐曲风格、节奏、乐句表现方法等进行统一认识和统―把握。
(二)重奏中的集体观念
重奏在器乐表演艺术领域是最高层次的形式，它要求乐手之间的高度默契，因为没有指挥，全靠心灵间的互动，因此每个人的分量是对等的。
演奏重奏作品的主要任务是揭示它的艺术内容。重奏组中每―个演奏成员都应该集中主要力量尽可能地做到在各个音乐细节上的统一，能够在演奏中各显其能，相辅相成，从而将作品演绎得完美而深刻。重奏的演奏，要求具备以通晓和掌握重奏这一体裁的特点为基础的非常专业性的修养。当然，这需要演奏者掌握一系列重奏的技能。这些技能是：既善于谛听整个重奏的音响，又能从整个音响中听出自己的声部，并且随时调整自己的音响，使之适应总的音响效果；善于在重奏时随机应变，使自己的一举一动与其他的重奏者协调一致；需要具备既是独奏者又是伴奏者的能力，善于迅速地、完善地从执行一种任务转换为执行另一种任务，也就是需要服从于作品的集体观念。
一切杰出的重奏团体在动作、构思和表现上都是统一的。集体这个词的真正含义乃是个性的有机融合，或可称作特殊的“集体个性”。如果一个重奏团中的演奏者们彼此格格不入，他们的演奏质量，对音乐的态度和理解都不相同，那么他们未必能够达到演奏上的统一。
在重奏中第一演奏者担负着演奏旋律的重要任务，而较少演奏伴奏部分。如果他的演奏风格和音质等都缺少个性，但其他演奏者的能力很强，整个重奏就无法达到很好的效果。第一演奏者应当善于“统率”整个重奏团。这种“统率”是基于非常严格的重奏要求而来的，重奏中不允许模糊不清、自由松散。当然，重奏团的技巧越高，演奏中的旋律性、节奏和声部进行也就越能流畅自如，但是这种自如总是以更大的严格性为前提的，重奏团应该在培养这种严格性的基础上进行自己的工作。演奏旋律要胸有成竹，处理乐旬要沉着鲜明，轮廓要清晰，节奏要明确，支点音、高潮和句子的结束要交待得清清楚楚，把每一个音符准确无误地演奏出来。第一演奏者“统率”不了整个重奏团的原因往往在于他自己的意图不明确，因而另外的演奏者就不能非常清楚地理解他的意图。
第一演奏者在“统率”整个重奏团的同时，也要严格地服从另外几个声部的行动，并依靠它们――这是重奏的另一个特点。任何―个声部的演奏者在演奏旋律的时候，都应该意识到这是“重奏中的旋律”。特别是第一演奏者往往要严格地依据伴奏声部来演奏，这时后者似乎又成了“统率者”。重奏中的每―个成员就是这样相辅相成，互不分割。有个好的重奏伙伴就像是多了个节拍器，演奏时对节奏和整体的把握当然是非常有利的。演奏者要密切注意各声部，同时又要以某一声部作为调整自己演奏的基础。低音部掌握节奏的作用是非常重要的，通常控制和调整整个音乐的进行。低音部如果迟钝、消极，缺乏主动性，节奏落在主导声部的后面，那就绝不可能给重奏创造一个真正的基础。内声部的演奏者应该使自己的声部和其余的几个声部取得协调，顾及所有声部构成的整体。还有，大家相互营造了作品的气氛，能使人更好地投入到作品的意境中，互相发现问题，并指出问题，从而加以改正。
每一个重奏者都有他所固有的个性，总有一些和其他人不同的地方。但所有演奏者对作品应当有一个总的概念，不 仅要细听自己的声部，而且要细听另外的声部，并加以分析研究。
旋律声部应当鲜明突出，否则整个演奏会显得黯然无光、呆板乏味。当然也应防止旋律声部的过分突出。当各声部越靠近，织体越紧密，旋律声部与伴奏声部之间的音量差别应越加明显。然而，当我们演奏复调音乐作品的时候，情况就要复杂得多。应确定每一个声部对其它声部的作用与意义，弄清楚哪一个是主要声部，哪一个是次要的声部。
重奏的练习应当从培养最基本的合奏技能，掌握最简单的伴奏手法、旋律与和声相结合的手法开始。
重奏中的集体观念不单是演奏者本身，同时也表现在演奏作品中注意力的体现。伴奏者不能只是追随主导声部，还应该使自己的声部跟其余几个声部取得协调。在重奏的时候，每一个成员的注意力总是分散在几个不同的目标上。因为对一切都给予同样的注意力是很困难的，所以应该首先分清主次。这种分配注意力的能力，以及对进行中的每一处将要以什么为主有着明确的认识，也是最重要的重奏技巧之一。
(三)节奏
音乐是一种永远有一定节奏组织的、通过时间而展开的艺术。把音乐的各种音响、音调要素在时间上加以组织，这也就是音乐节奏的功能。各种不同作品中一些相同节奏，由于不同作品的音调组织而有着完全不同的意义。
在演奏中十分流行那种机械的数拍子、打拍子的方法，虽然可以采用，但主要只是在最初熟悉作品的阶段，真正的节奏研究，是深入分析它的音乐表现意义。音乐在时间上的组织可分为3个要素，即：节奏、拍子和速度。拍子是音乐进行的总的脉动。音乐作品常常是建立在某种基本的节奏型之上的，这类节奏型将作品的全部发展统一了起来。拍子与节奏之间常有重音不相吻合的现象，节奏重音的易位使音乐具有了特殊强烈的性质。
在研究节奏时应特别注意休止符，在演奏中切不可对休止符漫不经心。对节奏的研究应当成为揭示音乐作品中节奏的艺术表现作用的重要过程。每一种节拍单位都只有在一定的速度之下才有具体的表现力，因此，确定必要的速度是一件重要的事。改变拍子与速度时，可能产生许多问题。在使不同声部的节奏统一的过程中，应向某一声部看齐，应把不同声部的节奏分清主导和从属的关系。在一个声部内，节奏功能总是经常从主导转为从属。
每部作品都有一种它自己所固有的节奏框架。在有些作品里，这种框架从头到尾始终不变，而在另一些作品里则有变化。单一不变的拍子多半比较易于演奏，因为它确定了一定的动作惯性。但从某一种拍子转入另一种时就比较复杂。变换拍子的时候，通常是由新旧两种进行连接起来的共同的东西所引导的。
自由节奏在重奏中演奏起来比较复杂。通常，音乐进行的统一性的获得，是以拍子为支柱来获得的，缺少这种支柱，节奏的练习就会大大复杂起来。这时，所有伴奏声部都必须追随主导声部。在演奏中，确定必要的速度是一件很重要的事。有时，并不是根据乐曲的开始速度来确定的。开始所用的速度并不是在整个演奏中永远固定不变的。其过程中可能有很大的速度变化，但这些变化是由音乐要求所引起的。如果这种变化是在音乐的完整统一的运动之中进行，而且不破坏这种统一性，那它才是正确的。无论改变速度，还是回到最初的速度，都必须使人感到它是很自然的。
(四)演奏者对音乐力度层次的把握
一段音乐的进行，每个声部的力度要求是非常严格的，在它的力度变化范围和区间，一般来说屈从于整个音乐的情绪。
一般来说，习惯独奏的人，对音乐的自我领悟能力和自我表达意识方面很强，如果在重奏合奏方面没有严格的训练，没有很好的指导，就缺乏较强的合作意识、合作能力甚至合作心态，以致不可能演奏好重奏。演奏重奏时最重要的是“听”，注重旋律声部与其它声部之间的关系以及音量比例，使这个演奏华彩洋溢，和谐统一。在重奏的时候，不仅要注意听自己所演奏的声部，而且，还要听合作伙伴演奏的声部。彼此互相的配合，从而使得各声部之间达到协调与平衡。这种声部间的意识培养与训练，即使他们在独奏的时候，对音乐整体的把握也大有益处。
打击乐重奏强调整体力度的匀称、均衡和统一。要求在起奏、分句以及色调的细微变化等方面都达到准确、协调和统一，演奏者之间保持高度的默契和配合。在重奏别重要的就是声部的平衡。在重奏中我们不仅需要注意自己的声音平衡，还得考虑自己的声音与其他人的平衡。重奏是各声部既独立而又互相配合的一种演奏形式，在做重奏练习时，一定要做到在自己演奏的同时能听到别人的声部，并且主动地给予配合，千万不要演奏成一个声部独奏，而另外的声部作伴奏。
(五)重奏时演奏者乐器位置的调整
打击乐培训总结范文4
一、?创设氛围，激发学习兴趣
创设情境对学生而言具有较强的情感吸引力，容易激发他们的好奇心与求知欲，进而促使其思维处于异常活跃的状态。
在教学中，我先上了一堂观赏课，让学生看一段山西锣鼓的演奏视频，学生被这段视频深深的吸引住了，被视频里的演员的演奏水平、表演能力所折服。学生们以前都不知鼓能进行如此精彩的表演。然后，我试着用一部分打击乐器，如小鼓、云锣、排鼓等打出一些简单的节奏曲激发起学生对各种声音的好奇心。让学生知道敲击不同打击乐器发出的声音是不相同的，并肯定地告诉学生：“这些并不起眼的乐器，可以演奏出感人的乐曲。只要大家努力不懈，过不了多久，你们就能用它们来演奏那些民族打击乐器了！”同学们听了非常兴奋，他们都迫不及待地想动手敲敲那些乐器。
在平时上课时，我总是抓住每位学生闪光点，及时给予奖励和鼓舞。一首练习曲敲下来，让敲得好的学生单独敲，既培养了学生的表现力，又树立了榜样。在学与比中形成竞争。除了同一乐器学生之间相互竞争外，我还让不同乐器的学生之间开展比一比活动，比进步知不足，并适当地进行表扬，激发他们的学习兴趣，增强他们学习的信心。
二、?“双基”教学，促进全面提高
对少儿的鼓乐教学应把基础知识与基本技能结合起来，做到由浅入深，循序渐进。过快，会有节奏不稳，基础不扎实之嫌；过慢，又会令学生兴趣索然。只有依据学生实际现状，较合理地制定教学计划，并且进行有效训练，才能促进学生“双基”的全面提高。
把每阶段学习的基本知识列入常规，作为每次教学的一部分，使每次教学有明确的训练步骤。如先进行单节奏时值的训练，再进行节奏型的训练，以后逐步进行节奏乐句的训练等。以确保教学的顺利进行，提高训练效率。切忌训练内容的随意性，不经过选择，拿来就敲。另外，在训练中，基本功要自始至终贯穿于学生练习的全过程，做到在不同的阶段对学习作不同的要求，从而不断加深、提高。
学习一些简单的乐理是学生学习鼓乐的第一步，在教学时要求学生在一定时间里达到某种程度的训练要求。在讲解完一条新练习的要点时，老师首先要示范演奏，这样有利于激发学生的积极性，提高学生学习的效率。并提出相应的要求，使他们带着一定的任务练习。从而不断地自我调整，自我约束，合理地分配训练时间，自觉、积极地完成训练要求，全面提高学生的基本技能。
三、?因材施教，促进个性发展
学生在学习打击乐乐器中，最棘手的便是学生心理上的问题。这需要教师的耐心和爱来解开这个结。在教学中，有个学生由于节奏感较差，一首有着休止符与附点音符的乐曲便难住了他。在练习一段时间仍无进展后，他泄气了。于是我问他：“你会不会吃苦？”学生自然是点点头。就这样，从那天起，我每次训练单独手把手的教他、一遍又一遍不厌其烦地给他唱谱、拍节奏。终于有一天，他用正确演奏回答了我。事后，我问他：“你现在还认为自己学不好吗？”学生笑了：“老师，我知道了，什么事都需要有耐心和毅力。你已经用你自己的行动告诉了我。我相信自己一定会学好的！”从他的眼里，我不仅看到了一份感激，更多的则是信心和希望。
孩子们的表现欲极强，他们把上台演出看作是很光荣、很自豪的事。只要能达到上台演出的目的，他们会以意想不到的毅力来排除万难，自觉性和积极性更是倍增，对自我的约束力大大增强。学生置身于音乐创造的情境中去感受乐曲的内涵，感受乐曲的美。在激发学生对中国民族打击乐兴趣的同时，也丰富了学生的艺术表现力与创新力。学习民族打击乐器的学生在学习上并不落后于其他同学，反而在学习过程中锻炼了意志、陶治了情操、培养了能力，提升了学生的整体的音乐艺术的素养。
打击乐培训总结范文5
随着中国女子选手在世界网坛中的优异表现，网球运动在中国越来越普及。同时因为网球是一项阳光下的运动，认同的爱好者也越来越多。而其中有一部分人，更是想从一名网球爱好者转变成一名网球教练。如何实现这个转变?需要提高哪些方面的技能?如何把这份工作作为一项职业来从事?对于这些人来说，上述问题都是非常值得思考的。
对网球运动非常热衷与将这项爱好作为工作是两种截然不同的概念，打球和教球之间也存在巨大的区别。我们首先需要对每个标准的击球技术有充分的认识。比如PTR(全称Professional TennisRegistry时，职业网球教练员组织)对21项基本技术都有人着清晰的进阶性描述，一个网前正手截击动作的描述就包括怎样引拍，左右脚按照何种顺序移动，击球点在哪里，与身体的相对位置如何，重心怎么转移，如何收拍等等。
其次作为教练员，我们应该对经常会犯的技术错误以及出现这些错误的原因有充分的了解。不仅要能够指出错误，还要教会学员能够改正这些错误的方法。比如，许多学员喜欢用下腕来打球，如果只是简单地告诉他们不要用手腕，对于纠正这个错误的效果并不大。我们的教学系统中就针对50多种常见错误给出了改正方法，对于用手腕打球的解决方法是在拍柄和手腕之间先放一个球，用一半的握拍来打，因为抓着的那个球可以帮助手腕的锁定，手腕就不能动了。像这种使用第三方工具辅助教学的方法能够让学员有直接可触及的参照，改正错误也就会变得顺理成章了。
再次，我们要学会喂球和送球。同平时打底线球的握拍不同，常见的喂球方式是使用大陆式击球，且站姿方面也很有讲究。―般人在自己打球时基本不会练习这种技术，所以对于想成为网球教练的人来说需要单独安排时间进行训练。在掌握了基本的喂球技巧之后，就要锻炼自己在不同训练目的下的喂球送球技巧，不但强调单双打的不同喂球节奏和活球的送球技术，还学会如何针对实战能力，通过不同的喂球送球创建出各类场景训练模式。
在了解了技术动作，纠错方式和送喂球后我们就需要研究如何把这些内容穿捅起来编排成为一节课程了。如何做开场白，这节课跟学员讲些什么内容，如何进阶性地教授击球技巧，何时让学员做演示，教练员如何开展场地训练和球员互动，课程结束之后如何进行总结等，这些都需要去探索。其实我发现不论在职业领域还是业余领域，很有优秀的教练都有写教练笔记的习惯，将点点滴滴的教学体会记录下来，在适当的时候进行总结，这是一种很有效的自我提高方式。
不过，以上内容要――自学的话对于大部分人来说还是有难度的，如今国内已经有一些相对成熟的网球教练员组织。加入这些组织就相当于进入了一个资源网，它们针对国际标准化的教学方式、纠错方式、送球方式等，已经拥有一套现成的系统和一份详尽的资料供大家去学习。在这些组织当中，通过密集性较高的培训和考试就能对教学的开展有一个结构化的认识。
即便通过了这些考试。在实践工作中还是要注意保持一种良性循环的状态。在日常的网球教学里把所学到的东西运用在自己学员的身上，获得学员的反馈，再结合所取得的经验去开发更多的课程来获得更多的反馈，这就是一个良-生循环的过程。所以，形形教练员组织的作用不仅仅是提供培训和考试，还给大家设立了一个教练员间交流的平台。网球教学本身是一个不断发展的过程，也就需要通过不断的学习和交流增加教学经验和水平。
总而言之，从一名网球爱好者到一名网球教练，虽然长路漫漫，却不是无迹可寻。再加上热爱网球的心，坚定的信念，不懈的努力，相信那些抱有这样梦想的人一定能够如愿。
国内教练员培训系统和组织
PTR中国
Professional Tennis Registry，简称PTR，由丹尼斯・范得米尔创立于1976年，原名为USPTR，它最初的创立目的是在国际范围内推广一种全球认可的《标准网球教程》。现在PTR已经被ATP、WTA等国际网球组织和多个国家的网球协会认可。培训组织为PTR会员准备了5个部分的测试证书。
PTR是世界公认的国际性网球教练资格评定组织。PTR职业证书课程培训班的重点是针对符合生物力学的击球方式展开一系列的评定，在进行团体授课时呈现自己纵观全局的基本能力。PTR所教授的内容都是经过运动生理力学专家确认过的，是符合最基本的生理力学原理的。在团队培训中，PTR以拥有着行业标准式的授课方式而著称。
PTR同时为会员提供《标准网球教程》《双打教程》、《心理素质训练》、《网球训练方法大全》、《教练员运动医学手册》、《少儿网球教程》、《运动科学手册》、《网球企业管理》、《运动生理手册》、《运动营养手册》、《运动教学手册》。
PTR中国在国内已经拥有8年的运作经验，在上海、北京、深圳、武汉等地也有大区的负责人，PTR中国的网站为省略。可以在那里了解到更多关于PTR中国的信息。
ITF教练员培训
ITF教练培训是中国网球协会的等级培训系统，颁发的是等级培训证书，和中国网球协会教练员培训挂钩。中国网球协会教练员等级培训分为初级(ITF一级)、中级、高级(ITF二级)、特级(ITF三级)四个等级。参加相应职称评选的教练员必须通过相应级别教练员培训班的培训考核，现在社会上有的网球教练学习班中，培训和考核合格之后就可以获得ITF一级教练员的证书，因此初级教练员的资格取得起来相对容易一些。而更高级别的培训则是每年由国家体育总局网球运动管理中心组织各省开设网球教练培训班。
快易网球教练员培训
快易网球教练员培训是中国网球协会的专项培训，通过考核颁发专项培训证书，参加培训的教练员所学的主要是组织初学者进行集体教学的能力。按照中国网球协会的规定，取得此类等级证书的教练员，必须参加专项规定培训才能进行年度注册，这一政策相当于会计的继续教育，目的是保证授证教练员的质量。快易网球以国际网联的Tennis Play＆Stay课程体系为核心，采用最新、最先进的网球教学方法组织课程教学，教练员将学习到如何在第一堂课使初学者掌握发球、对打、得分，使初学者能以更快速、更有效、更易接受的方法掌握网球技术。快易网球教练员的培训对象包括俱乐部中面向初学者的全职、兼职网球教练；大、中、小学中从事网球教学的教师和教练；青少年或成年业余网球培训班的教练和助教；其他面向初学者组织教学活动的网球教练。
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【关键词】基础教育学校；音乐；课改；思考
一、基础教育学校音乐课改现状
教学工作是学校工作的中心环节，因此素质教育主要是通过各科教学来完成的。原来的各科教学中较多的是只重视本学科的知识传授和技能培养，对全面落实素质教育的要求并不重视。以音乐教学来说，多少年来传统的教育观念认为音乐是一种技术课，它是传授音乐技能的技巧课。音乐教学方法也以“教音乐”为宗旨，教师的教学目标往往停留在“帮助学生顺利地学会教材规定的内容”，教师的注意力必然集中于唱歌、识谱、乐理、欣赏等技能技巧的传授和训练，而忽视了对人的素质、能力，特别是个性的培养。
而课改后的教材不仅使学生掌握一定的知识、技能技巧，包括智力素质的开发，包括人的想象力、创造力、灵敏反应能力、注意力、记忆力、协调合作能力、审美能力等因素的训练和培养。在教学过程中，通过音乐达到教人的目的，通过教人来更好地学习音乐。课改后的音乐教育着眼于培养全面发展的人，重视人的素质能力的培养。使学生有了想上音乐课和更想唱歌的情感和欲望，特别是孩子愿学，乐学。因为有感才有受，有感才有智。否则再简单的技能技巧训练，也只能成为机械的操练，呆板的重复。
二、现阶段基础教育学校实施音乐课改的几点建议
1.让学生走出课堂
有学者对小学生在日常学习中注意稳定性作研究，发现7岁～10岁儿童可维持20分钟，10岁～12岁约为25分钟，12岁以上儿童可维持30分钟。到第三节课时大脑左半球已处于疲劳状态，所以就必须使这个优势兴奋中心转移到大脑右半球形成新的优势兴奋中心，也就是使大脑左半球皮层的区域处于抑制状态。走出教室，换一个新的环境可以让学生处于一种兴奋状态，正由于这种兴奋状态使得学生的思维处于一种发散的状态，有利于进行创造。
2.完善评价机制
笔者根据课改理念、课程目标进行音乐期末测评，收到了良好的效果。改变了过去那种一张试卷一首歌定音乐成绩的做法，笔者采用了唱歌、打击乐器、律动、歌表演、欣赏等几方面对学生进行测评。学生兴趣盎然、积极参与。在测评中允许学生在唱歌、打击乐器、律动、歌表演、欣赏中任选一项。唱歌的测评中允许学生在课本里任选一首自己喜欢的歌曲或课本以外思想内容健康向上、适合中小学生演唱的影视歌曲。允许学生边敲打击乐器边唱歌。打击乐器的测评中让学生自选一样打击乐器演奏课本中或自己准备的歌曲。允许在课外学习乐器的学生演奏乐器参加测评。
3. 课改教学从教师为中心转化为学生是主体
不能把师生关系看作是单纯的知识传授关系，而要树立一种人与人之间平等合作的师生关系。教师要怀着对学生的爱和对知识的爱的感情向学生传授知识。要面向全体学生，而不只是教少数天赋好的孩子，更要为多数中等特别是天赋比较低的孩子服务。我们是普及型的教育，要让全体学生主动、积极、饶有兴趣地参与进来。
三、总结
