空间花艺设计范文1
软装饰室内环境设计与纺织品装饰艺术的交叉科学，所谓软装。其实就是根据装修和个人居住的需要，利用纺织品、工艺品、花艺等在室内中空间的应用，把室内相对于硬质材料而进行的“软材”装饰过程。花艺顾名思义，就是花卉艺术。花艺软装则是一种新兴的装饰方法，通过鲜花、绿色植物和其他仿真花卉艺术品等对房屋空间进行点缀，是赋予室内空间生机与精神价值的重要元素，它对现代室内设计起到了烘托室内气氛、创设空间意境、丰富室内层次、强化环境风格、调节环境色调的作用。此外，花艺软装设计方式的使用，不仅能够体现居住者的审美情趣和艺术品位，而且能帮助居住者养成；良好的生活哦习惯，在装饰过程中感受生活情趣与文化内涵。
花艺软装的特点
花艺软装是在室内装饰构成中，使用一定的设计方法对花卉艺术进行加工，并应用于室内设计，使得人们的家居设计能够满足人们的审美追求，具有个性化、自然化、分隔性等特点。
（1）花艺软装的个性化特点
花艺软装是一种精致、清雅的装饰手法，它随意、洒脱，也能满足人们个性化的需求。现代室内设计中将花艺软装的色彩、造型、摆设方式与家居空间及业主的气质品位相融合，可以使空间或优雅、或简约、或混搭... 极具个性。个性化的软装花艺设计理念，可以激发人们对美好生活的追求，体现了业主健康、绿色、个性的精神品质。
（2）花艺软装的自然化特点
在快节奏的城市生活环境中，人们很难享受到大自然带来的宁静、清爽，而花艺软装的使用，能够让人们在人为创设空间环境中，贴近自然，放松身心、享受宁静，舒缓心理压力和紧张的工作所带来的疲惫感。花艺软装在空间中所具备的自然化特点，代表了生命与热情的精神内涵，体现了健康、绿色、自然的时尚脉搏。
（3）花艺软装的分隔性特点
现代室内设计的趋势是空间的可变性、参与性。而花艺软装的利用，则是达到目的的重要方式。花艺软装可以组织空间和引导空间。在软装空间中，采用绿植陈设空间，可以分隔、沟通、规划、填充空间界面。若用花艺分隔空间，那可使各个空间在独立中统一，达到似隔非隔，相互融合的效果。此外，在装饰锅成中，利用花艺的摆设来划室内空间，具有很大的灵活性和可控性，可提高空间和利用率和使用质量，满足人们的生活及 精神需求。花艺软装的分隔性特点还能体现设计者的平淡、含蓄、单纯、空灵之美，花艺的线条、造型，可增强空间的立体几何感。
花艺装饰本身是室内设计的一部分，因此花艺风格要与室内设计的整体风格统一，花艺作品雅俗共赏，艺术感染力强，有很强的美化效果，对室内设计可以起到画龙点睛的作用，营造出温馨、舒适的、自然清新的格调。花艺材质种类繁多，给予了设计不用的创意，而优秀的、有创意的作品，也能体现出设计者非凡的艺术审美。总而言之，结合花艺装饰的不同特点，并将其泛滥、合理的应用到室内设计中，是回归本真与生活原色的重要方式，也是体现设计者艺术品位与文化内涵的重要元素。
花材分类
按照材料的本质属性，花艺软装材料可以分为：鲜花类、干花类、人造花类。
1.鲜花类
鲜花是自然界有生命的植物材料，包括鲜花、切叶、新鲜水果。鲜花色彩亮丽，且植物本身的光合作用能够净化空气，花香味同样能给人愉快的感受，充满大自然最本质的气息，但是鲜花类保存时间短，而且成本较高。
2.干花类
干花类是利用新鲜的植物，经过加工制作，做成的可长期存放，有独特风格的花艺装饰，干花一般保留了新鲜植物的香气，同时保持了植物原有的色泽和形态，与鲜花相比，而且久置不坏，管理便利，但是缺点在于缺少生命力，鲜活度鲜花无法相比。
3.人造花类
人造花也叫仿真花。是使用布料、塑料、网纱等材料，模仿鲜花制作的人造花。人造花能再现鲜花的美，但是并没有鲜花类与干花类的大自然香气，其优势在于设计美观，价格实惠并且保存持久。在家庭、单位、超市等室内外的花艺布置中都常常使用。
花艺在室内的应用
选择何种花艺，首先我们需要对室内格局进行分析，再对花材品种、颜色、材质进行具体的选择，在选择时，需要考虑到以下因素。
1.空间布局与样式选择
花艺在不同的空间内会表现出不同的效果，以玄关为例，一般玄关是人进入居室所见到的第一个事物，尽管面积并不大，但是位置比较重要，然而因为人们进门之后总会在门口放下一些零碎的小物件，如钥匙、手套、手包等等，就会显得玄关比较杂乱，如果在此处选择悬挂式的花艺作品挂在墙壁上，就能够吸引人们的注意力，让人们眼前一亮，而此处的饰物选择，应当尽量选择简单的、淡雅的插花作品，避免撒乱。
一般花艺布置的重点在客厅或者大唐位置，尤其是酒店宾馆，客人对大堂的印象对整个宾馆的主要印象，宾馆的大堂装修体现着宾馆的档次，所以，宾馆需要使用花艺饰品，布置出于装饰风格相互协调的格调，尤其是重大节日，例如情人节可以摆设红色玫瑰花等等，不仅是宾馆、商场、医院、图书馆等很多公共场所，人们可以根据不同的功能，布置花艺装饰，卫生间一般是比较容易忽略的细节，然而，卫生间的品质，往往是“短板”，在卫生间摆放花艺布置，能够给人舒适的感受，因为卫生间接触水多一点，所以可以选择玻璃瓶等容器装点布置。总的来说，室内空间格局是摆设花艺装饰的重要考虑因素。
2.根据人的感官效果考虑
摆放合适的花艺，在空间中能起到抒感，营造起居室良好的氛围的效果。花艺选择还需要充分考虑人的感官和需要，例如餐桌上的花卉不宜使用气味过分浓烈的鲜花，或者干花，气味很可能会影响用餐者的食欲。而卧室，书房等场所，适合选择淡雅的花材，以绿色位置，使居住者能感觉心情舒畅，也有助于放松精神，缓解疲劳。此外，室内绿化和花艺陈设可以体现业主的性格和品位，如室内装饰的主题材料为松，则表现了主任的坚强不屈、不怕风雪严寒的品质。以竹为题的材料，则表现的是主人的谦虚谨慎、高风亮节的品格。以梅花为主题的材料，则可表现出主人不惧严寒、春节高尚的品格。以兰花为题，则能表现出主人的格调高雅、超凡脱俗的性格。
3.花艺格调搭配
空间风格还需要根据人的喜好来决定，花艺设计能够柔化人与建筑物之间的关系，让空间更有宜居的感觉，由于地理文化、个人喜好不同，花艺的风格也不同，世界上花艺一般可以分为东方风格，东风风格更追求意境，喜好使用淡雅的颜色，如果水墨画、青花瓷典雅，而西方风格更喜欢强调色彩的装饰效果，如同油画一般，丰满华贵，选择何种花艺风格，需要根据空间设计的风格进行把握，如果选择不当，则会显得格格不入。
4.花材材质
花艺装饰选择还需要根据使用用途、场地选择合适的材质。如上文所述，花艺软装材料可以分为：鲜花类、干花类、人造花类。所以，选择花材要根据场地选择，对以上不同花材进行合理分配。鲜花色泽艳丽、生机勃勃，能够净化空气，但是容易枯萎，需要长期更换，鲜花的成本较高，干花能长期保存，是干花的优势，但是干活缺少生命力，色泽感较差，人造花可塑性比较好，也易于打理，人们能根据自己的爱好选择自己喜欢的花卉，但是人造花不具备生命力是它的弱势，存在着很大的局限性，与鲜花与干花在品质上并不能相提并论。所以，要发挥不同材质花的优势，需要认真考虑空间的条件，在盛大而隆重的庆典场合， 必须使用鲜花，使用鲜花才能更好地烘托气氛，体现出庆典的品质。例如光线昏暗的空间，可以选择干花，因为干花不受采光的限制，而且又能展现出本身的自然美，除此之外，干花可以随意调色、能长久保存，装饰效果也充满古典气息，非常适合咖啡厅、电影院等环节。而像是医院、图书馆等淡雅清新的地位，一般选用清晰淡雅的绿色植物作为装饰，如文竹、芦荟、白百合等等，过分鲜艳，或者气味浓烈的植物容易让人产生不愉快的感觉，也并不合适空间装饰的整体基调。
5.颜色搭配策略
花的颜色一方面要考虑场所环境的要求，另一方面要考虑与空间内的其他物品颜色相和谐，体现整体美。例如：书房适合使用书帖字画作为装饰，而花艺最好选择淡雅的植物，色彩不宜过艳、最好是以绿叶为主的植物，例如竹子、芦荟、仙人掌等，能够调节视力，给人以舒适的感觉。又如：客厅可以选择较为鲜艳、明亮的花卉并且摆放在鲜艳的位置，让人感觉到喜悦，也能体现出主人的热情，然而搭配还需要配合客厅的格调，颜色搭配不和谐反而会起到相反作用，无法彰显出主人的品味。
空间花艺设计范文2
关键词：婚礼花艺 流行趋势 美学原则 花艺色彩
中图分类号：S688.2 文献标示码：A 文章编号：1003―0069（2014）09―0122―02
花艺，每一场婚礼上最不能少的浪漫元素，婚礼的每一处细节都少不了鲜花的装饰，从捧花、胸花到嘉宾签到台、婚礼舞台，婚宴餐桌等等都有美艳的鲜花装饰。花艺装饰可将大自然的美引入婚礼空间，运用花艺与空间的完美结合，创造出一个具有极强的视觉冲动并且独一无二的婚礼，震撼、时尚、浪漫、梦幻、典雅……
1 婚礼花艺的历史渊源
将娇艳美丽的鲜花与同样浪漫幸福的婚礼相结合，绝对是古人无尽智慧的体现。花朵的纯洁、空灵、一尘不染，是爱与幸福的象征，被视为大自然赠予人类最珍贵的礼物。
1.1 国外婚礼花艺的历史渊源
埃及、罗马、希腊为文明古国，早在2500多年前就有用植物美化生活、装饰空间的习俗，喜欢将花瓣撒在地板和床上，同时也用陶碗和鲜花水果等装饰宴会桌，并为客人准备花环和花圈。据唐梅英等（2008）考证，2000多年前古埃及人在结婚的时候，就已经使用鲜花来装扮新娘和布置房间，祈求幸福美满。早在几千年前，古希腊人就用大型的瓶花和花环作为婚礼的装饰物，橄榄是婚礼的伴随物，常青藤象征着经久不息的爱情。早期的罗马婚礼上经常出现花艺与薄荷，是为了给新人带来好运和避免一年之中的坏运气，并且让参加婚礼的来宾得到祝福。
1.2 中国婚礼花艺的历史渊源
中国人自古以来就对花卉有特殊的好感，寄情于花……《周南・桃天》：“桃之天天，灼灼其华。之子于归，宜其室家”、《郑风・溱洧》：“维士与女，伊其将谑，赠之以勺药”……可见当时的人们对于花卉的热爱程度，以至于演变为以后的簪花、戴花、插花等诸多花艺型式与活动。
自汉以来，古婚礼逐渐形成固定化的六礼，这六礼分别是纳采、问名、纳吉、纳征、请期、亲迎。宋代将繁复的“六礼”简并为“三仪”：纳采，纳币，亲迎。其中与花艺最相关的是两个礼仪：纳征和亲迎。据唐代杜佑《通典》记载，汉代纳征礼品多达30种，其中就包括蒲、苇、卷柏、嘉禾等。段成式在《酉阳杂俎》中记有唐朝纳采时昕送的礼物九样：合欢，嘉禾，阿胶，干漆，九子蒲，朱苇，双石，绵絮，长命缕。这九样中合欢、嘉禾、干漆、九子蒲、朱苇就是花材。亲迎中很多环节也都有花材的使用。
从中我们可以知道，古时人们在婚礼上运用花卉以此来祈求好运，希望自己未来的生活像花儿一样幸福美满，同时驱除厄运和疾病。在中国，则赋予花卉更多美好的寓意，象征吉祥、夫妻恩爱。很多习俗一直沿用至今。
2 现代婚礼花艺装饰流行趋势
据FSBJ（中赫北京花校）机构提供的数据统计显示，中国花艺设计行业近10年来累计环比增长250%。中国已成为花卉消费大国，消费者对花艺装饰的需求在不断的提高，最显著地表现为花艺设计在新人的婚礼策划中已处于不可替代性的主角地位，在新婚人群中尤其是80后90后，愿意把自己很大一部分积蓄用于婚庆等相关产业，为自己的青春留下珍贵的回忆。如今的婚礼花艺也呈现出了以下几个趋势：
2.1 风格的自然化
凡是自然的都是美的。如今整体婚尚已从以前的奢华、繁复向当前最流行的自然风格转变，自然、清新、浪漫的花艺婚礼逐步成为婚尚的新趋势，作为婚礼的大军，不少85后90后更渴求自己的婚礼贴近自然，为此，春意盎然的绿色气息成了他们婚礼的主打要素，自然风格的花艺设计成了他们情感表达的最好方式，并日趋明显。自然风格花艺大师Sarah说：“自然风格花艺不仅应用于婚礼，还普遍应用于其他场合：会、宴会还有私人派对，自然花艺都是最美好、最轻松、最接近人心灵深处的装饰。”
2.2 主题的明确化
85后90后逐渐到了结婚的年龄，个性化的主题婚礼越来越受到时尚新人的青睐，如“白色恋歌”、“西班牙之火”、“情定爱琴海”等等。伴随着时代的发展和婚礼趋于主题、故事性的潮流趋势，婚礼花艺也逐渐融入到一场婚礼的整体视觉效果之中，迎合主题的花材、色彩以及造型是表现个性婚礼的最佳表现，色彩方面也更为丰富。
2.8 装饰的艺术细节化
婚礼花艺既是一种装饰形式更是一种艺术。艺术化的表现形式在在婚礼花艺的发展过程中是大势所趋。高端花艺师开始注重细节上的设计。比如花材与灯光的搭配、餐具的花艺设计以及花艺与其他装饰品的融合等，这些细节都将带来全新的视觉享受。
2.4 灯光与8D的结合
置身于色彩缤纷的婚礼现场，是越来越多新人婚礼的空间花艺设计的主流。喜欢以“色彩设计VS灯光幻影”来表现个性。将3D技术融入灯光特效的设计中，秀场不再流行LED大屏幕，而是多采用投影；灯光也不是越多越好，而是更注重设计以及与花卉色彩的结合。灯光在营造气氛的同时，更能够跟空间里的饰品、花材本身的色彩和质感相融合，进而营造出一种令人耳目一新的感觉。
3 婚礼花艺装饰美学原则
美国自然主义美学家乔治，桑塔耶纳在1896年就断言“美学上最显著最有特色的问题是形式美的问题。结合设计作品进行的对形式美的研究是现代设计美学重要的组成，也会有助于现代设计的发展。”形式美法则包括比例与尺度、对称与均衡、节奏与韵律、对比与呼应等内容，它由简单到复杂，由低级到高级反复演绎。
3.1 比例与尺寸――圣・奥古斯丁说：“美是各部分的适当比例，再加一种悦目的颜色。”古希腊艺术家认定“美”和一定的“数”相关联，在美学中，最经典的比例分配莫过于古希腊美学家柏拉图的“黄金分割”。婚礼空间中的花艺装饰应做到大小适中，不能太大，也不能过小，如小的婚礼空间里不易摆放大件的花艺作品，避免空间窄小产生压抑感；在大的婚礼空间不易放置太小花艺作品，否则显得碎小凌乱。
3.2 对称与均衡一―古希腊哲学家毕达哥拉斯曾说，“美的线型和其他一切美的形体都必须有对称形式”。现在空间装饰中人们往往在基本对称的基础上进行变化，造成局部不对称或对比，这也是一种审美原则。对称也是最简单的平衡。婚礼舞台以及餐桌花艺对称与均衡的排列，带给人_种庄重、整齐、和谐之美。
3.3 节奏与韵律一一韵律是陈设品重复设计后产生的有节奏的变化，节奏和韵律是通过物品体量的大小、空间的虚实、排列的疏密、长短的变化、曲柔刚直的穿插等变化来实现。婚礼花艺的重复排列后产生的节奏与韵律感，造型单纯，视觉冲击力强，装饰韵味别样。同时婚礼花艺考虑到大小、曲直、高低、色彩、材质等对比变化产生的节奏与韵律，给人以流动和有活力的艺术效果。
3.4 对比与呼应――“对比”是美的构成形式之一，强调的是被衬托者，呼应是照应完整。在婚礼花艺装饰的设计中，通过光线的明暗对比、花材色彩的冷暖对比、材料质地对比等，同时舞台花艺与餐桌花艺相呼应，产生多样化、层次化的装饰，演绎出各种不同风格的环境，增加空间的趣味性。
4 婚礼花艺色彩
著名色彩学家伊顿认为：“色彩就是生命，因为一个没有色彩的世界在我们看来就像死一般。”色彩是一个功能强大的设计工具，它可以使空间具备或平静舒适或兴奋激昂的感官视效。在花艺设计当中，颜色搭配的好坏，常常决定着花艺作品的成败。不同婚礼花色展现不同的style。
4.1 白色：神圣纯洁的爱恋
白色象征纯洁、神圣与和平，最能表现一对新人高贵的气质。来自大自然的灵感，如此的浪漫而自然，一年之中的任何时候都备受欢迎。春季或夏季结婚，可以选择充满清新浪漫味道的白玫瑰、淡雏菊，在冬季，可以用灿烂的非洲菊来妆点现场。神秘、优雅、高贵、时尚、个性、唯美都将被尽情演绎，让人永远铭记那份纯洁的爱。
4.2 粉色：温馨浪漫的回忆
粉色代表浪漫，其情调更为柔和，适用于室内、户外婚礼，与其它色彩搭配也更协调统一。独特的粉色性感，散发着香甜气息，让所有拥有纯真情怀的人们心存感激，粉色郁金香、扶桑花、粉色茶花、紫荆花等都是新人的选择，鲜嫩的花色会让人瞬间也变得年轻起来。粉色为婚礼注入活泼可爱的女孩色彩。
4.3 绿色：清新自然风
随着自然花艺的流行，绿色调的婚礼备受时尚新人的青睐。有绿色的地方就有了生命的象征，布满生机勃勃的朝气。浅绿色蕙兰、绿色郁金香、蔷薇、绣球花、绿玫瑰等，搭配清纯的白色、闪耀的金色、迷人的裸色，充满清新和乐趣，给婚礼给来不一样的新鲜感觉！简约清新的绿色风情为你的婚礼带来无与伦比的时尚气息。营造出清新愉悦的婚礼氛围，是春夏季节婚礼的色彩上选。
4.4 蓝色：地中海之情
蓝色是纯洁的象征，是梦幻的感觉，是对爱情最好的诠释，能带给人们无限美好的想象。蓝色加强了婚礼整体安宁和平静的氛围，常用花材有蓝色妖姬玫瑰、绣球、龙胆、郁金香等，配合石牌、海螺等海边元素，仿佛在爱琴海边举行这浪漫的婚礼。蓝色能与各种颜色互相衬托，与纯洁高贵的白色、金色搭配，散发出复古优雅的气息，跟红色搭配形成撞色婚礼。浪漫的音乐，和谐的蓝色，制造出水天一色的动人画面。
4.5 紫色：薰衣草之恋
紫色彰显出典雅、高贵、神秘和浪漫的气质，在这谜一般的色彩中又有一抹温柔，一缕飘逸，一丝空灵。无论室外草坪婚礼，还是室内婚礼都适合用的紫色花材的选择范围很大，紫罗兰、薰衣草、勿忘我、蝴蝶花等等，通过布艺、餐具、背景板、灯光等元素的塑造，呈现出一种艺术的魅力。浪漫的紫，让婚礼华贵、神秘、不同凡响，让现场充满一种微妙神秘的异国风情。
4.6 红色：西班牙之火
红色是中国婚礼的传统颜色，是浓墨重彩的一抹颜色，它蕴藏着犹如火焰般奔放的热情和浪漫。红象征着吉祥、喜庆、美好。花材选择广泛如红色玫瑰、牡丹、百合等，与白色搭配，可以使红色更显眼，也更具时尚感，红花还需绿叶配，红绿撞色搭配得当能使你的婚礼更加个性亮眼。婚礼上用红色鲜花作为装饰物，与新人热情如火的爱情誓言和热烈欢乐的现场气氛相得益彰，整个现场被笼罩在喜气洋洋的氛围中。
―种颜色、一种味道、一个故事。不论新人的性格是温婉可人的、热情奔放的，还是追求完美的，总有一抹颜色可以装饰心中的婚礼殿堂。
空间花艺设计范文3
关键词：剪纸艺术；建筑园林；设计；应用
中国的传统剪纸作为一种镂空艺术，用几张颜色纸、一把剪刀在指间舞动，就能把数千年的东方艺术之美，剪裁到方寸之间的颜色纸上，在视觉上给人以艺术享受。剪纸作为最能代表东方文化的传统技艺之一，流传至今，深受人们喜爱。
一、传统剪纸艺术的历史、发展、用途
1.传统剪纸艺术的由来
中国的剪纸艺术，传说起源于西汉，汉武帝为了纪念去世的宠妃李氏，请民间的术士使用麻纸（因为当时人们只会用麻纤维造纸）剪了一张李妃的影像，用于追思，据说这就是中国最早剪纸的由来。东汉元兴元年，蔡伦用树皮、麻头及敝布、渔网等植物原料，经过挫、捣、抄、烘等工艺，大批量造纸，纸张日渐进入寻常百姓生活中。剪纸因此有了便宜的纸张材料，逐渐普及民间，镂空形式的花纹也日益发展得丰富多彩。
2.传统剪纸艺术的发展
我国考古到的剪纸艺术是在魏晋南北朝时期出现的，例如我们熟知的《木兰辞》中就有一句“对镜贴花黄”，其中的“花黄”其实就是用纸剪成的装饰品，可见当时的剪纸技艺已经很娴熟。隋唐以后，剪纸艺术开始繁荣。专门描述剪纸的诗句从唐代开始出现，例如《采胜》诗中写道：“剪采赠相亲，银钗缀凤真。叶逐金刀出，花随玉指新”。到了宋代，剪纸开始普及。明清时期，是剪纸发展的高峰期。到了近现代，剪纸艺术不断被创新运用。
3.传统剪纸艺术的用途
目前，全国各地的剪纸各具特色，即使对同一事物的剪纸，北方剪纸体现出的是淳朴豪放，南方剪纸表现的则是精致秀美。在过去，剪纸大多被用作祭祀祖先和丧葬时所用供品的装饰物，与祭品或与死者一起下葬或在葬礼上燃烧。现在，剪纸则充分发挥装饰作用，每逢过节、婚嫁迎娶，人们常用剪纸装饰门、窗、墙、灯、镜子等，寓意福寿康宁、吉祥如意、生意兴隆、阖家欢乐等。有的剪纸还用在礼品包装上起点缀作用，甚至作为艺术礼品赠送给国内外友人。
二、传统剪纸艺术在建筑设计中的应用
随着社会需求的日益发展，剪纸艺术已经受到很多世界知名设计师的青睐，设计出别具一格的作品。我们依然还记得2010年上海世博会波兰的“精剪馆”，备受国人关注。它纯白色的外墙，上面是镂空的花纹，远看上去，宛如一个贴上了民间传统剪纸的不规则的盒子，特别是在夜晚，打开房间的灯光，整个建筑呈现和白天截然不同的形状，最突出的是在光线照耀下的镂空部分，将剪纸的感觉演绎得淋漓尽致，让我们一下子就会想到中国民间的传统剪纸。其实，波兰建筑师Wojciech Kakowski在设计时，他的灵感就来自波兰和中国的传统剪纸艺术。
三、传统剪纸艺术在建筑与园林设计中的应用
1.剪纸与建筑园林设计在色彩上的选择借鉴
通过搜集资料、分析图片发现，我们一般都会把对比色运用到建筑设计中，风格明快鲜艳又富有层次感。苏州博物馆的设计师贝聿铭就受到中国传统剪纸艺术的启发，他在建筑设计中采用了白色与褐色两种颜色，使博物馆的线与面构成了强烈的视觉对立。这种错落的装饰效果突破了灰色建筑的单调感。而剪纸艺术正是通过面积不同的白色镂空，再加上线条粗细、曲线变化的调和来体现装饰之美。
2.剪纸与建筑园林设计在廓形上的选择借鉴
建筑设计的基础是整体的廓形，以简洁大方的整体廓形来承载繁复变化的局部设计，可以使整个建筑简中有繁、繁而不乱，更显雅致。剪纸作为一种镂空艺术，将其运用于建筑设计中，既可单独使用，也可多层叠加，这种设计手法简洁又不失细节。
剪纸艺术的镂空在园林设计中经常被经典运用，其中就有作为营造园林意境的重要手法之一的“透景”，而花窗则是“透景”意境的具体展现形式。花窗艺术与剪纸艺术都有图底的变幻性和图像的寓意性。通过造型形态各异的花窗，组合表现具有韵律和动态的视觉美感。花窗的造型图案一般都有特定的含义，如花瓶窗、花瓶门寓意着对吉祥平安的希冀。而剪纸艺术也具有形象的寓意性，能够表达劳动人民对简单美好生活的向往。在建筑设计中，通过把剪纸技法和景观元素相融合，将时尚元素和传统艺术进行重新演绎，才能创造出新的艺术表现空间。
可见，把我国传统剪纸艺术的造型、色彩、L格以及优秀的文化内涵与寓意等，逐步应用到建筑与园林设计中，必将促进建筑与园林设计在传统与现代中融合创新。
参考文献：
[1]戚序，况成泉.从剪纸艺术谈建筑设计[J].社会科学家，2007（S1）.
空间花艺设计范文4
隋唐时期，随着金银工艺的成熟，出现了一种钗头錾刻、镂空成不同纹样花形的花钗。通常，一副花钗纹样相同、两两相对，分别左右对称地插在发髻上。花钗作为地位等级的一个象征，佩戴的多寡有其定制。根据《新唐书・舆服制》记载：“一品花钗九树，二品花钗八树，三品花钗七树，四品花钗六树……”，也就是说，花钗的佩戴者为贵族阶层而非大众百姓，因而其制作工艺、纹样都极尽奢华。
从目前的考古发现来看，在江苏镇江丁卯桥一次性出土的银钗数量是最多的，达760余件，但由于钗头部分多为形态简单的半环状，无装饰，故不能称其为花钗，还只是一般用于固定头发的发钗。现今存世的唐代花钗实物精品，当属收藏于陕西省历史博物馆、1956年出土于西安东郊韩森寨的鎏金蔓草蝴蝶纹花钗、摩羯荷叶纹花钗、双凤纹花钗，及1970年出土于西安南郊何家村的两件鎏金蔓草蝴蝶纹花钗。这几件花钗，钗头部分体量较大，形态与今天人们常见的皮影、剪纸中的雕镂部分十分相似，钗头部分的纹样通，常采用镂空、錾刻工艺制作而成，镂空、錾刻部分精致细微，无论是制作工艺还是精美的纹样，都是唐代花钗中的典型代表作品。
精湛工艺后人传承
目前出土的金银花钗，其主要工艺都基本一样，花钗整体形态捶揲成型，通体鎏金，纹样采用錾刻和镂空工艺，在发钗体量较大的钗头部分，镂刻出花纹的纹样，花钗钗头上的植物纹样的茎脉统一镂空制作而成，而纹样主体部分――花头、动物纹，则采用錾刻工艺制作成形。錾刻和捶揲工艺是唐代金银器及金银首饰制作中最为典型的工艺形式，也正是这两种工艺形式的成熟，使得金银器及金银首饰制作工艺与青铜器制作工艺区别开来，形成独特的工艺门类，并且在唐代达到巅峰。
所谓捶揲法，是利用金银质地较软、延展性强的特点，采用反复捶击的方法，使之延伸展开成片状。唐代金银花钗的主体形态，就是捶揲成形的。捶揲工艺比源于青铜器制作的铸造工艺制作而成的器物，耗材少，且更加结实；但捶揲工艺耗时较铸造工艺长，需一件一件制作。铸造工艺可以通过模具多次复制。对于无需考虑成本的贵族阶层而言，当然更青睐捶揲工艺制作出来的金银器及金银首饰。这可以从目前出土的采用捶揲工艺制作的金银器及金银首饰远远多于铸造工艺制作的器物得以证实。
錾刻工艺是制作者悬臂使用锤子，通过敲打各种各样的錾子，操作时，一手拿錾子，一手拿锤子，用錾子在素坯上走形，用锤子敲錾子，边走边打，錾出花纹图案。錾刻工艺使器物表面产生出丰富多彩的艺术效果。錾刻与捶揲工艺，不仅仅是一种成形的加工工艺，同时它也是器形的装饰工艺手法。
镂空，就是錾刻掉设计中不需要的部分，形成透空的纹样，因此也称之为透雕工艺。如果镂空的面积较大，通常将图形画在片材上后，选一个角度打眼，将锼弓锯条穿人眼内，将片材固定在锉活板圆孔内，用左手按住片材，右手拉锼锯条，沿画线锼出花纹，用小锉将拐角及锯齿处锉匀，使线条美观，不出齿和刺。镂空工艺是一种用于制作纹样的工艺形式，且本身同时具有装饰性。镂空工艺在唐代出土的金银器中使用也较频繁，如法门寺出土的镂空茶蒌笼、银香囊，就是这种工艺的代表。
金银花钗制作的工艺难度，在于其钗头部分，镂空时，金银板材难以固定，而镂空部分又较多，只留下花卉的茎脉部分。以西安何家村出土的鎏金蔓草蝴蝶纹银钗为例，银钗全长35.4厘米，整体体量对于实用首饰而言可谓大体量首饰了，但钗头部分宽约5.6厘米、长14.7厘米；最为精妙的是其上镂空而成的蝴蝶纹，如同剪纸一般细微的线条刻画出蝴蝶的双翅，每一根线条都十分精巧、流畅，蝴蝶的形态栩栩如生、展翅欲飞。镂空形态的边缘轮廓形与花纹的錾刻线天衣无缝地相衔接，整体形态气韵生动。这要求手工艺制作者能够准确地抓住物象的神韵，对形态的认知和扑捉能力有极高的水平，技术娴熟，且能够稳、准、狠地将其表达出来。根据花钗成双成对的特点，在錾刻镂空之前，手工艺者应先绘制出粉本，通过粉本进行形态的复制，从而使钗头两两纹样基本一样。
蝴蝶蝶尾的镂空部分极细，最细处形如发丝，有如剪刀在纸上剪刻出来的一股。这就需要将花钗固定在胶版上(用松香、细土和油熬制而成的一种胶)，用锋利的刻刀直接錾刻出来，剔除不要的部分，有如漆或陶瓷中的踢花工艺。这也是为什么说镂空工艺是錾刻工艺的一种特殊形式的原因。
从鎏金蔓草蝴蝶纹银钗的器形、纹样，可以窥见唐代金银工艺处于巅峰的一斑。高趟的制作工艺，将花钗制作的形态、神态都如出化境，技术与艺术高度统一；花钗的形态、纹样，反过来也承载了精湛的制作工艺，使得花钗的实用性与审美性完美结合。唐代金银花钗所呈现出来的时代特质，也必然有相应的器形、纹样及制作工艺与之相匹配。唐代的金银花钗的器形、纹样及制作工艺所承载的文化现象，可以成为今天人们去解读唐代的社会生活、生产技术水平和文化面貌的第一手资料，成为打开唐代文化相互影响、交流、传播、整合的一扇大门。
由于金银材质历经千百年依然能够保持其形态的完整性，一千多年后的今天在型制、外貌上基本没有太大的变化，花钗的器形、纹样、制作工艺一目了然，这对今天的研究者就更为直观和真实。
唐代金银花钗的装饰特点
从已知的唐代花钗来看，器形的外轮廓形态差异较大，所錾刻或镂空的纹样也不相同，包括摩羯纹、蝴蝶纹、凤纹、蔓草纹、荷叶纹、纹及几何纹样。
同样还是以鎏金蔓草蝴蝶纹银钗来说，蜂蝶纹样与蔓草纹样的组合，主要寓意蜂蝶恋花，极富生活情趣，摆脱了宗教、政治的题材，装饰纹样更加生活化。蜂蝶纹样的题材形式，在金银器皿中使用较少，但在金银首饰中较为常见，使用频率较高。如法门寺出土的鎏金双蜂纹银香囊、蝴蝶蔓草纹银头饰等。
纹样的生活化，折射出唐代人们更为关注自己内心情感的诉求，更加希望得到现实生活中精神、物质文明的陶冶与慰藉。蝴蝶纹作为主题纹样，装饰在首饰的主要部位，并且体量较大，十分醒目。纹样创造成为一种纯粹审美需要，起到装饰的作用，在满足人们物质需求的同时兼及人们的精神需求，同时兼顾视觉审美与内心心理
感受。
蜂蝶恋花纹样，不仅仅要求造形、结构、工艺，符合形式美，满足人们视觉审美的需求，同时它具有吉祥、美好的寓意。一方面，佩戴这类首饰，展现了人们的身份和社会地位；另一方面，又寄托了人们对美好生活的强烈期望与追求。这反映了唐代金银首饰装饰纹样形式与内容的和谐统一。
唐代金银花钗的器形、纹样，主要体现其审美性，在审美性背后折射出来的是精良的制作工艺，更是开放的唐代社会精神面貌、思想观念、等文化社会现象的反应。唐代金银花钗的装饰纹样摆脱了传统宗教纹样的束缚，走向大众化、多样化和世俗化，动物、植物纹样种类繁多，且以一种写实的手法，通过錾刻、镂空等工艺呈现出来。花钗的佩戴，成为一种现实生活的需求与展现。
唐代花钗对现代首饰设计的影响
唐代是一个内外交流非常活跃的时代，其开放的社会心态，使得传承本土文化的同时，吸收了优秀的外来文明。本土不同民族之间文化相互交流与外来文化激荡，产生出许多新的文化现象。一千多年后的今天，同样是一个开放的、多元文化并存的时期。外来文化与本土文化从上个世纪之初激烈撞击，尤其是改革开放的30年来，外来文化由强势到与传统文化渐趋融合，如同佛教文化从一种外来文化形式，在唐代完全融入到中国传统传统文化中，形成儒、释、道并存的新传统一样。多种文化形态，通过适应、吸收、消化、融合，形成了一个新质的文化体。这个文化体是融合了多种优秀文化特质的综合体。
唐代金银花钗的器形、纹样及制作工艺，折射出的同样是文化综合之后的产物，无论是其制作工艺还是纹样，既有传统的元素，也有外来文明的影响。比如，制作花钗的鎏金工艺，在汉代已经相当成熟，而錾刻工艺则受到波斯文明的影响，由粟特人从西亚带入中原地区，从此成为中华民族金银制作工艺中十分重要的一种工艺形式。多元文化的交流、融合、激荡，使得这个多元的文化体充满了活力，生命力旺盛。
今天的首饰设计，同样可以从东西方文化中汲取、提炼其符合时尚流行的元素。以《唐韵》系列首饰为例，设计灵感来源于唐代仕女俑，将仕女俑的形态、神态进行提炼、概括，以一种较为抽象的形态表达出来。仔细体会这一系列作品，似乎能够隐隐约约地看到仕女俑的影子，但又没有简单的将仕女俑的形态罗列剑设计作品当中。时尚之中蕴含着传统文化的根脉。
同样，上海世博会中的波兰馆，设计也采用了相同的手法。展馆以民间剪纸艺术为主题外观，在设计上融合了波兰传统民间剪纸艺术和时尚元素。剪纸在波兰有着悠久的历史。波兰人希望将剪纸作为文化遗产传承下去。但设计师不是简单地将传统拿过来，生搬硬套地搁置到自己的设计作品之中，而是做了一种真正意义上的继承与发扬，将传统融和、糅杂到自己的设计方案之中。从设计作品中，我们能够“闻到”波兰传统民间剪纸艺术的气息透过“波兰馆的设计”传统的元素，我们依然能够十分清晰地解读到时尚要素。这种不死板、不呆滞的向大师、向传统学习的方式方法，才是在时尚中解读大师、解读传统最为睿智的方法。
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关键词：中国传统；艺术语言；现代设计
中图分类号：J04 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）29-0071-02
设计本身就是一种语言，它能为人理解认同具有说服力，也正是现代设计的初衷。以现代的审美观念对传统艺术语言加以改造、提炼和运用，使其富有时代特色，运用到现代设计中来，一直是设计界长期探讨的一个话题。凤凰卫视中文台的台标，就借用了彩陶上的凤鸟图形，并使用了中国特有的“喜相逢”的结构形式，反映出一种厚实的文化底蕴，而凤鸟两两相对旋转的翅膀极富动感，体现了现代媒体的特色。在经历了漫长时间的淘洗之后，“凤鸟”、“喜相逢”这种积淀于中国传统的艺术语言，仍然呈现出一种惊人的生命活力，以一份熟悉的文化气息和亲和力，感动着我们现代人。
中国传统的艺术语言大致可从中国图式、中国色彩、空间营造等等方面来分析：
一、中国图式在设计中的运用
好的设计应该用有意味的形象的图形语言说话，在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了艺术的胚胎，从仰韶文化为代表的新石器时期彩陶所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，用传统的图形来阐释现代意义，一直是设计思维的有效方向。比如靳埭强设计的“靳与刘设计顾问公司”的标志以中国的吉祥图案之――“方胜”为雏形，图形以两个方菱形互相扣叠，八角附有圆珠饰，形成结构非常完美的图纹。方形互叠象征设计师与客户的密切合作关系。八个圆点表现公司多元化经营策略，在现代的造型里蕴藏着中国文化精神，简洁而理性的造型，正适合设计公司的形象。 这种传统艺术元素很多，在我们生活中比比皆是，比如工笔画中常常描绘的花卉有牡丹、月季、荷花、梅花、竹、菊等,动物有龙、凤、麒麟、蝙蝠等,这些都成了从古到今染织设计中的主角,“出镜”率较高。人们以牡丹寓意富贵,荷花代表高洁,石榴为多子,梅代表五福临门,龙凤、虎等则寓意吉祥,避妖镇邪,龙凤、麒麟与牡丹花搭配水流纹更显皇家贵族气派，中国工笔山水画―――界画中的山水、树木、房屋，这些如果在现代设计中运用得当，都是有特殊意味的中国设计元素。
此外中国书法、篆刻印章、中国结、京戏脸谱、皮影、武术、秦砖汉瓦、兵马俑、桃花扇、景泰蓝、玉雕、中国漆器、红灯笼、木版水印、甲骨文、钟鼎文、汉代竹简、茶、中药、文房四宝（砚台、毛笔、宣纸、墨）、四大发明、竖排线装书、剪纸、风筝、乐器（笛子、二胡、鼓、古琴、琵琶等）、龙凤纹样（饕餮纹、如意纹、雷纹、回纹、巴纹）、祥云图案、中国织绣、凤眼、彩陶、紫砂壶、蜡染、中国瓷器、古代兵器（盔甲、剑等）、青铜器、鼎、国画、敦煌壁画、山清水秀、写意画、太极图、石狮、飞天、太极、对联、门神、年画、鞭炮、谜语、饺子、舞狮、中秋月饼、鸟笼、盆景、五针松、毛竹、牡丹、梅花、莲花、大熊猫、鲤鱼、芭蕉扇、风箱、唐装、绣花鞋、老虎头鞋、旗袍、肚兜、斗笠、帝王的皇冠、皇后的凤冠、泥人面塑、锄头、清朝大辫子、铜镜、大花轿、水烟袋、鼻烟壶、筷子、华表、牌坊、长城、园林、寺院、古钟、古塔、庙宇、亭、井、黄土、民宅、汉字、唐诗、宋词、《三十六计》、《孙子兵法》、《西游记》、《红楼梦》、《三国演义》、《水浒传》、《诗经》、金元宝、如意、烛台、罗盘、八卦、司南、棋子与棋盘、象棋、围棋、鼻烟壶、鸟笼、长命锁、糖葫芦、玉佩、刺绣、丝绸、檐，我国还有各种各样的传统节日，每个地方也有不同的民族特色等民族传统元素与符号能够通过其形式符号传递民族精神并运用到我们的现代设计当中来，这需要对古代文化艺术中传统的美学思想、民族文化气质和哲学内涵有深刻的理解并加以继承，如果缺乏在这方面的思考，传统文化的神韵则无法很好地灌注于时代精神之中。因此，我们的设计师首先要提升自身各方面的修养，尤其是学习中国古典文学、哲学和艺术思想等方面。在“大设计”的今天，做设计的学问，就应该像汉字“一”那样，看似简单却包罗万象，传统元素的借用应以“符号化”为基准，“中国图式”越来越多的并成功地应用到艺术设计中，标志着设计师们对中国传统艺术文化价值的重新认定。
二、中国色彩在设计中的运用
设计具有一定的主观性，这和中国绘画的“随类赋彩”有异曲同工之妙。例如中国画中的竹，宋代苏轼喜欢画朱竹，也有些画家偏爱画墨竹，可人们却对朱竹产生质疑，认为竹子不应该是红色，我们都知道竹子的颜色无红也无黑，但人们却对墨竹习以为常，这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的，但这种主观想象也不等于凭空捏造，它同样要来源于生活，同样需要从客观事物中吸取成分，这才是画面所追求的。还比如中国传统绘画中的荷花，画家们把花心画成红色，而荷花的叶子却只是淋漓的几笔水墨，可人们看到它时会觉得叶子就是绿色的。“意足不求颜色似”就说明了这一点，就像人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩中受到启发一样，从而创造出色彩绚丽的装饰效果，设计色彩可以使人产生某些联想，将自然景色拟人化，让事物变得栩栩如生。在设计作品中也有这样的例子，在蓝色的纸上勾勒几束灿烂的焰火，人们就会认为画纸是深邃的蓝天，而如果画上几块白色的三角帆影，这张画纸就变成了无边的海洋，正是因为它只是单纯的底色，主体不同，给人的联想也就不同。
中国人对红色情有独钟，北京奥运会的会徽――中国印。它是将中国具有五千年历史的书法和印章等艺术形式与体育运动的特征结合起来，其核心形象是“书法汉字京”和“红色印章”，巧妙的幻化成一个向前奔跑，迎接胜利的运动人形。北京奥运会的火炬――祥云，其创意灵感来源于渊源共生、和谐共融的祥云图案，取自于有祥云和中国红的“书卷和画轴”之中，祥云的概念在中国有上千年的时间跨度，这些都是典型的中国传统文化。北京奥运会的奖牌，奖牌的正面为国际奥委会统一规定的图案，背面则镶嵌着中国古代龙纹造型的玉璧形象，其中背面正中的金属图形上刻着北京奥运会会徽，整个奖牌尊贵典雅，充满中国特色，既体现了对获胜者的礼赞同时也形象的诠释了中华民族自古以来以玉比德的价值观，是中国传统文化与奥林匹克精神的一次完美结合，设计彰显了玉的高贵品质，喻示了中国传统文化中的金玉良缘，注入了中国传统文化的精髓，张艺谋有句名言“越是民族的，越是世界的”，我们的设计是民族的，也是世界的，但只有民族的才能屹立于世界的工艺设计之林，彰显出自己民族的艺术本色，那么如何在走向现代化的同时保留传统文化、怎样使传统文化在走向现代化的同时发扬光大，俨然成为设计师心中挥之不去的一丝情怀。可以说，中国传统文化已经成为理解中国现代设计艺术的一剂良方。这要求中国当代设计师应具有海纳百川的文化胸怀和综合创新的能力。
三、中国绘画空间营造在设计中的运用
（一）从“气脉开合”到视觉引线
“气脉开合”是对于国画构图经验的一种总结，在国画创作中，画面十分强调气脉的流动，这主要是从国画中“气韵生动”的要求发展而来的。“气脉”也称龙脉，是中国画的专用语，指画面上的形体或空白所形成和贯穿的脉络走势与感觉趋向：画面中的笔墨形体，就如同叶子长在藤上，一气贯穿。所渭“开合”是指气脉的生发，要有开头，有收尾．中间有承转曲折，像写文章一样有“起、承、转、合“。与其他艺术相比较，“气脉开合”是国画中十分独特的审美语言。
开合是有生命的，这种“气脉”在设计布局通常称之为“视觉引线”。设计者在处理画面时，可以充分使用各种手段来引导读者的视线，并给读者留出合适的视觉休息和自由想像的空间，使其整个设计在视觉上张弛有度。一幅好的设计应当是富有生命力的、流动的、充满空气的，当读者阅读的时候，可以感受到视觉流程方向一致的空气流动，或婉约抒情，或欢快流畅，或汇聚成静静的一片，或分散成细流在字里行间涓涓穿行，这就是空间营造在设计中的魅力。
（二）从“疏可走马，密不通风”到空间分割
“疏可走马，密不通风”，是国画对于布局的一种阐释和理解。国画重视空白，我们习惯上把这种留白的布局归纳为“疏密”、“聚散”，有“疏”就有“密”，有“聚”就有“散”，画面在疏疏密密聚聚散散的流动中铺开了层次，灵动了空间。这种空间分割方式使得整幅画面主调明确，节奏感强，大气整体。
在处理设计布局的空间分割时，借鉴中国画中的“留白”艺术，可以很好地烘托画面的主题、集中读者视线，使布局清晰，疏密有致，避免呆板。布局中的空间分割还要看图形、文字、色块等设计元素组合后形成的整体感觉，重视细节的处理。对于空白处理不仅包括图形之间空白的安排，还包括字体与图形之间的空白，文字的行与行之间、列与列之间以及单个文字之间的空白，甚至每个字笔画之间的空白。
（三）从“虚实相生”到正负形的运用
在中国艺术中中，“实”是画者落笔的地方，是有形的部分，也称之为露的部分。“虚”则指画者未落笔墨的地方，是无象无形的部分，也称之为隐的部分。两者相互生发，相互依存，实因虚而活，虚因实而现，称之为“虚实相生”。在中国的山水画里，山、石、树、屋、桥是画者的着笔重点，是“实”的部分，而水、烟、雾、雪等通常是以空白出现的，属于“虚”的部分。“虚”的部分不经绘染，在画“实”的部分的同时也已经悄然完成，不加任何修饰，画面中的水、烟、雾、雪已跃然纸上，这与音乐上的“此时无声胜有声”实在有异曲同工之妙。中国花鸟画中画鱼、虾、鸟、花等常常不画背景，只留下大片的空白，但观赏者却可通过鱼虾栩栩如生的游动、飞鸟矫健挺拔的姿态、折枝花儿的娇艳滋润，清晰地感受到背景的存在，如水的清澈透明、天空的蔚蓝宽阔、生命的勃发繁华。
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相关概念概述
1.剪纸的意义
剪纸艺术是我们祖国的民间传统艺术，它经久不衰，源远流长，已经成为了世界艺术中的瑰宝。它有着生动、质朴的艺术形态，更有着独特的魅力。它的特点表现在二维的空间观念，刀刻质感，装饰与写意，线条与装饰等很多方面。它有着顽强的生命力，作为民俗艺术的陪衬，显示了其强大的艺术力量。
2.平面设计
平面设计是作者通过图片的形式将思想传达出来。把不同的基本形通过一定的规则在平面的空间内组合成图案，还可以用手绘的方式去表现。就是在二维的平面空间内运用轮廓线来区分地面与图形之间的分界，绘制形象。而平面设计是在立体空间感上进行表现，并不是在三维空间，是利用图形的视觉引导对人形成空间的幻觉。
剪纸的特点
1.平面性
主观与概念的表现形式是我们中国民间美术的装饰艺术和造型的形象，这一点恰好与平面设计的造型设计规则不谋而合，平面设计中的意象课题是设计素描中的一个子课题，这也就要求我们对一些物象作具体的分析、装饰、概况和夸张，以便新的视觉形象的形成。它的造型是通过阴剪法、阳剪法以及阴阳剪法来表现。阳剪法是通过对把有用的图形和花纹保存下来，再把没用的图形花纹减掉；这两种剪法是相对的，也可以叫挖空法，把图形和花纹挖掉，留下除花纹以外的其余部分表现出透雕的形式；所谓的阴阳混剪法是把阴剪法和阳剪法进行混合，既独立可成一体，有互相联系。
2.寓意性
可以说中国民间剪纸艺术就是我们母亲的艺术，它蕴含着东方的文化底蕴，体现着东方美，我们作为平面设计者应该做的就是把我们母亲的文化发扬光大，将它最大限度的融入到我们平面设计作品中。比如我们审视身边的事物首先注意的是“形似”“相类”比附，在剪纸艺术中，可以发现蕴含比附思维的大量作品，如梅花、牡丹、莲花一般多以象征女性为主，而登梅的鸟、采蜜的蜂、穿莲的鱼来比喻男性，所以就有了《双凤闹梅花》、《凤凰戏牡丹》、《蝶扑榴》、《坐莲娃娃》这些装饰性很强寓意很丰富的剪纸艺术作品。
平面设计与剪纸元素的融合
1.中国传统剪纸艺术为平面设计提供了丰富的视觉艺术资源
剪纸艺术主要是依附于民俗活动，应用在工美上。它的题材表现的非常丰富，包括鱼虫鸟兽、植物果蔬，还有民间故事、戏剧人物、神话、传奇人物、器具造型、原始图腾和吉祥纹样符号等，形成了一部权威的中国传统工艺美术的图库。
经过了民间艺人一代一代的加工，数千年的演变，形成了传统的剪纸形象，它的历史非常的悠远，它凝聚着大家的智慧，这些形象都是大家所熟知的，它不取决于个人的喜好，而是和人民的信仰及大量的风俗有关，来源于百姓的生活，受众群体非常的稳定，这些个性鲜明的民俗特征的形象我们可以借鉴，这就为我们提供了非常丰富的艺术资源，也为平面设计增添了极大的艺术感染力。
2.中国传统剪纸的视觉思维方式给我们平面设计的无穷启迪
我们传动的民间剪纸艺术是原发性的思维方式，这种方式是天然而成的，它体现了中国的最传统的审美理想“境生象外” 、“天人合一”。它是理念性的认知。
剪纸艺人把自己的视觉感受转变成图像时，他是不受外界时空的限制的，而是遵照自己内心原发性的想法而成的，比如剪纸中，在马头、虎头、牛头甚至人头上剪出双眼、口鼻等；还有小老虎出现在老虎的身上，或者“五毒”出现在老虎肚里，这些形象都是原发性的，拜托了现实对人的种种舒服，完全的自由变换，创造除了最为鲜活的艺术形象，这些都给了平面设计无穷的启迪。
总结
我们应该运用现代人的视角，把传统民间剪纸艺术与更多的平面设计作品相融合，探究更深的意蕴，那么一定会获得别开生面的艺术效果，作为平面设计者，我们当关注本土的文化，关注民族的根系，关注自己民族的独特的历史记忆，将这种物价的文化融入我们现代的平面设计中，丰富我们平面设计的表现方式，激发设计师的创作灵感，升华平面设计作品的文化底蕴和内涵。
中国民间传统的剪纸艺术是我们母亲的艺术，作为平面设计者有责任把它发扬光大，最大限度的与平面设计相融合，从而设计出更加有中国母亲特色的平面设计作品。
