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对工艺美术运动的理解范文1
关键词:唯美主义;新艺术运动;工艺美术
唯美主义主张“为艺术而艺术”,强调纯美的艺术形式营构、对自我人性的充分肯定和对世俗的睥睨对抗. 奥斯卡.王尔德是英国唯美主义运动的代表人物,一生致力于推进英国的唯美主义运动。其作品中充满了反讽和悖论。《道连.格雷的画像》是其唯美主义的代表力作。
一、唯美主义观点综述
学术史上一般把法国诗人戈蒂耶1835年那篇著名的《〈莫班小姐〉序》看作唯美主义宣言,同时把“为艺术而艺术”作为唯美主义的理论旗帜。
而英国另一个唯美主义的代表佩特(Walter Pater)对唯美主义理论的最大贡献便是倡导一种艺术的生活方式:“让生活燃烧成宝石般炽热的火焰,保持这种心醉神迷的状态,乃是人生的成功。”
王尔德认为生活本身是首要的也是伟大的艺术,其他一切艺术不过是对他的准备。因此他坚决的把唯美主义的艺术原则贯彻于他的作品《道林・格雷的肖像》、《莎乐美》中,同时,也坚决在生活中用唯美主义原则精心打扮自己。他以美学教授自称,在世界各地做演讲。他风度翩翩,举止优雅,衣服扣眼里插朵百合花或向日葵花,手提象牙手杖,旁若无人地出入街头,向人们展示美。他这些为艺术而生活的现身说法,在当时保守的维多利亚时代产生了巨大的类似于广告的效益,吸引了许多文人骚客竞向模仿他,戴天鹅绒领子,喝苦艾酒,抽加香料的纸烟……王尔德自身成为了唯美主义运动的“活标本”,从头到脚的行头都成了唯美主义的象征。在他的带领下,唯美主义运动已经成为了一种时尚的风气。不仅是在国内,他还把这股唯美主义的时尚运动带到了北美。1881年圣诞前夕,王尔德带着他的古怪的美学服装,开始了在北美各大城市做演讲。他总是以唯美化的形象出现在人们面前,发型、服饰、甚至是胸花都印着他的唯美主义倾向;他向世人称形式可以提升现实,力图把人们从商业化的实用主义中解放出来;他自称是服装和室内装潢的专家,讲解了建筑材料、室内装饰、家具选择、墙纸设计、服装搭配等细节;他还特别推崇具有和谐形式的人造物品。王尔德在几十个大城市受到了听众的热烈欢迎,他对装潢艺术、服装艺术色彩和形式等的强调使人们对唯美主义的思想生活的艺术化有了更直观的理解,报纸长篇累牍地报道他的言行举止以及对此的评论文章和采访报道。在这片新的土地上,唯美主义成为了人们最时尚的话题和模仿的标准。"为生活而艺术"的思想原则在这里发展到了,发展到了世俗化的时尚地步。所以王尔德对唯美主义为艺术而生活的日常生活审美化的推广有着推波助澜的作用。
二、唯美主义在新艺术运动中对工艺美术的影响
新艺术运动在工艺美术领域的成就是最大也是最彻底的。他在工艺美术设计领域的一大突破就是打破了横亘在纯艺术与装饰艺术、实用艺术之间的鸿沟。认为装饰艺术与纯美术同样作用于观众的观念与感受,两者之间并无绝对的界限,更不应该作高下之分。而这一观念的根本性转变与唯美主义的核心理念――艺术重在形式,为艺术而生活是一脉相承的。
(一)艺术的价值在于形式
新艺术运动抛弃任何一种传统风格,向自然寻求自己的灵感源泉,主张利用自然元素或者富有异域情调的东方元素,用自然装饰纹样取代旧的程式化的图案,特别是从小动物和植物形象中提取造型素材。在线条上拒绝使用直线,大量采用自由连续弯绕的曲线和曲面,形成多变且富于动感的造型风格,呈现出曲线错综复杂、富于动感的韵律、细腻的审美趋向,从而完成自己对固有形式的突破,并奠定一种新的以形式美为唯一追求的新风格。
(二)为艺术而生活的理念
二十世纪上半期研究唯美主义的大家约翰逊在《唯美主义》一书中直接指出,唯美主义有三种含义:首先是一种人生观,其次才识一种艺术观,最后是指文学艺术品的一种特质。近年来研究唯美主义的学者莱昂・谢埃也认为,唯美主义运动的核心是这样一种生活愿望:重新界定艺术与生活的关系,赋予生活以艺术品的形式并把生活提升为一种更高层次的存在。
在为艺术而生活的理念的倡导下,新艺术运动的工艺美术风格迎合了这一潮流并将通过与工业的结合,将之发扬光大。
(三)唯美并不颓废
在文艺理论界,人们对唯美主义者是持批判态度的,一方面是因为以王尔德为首的唯美主义者道德感缺失,有伤风化。另一方面因为唯美主义者所塑造的人物形象总是像恶毒的罂粟花,唯美的外表下有颗恶毒的心。
参考文献:
[1]John Wilcox,"The Beginnings of L'art Pour L'art",in Journal of Aesthetics and Art Criticism,2001.
[2]John Stokes,“Aestheticism”,in Martin Coyle et al,eds.Encyclop aedia of Literature and Criticism,2007.
[3]Walter Pater,The Renaissance:Studies in Art and Poetry,ed. Donald L.Hill(Los Angeles:Univeersity of California,Berkeley,1980.
[4]周小仪.唯美主义与消费文化[M].北京:北京大学出版社,2002.
对工艺美术运动的理解范文2
一、理论完整，内容丰富
该书研究理论完整，论述内容丰富详细，通过从什么是设计、设计的分类和范畴等角度出发，详细论述了现代设计的理论概念。另外，该书从工业革命前欧洲的设计情况、新古典设计运动、工业革命之前的西方民间产品设计、“维多利亚”和“第二帝国”风格等视角分析了工业革命前的设计，为读者了解现代设计的发展脉络奠定了重要基础。通过从现代设计萌发的时代背景和促进因素、英国的设计改革和“工艺美术”运动、“新艺术”运动等角度提出了现代设计的前奏：“工艺美术”与“新艺术”运动。多元化教学模式是一种倡导以多元视角、多元思维来实现教学目标的方式，通过引导学生在把握重点学科教学诉求的前提下，通过积极利用各类途径，探寻多元学科知识与内容，从而实现理想的教学效果。与此同时，多元化教学模式也倡导教学创新，通过引入多元教学方法，明确教学目标，实现教与学的多元协同成效。
二、重点突出，观点深刻
该书研究重点突出，论述观点深刻全面，通过从“装饰艺术”运动的概况、影响“装饰艺术”运动风格的重要因素、“装饰艺术”运动的设计特点、“装饰艺术”风格在平面设计上的发展、“装饰艺术”风格的产品设计和著名的设计师等角度进行论述，实现了带装饰的现代设计：“装饰艺术”运动的完整表述。另外，该书以现代设计思想体系和先驱人物、包豪斯、俄国构成主义设计运动、荷兰的“风格派”运动，为现代主义设计运动的萌起奠定了重要基础，通过从美国工业设计发展的背景和概况、美国工业设计先驱人物、制造业对美国现代设计的影响、美国现代工业设计的重要推手等角度论述了工业设计兴起的具体内容。在多元教学模式下，通过引入智慧技术、多元育人理念及方法，为最时尚、最流行的设计美学融入课堂，并为学习者塑造更加生动、立体的学习空间，使学生加深对相关设计活动的理解与认知，真正实现设计活动的理想成效。与其他实践活动不同，现代设计倡导在遵循设计规则、设计方法的基础上，呈现个性、灵活的美学特征。因此，以多元化教学模式为基础，为真正实现设计活动的创新升级提供了现实可能。
三、关注实践，指引未来
对工艺美术运动的理解范文3
设计原生态的鲜活灵动与当前设计史撰述的缺憾
原生状态是指造物设计原初的生存状况和发展环境。李立新先生曾经指出，造物历史中的原生状态有三层含义:一是民间与官营生产模式的消长状态;二是个体特色与地域色彩;三是一般造物与经典造物之间的互动关系［2］。换言之，人类的设计活动有多种层次、多重目的，还有着特别复杂的背景与过程，设计的原生状态是十分鲜活灵动的。以容纳着丰富的社会历史信息的民间造物艺术为例，在以往的设计史研究中，受考古发掘的限制及经典文献史料等的影响，更多关注的是社会上层的造物艺术，对改善日常生活并具有情感交流与生活交际价值的民间造物艺术关注较少。笔者几年前作农具发展史的调研时，曾经搜集到山东寿光地区传诵的一部《庄户杂字》，共474句，每句5字，共2370个字，篇幅不长，内容却十分丰富，它是把春耕、夏耘、秋收、冬藏一桩桩农事接着写的，中间也写到饮食起居，男婚女嫁，有的还写出了事情的简单情节，相当生动。例如描写繁忙的夏季劳作时，写到“行说立了夏，家家把苗剜……铡开麦个晒，勤使蜡杈翻。下晌垛了穗，早晨再另摊。明日把场打，麸料牲口餐。套上骡和马，不禁碌碡颠。扒先起了略，刮板聚堆尖。扫帚扫净粒，伺候好上掀。迎风摔簸箕，扬得蛾眉弯。若遇风不顺，再加扇车扇。布袋往家扛，旁里记着签。晒晒才入囤，省得招虫眼……”从某种程度上说，这部《庄户杂字》按照春夏秋冬的季节变换来揭示与广大民众的衣食住行用密切相关的生活器具以及过日子的主张，堪称一部鲜活灵动的“生活设计史”。
作为设计学的研究范围之一，设计史还是一个相当年轻的学科。对于设计史的研究只是近几十年的事情，设计史研究在世界上直到20世纪60年代才在英国成为独立学科，在中国更是一个新兴学科。“直到目前为止，设计史仍然被视作与美术史和建筑史有着最为密切的联系。”［3］钱凤根曾在《设计史若干问题谈》一文中鲜明地指出:“美术史模式下的美术家、风格、流派又转化为设计史对文化意义上的人物、风格和运动的关注。这在一定程度上造成了设计史与美术史混淆不清的状况，进一步造成设计史概念的含糊，进而影响到设计概念的清晰性。……美术史的时代风格模式进入设计史就演变成设计史的精英观。……以设计师设计作品为主导的设计史方法，实质上是美术史结构模式下的延伸，是对设计史发展的束缚。”［4］可见，简单套用美术史结构及史料选择的单一性、相同性，导致了当前设计史研究的“千人一面”。
此外，我们可以看到不少“中国设计史”用划分工艺门类的方法撰写，把原来属于工艺美术各门类的陶瓷、青铜器、玉器、金银器、染织等，统统加以“设计艺术”的后缀，这也难怪有人说“设计史不过是过去工艺美术史的翻版”。依托工艺史的材料、工艺技术研究等都无法真正完全表达设计的历史全貌。毕竟“设计史研究的对象既有工艺美术史所言的对象，因为它们同样是设计之物，但又不止于此，它需要从民生日用的各个方面进行观照:包含衣、食、住、行、用的各个层面、各个造物品类。它既研究这些物类的造型和装饰，更注重其如何设计以及为何这样设计，其规律和启迪是什么。”［5］历史，是记载和解释人类活动进程的历史事件的一门学科，设计史也不例外，应是以往设计历程的总结，是展示在人类文明的发展历程中各个时期、各个地域典型性的设计现象。但“这是平面的固化的历史知识，考验我们和需要我们作出反应的就是记忆，就是背诵，而不需要我们去思考，更不会导致我们去研究。”［6］可是，如果对各种设计现象不问为什么，不去探究这些设计现象背后由意识形态、经济及技术条件等因素生成的深层原因，就不能全面地看待事物，进而缺乏通过现象整体地看待和分析问题的方法，这亦使生动的、发展的、多元的设计历史进程大多被程式化和平面化。设计史研究作为历史研究的一部分，整个史学的探究成果均值得我们借鉴。国内设计史著述很多，但“至今还没有一本书能够指导学生学习它或接近这一学科”［7］。总之，我们目前的设计史，与现实生活世界分裂，是精英的设计史，是社会上层的设计史，是宫廷工艺美术史，是墓葬设计史，缺乏有针对性的史学探究。目前，艺术设计专业是社会的热门专业，设计学学科的升级与学科名称的转换，理应让人们获得新的理解，用新的方法来研究设计史。
寻找多重证据，放宽设计史视野，进行设计原生态研究
诚然，设计史作为专门史，它仍然脱离不了宏观历史的叙事方式，其治学方法也应符合史学的一般要求。但是，设计史摆脱不掉的一项重要任务就是帮助设计界提升对设计的认识。因此，设计史也就不能没有对历史案例的解读和判断，但仅仅罗列设计现象和设计成果，介绍社会上层的设计、精英设计，还是远远不够的。仅就西方设计史来说，西方设计史的研究重点，已经从主要讨论设计师、设计风格和审美意义，转向了对日常生活的结构、消费者及用户行为等更为广阔领域的研究。在造物层面的深入解析应成为设计史的显著特点。以此为基础，才能在设计学界建构一个有助于思考和理解的知识系统。有相关案例为证，2004年王军撰写的《城记》，结合大量第一手史料及三百余幅插图(不乏私人珍藏的照片及画作)，采访当事人50余位，并将梁思成、林徽因、陈占祥、华揽洪等一批建筑设计师的人生故事穿插其间，可以说是特定时期北京城市设计史的生动写照。2008年中央美术学院郑岩和哈佛大学汪悦进合著的《庵上坊》，对“贞节牌坊”这一古老的建筑设计样式，借助口述、文字和图像三种方法，用流畅的文笔与逾百幅图片、手绘插图描绘出古老牌坊的前世今生，以及由此衍生的诸多现象，呈现出既严谨专业又摇曳多姿的丰富内涵，不仅展示了一座牌坊的历史，更展示了一部人心的历史。毋庸置疑，《庵上坊》展现了另一种形式的艺术史。可贵的是，近年来关于设计史研究方法的讨论，已逐渐成为学术界的共识。尤其是2010年以来，《南京艺术学院学报》(美术与设计版)“艺术史研究方法”专栏，连发四篇文章［8］，以提倡艺术史研究应采用新方法。主张“去田野中寻找生活的设计史”，提倡“以设计观念角度梳理设计史，以学科发展与演变的角度认识设计史”。其研究视角与方法的改变与转向，体现出设计史撰述的新视野。#p#分页标题#e#
对工艺美术运动的理解范文4
传统图案在美术设计依据民间美术符号的表征方式，传统图案在美术设计中的功效研究从艺术风格到制作工艺都达到了一定的高度。各种纹饰,题材多样,手法独特,结构严谨,纹饰造型夸张、凝练。工艺美术以青铜器、漆器为代表,其他还有玉器、织绣等。纹样单纯粗犷成熟精工,神秘奇特平实奔放,严峻肃穆生动活跃。以理性的态度科学化的探讨了传统图案在美术设计中的功效研究。
1传统图案在美术设计中的应用
一切形式的工艺美术,都是在传统图案的基础上发展起来的,运用独具魅力的视觉形态,传达独具特色而朴素宜人的视觉信息,重叠了实用意识、民俗风情、伦理道德、宗教习俗等逐步发展起来的,世代相传的文化心理的艺术形态体现。它所传达的内容无一不来自大众的生活，是大众耳熟能详的，民间美术符号具有通俗性，是集体智慧的结晶。
1.1传统图案在美术设计中美术的表征特征美术形体表征对象的方式体现了深刻的文化渊源和社会渊源，表达了创作者的美好愿望，具有通俗性、地域性、时代性的符号特征。传统图案在美术设计符号系统中，具有民间的审美情趣和审美尺度，独特的造型系统和色彩系统，更具有完整的表征和意指方式，历史地建构起一个独立的视觉符号系统，是劳动人民以其丰富的艺术想象力,综合了理性和感性思维方式，肖似性的表征是图像符号的创建依据，符号形体与符号对象之间的肖似性有多种结构符号和主题符号。民间美术符号就是民间艺人创造的具有审美因素、情感因素和表现因素的特殊符号，对它的创造和认知，需要一种共同的文化积淀。其形成源于人们的生活、生产、风俗习惯，与劳动人民创造的生活文化密切联系，其功用在于美化自身、美化物品和美化生活环境。包括年画、剪纸、刺绣、面具、皮影、织锦、印染、陶瓷等多种形式，是孕育民间美术符号的深厚土壤。民间美术符号在传承远古文化符号的基础上，积累构筑了一个独立的、丰富多彩的视觉符号系统。融为一种对美的知觉和对意味的知觉。这是对一代代传承下来的独具特色的民间美术符号的最好概括。
1.2传统图案在美术设计中的表征方式与特征传统图案在美术中谐音的表征方式，复现了对某种事物、行为或运动的声音的感觉。假借文字的相同读音，运用动物、植物不同形态的组合来表达美好愿望，是传统美术中最常见、最普遍的符号表征方式。“金玉满堂”作为金玉满室、财富丰厚的符号，通常是采纳“金鱼”与“金玉”、“满塘”和“满堂”的听觉肖似，以金鱼漫游于缸内或池塘内作为符号形体，有的民间美术作品还常表现两个天真的胖娃伸手进鱼缸欲捉金鱼状，这主要为了符号意义的延伸，表达出子孙富贵、金玉满堂的符号寓意。“连年有余”的符号与之有异曲同工之妙。“喜上眉梢”的符号形体为喜鹊立于梅花枝头仰首鸣叫状，体现喜鹊的“喜”和梅花之“梅”与“眉”的听觉肖似，从而完成了“喜上眉梢”的寓意，喻喜事即将来临。将百合花和柿子及灵芝组成符号形体，或在柏树盆景旁配上柿子及灵芝，寓意一切事情称心如意。运用“灵芝”形与“如意”形的视觉肖似，可谓是组合巧妙之极。民间美术中常见的题材内容，表达了对官运亨通、连续升级的美好祝愿。剪纸中把这种符号运用到荷包刺绣上，符号也是主题肖似的一种表现，是借用符号对象的特征来象征生儿育女、多子多孙的福气。
2传统图案在当代平面美术设计中的意义分析
传统图案其简洁、多元的造型，完美的功能，在精神和物质上满足了受众多层次、多方面的需要，其通俗的形式受到受众的欢迎。它直接反映了民众的精神追求和思想感情，理解传统图案在美术设计的表征特征有重要意义。
2.1传统图案在美术设计的表征与意指传统图案在美术设计的形体通过图形、文字、色彩等的组合表征着符号对象，它是反映作品主题的可感形式，给受众以直观的感觉效果。传统图案在美术设计的意指传达出作品主题的寓意，使受众在解读符号意味的同时获得审美的愉悦，在平面设计的符号系统中，可以表述为有意味的形式，运用于当代平面设计中的有意味的形式。平面设计是设计艺术品拥有和艺术品共通的性质，形式是符号的符号形体，是符号的意指也是对符号形体的解释。传统图案在美术设计的功效是用来传达创意讯息的，讯息的释放并一味主观的自说自话，必须把受众作为诉求目标。将传达讯息在这个过程中美术符号生成了不同的意义，所要表达的主题也就在作品中得到无限延伸。由联想生成的意义，联想性的图形和联想性的色彩在美术符号中大量存在着，现代人的思维方式不断丰富，也会进一步加深对画面意境的理解。通过联想，人们从设计作品中看到自己或与自己相关的经验，从而引发共鸣，达到与符号对象融为一体的最高境界。
2.2传统图案在美术设计中的功能分析传统图案在美术的应用要善于利用设计创意去调动目标受众的注意力和感受力，联想的认知方式更容易将讯息直观、快速和有效的传达。运用十分广泛的表现手法，约定性的美术符号，将设计主题直接如实地展示出来，这样受众容易对作产生一种亲切感和信任感，突显了中国民族文化特色，这种约定性的符号使国外的受众较容易解读出设计的创意。中国传统图案的发展与演进有着悠久的历史及辉煌的成就，早在几千年之前的新石器时代,先民就在彩陶上运用图案来装饰自己的生活,伴随着时代的不断的发展、变迁,物质条件及生活方式的改变,使图案表现形式更加丰富、多样化。传统图案在美术设计中的功效研究，其图案特点为多样统一、对比调和、平衡对称,其用线舒畅,色泽单纯、明快、和谐，图案形式多以单独和连续纹等构成极具民族文化特色的艺术样式的认同，在此基础上组构符合现代中国美术符号在当代平面设计中的运用。
对工艺美术运动的理解范文5
关键词：包装设计 平面构成 色彩构成 立体构成
构成，这一概念源于俄国新艺术运动的构成主义艺术。之后，这一概念被融入包豪斯的基础教育之中，逐步形成为设计教育的基础体系。由于侧重不同，构成分为平面构成、色彩构成、立体构成，简称“三大构成”。包装在产品流通中，是为了达到保护产品、方便储存运输、促进销售等目的。一个优秀的包装，是包装造型设计、包装结构设计、包装装潢设计三者的有机统一，只有这样才能充分发挥包装设计的作用。
一、平面构成在包装设计中的应用
平面构成主要研究视觉形象在平面上的组合形式，即通过点、线、面在二维平面内依照美的形式法则和一定的秩序进行分解、组合，从而创造出新的形象及新的组合秩序，最终形成新的视觉形象。平面构成是一种理性的活动，是研究图形对人所传达的视觉感受及心理反应。包装设计是为人服务的，是人性化的设计。设计者要把握好包装设计中图形的使用，因为图形起到了一种推销的作用，把包装内容借助于视觉的作用传达给消费者，更好地传达设计思想和创意，让消费者理解和接受，从而产生购买欲望。
1.点在包装设计中的应用
在平面构成中，点的概念只是一个相对的，它在对比中存在。从造型角度上讲，点是具有空间位置的视觉单位。从点的作用看，点是力的中心，当画面上有一个点时，人们的视线就集中在这个点上。比如，商标就起到点的作用。当空间中有两个同等大小的点，其张力作用就表现在连接两点的视线。在包装的图案上，可恰当地运用点的特点进行创意，改变点的位置、数量、排列形式、色彩以及材质等某一特征，都会产生意想不到的艺术效果。
2.线在包装设计中的应用
从平面构成角度讲，线既具有长度，也可以具有宽度和厚度。线又分为直线、曲线，直线又分为垂直线、水平线、斜线；曲线又分几何曲线与自由曲线。直线表示静，曲线表示动，折线有不安定的感觉。在包装设计过程中，可以通过改变线的排列方向、长度、粗细等关系，创造出丰富多彩的图案造型。
3.面在包装设计中的应用
面有规则的面和不规则的面两种。圆形和正方形是最典型的规则的面，这两种面形的相加和相减，可以构成多种多样的面。自由面的外形较复杂，无规则可循。面的形态是多样的，不同形态的面在视觉上有不同的作用特征。在包装中，通过面的分割组合、重叠、交叉所呈现出的布局丰富多彩，能产生风格迥异的包装艺术效果。
二、色彩构成在包装设计中的应用
色彩构成是指按照一定的色彩规律去组合各构成要素的相互关系，创造出新的、理想的色彩美感形式。色彩作为包装设计中的重要元素，不仅起着美化包装的作用，而且在商品营销的过程中也起着不可忽视的功能。由此看来，色彩可以离开包装而独立存在，包装则永远离不开色彩。色彩关系处理得好，能给人带来很大的视觉享受，引起购买者对商品的关注。
1.通过色彩调和来强化包装设计的整体效果
调和是强调包装上色彩的共性，当包装上的色彩过多时，需要使用调和的方法来改善，调和具有强调包装色彩统一、完整的作用。但要注意，调和方法如果使用不当，容易使包装设计产生呆板的效果，这时就需要用对比的手法来增加包装设计的活力。
2.通过色彩对比来强调包装设计的重点
对比就是色彩元素之间的相互比较，突出色彩元素之间的对比性。对比可以有效地烘托主题，强调重点，在包装色彩的具体运用中，色彩对比并不是孤立地运用，而是应该结合其他形式要素来综合考虑，并且要把握好适度的原则，不要过分夸张。对比的方式主要有明度对比、色相对比、纯度对比、冷暖对比、面积对比。另外，也可以通过色彩的形状、位置的对比来获得丰富的视觉效果。
良好的色彩设计具有一定的视觉冲击力，以此来吸引观者的视线，让人产生购买的欲望，并能真实地反映商品的相关信息，以增加消费者对产品的理解和信任，有利于品牌形象和企业形象的树立。
三、立体构成在包装设计中的应用
立体构成是以视觉为基础，以力学为依据，将造型要素按一定的构成原则进行三维的立体空间构成。
包装设计的过程一般分为三个方面：容器造型设计、包装结构设计和包装装潢设计。一个优秀的包装设计是包装造型设计、结构设计、装潢设计三者有机的统一。其中容器造型设计和包装结构设计与立体构成都有密切的关系，设计师在设计中常常会运用立体构成的原理来解决问题。
1.容器造型的应用
现在商场的商品琳琅满目、功能多样，但从包装造型来看，都是在立体构成中的柱体、立方体、锥体、球体等几种原型基础上加以变化，使包装的造型更加丰富、生动。容器造型是一门立体的空间艺术，以纸、塑料、金属、玻璃、陶瓷等材料为主，利用各种加工工艺创造出立体形态。容器造型的设计不仅要考虑外部立体形态美的塑造，同时还要考虑到造型设计会受到容器容量的限制。
2.纸盒结构的应用
结构设计主要是研究纸盒包装结构，是为了实现被包装物在销售过程中的安全性、稳定性而进行的设计。将立体构成的基本原理合理地运用到包装的结构设计中，可以使造型结构美观，起到保护商品的作用。纸盒是一个立体造型，其成型过程是用纸或纸板通过折叠和粘贴做成的盒形包装容器。掌握了立体构成面材的切割、弯曲和折叠等技法，就可以设计出多种符合消费者所需并为消费者喜爱的包装结构。立体构成中的仿生结构，可以使包装设计更加接近生活、接近消费者，为设计表现提供了较好的帮助。
参考文献：
[1]赵殿泽.构成艺术[M].沈阳：辽宁美术出版社，1978.
[2]吴天麟.平面构成及应用[M].北京：北京工艺美术出版社，2007.
[3]赵国志.色彩构成[M].上海：上海人民出版社，2003.
[4]冯四东.色彩构成及应用[M].北京：北京工艺美术出版社，2007.
[5]赵殿泽.立体构成[M].沈阳：辽宁美术出版社，1995.
[6]张佳宁.立体构成及应用[M].北京：清华大学出版社，2010.
[7]杨仁敏.包装设计[M].重庆：西南师范大学出版社，1996.
对工艺美术运动的理解范文6
键词：美术作品；内容；形式美
美术作品的内容和形式具有历史性和时代性，它不是固定不变的，随着时代和生活内容的变化，美术的形式也在不断变化，在继承、借鉴旧有形式的基础上产生出新的艺术形式。
1.内容与形式的关系
内容与形式是哲学上的一对范畴，是事物矛盾的两个方面。从古到今，美学家根据不同的哲学观点，对内容与形式及其相互关系，做出不同的解释。黑格尔在美学史上运用辩证法的观点深刻地论述了内容与形式的关系。他认为“内容非他，即形式之转化为内容；形式非他，即内容之转化为形式。”①人们在谈论美术作品时，总是离不开它的内容与形式。我认为首先，内容决定形式，形式服从内容。有什么样的内容，就需要相应的形式来表现，内容是决定事物性质的主要方面，形式作为内容存在的方式，一般情况下，总是服从内容的需要。张择端的《清明上河图》表现的是北宋汴京城商业繁华的闹市中心。由于内容的需要，该画在形式上采用横幅长卷，鸟瞰透视，移动视点的方法来表现。从这幅写实性绘画中，我们可以看到内容对形式的决定作用，线条、色彩、构图等形式因素都是服从内容需要的。其次，一旦形式成熟后，他会反作用于内容，形式又具有相对独立性。我国传统的某些花鸟画，寥寥数笔，表现一种笔墨趣味，本身没有更多的内容，但在形式上却有很高的审美价值。抽象艺术的形式就是它的内容，内容凝结在形式上。蒙德里安的抽象作品《构图》仅以线条和色块组成，把形式——结构推向极端，追求的是抽象的形式。
内容与形式既是统一的，又是矛盾的。孔子说：“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子。”（《论语·雍也》）对文与质有多种解释，在这里可将“质”理解为内容，“文”是指形式。当内容过大过繁，超过了形式的容量，作品就显得粗糙平凡；当形式过于繁琐修饰，作品则感到空洞浮夸。一副好的作品，应该是内容与形式的高度统一。
2.形式美的因素
形式美是大量具体美的提炼、概括出来那种抽象形式所具有的美。它是相对独立的外部形式诸因素的美，即点线面、色彩、空间、构图、材质等形式因素的组合构成的美术作品的形式美。
点线面及其组合关系是构成形式美的重要因素。中国画常用“点苔”之法来表现山石树木的所生莓苔，以及山间杂草丛树，提醒山石的层次，破墨色的板滞光滑，助气氛的苍浑和精神的显露。色彩是一切视觉要素中最活跃、最有冲击力的因素。由于色彩的物理性能决定了它对人的视觉影响力远胜于线条，因而更具有艺术感染力。“在绘画艺术的表现上，如果说素描是属于理智方面的，色彩则可以说是属于情绪方面的。色彩能更多地唤起人们感情上的反响，这是素描所不能代替的。”②美术是在一定的空间的展现自身。雕塑在立体空间中展开，是实体空间，欣赏者与艺术形象的距离可以自由调节。建筑的审美价值需要通过外部空间与内部空间两方面来体现，建筑空间是以人为参照系，是生活与艺术，实用与审美，人与环境的集合体。构图是艺术家为了表现作品的思想内容和自己的情感，在一定空间范围内，运用审美的原则，安排和处理形象、符号的位置关系，将个别或局部的形象符号组成艺术整体的手法。中国传统绘画称为“章法”、“布局”或“经营位置”。构图是具体的形式，也是一件作品形式内的集中体现，因为一切形式因素，不论是线条、色彩、形体都集中展露在构图之中。美术作品总是由具体的材质构成的，质材本身的审美性能直接影响作品的艺术形式和艺术特色。绘画中的颜料、水与油、纸与布，雕塑中使用的大理石、青铜，工艺美术中金银手饰、牙雕，建筑艺术中各种丰富的材料，其质地的审美价值，使艺术作品的风格迥异，具有强烈的感染力。
3.形式美的法则
艺术强调个性和特色，否则不易引起人们的注意和欣赏，但是艺术也有共同的规律可寻，对于艺术共性的了解，会有助于对具体的艺术个性的认识。我们知道，艺术是以审美为特征而发挥其功能的，作为造型艺术，它所表现的线条、形体、色彩、材质等，在时间、空间上的搭配、排列、组合，怎样才是美的，同样有着共同的特点和规律，因为都是表现在形式上，所以称作“形式美”。形式美有多样与统一、比例与尺度、对称与平衡、对比与和谐、节奏与旋律、反复与连续和统觉与错觉等法则。
多样统一是形式美的基本规律，是各种艺术门类共同遵循的形式法则。多样统一规律是事物对立统一规律在人的审美活动中的具体表现。它不仅是形式方面的法则，而且是内在生命在杂多形式中的灌注。比例是指事物的整体与局部、局部与局部之间的数量关系。一切事物都是在一定尺度内得到的适宜的比例。比例不是僵死的东西，艺术家往往通过改变比例来创造特殊的审美效果，安格尔在《土耳其宫女》“正是那拉长的腰身造成的柔美能立即抓住观众。”③这即是对人体比例进行改变，取得美的例子。
对称，是事物中相同或相似因素之间相称的组合关系所构成的绝对平衡，是平衡法则的特殊形式。平衡，在造型艺术中指同一艺术作品画面上不同部分和因素之间既对立又统一的空间关系。中国画某处常盖一印章，除了标出作者外，也起平衡构图的作用。建筑往往采取对称形式，对称是严格意义上的平衡，具有高度的稳定性。对比是质与量相互差异甚大的两个要素产生强烈对照的现象，是强化视觉刺激的有效手段，包括形式对比和内容对比。和谐是指审美对象各组成部分之间处于矛盾统一之中，相互协调，多样统一的一种状态。对比与和谐是一个事物的两方面。艺术作品中既有对比又有和谐，对比中求和谐，和谐中有产生对比，在对比和谐中加强美的感受。
节奏是客观事物运动的重要属性，是一种和规律的周期性变化的运动方式。节奏存在于客观现实生活中，火车的车轮声，人的呼吸，昼夜的交替都具有一定得节奏；人的心理情感活动会引起生理节奏的变化；艺术作品中的节奏具体体现在线条、色彩、形体、音响等因素有规律的运动变化，能引起欣赏者的生理感受，进而引起心理情感活动。
综上所述，内容与形式是一个问题的两个方面，形式受内容支配，但反过来又影响内容的表现。一切美的内容必须由一定的形式表现来，一定的形式美也不能脱离内容而存在。就是抽象的形式美，也要通过人的生理机能引起人的情感活动。美术作品的美应是形式与内容有机统一，并随时代的变化而发展。
注释：
①《小逻辑》，商务印书馆1980年版，第278页。
②克劳申．《色彩》，转引自《美苑》1983年第4期。
③《世界美术》，1980年第2期，第70页。
参考文献：
[1]中央美术学院人文学院美术史系列国外美术史教研室 编著.《外国美术简史》.中国青年出版社.2007年3月，第一版
[2]贡布里希.艺术发展史[M].范景中，译.天津：天津人民美术出版社，1998
[3]周长鼎 尤西林.审美学.陕西：陕西人民教育出版社，1991
[4]朱光潜.谈美书简.上海：上海文艺出版社，1982
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