图画作品范文1
关键词：分析名作 构图方法
绘画是由构图、造型和色彩的运用等因素构成的，构图是这些因素中的关键。我们常用的构图方法有水平、垂直、对角线、S形、V形、三角形、圆形、半圆形等，在绘画的创作过程中很少运用一种构图方式，而是常用几种方法的结合。如何运用合理的构图方法进行绘画创作？笔者认为最为简捷有效的方法是从前人的身上吸取经验，也就是我们经常说的作品欣赏，通过对名家画作的欣赏来改善和提高自己在绘画中的构图能力。
一、从作品的时代背景中分析构图方法
画家经常会创作一些具有时代意义的作品，从而表达自己的情感。如西班牙画家弗朗本斯科・德・戈雅的纪念画《1808年5月3日》，就体现出了强烈的时代背景，把画家对战争暴行的谴责表现无遗。在画面上，一个身穿白衣的将要被处决的人吸引了我们的注意力，这个人面对着一队举着枪的士兵，面无惧色，情绪激昂，在他的身后是不断涌上来的爱国者。从画面中不难看出，作者用平行和对称的构图方法，体现出了手无寸铁的爱国者和拿着枪的士兵作为人类是平等的，阶级的差异在画中荡然无存。
法国画家布歇的《博韦附近的风景》也具有强烈的时代感，画家展现了18世纪法国美丽的乡村风光。为了表现乡村生活的宁静，画家运用了对称的构图方法，又运用了透视的构图，通过表现远处的树林使人感受到乡间的清幽。
充分地了解作品的时代背景，才能够充分地了解作者的作画意图，从中准确地分析出作品的构图形式。
二、从画家的个性品位中分析构图方法
每个人都有自己的个性和品位，画家也不例外。人们可以通过穿戴和个人的处事方法和原则来体现这种个性和品位，画家则可以通过自己手中的画笔来展现自身的个性和品位。
文艺复兴时期的著名画家达・芬奇以肖像画著称。他性格颇为独特，既有广博的兴趣、好奇心，又敏感、反叛、追求完美，而且有些自负。当时的肖像画流行的是正面或侧面的构图标准，而达・芬奇却取3/4面来构图，反其道而行之，这正体现了他的独特的个性。达・芬奇的作品《抱貂女郎》就是用了这种3/4的构图方法，体现出了画中人物的优雅，做到了形神兼备。事实证明，他的这种方法在当时是一种创新，使他的作品得到世人的推崇。《最后的晚餐》是达・芬奇的代表作之一。在画中，作者采用水平、辐射、波浪、三角形等构图方法来表现整个事件。由于达・芬奇追求完美的性格和三角形的构图形式本身的特点，使之在作品中把人物巧妙地分成了五个三角形。耶稣处于正中间，他的头和双臂是三角形，两旁的门徒也被均匀地分成了四个三角形，相对独立又相互联系，整个画面看起来却又是在一条水平线上。以耶稣为中心，整个画面又运用了辐射的构图方法，从左至右，画面又呈现出波浪形，通过诸多的构图方法表现出了画中耶稣的悲哀和门徒的震惊。
相同题材的作品，在不同性格的人的笔下所表现出来的效果也大不相同。意大利的画家丁托列托也曾创作过圣经题材的作品《最后的晚餐》，但由于画家本人的性格桀骜不驯，对日常生活和财富的要求很淡漠，因而他的作品较少有华丽的表现，而是更多地表现民主主义色彩。在丁托列托创作的《最后的晚餐》中，画家采用了对角线和透视的构图方法，把圣餐桌画成了斜的，使门徒都在向后缩小，而仆人处于画面的右下角，比耶稣和门徒都要大并且得到了细致的刻画。虽然耶稣处在画面偏远的位置，但由于头上的光环却使耶稣仍然处于画面的正中央。
同样的作品《最后的晚餐》，达・芬奇所表现出来的作品的主题虽然是沉重的，但是作品风格却是和谐明快的。而丁托列托作品的主题虽然表现的是门徒和耶稣一起用餐时的欣喜和感恩，但作品的风格却与达・芬奇的作品风格形成强烈的反差。
不同个性品位的画家在创作作品时，不但作品的风格存在差异，在构图方法上也是大相径庭。
三、从绘画内容中分析构图方法
除去时代背景和画家的个性品位，我们还可以从绘画作品自身的内容来分析作品的构图方法。
就中国画来说，通过对画面内容的分析就可以掌握作者的构图方法。如中国五代时期著名的人物画家顾闳中的传世之作《韩熙载夜宴图》，整个作品像一幅连环画一样展现在观众的眼前。这幅画主要是叙述南唐大臣韩熙载家开宴行乐的场景，以水平的构图方法贯穿整个画面，看似平铺直叙，可其中又暗藏着波浪起伏的构图，使整个画面疏密有致。五个场景之间既可独立成画，又通过画家的构图方法巧妙地联系在一起，形成一幅完整的画卷。清朝画家王的《万壑千崖图》，画面中展现出来的是仰望群山、主峰高耸的宏观场面。为了表达这种气势，作者采用了仰视和垂直的构图，进一步烘托画面的主题。而清朝的另一位画家梅清的《黄山天都峰图》表现了天都峰的奇险和高耸入云，画家运用了仰视的构图方法，其中还穿插有对角线和俯视的构图。仰视突出天都峰的巍峨，对角线增添画面的对比，左下角的慈光阁和右上角的天都峰形成强烈的视觉上的反差，进一步突出了天都峰的高与险。
西方的油画作品中，经常有表现圣经题材的作品，我们也可通过绘画内容来分析构图方法。如卡拉瓦乔的《耶稣之葬》，展现的是人们对耶稣之死的悲哀，为了更好地表达这种气氛，画家采用对角线和辐射的构图方法，把画面表现得悲壮动人，通过对角线和辐射的方法使人们对耶稣之死的悲哀从左下角向右上角逐渐扩大：一个耶稣的尸体，两个面色凝重的抱尸体的人，三个极度悲哀的妇女。而阿尔特多弗的《亚历山大之役》，则表现的是古希腊的一场战役，为了体现战役的声势浩大，画家通过上下对称的构图，使宏大的战争场景和广阔的天际形成强烈的对比，以此来突出战役的悲壮和博大的场面。
通过对画面内容的分析，我们很容易就能看出画家为了突出主题而采用的各种构图方法。构图是绘画作品形成的重要因素，完美的构图可以使作品具有强烈的感染力和永久的生命力。绘画作品中的构图方法不是单一的，而是多样的。通过对名家作品的欣赏和对画作的分析，使我们可以了解大师的艺术风格和构图方法，从而提高我们的绘画能力和创作水平。
参考文献：
[1]苏珊・伍德福德.剑桥艺术史[M].钱乘旦，译.南京：译林出版社，2009.
图画作品范文2
幼儿园圣诞节图画作品图片欣赏幼儿园圣诞节图画作品图片1
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圣诞节优美祝福语1、以前的圣诞节总是认为圣诞老人不会将最好的礼物降临给我，但今年的圣诞节不同，圣诞老人特别眷顾我，有你的到来让我永远记起今天!圣诞快乐!
2、狂欢的平安夜交织着百年的孤寂，圣诞老人的祝福与我的思念融为一体，伴随漫天飞舞的雪花飘到你的身旁!愿你度过一个快乐、祥和的平安夜!
3、日光从指间流走，雪花随铃声飘落。圣诞的钟声声声响起，祝福的心如跳动的烛光融化每点落在你身上的飘雪，让友情温暖这个寒冷的圣诞!
4、天使说只要站在用心画的99朵郁金香中许愿，上帝就会听到。我把花画满了整个房间。终于上帝对我说：许愿吧，孩子!我说我只要看短信的人圣诞快乐!
5、愿朵朵鲜花，化作千万个祝福。我将祝福全部送给你!圣诞节快乐。
6、如果圣诞老人给我一个机会，我会对你说：圣诞快乐!如果一定要在快乐上加上一个期限，我希望是：一万年。
7、虽然今夜不会飘雪，但来年的好运会随我的祝福绵绵不断。merry christmas。
8、微笑是火，快乐是锅，祝福是排骨。愿微笑的火点着快乐的锅煮着祝福的排骨，那祝福的香飘向永远快乐的你……圣诞快乐!
9、在这平安的夜晚你就是我的圣诞老人请不要吝啬你的金钱快把礼物拿来我会把最诚挚的祝福送给你圣诞节快乐
10、也许岁月将往事褪色，也许空间将彼此隔离，永远值得珍惜的依然是知心的友谊。想再次对你说声：圣诞节快乐!
11、如果今年的平安夜，你被人塞进麻袋里，千万别惊慌!因为我对圣诞老人说过：我需要的礼物就是一个像你这样的好朋友!
12、柔柔的白雪在圣诞的夜空飞舞，想你的心情依然如故，只是你也如我一样想你想我吗?
13、在平安夜里，我是那么希望能够祈祷你一个世纪的平安，因为我已深爱你很久，愿今晚我能成为你最好的舞伴。
14、深深祝福，丝丝情谊，串串思念，化作一份礼物，留在你的心田，祝你圣诞快乐，新年幸福!
15、圣诞节到了，在这个美好的节日里，愿你享有期望中的全部喜悦，每一件微小的事物都能带给你甜美的感受和无穷的快乐，愿你圣诞快乐!
16、如果今夜祥和的旋律从你的梦中流过，那么你是否想到，这是我跨越了千山万水来到你的梦中。
17、深深地祝福你!愿我的祝福给你的圣诞平添一份喜悦!
18、真快，圣诞的钟声又在耳边响起。今晚我会同前几个不曾与你共度的圣诞夜一样，静静地，用一整晚的时间来思念你!
图画作品范文3
图画书是近些年幼教领域比较热门的话题，数量众多的图画书让人眼花缭乱。那么，如何选择、阅读和欣赏图画书？《世界图画书：阅读与经典》正是一本教读者如何阅读与欣赏图画书的阅读指南，并在此基础上介绍了63部优秀的国外图画书作品。本书装帧精美，妙趣横生，可谓儿童图画书入门级必读教材。该书为我国卓有建树的儿童文学理论研究者彭懿之作，于2011年由接力出版社出版发行。
本书共分为三大部分：上篇“阅读图画书”，下篇“经典图画书”，此外还附有丰富的参考资料及索引。上篇主要告诉读者阅读与欣赏图画书的技巧与方法，向读者展示了图画书的整体概况和具体细节，详细地讲述了图画书的要素和艺术技巧。作者从图画书的定义出发（“图画书是通过图画与文字这两种媒介在两个不同的层面上交织、互动来诉说故事的一门艺术”），图文并茂、形象生动地为读者介绍了23个如何阅读图画书的问题，如封面（从封面可以猜故事、专门创作的封面画、和封底连在一起看、护封）、环衬（前后环衬遥相呼应、孩子一般不会漏看环衬、精心挑选的颜色、环衬的图案、考考你的眼力）、开本（小开本和大开本、竖开本和横开本、异型开本）、拆页以及图画及文字的关系（一本图画书至少包含三个故事、图画与文字的相互补充、图画与文字的滑稽对照、图画与文字分别讲述）、潜在的节奏（单一结构的图画书、重复结构的图画书、两拍子、三拍子、节奏和高潮、用图案和色彩变化加强节奏）、颜色（作为一种沟通的特殊语言、颜色的联想和象征、象征生命、美丽、战争与死亡、黑白和彩色的切换）、艺术风格（艺术风格的分类、印象派画风、抽象派画风、超现实主义画风）等诸多方面，深入浅出地探讨图画书的书籍构成、形态和表现形式。不论你是教师还是家长，不论你是图画书专业研究人员还是图画书业余爱好者，都能从上篇对于图画书的基础理论论述中得到启发和指导。
下篇依照时间顺序，集中展示了63部自1902年至2002年一百年来在世界图画书发展历史中具有里程碑意义的优秀作品，如我们耳熟能详的《猜猜我有多爱你》《母鸡萝丝去散步》都在其中。作者以不同时期的图画书作品为经，以独特的分析视角和语言为纬，给读者们串联起了图画书百年历史发展的艺术足迹。这部分由五个板块构成，基本资料、获奖及推荐记录、作品欣赏、作品解读、作者小故事等几个方面。基本资料主要包括作品封面、名称、作者、初版时间、以及中文简体字版出版者、译者和出版时间。获奖及推荐记录介绍了作品所获奖项、上榜排名及各种推荐记录。作品欣赏，作者通过“这本书讲了一个什么故事”用最平实、最接近作品的语言，对故事内容作了一个概述。作品解读，“让我们来深入讨论作品”解读作品的创作背景、艺术特色，让读者能够重新认识或者发现容易被忽略的故事细节和奥秘。作者简介，“关于作者的故事”介绍作者和画家的生平、重要作品和艺术成就。
本书的附录部分则记录了重要的参考资料及索引，对于读者来说是很宝贵的阅读参照。作者先介绍了全球儿童图画书三大奖项（国际安徒生奖、美国凯迪克奖和英国凯特·格林纳威奖）的概要和历届获奖者名录，接着展示了国际知名权威推荐书目和重要奖项、每个人都应该知道的100种图画书，最后还罗列了作品索引、作者索引以及参考文献。
《世界图画书：阅读和经典》是集学术和美学价值于一身的图画书研究专著，它带领读者们穿越图画书的历史，然后途经一部部优秀的图画书的驿站，最后到达审美与心灵净化的终点站。
图画作品范文4
谈到图像与绘画，他们一开始就有斩不断的关系，世界上第一架照相机就是德国画家盖达尔1830年发明的，当时叫做“盖达尔”写生机，随着现代科学技术的进步，图像艺术创作无论是在技术方法、媒介材料还是表现手法上都已大大的拓展和进步了。早期图像艺术更多是指“图”的意义，现在则更多是指“像”的意义。现代摄影技术出现以后，图像艺术与绘画艺术更是相互作用和渗透，传统的绘画艺术面临着来自图像艺术的挑战，同时也为绘画艺术在创作方式和创作观念上带来了新的变化。照相写实绘画的出现就是明显的例子。
一、图像艺术与绘画艺术的相互关系
图像艺术和传统绘画艺术在表现意图、创作方式(过程)和最后的展现形式上有很大的区别：现代的纯绘画艺术创作者，在将自己的感情投入在作品中以后，便可能获得内心的满足和精神的慰籍，对于“作品”是否可以为他人所了解、接受一般不在他的主要意图之内。作品与观众只是简单的、很感性的交流，其语言涵义是不清晰的，是有一定距离的，而这也是纯绘画的特殊之处和迷人之处。而图像语言工作者的表现意图大都是根据一定的文字概念，着重在于把文字内容确切地表达，与大多数观众进行沟通并使其理解是他们的主要目标，最常见的如影视作品，广告招贴，元不体现这一创作意图：在制作过程当中，绘画艺术创作者不必遵循一些制作上的规范，他们可以主观地按自己的需求去发挥，即便有理性的思考介入，也是作为情感表达的导引(例如构图和肌理)。相反地，图像艺术的制作从开始就要述说目标，选择并决定适当表现手法。(照相写实绘画在制作上类似于图像作品的生产，因此画面的情绪化特征没有了，作者的情感无法强烈的灌注于作品当中，“照相写实主义”作为“主义”产生了)。绘画创作则是由画家(人)来操作画笔完成作品，这样画家的主观情感不可避免地凝固在作品每一个制作阶段当中了。而图像艺术作品在创作过程中是由制作者来操控机械(摄影机、摄像机、后期暗房机械等)来完成作品，制作具有一定的规范性和机械性。在创作过程中作者的理性活动占主导地位。作者的目的是以自己的理性布局来引导或操控观众的感性。这便是当代艺术重“观念”而轻“绘制”的来源所在。
二、图像在观念、技术、物质及形式方面推动了写实绘画的发展
近20多年来的中国具象作品，几乎都用照片这种二手视觉经验作为艺术表达的主要手段，写生仅仅是一部分画家保留的创作手段。中国照相写实主义出现了冷军、石冲等重要画家，在当代绘画领域，很多艺术家正在借用影像艺术的观念、形式进行创作，有的画家就是因为受到图像艺术的影响，才使作品带上了时代的印记，例如油画家钟飙的作品。
图画作品范文5
关键词：构图；构图要素；绘画创作
古希腊时期，人们把最能引起美感的比例称为黄金分割率，黄金分割率在生活中比比皆是有着不可忽视的作用，在造型艺术中也具有极大的美学价值，从而被广泛运用。而在古代中国，南齐时的谢赫就在他的著作《画品》中提出“六法”，成为了中国古代美术作品的品评标准和重要的美学原则，“六法”其一就是“经营位置”，把安排画面的构成看作是绘画创作的提纲统领。当画面中的每一样东西都被安放在合适的位置上，画面本身就形成了一种秩序，即指构图。
“构图”两个字是造型艺术中的专有名词，画家根据创作题材和所要表达的主题的要求，把作品中的形象适当的有目的的组织起来，由此形成了一个完整而协调的画面便可称之为构图。这需要画家在有限的空间平面内，对创作的形象进行艺术化的组织与处理，从而取得画家所预期的艺术效果来表现画家的创作意图与内心情感。可以说构图是一个由画面、色彩、形状、质理等等一系列具有不同特性的视觉要素构成的组合形式，是按照一定的秩序排列组合而成的特定布局，是具有表达内容、传达感情功能的视觉性有机整体。
构图是艺术作品的创作过程中至关重要的因素和必不可少的步骤，构图的设计需要有选择、有取舍，需要周密地组织与安排，通过处理谋篇布局从而来体现作品的整体效果。因而，绘画的构图构思阶段可以说是画家艺术作品创作中最紧张的阶段，需要画家充分调动形象思维能力，反复琢磨深思，考虑素材所体现的美学价值和深度，根据画面题材的需要，安排调匿形象，把人、景、物合理的安排在画面中形成最佳的布局，将画家内心的视觉形象转移成为一种可视的预备性的草图，由此描绘或者揭示出作品内容所处时代的特征与风貌，显现画家的美学情怀和审美情趣，以及所要表达的精神追求和创作意图等等。
如果按照一般的创作规律，创作的过程将有构思、立意、构图、造型色彩、材料技法等等环节组合而成，构思主要是靠画家平时生活的经验与体会的累积，立意则是看重画家的主观情感、观念看法的表述，而构图会确立出画面的主题以及表现画面的基本形式。在构图的设计上，画家要考虑到客观现实的真实性和合理性，同时又要以表现画家的生活感受为目的。不管是直接写生还是通过记忆绘图，都需要各种辅助资料的运用组合，通过分析、提炼、重组、取舍、整合等等方式进行构架，以求反映出作者的情绪态度、想象联想、情感思维，要达到这样的目的，在创作构图上就要关注以下几个要素：
首先，要确定作品主题和题材内容。主题是作品的中心思想，是作品内容的核心，包含着画家对现实生活的认识、评价和画家的个人追求与理想，是画家在对现实深刻观察和思考以后提炼出来的思想精华。而作品的主题需要有足够的材料来阐明，为了表现作品主题而用的素材就是题材，是表现主题的基础要素，画家需要将收集的素材经过集中、选择、提炼等步骤投入作品，精心组合，以达到烘托主题的目的。画家在绘画中通过构图来体现内容的组成形式，通过艺术的构思使内容的表达与形式形成统一。
第二，按照题材选择合适的画面。画面的题材内容的表达目的决定了画面该采用的大小、形状、数量等等。不同的画面会有不同的视觉感受，绘画体裁按形式与功能分有独幅画、联画、组画、连环画、壁画、全景画等等，各具特点，例如组画可以充分表现一个题材内容的各个方面和阶段，连环画可以使绘画情节连贯成一个完整的过程。横幅的画面使视觉宽广而开阔，立幅的画面又让人感觉到高耸庄严，方形则让人感受到平稳温静。
第三，运用合适的空间处理手法。不同的空间处理手法给观者不同的画面感觉，不同的画面感觉会传达出不同的内心感受。在画面中使用透视法，会使画面的空间增加立体纵深的感觉；而平面式的画面则更具有装饰感，年画、版画、漆画等等就多采用平面式的空间处理手法。
不同的角度、方位和距离，也会使画面呈现出不同的特点。按方位来看，正面给人庄严大方的敬畏感，侧面又有平面的装饰韵味，背面则含蓄充满新意。按角度来看，平视让人感觉自然真切，仰视使画中的形象更显得挺拔高大，俯视是画面空间更为深远宽广，斜视会使人感觉惊险、紧张、不安定。按距离来看，远距离的描绘显得纵深遥远，中距离更显完整自然，近距离则充分具体。
第四，设计形式线。画面主要形象的轮廓和动态会形成特定的形式线，不同的形式线具有不同的功能，而构图就是由形式线架构而成的，有平行垂直线构图、平行水平线构图、平行斜线构图、对角线构图、十字架构图、三角形构图、辐射线构图等等。形式线是画面动态的一种反映，平行垂直线的构图呈现出稳重之感和典雅之美，三角形构图稳定而又显崇高，倒置的三角形构图则显得开朗奔放且充满了不安定的感觉，十字架构图由垂直线和水平线相交而成突出稳定安定的特点，对角线构图充满了动态感。法国新浪漫主义画家籍里柯在《梅杜萨之筏》中就使用了金字塔形构图，充分体现出画面的延伸感和运动感，刻画了遇难者煎熬痛苦的情形，营造了画面的悲剧性气氛。
另外，还有很多其他的要素需要关注，画面的光线、黑白灰三大调关系、主色调等等都是构图形式的影响因素。
以上都是体现画家的创作意图和创作思想的手段，正是通过创作中各个部分的组合配置，才能把所要表达的现实社会客观意义和作者内心的主观认识理解架构在绘画中表现出来。这些都体现出构图所具有规律性和合理性。
绘画作品是画家精神情感的体现，画家将生活中所得到的感悟形象化，通过艺术的构思把现实生活中的联想显现在绘画中，通过点线面、黑白灰的不断变换把平凡形象加工组合形成新的意义，丰富的变化形成绘画的情趣。总而言之，构图是统筹安排画面形象和素材，体现创作构思、主题、形象，将绘画内容通过形式结构恰到好处的表现出来，尽最大可能阐明画家的构思，形成整体布局的一种艺术。
参考文献：
[1] 曹晓楠曹昌武.绘画构图[M].山东美术出版社，2004.
图画作品范文6
关键词：宫廷绘画 浙派 文人画 吴门画派
一、明代早期绘画：宫廷绘画与“浙派”
明代绘画的早期阶段大约是一三六八年至一五零五年，共―百三十余年。这一时期是明王朝的创立和巩固阶段。
1.宫廷绘画
明朝前期的皇帝，如宣宗朱瞻基、景帝朱祁钰、宪宗朱见深等皆善绘画，他们对绘画艺术高度重视，大批招揽画工入宫。明代的宫廷画院里，画家们多为皇帝服务。为了讨得皇帝的欢心，画家们对宋、元绘画“心追手摹”。
（1）宫廷人物画
明代宫廷人物画大多反映了帝王皇族的宫廷生活。主要表现有：一是借助古代历史故事，宣扬文功武德，利用古人的丰功伟绩讴歌当朝。代表作品有：《雪夜访普图》轴、《聘庞图》轴等；二是记录宫廷生活的帝后肖像画及宫中行乐图。代表作品有：《明成祖坐像》、《宣宗射猎图》等。三是反映臣僚们活动的人物画。代表作品有：《杏园雅集图》卷、《竹园寿集图》卷等。四是继承中国传统绘画体裁的人物画。代表作品有：《琴高乘鲤图》、《货郎图》等。
（2）宫廷山水
随着画院制度的变迁，明代宫廷山水画呈现出明显的阶段性。主要表现有：一是承元人余绪的明初宫廷山水。代表作品有：《临董源夏山读书图》轴、《合溪草堂图》轴等；二是融两宋风格于一体的明代“院体”山水。代表作品有：《江阁远眺图》轴、《烟江远眺图》轴等。
（3）宫廷花鸟画
明代的宫廷花鸟画最具院体绘画的代表性。代表性画家有边景昭、林良、吕纪和孙隆等。边景昭，福建沙县人，宫廷画家。宣德年间被征为武英殿待诏。他的工笔重彩花鸟画不仅承继了宋代以来的院体传统，而且宗黄筌的工笔写生法，刻画精丽，气局宏敞，存世作品有：《三友百禽图》、《竹鹤图》等；林良，广东南海人。弘治年间为内廷供奉，官锦衣指挥。工着色花鸟，尤精水墨飞禽。他的水墨写意花鸟画更多地吸收了南宋放纵简括的画风，写意而形似，他的画风经吴门画派沈周承续，影响到晚期陈淳、徐渭的水墨写意花鸟艺术，是构成明代文人画笔墨主体风格的重要纽带。存世作品有：《双鹰图》、《松鹤图》等；吕纪，鄞（今浙江宁波）人。弘治年间供事仁智殿，授锦衣卫指挥。工画山水、人物，尤以花鸟著称。他的工写相兼花鸟画揉合了边景昭、孙隆、林良三人的画法，有着“独步当代”的美誉。存世作品有：《桂菊山禽图》、《秋鹭芙蓉图》等；孙隆，浙江瑞安人。官至徽州知府。能诗文，善画梅，亦写禽鱼草虫。他的设色没骨花鸟画独树一帜。存世作品有：《芙蓉游鹅图》、《雪禽梅竹图》等。
2.浙派
明代前期绘画一个明显的特点就是院画与院外职业画家的互动。成化、弘治年间，明代院画和“浙派”代表一一戴进、吴伟一起共同成为主宰明代画坛的主流。戴进，钱塘（今杭州）人，明宣德年间被召入画院。戴进的山水画画法承继了南宋水墨苍劲一派，既取法李唐、马远、夏硅等人，又吸取了董源、范宽之长处，画风雄健挺拔，行笔顿跌，技巧纵横，被推为“浙派山水首席画师”。存世作品有：《关山行旅图》、《携琴访友图》等；吴伟，江夏（今湖北武汉）人，孝宗时授锦衣卫百户及赐“画状元”的图章。他承继了戴进的雄健豪放之风，奠定了浙派画风的基调，为中国山水画增添了新的类型。吴伟的人物画创作风格一是承继顾恺之、李公麟工笔白描传统的细笔画，二是源于吴道子、梁楷简劲写意画法的粗笔画。吴伟的细笔人物画代表作有《铁笛图》卷、《洗兵图》卷等；粗笔人物画代表作有《柳荫读书图》轴、《仙女图》轴等。吴伟的山水画源自戴进，主宗南宋马远、夏硅，更见粗简和放逸。存世作品《溪山渔艇图》笔墨不拘一格，技巧娴熟，景致繁复，真实地表现出了大自然秀丽山河的空间感。
此外，明代早期还有一批文人画家，如刘珏、谢缙、杜琼等人。他们继承了宋元的文人画传统，崇尚董巨和元四家，以书画自娱，为中期“吴门画派”的兴起奠定了坚实的基础。
二、明代中期绘画：光大文人画的昊门画派
明代绘画的中期阶段，大约是一五零六年至一五六六年，计六百年的时间。明朝中期，地处长江中下游的苏州、南京、松江等地繁荣的工商业令大批文人雅士、书画名家聚集一堂，他们的书画作品在继承元代传统的基础上大放异彩。其中最优秀者当属吴门画派。吴门画派属文人画体系，该派兴起于沈周，成熟于文征明。他们以创新的面貌、庞大的阵容，取代了“院体”和“浙派”的地位，成为画坛的中坚力量。沈周，长洲（今江苏苏州）人。善画山水，博取宋、元之长，对黄公望、吴镇尤有心得，能融会变化，自成风格。文征明，长洲（今江苏吴县）人，授翰林待诏，通诗、文、书、画。沈周和文征明都是将文人水墨写意花鸟画推向成熟的关键性人物。首先，他们拓宽了绘画表现的题材，在描绘传统的梅、兰、竹、石的同时，加入了禽鸟和花卉，使院体画题材更趋向于文人画。其次，他们的水墨写意法，以纵逸的笔势、淋漓的水墨、洗练的造型，突破了宋、元文人花鸟画的格式，更具形似写意的韵味。沈周的代表作品有：《庐山高图轴》、《西溪图》等；文征明的代表作品有：《绿荫清话图》、《松下高士图》等。当时，与沈周、文征明齐名的还有唐寅和仇英，后人称他们为“吴门四家”。唐寅，江苏苏州人，诗、书、画皆负盛名。仇英，本太仓（今属江苏）人，后移居苏州。出身漆匠，后改学画，初师周臣，因得到文征明的称赞而扬名于世。唐寅和仇英均属职业画家，他们创作内容丰富，技法娴熟。唐寅所画的山水与工笔人物，状物真实，抒情自然，把宋人的写实和元人的写意淋漓尽致地表现出来。代表作品有：《骑驴思归图》、《山路松声图》等。仇英擅长青山绿水和工笔人物画，传世作品有：《桃源仙境图》、《观榜图》等。明朝末期，仇英的部分作品传入日本，对日本画界产生了一定影响。吴门四家在山水画方面突破了南宋的院体绘画，除仇英之外，沈周、文征明、唐寅都非常重视将诗、书、画的结合。这种做法使文人画日趋完美，对明代后期乃至清初画坛都产生了非常有力的影响。
三、明代晚期绘画：传统整合与变异圈新
明代绘画的晚期阶段，大约是一五六七年至一四年，共有七十余年的时间。这一时期，徐渭完善了花鸟画的大写意画法；陈洪缓、崔子忠等开创了变形人物画法，以董其昌为代表的画家们在文人山水画方面另辟蹊径，形成了诸多的派系。
1.松江派
吴门画派与浙派的山水画发展到明朝晚期，已被门派流风和商品市场所左右，于是出现了以董其昌为代表的松江派。松江派以董其昌为代表，顾正谊为创始人。该派有三个支派：一是以董其昌、顾正谊为首的华亭派，二是以赵左为首的苏松派，三是以沈士充为首的云间派。松江派山水画的典型风格是骨气灵秀、逸润苍郁。董其昌是这三派中的领袖人物，他的出现把文人画推向了一个新的制高点。董其昌，华亭（今上海松江）人。历经万历、泰昌、天启、崇祯四朝，官至礼部尚书，家富收藏，善书画鉴赏。他的画作讲究笔致墨韵，用笔洗练，墨色清淡，古雅秀润。传世作品有：《高逸图》、《关册雪霁图》、《松溪幽胜图》等。董其昌系统地梳理了文人山水画的传统，他按照绘画创作的方法和画家的身份，把唐代到元代的山水画分为南北二宗。他将以水墨渲淡画法为主的文人画家比做南宗，认为南宗始于王维，继承者为荆浩、关仝等，北宗始于李思训父子，继承者为赵溪、赵伯驹、马远等。董其昌自诩为南宗正派，贬低北宗，他的“南北宗论”对中国绘画的发展产生了积极的影响。但其“崇南贬北”的观点，却助长了绘画上的宗派之争，对明末清初的绘画产生了较大的负面影响。
2.南陈北崔
当“浙派”的人物画日陷粗简，“吴门派”的仕女画流入靡弱的形势下，明代画家们的兴趣开始转向版画。版画创作进入了中国古代版画史的鼎盛时期。质朴的民间版画，伟岸的上古人物画，逐渐成为他们变异传统绘画的凭借。陈洪绶和崔子忠正是这一变异的主要代表人物。陈洪绶，浙江诸暨人，明清时代的人物画巨擘，人物、山水、花鸟及梅竹均有涉足，尤其擅长人物画。他经常为文学作品创作插图。传世画作有：《荷花鸳鸯图》、《婴戏图》、《西厢记》等。陈洪绶的版画作品沉着含蓄、线描简洁，充满节奏感。存世作品有：《九歌图》、《娇红记》、《鸳鸯冢》）插图、《水浒叶子》等。崔子忠，山东莱阳人，曾拜董其昌为师，擅画人物、仕女、肖像等，师承顾恺之、陆探微、阎立本、吴道子等，所画人物面目奇古，线条细劲，境界奇异，传世画作有：《云中玉女图》等。陈洪绶和崔子忠在绘画史上被称为“南陈北崔”。
3.波臣派
明代中叶，中国社会内部的资本主义因素开始萌芽，商业繁荣，经济发达，人物画出现了中兴之象。万历九年，意大利传教士利玛窦来到中国，他带来的《圣母子像》、《耶稣像》等画像提高了中国肖像画“应物象形”的能力。于是出现了以曾鲸为代表的波臣派肖像画。曾鲸，福建莆田人。他的一生主要活动在浙江杭州、鸟镇、宁波等地，其肖像画先用淡墨勾勒出五官的轮廓，略施墨染后，再赋以色彩，衣冠则是用简洁的线描微染。这种画法被人称为“如灯取影，妙得神情”。曾鲸的传世作品有：《沛然像》、《张卿子像》、《徐元亮像》等画轴。
4.青藤白阳
陈道复的山水画笔墨淋漓，不拘形似，以神统形，与徐渭并称“青藤、白阳”。陈道复，吴（苏州）人。画艺曾受沈周、文征明的影响，善画山水、花鸟，尤以水墨写意花画最为著名。其传世作品有《洛阳春色图》、《松菊图》等。这些作品大多运用草书“飞白”的笔势和水晕墨章的华彩表现花卉纷披繁杂的韵致。徐渭，浙江山阴（今绍兴）人，工书法，善绘画。他的写意花鸟画惊世骇俗，自成一家，创水墨写意画新风，历来被世人称道。存世画迹有《墨葡萄图》、《黄甲图》、《杂花院》等。近代美术家黄宾虹曾赋诗赞曰：“青藤白阳才不羁，绘事兼通文与诗。取神遗貌并千古，五百年下私淑之”。
