轻音乐和古典音乐的区别范文1
在音乐的发展历程之中，人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在，以非传统手法所创作的音乐作品，被称为现代音乐。随着经济的发展，相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃，现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中，古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段，音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。
一、古典音乐与现代音乐的异同
（一）古典音乐与现代音乐的区别
古典音乐严肃、庄重，起源于古代欧洲的皇室音乐，更加注重强调乐曲本身，在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算，而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。
与古典音乐相比，现代音乐更注重人声，以演唱者为着重点，相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意，现代音乐在现代更为人们所接受。
古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美，让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等，都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派，古典音乐带给我们的都是灵魂的深化，让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之，古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调，给听众不寻常的感受。
与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比，20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调，被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样，但是无论是狂暴的重金属电子音乐，或者是婉转的蓝调，亦或是令人费解的印象主义音乐，现代音乐给听众带来的，是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑，使听众的感觉大同小异，但是现代音乐给听众带来的冲击，却是因人而异的。
从创作的角度进行分析，古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐，而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材，让音乐更加贴近生活，这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。
（二）古典音乐与现代音乐的共同点
无论是古典音乐还是现代音乐，音乐的目的都是宣泄人类内心的情感，所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处，就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中，通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合，通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中，让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用，也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。
古典音乐虽为古典，但是在古典音乐创作的年代，古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩，是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。
二、古典音乐与现代音乐的融合
随着现代社会的发展，单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中，也发现了现代音乐因为太追求个性，而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受，很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中，让音乐在给人以冲击的基础上，带来古典音乐厚重的感受。在此基础上，现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度，努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。
古典音乐因为其浓厚的时代色彩，给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈，甚至很少能够引起听众内心的共鸣，更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏，开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上，从乐器等角度下手，增强古典音乐对现代人的感染力。
轻音乐和古典音乐的区别范文2
论文摘要:西方具有漫长的史，从巴洛克时代起，音乐艺术尤其是健盘音乐进入了全盛发展时期。海顿、莫扎特开创了古典时期，这也是后人划分古典主义的标志，我们通常把1750年一1830年定义为古典主义时期。本文阐述了古典音乐艺术奏鸣曲理论，在古典奏鸣曲发展的脉络、乐谱版本、曲式结构、触健、装饰音的弹奏及踏板等几个方面作了较为详尽地研究，旨在培养音乐人的弹奏技巧、文化修养和音乐内涵。
一、古典奏鸣曲发展的脉络
1.巴洛克及古典前期的键盘奏鸣曲。在音乐史上，最早被称作“奏鸣曲”的钢琴作品应该是巴洛克时期伟大的古钢琴家Demenico Scarlatti，他的作品多半是为古钢琴教学而写作，却为古典奏鸣曲形式的形成，尤其是对后来钢琴演奏技巧的发展起到了巨大作用。其实他的奏鸣曲原来并不称为奏鸣曲，但因它具备了早期古奏鸣曲式的某些特点，故被称为“奏鸣曲”;至1750年，J-S-Bach离开人世，巴洛克时代结束，音乐创作风格便开始由严肃复杂、深奥理性的复调音乐转向清新精致、典雅愉悦的主调音乐过渡时期，钢琴音乐也开始从严格的多声部复调对位向主调旋律和声转变。这一时期是辉煌的维也纳古典时期的前奏，众多音乐家为古典奏鸣曲的发展和完善做出了突出的贡献，其中最重要的就是J"S-Bach的后代子孙，其中又以其次子C"P-E-Bach在钢琴奏鸣曲方面取得的成就最高，他对古典奏鸣曲式的形成起到了重要的作用，首次证实了奏鸣曲式表现性格发展和情绪变化的可能性，他将Scarlatti的古奏鸣曲式加以发展丰富，在18世纪中叶的作曲家中，C-P-E-Bach被公认为古典奏鸣曲的真正奠基者。 正因为海顿奏鸣曲的整体风格是明朗和欢快的，缺乏强烈的矛盾冲突和深刻的思想内容，长期以来他的钢琴奏鸣曲在钢琴艺术史上的地位都没有得到应有的重视，直到近二、三十年才越来越受到人们的重视，人们开始重新认识到它的艺术价值，他的奏鸣曲虽然没有太多深刻的内涵，也没有深邃的对人生世界的化思考，更没有对理想和真理不懈追求的伟大精神，但却是对真实的人世间现实的感受和体会，朴实而亲切，在漫长的钢琴艺术史中，他是伟大的贝多芬的前奏，也是从C"P"E-Bach到贝多芬的过渡。
3.莫扎特的钢琴奏鸣曲。(Mozart, WolfgangAmadeus),1756年一1791年，是维也纳古典乐派的第二位大师，共创作了18首钢琴奏鸣曲。每个时期的作曲家都拥有特定音乐时期的特征，但都又充满个性，对海顿和莫扎特来说表面难以区别，他们都使用对位织体、添加支撑旋律、有和声感等，但一般认为，海顿开创了这一作曲方法，莫扎特则加以发展;海顿示范了主题对比与调性关系的变化，莫扎特采纳且更将钢琴奏鸣曲的发展推向了纯粹古典主义的极至;莫扎特的钢琴音乐和海顿同样具有明朗乐观的情绪基调，但他更侧重于清新明朗，流畅，没有任何刻意雕琢的痕迹;他还自由使用不协和音和一些欢快的节奏，作品中常让人体会到浓厚的人情味。
莫扎特把钢琴奏鸣曲式在海顿的基础上又向前发展了一大步，在曲式结构的探索上更加具有重要意义。和海顿相比，莫扎特在奏鸣曲呈示部中莫定了更加成熟和具有独立性的第二主题，为贝多芬奏鸣曲中第一和第二主题的强烈对比奠定了基础;莫扎特创造性地应用了作曲家Demenico Alberti最早创建的分解和弦的伴奏音型，即广泛使用的“阿尔贝蒂低音”，他把其音型再加以变化，避免了它单调重复的缺点;莫扎特更大胆而灵活地使用装饰音，他吸收了洛可可风格古钢琴音乐中装饰音的典雅趣味，将一些典型的装饰音改造成长串的装饰音经过句，使得装饰音不仅起装饰作用，同时还成为旋律的一部分，对后来肖邦别具一格的装饰音写作产生了巨大的影响和启发。 贝多芬的钢琴奏鸣曲通常被划分为三个阶段:1795年一1800年，1800年一1814年，1816年一1822年，即早期、中期、晚期。
第一阶段作品包括(opt-22)。该时期是贝多芬的创作初期，遵循海顿和莫扎特所发展的奏鸣曲准则，是他奏鸣曲中唯一单纯炫技的作品，但也预示着后期作品中内在戏剧性的出现，他的创作观念在这一时期不断的转变，在古典传统基础上突出其个性发展及创新。 第三阶段包括(op.101,106,109,110,111)五首，在这非凡的时期，他在精神上完全战胜了失聪，最后的作品充满力量和远见，大量使用复调对位(卡农或赋格)和变奏段落，预示着浪漫主义的来临，几乎每首奏鸣曲都达到了创作极至，他还充分发挥了钢琴的性能，表现出炉火纯青的创作境界，使奏鸣曲这一自由度有限的体裁形式，在他的手里展现出了无限的创意和思想。 二、古典原作版的乐谱版本与曲式结构 另一方面，掌握音乐作品，要掌握体现共同的曲式结构原则。奏鸣曲式是古典主义在音乐结构上最突出的特点，它结构严谨，学习钢琴奏鸣曲首先要了解奏鸣曲式。所谓的结构就如了解滴水何以汇聚成江海，即乐思发展到整体，古典主义基本上以四小节为一个乐句，八小节为乐段，两个对比乐段形成单二部曲式，加上再现就是单三，如果每一部分都扩大为单三就是复二部曲式，这是古典主义结构的基础，要充分了解这一点才能把握大型的曲式结构。 1.弹奏古典钢琴奏鸣曲应考虑古钢琴风格的因素，其风格应较轻，似管风琴;在速度、力度上要有一个明确的概念，其速度不能过快，力度不能太强，应表现出优美纤巧、古朴典雅的古典风韵。(1)速度:快板，四分音符二126，不要超过132，一般在120左右比较合适;慢板，八分滚夕符}8-50比较合适;注意稳定、统一的节奏;较之更快或更慢的速度较为少见。贝多芬的速度差异幅度较大，有很多版本，应多进行比较，从而确定其基本速度。(2)力度:海顿、莫扎特一般用P一一f(莫扎特在K310里才用了PP-ff，情绪平稳起伏不大，形成一种简朴的风格;在钢琴上演奏其作品，最大音量相当于“mf",}轻相当于“PPP’。贝多芬喜欢用sf、sfp}Cresc-iSub.p，或}’PP(突然轻)，PP--sf(突然强)，力度辐度很大造成强烈的情感对比。贝多芬时代的钢琴比现代钢琴在强弱上要分别低一个等级。(3)弹奏古典钢琴奏鸣曲的力度准则为:PP:最轻柔的触键，带神秘、回声的性质;;P:可爱的、柔柔的、安静的，触键需要坚定而有表情地;mp或mf:介于轻与响之间，似平静地说话;f:有限的热情，适度的尊严，有限度的光辉;;ff:最高的力度等级，但必须在“美”的限制内。
2.良好的触键方式。古典钢琴奏鸣曲的触键非常考究，一般以发出优美、圆润的音色为准则，海顿和莫扎特都要用明亮均匀清晰的声音，节奏生动，乐句连贯悠扬极具歌唱性，表现出典雅高贵的气质;音阶、琶音应呈现均匀，具有颗粒性;常以((non Legato)非连奏为主。贝多芬的触键要变化复杂得多，须仔细研究，他特别强调切分音，弹奏时必须突出;连线在他作品里是一个突出的特点，需要十分的仔细准确。莫扎特的学生胡梅尔写作了《练习曲二十四首》(作品125)，包含各种各样的触键方法，对弹奏海顿、莫扎特、贝多芬钢琴奏鸣曲在技术上是个完美的补充。
四、装饰音的弹奏及踏板的适当运用
1.装饰音:要分清楚长倚音和短倚音的奏法、区别，海顿和莫扎特常见的几种装饰音奏法。 音。注:贝多芬的装饰音比较复杂，演奏时需弄清楚再弹，最好多比较几个版本，选择一个最好又适合自己的。
2.海顿和莫扎特作品中踏板的使用不宜过多。“踏板是钠琴的灵魂”。这是鲁宾斯坦的名言，由此可以看出踏板在钢琴演奏中占有重要的地位。在海顿和莫扎特作品中踏板的使用始终是有争议的，但最后我们达到这样的共识，弹奏海顿作品时应极少的使用踏板，而弹奏莫扎特作品则几乎不用，依据是他们所处年代古钢琴的性能特点及风格所决定的。但实际上随着对早期钢琴的承认和，两位作曲家写作时都开始慢慢考虑到这个乐器，所以在他们的作品里也不是完全不用踏板。无论怎样我们只要始终记住:在海顿和莫扎特作品中使用踏板必须觉察不出来，要运用得巧妙和千净。
右踏板的主要作用之一是给予更多的共鸣和音色，避免声音发干，这一点适用于任何风格的作品，包括海顿和莫扎特，尤其适合出现长音、相对又较慢、歌唱性的段落;在华彩乐段或快板乐段也可以用踏板来衬托，快速音群要学会使用“颤音踏板”，即脚腕轻轻抖动踏板以保持声音的清晰度，它会使音响更加丰富动听;设计踏板使用时，先不用踏板，所有的奏法单独先用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用。
轻音乐和古典音乐的区别范文3
1．以网络和手机为主要音乐传播载体。数字音乐具有完全不同于传统音乐的特质，比如它极具丰富多样性、可重复性、远程性、开放性、交互性、共享性等。而数字音乐更是具有革命性意义，它以数字信号方式储存在数据库里，只要有网络，人们就可以随意下载或删除，而且因其具有即时性、准确性、拓展性、便捷性、创造性、技术性等优势，所以很快取代了传统唱片在音乐传播方式上的主导地位，成为数字原生代音乐欣赏的主要途径。MP3播放器、智能手机将数字音乐的播放形式变得更加简单，特别是手机可以直接在线收听、下载音乐、阅读歌词，实现了多功能的统一。网络和手机已成为数字原生代的主要音乐传播载体。
2．以自主式音乐学习和个性化音乐欣赏为主要方式。一方面，随着数字音乐的兴起，互联网凭借其海量的音乐资源，让课堂外的自主式音乐学习成为可能。不论是国内还是国外知名高校的音乐课程，只要有兴趣，就可以自主下载或在线学习和研究。而且各种音乐社区、QQ群组、微博等也可让学习者能够在线实时地与他人甚至专家充分交流。另一方面，在数字化时代，数字原生代在音乐欣赏上更容易拥有个性化的选择。音乐网站和软件的发展为音乐收听者提供了更多私人化、个性化的服务，用户可以根据自己的偏好播放、收藏、下载音乐。同时，对音乐搜索的方式也更加多样化，既可以根据音乐的风格搜索，也可以直接点击自己喜欢的艺人，进入他（她）的专属音乐频道，网站根据用户的关注还可以推荐风格类似的音乐或艺人，……智能的、多元化的音乐选择方式使用户可以很快地进入自己喜欢的音乐圈子，形成具有个性化的专属空间音乐。
3．以爱情、励志和对现实的反叛为主要内容取向。当代大学生是流行音乐的主要受众群体，他们正处于情感发育的朦胧期和社会化的成长期。流行音乐作为他们表达、宣泄情感的一种途径，在内容上多以年轻人成长中的情感问题为主要表现对象。其中以描写爱情的流行音乐最受欢迎。据乐坛关注度最高的歌曲排行榜（2011年）统计，在200首热门歌曲中，爱情题材歌曲占93％。其次，励志题材的歌曲在年轻人中传唱率也较高，如《重头再来》、《光辉岁月》等歌曲都曾激励过许多年轻听众，并产生了积极影响。与励志题材相对的是反叛题材的歌曲，这类歌曲虽然数量不多，但一直以来都占有一席之地，如《会读书》、《倔强》、《浮夸》等都表现了年轻人在成长过程中的种种迷茫、思考与反叛。5．以休闲娱乐、宣泄情感为主要目的。现代人生活压力普遍增大，升学、求职等对年轻人更是构成了多重压力，从音乐中寻求减压是当代青年欣赏音乐的重要目的。流行音乐对情感的反映细腻直白，年轻人十分容易产生共鸣，因而许多年轻人都会选择听歌、唱歌这种方式来舒缓和宣泄情绪。在数字原生代这里，音乐的教化功能大为削弱，休闲娱乐功能大为增强。他们告别了在音乐厅中正襟危坐地欣赏音乐的形式，音乐欣赏呈现出休闲化、娱乐化倾向。
二、高校音乐艺术教育的新思考
艺术的发展与技术的进步从来都是紧密相连的。数字化生存是对一切文化艺术提出的新课题，音乐艺术教育也不例外。为此，高校音乐艺术教育应适应数字化时代的要求，与时俱进，不断创新。
1．重新定义主流音乐内涵。每个时代都有属于自己时代的音乐文化。每个时代都有属于自己时代的主流音乐文化和主旋律音乐。我们过去对于主流音乐的定义是比较狭隘的，过度地从音乐教化功能出发来确定主流音乐的范畴，在课程设置、内容选择上缺乏与时俱进的精神，从而导致大学音乐教育与大学生音乐体验严重脱节。一般说来，主流音乐是指体现一个时代一个社会主流文化价值观的一切积极健康向上的音乐。主流音乐与主旋律音乐既有联系又有区别，前者涵盖面要大于主旋律音乐，既包括精英音乐，也包括大众音乐；既包括直接歌颂时代、歌颂党和人民的主旋律音乐，也包括反映社会生活丰富多样性的主体音乐。界定主流音乐的内涵不能以音乐的时间性、地域性等作为评价标准，应该坚决打破凡是流行的都是浅薄的，凡是传统的、欧美的都是高雅经典的观念，摈弃欧美文化中心论和简单复古主义两种倾向，真正建立起时代性、经典性和优秀性、大众性为主的新标准。
2．努力打造与数字原生代音乐体验相对接的音乐艺术精品。数字原生代本质上仍然热爱传统文化，只不过他们对于其呈现方式有自己的偏爱。他们不喜欢教师照本宣科，不喜欢陈词滥调的刻板说教，而喜欢娱乐化的轻松学习、交互式学习。当传统文化以他们喜爱的形式，如以手机应用程序或电脑游戏的方式呈现时，他们喜欢并乐意接受。比如最近很红火的手机音乐软件“唱吧”，就因满足了音乐爱好者随时卡拉OK的需要而大受欢迎。又如，数字原生代爱听周杰伦的《青花瓷》、《双节棍》等一类反映中国传统文化内容的歌曲，爱听流行版的《五星红旗》、《大中国》等主旋律歌曲，爱听现代电子钢片琴演奏的贝多芬《命运》等。这就启示我们，在坚持原汁原味传承古典音乐艺术和经典音乐艺术的同时，也完全可以在主流内容的时尚包装、经典作品的时尚演绎方面进行更大力度的探索，打造更多更好的通俗化、大众化、时尚化的主流音乐作品。
3．充分利用数字化音乐艺术传播手段。数字时代下的上传、下载、粘贴、评论、分享、转发等技术方式使得数字化音乐得以迅速传播。因此，要善于运用这些数字新媒体技术，增加主流音乐文化的传播力，进而大力发展和打造社会主义音乐产业，构建完整的音乐产业价值链。应该抓紧实施民族民间音乐和古典音乐数字化工程，通过网络微视频、网络MV、卡拉OK、手机彩铃、微信、背景音乐，甚至公益性广告音乐等新形式，使优秀的民族民间音乐、古典音乐在数字化条件下获得新的活力和魅力。探索实施经典音乐大众化、时尚化工程和流行音乐经典演绎的嫁接工程，打通民族民间音乐、西方古典音乐之间的通道，创造新的音乐样式，增强主流音乐的传播效果。
轻音乐和古典音乐的区别范文4
关键词：吉他；课堂教学；可行性
一、古典吉他如歌的旋律
古典吉他宽广的音城，不同音区的音色，在和声织体的伴奏下流淌出动人的旋律，《爱的罗曼斯》通过三连音的伴奏音型，浪漫抒情的主旋律在高声部，分解和弦在中声部，简捷的低声部音型，使许多青少年从此爱上古典吉他，激发学生学习热情和兴趣，为课堂开展古典吉他教学打下坚实的基础。
二、古典吉他丰富的节奏
世界各地各民族的舞曲节奏，古典吉他都能演奏，分解和弦的种类无计其数，具有独特的艺术魅力。扫弦更具有舞蹈性，通过消音所制造的节奏效果具有鲜明的个性，技巧性强，能够迅速地提高学生的节奏感。
三、古典吉他完善的和声体系
吉他是和声性弹拔乐器，能演奏多声部音乐，能完成各种和弦的演奏，三和弦、七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦，以及变化和弦的原位，转位，都可以在吉他把位上弹出，有助于学生和声听觉的训练，为歌唱伴奏提供了丰富的和弦选择。
四、古典吉他多样的形式
古典吉他可独奏、重奏、合奏以及协奏。还有体现学生综合能力的吉他强唱。在学习的过程中培养了学生协作精神，有利于提高学生扎实的演奏基础，学校可成立吉他小组，以各种形式，繁荣校园生活，举办古典吉他比赛及音乐会，推动古典吉他的发展、培养、挖掘青少年古典吉他音乐人才。 转贴于
五、古典吉他音色的变化
古典吉他在演奏时，右手手指拔弦位置的改变，音色将发生变化，例如：右手手指拔指板和音孔衔接处，可发出木管音色，再向上方可发出弦乐音色，在音孔1/3处可发出清晰结实的弹拔乐音色，在琴码附近可发出铜管音色。吉他拔弦奏法用PIZZ表示，产生扪音的音色。在四、五、七、十二把位的自然泛音，以及任何品位的人工泛音的音色，在琴码处用母指的掌部敲击产生的大鼓音色，在九品位五六弦交叉，产生了小鼓音色等，丰富的音色有助于学生对音色的区别，这是其它教学乐器所不具备的。
六、古典吉他规范的教学体系和作品
古典吉他作为西方传统器，经过3500多年的发展成为现今的形状和构造，在世界各地的音乐学院都设立了古典吉他演奏专业，著名吉他演奏家，教育家主持教学工作，教材、作品采用卡尔卡西、阿瓜多、冈萨雷斯、维拉—罗伯斯、卡雷巴洛、泰雷加、罗德里戈、索尔、朱利亚尼、托罗尼、庄村清志、山下和仁等，完善的教学体系对于吉他的教学将具有推动作用。
七、古典吉他进课堂的几点建议和草拟方案
我国正在深入开展素质教育，中、小学校建立一个现代化的吉他教室将为吉他教学的开展打下基础。
在德国音乐教育的基本思想：音乐教学是普通教育的一个重要组成部分，音乐、诗、歌、舞的统一对于培养学生的基本技术和整体素质的提高起着重大的作用，音乐和唱游作为一种素质基础教育的手段，并不是为了培养特殊的音乐人才为目的。吉他作为一种乐器更适合音乐课堂伴奏乐器和直观的教具，在德国音乐教学中，教师很善于应用吉他弦与弦之间的音高和单指弹拔来帮助学生了解乐音的高低、长短、强弱、也善于用吉他弹奏节奏音型，让学生即能在听觉上有分辨能力，又能在视觉的观察中熟悉节奏音型，开展节奏回声游戏，由于德国的音乐教师普遍具备古典吉他的演奏技能，所以学生在学习时，能在吉他乐曲中领略优美的旋律，然后又渐渐地在吉他的和声性伴奏中抒情地歌唱。同样在唱游教学基本形式的表现也处处体现了吉他的轻便易携的优越性，音乐教师始终能以身作则，积极使用吉他悦耳动听的旋律指导、启发、参与学生的音乐教学活动。
综观德国音乐教学各项内容，我们必然能发现吉他在音乐教学中的功能是相当显著的，可以说吉他为本已绚丽缤纷的音乐教学又增添了一份色彩。摘自《吉他艺术》。
轻音乐和古典音乐的区别范文5
1997年10月，韩国指挥家郑明勋率领意大利圣切契里亚音乐学院管弦乐团访华演出。该团创建于1886年，隶属于圣切契里亚音乐学院，是意大利屈指可数的优秀乐团。然而，不少人以为该团是意大利音乐学院的一个青年交响乐团，因此失之交臂，成为遗憾。
1998年10月，吕嘉率领意大利国际交响乐团，在我国进行大规模的巡演。先后在北京、天津、上海、杭州、广州、珠海和深圳举行音乐会，主要曲目为意大利歌剧序曲和咏叹调(有四名歌唱家加盟)，演出颇受各地听众欢迎。
今年金秋，创建于1778年的意大利斯卡拉爱乐乐团，与意大利最年轻的罗马交响乐团先后来到国家大剧院音乐厅献艺，引起了首都音乐界和广大爱乐者的极大关注。
罗马交响乐团(Orchestra Sinfonica d1 Roma)是欧洲唯一一支私属的乐团，创建于2002年11月，由罗马基金会提供资金，聘请基金会艺术学院对该团进行管理。其先进科学的管理模式，现已成为许多国内外交响乐团学习的典范。
罗马基金会是意大利独一无二的、以推进社会团结为主的机构。其前身成立于1539年，已拥有近500年的历史。在健康、科研、艺术和文化、教育以及救助等五个领域，为社会履行人道主义义务。
罗马基金会会长、基金会艺术学院名誉主席伊曼纽勒教授，高瞻远瞩地推动创建国际水准的罗马交响乐团，旨在进一步推广古典音乐的同时，演绎意大利的音乐作品，特别是意大利20世纪音乐大师们的曲目，使意大利的音乐遗产属于全世界，以改变当今罗马只有一支职业交响乐团，观众对古典音乐已失去了兴趣的局面，改变意大利音乐生活中“歌剧”的局面，奋力使历史悠久的罗马重新焕发艺术青春，成为全世界瞩目的音乐文化中心。
伊曼纽勒教授怀有崇高的历史使命感，他深信乐团在克服越来越严重的社会审美与道德堕落的过程中，将会做出不可替代的贡献。创建罗马交响乐团的目的，还在于用音乐给更多的人送去安慰，特别是给那些在痛苦和困难中以及被社会排斥的人。
伊曼纽勒教授这一神圣的理念，通过罗马交响乐团艺术总监、首席指挥弗朗西斯科・拉・维切尔(Frarlcesco La Vec-chia，1954―)的天才实践，已获得全方位的体现。罗马交响乐团在短短几年中，不断展现的非凡成就，看起来似乎成了一个又一个的奇迹，然而这一切又都是实实在在的、令世人感动与敬佩的成功纪录。
拉・维切尔出生于音乐世家，自幼才华出众，是意大利指挥大师费拉拉最得意的弟子。拉・维切尔于1978年创建了罗马基金会艺术学院，并在1990年创建了拉齐奥地区交响乐团。1992年，拉・维切尔又创建了南美洲新世界青年乐团(分布在南美洲的四个国家)，积累了指导和管理乐团的丰富经验。
罗马交响乐团成立以来，每年演出108场，包括音乐季演出、夏季音乐节、巡回演出和专场演出。乐团每年演出36套交响乐曲目和至少9部歌剧。曲目包括了巴赫、莫扎特、贝多芬、斯特拉文斯基、勋伯格、潘德列茨基等古典和现代经典作品。
罗马交响乐团为了让更多的年轻人有机会欣赏到交响乐，决定前三年的演出门票价格仅为一欧元。因此，该团的演出总是场场爆满。
罗马交响乐团应邀先后赴圣彼得堡、马德里、布鲁塞尔、贝尔格莱德、里约热内卢、巴西利亚、伦敦、雅典和柏林举行音乐会。既获得了意大利总统、荷兰女王、欧委会主席、西班牙王后、希腊女王和公主等社会贤达名流的赞赏，更受到罗马公众的热爱和推崇。罗马交响乐团从首届音乐季起，开始举办一年一度名为“罗马在心中”国际音乐节。前几届在罗马的卡比托利欧广场举行。从2006年起，在古罗马广场附近的、全世界最美丽的露天剧场之一――马森奇奥殿举办，观众达数十万人次。
罗马交响乐团在过去的五年中，举办了270多场公益演出，包括到罗马的学校、教堂、医院、监狱、戒毒医疗中心和城市贫民区演出。听众称赞乐团的演出是在“传授道德和艺术元素，同时给他们传达一种健康的生活理念”，盛赞指挥家拉・维切尔和乐团“使得罗马观众又重新走进了罗马”，拉・维切尔的“指挥棒表达出来的是和谐与热情”，并认为“乐团真的是属于我们的”。
而今，罗马交响乐团在国内外享有盛誉，已在国际音乐舞台上成为罗马的一个艺术象征。
拉・维切尔指挥罗马交响乐团先后录制了穆索尔斯基、雷斯庇基、布鲁克纳、贝多芬、彼得拉西和勋伯格作品CD，并将与拿索斯(Naxos)唱片公司联手录制意大利20世纪作曲大师的作品集，包括马图奇(G．Martucci，1856―1909)、马利皮耶罗(G,F.Malipiero，1882―1973)、卡塞拉(A.Casella，1883―1947)、费拉拉(F.Ferrara，1911―1985)、彼得拉西(G.Petrassi，1904―)和布索尼(F．Busoni，1866―1924)的交响曲、协奏曲和大合唱等作品。维切尔还创办了音乐杂志《有活力的快板》(Allegro con Brio)，每年的印刷量为18万本，免费发放给广大爱乐者。
由于拉・维切尔上述的杰出贡献，使其赢得了欧洲音乐年的终身成就奖，并获得了巴西、法国、墨西哥、南非总统和领导人的最高评价，被很多城市授予荣誉市民称号。
2008年10月11日，在国家大剧院音乐厅举行“意大利罗马交响乐团2008中国行”开幕演出。罗马交响乐团在中国的巡演，包括在大剧院音乐厅的两场交响音乐会，一场艺术教育演出和一场在中央音乐学院举办的文化交流演出，还计划与中央音乐学院建立长期合作关系，进行互访教学等活动。
10月15日，罗马交响乐团在四川都江堰举行“四川爱心义演”后，于10月17日在上海东方艺术中心举行闭幕音乐会。罗马交响乐团决定将这次巡回演出所得全部捐献给四川灾区，以支援受灾地区人民重建家园。意大利音乐家们秉承罗马基金会的宗旨，发扬了马可・波罗(Marco Polo，约1254―1324)伟大的人道主义传统，谱写了意中人民文化交流和友好往来的新篇章。
2008年10月11日，笔者有幸聆听了该乐团在国家大剧院音乐厅举行的开幕演出。曲目安排颇具匠心：上半场为勃拉姆斯的《E小调第四交响曲》(作品98号)；下半场为罗西尼的歌剧《威廉・退尔》序曲和雷斯庇基的交响诗《罗 马的松树》。按音乐会常规，似乎应把上半场和下半场的曲目颠倒一下才更为合理。其实不然，罗马交响乐团之所以如此安排，其中自有奥妙：其一，先声夺人，一上来就通过演奏“勃四”向听众展现交响乐团的古典风格，检验乐团演奏古典交响曲的整体水平，足见艺术总监拉・维切尔胸有成竹，信心十足；其二，下半场的曲目是意大利音乐家们的拿手好戏和传家宝，加之《罗马的松树》为大型三管编制，乐曲尾声的宏大音响形成的音浪，势必将音乐会推向最高潮，而当天晚上的演出效果果然如此。
拉・维切尔指挥的勃拉姆斯《第四交响曲》整体风格严谨，热情而富于歌唱性。第一乐章一奏响就让人感觉到，这是一个很有修养的乐团。第一主题演奏得很迷人，轻飚而忧郁，时断时续的乐句，具有发自内心倾诉般的感染力，第二主题奏得明快丰满，乐队音响清晰均衡。指挥家处理奏鸣曲式的结构布局十分稳健，音色、力度的对比，以及乐章高潮的处理鲜明而生动，显示了指挥家把握古典交响曲的风格，已达到高屋建瓴、运用自如的境界。第二乐章的演奏真挚而深沉，只是结尾处圆号和大提琴声部――如大海在呼唤的强奏乐句不够浑厚。第三乐章奏得活泼生动，一气呵成。对指挥家来说，第四乐章颇具挑战性。这是一个帕萨卡里亚乐章，建立在8个小节的固定低音上，衍生出32个变奏。而第1变奏至第11变奏为第一部分，第12变奏至第15变奏相当于中间段落；第16变奏至第32变奏为第三部分，其后是悲剧般的尾声。拉・维切尔对终曲的结构了若指掌，在他的指挥下，音乐起伏跌宕，对比鲜明，连贯而紧凑，十分完整。拉・维切尔和罗马交响乐团上半场出色的表现，受到现场千余名听众的热烈欢迎，经久不息的掌声，表达了首都人民对这个年轻而训练有素乐团的赞赏。
罗马交响乐团演奏《威廉・退尔》序曲的动态，如圣彼得堡爱乐演奏的《鲁斯兰与柳德米拉》序曲和捷克爱乐演奏的《被出卖的新嫁娘》序曲那样令人神往。“暴风雨”乐段中3支长号的乐句，斩钉截铁、锐不可挡的气势，真乃前所未闻也!“雨过天晴”的牧歌(英国管独奏，长笛助奏)空灵恬静、怡然自得(英国管将总谱7前的最后一个音――a奏成了b；安德烈・普雷文指挥英国爱乐乐团的录音亦如此，可见此经典之作的版本至今尚未统一)；“胜利进行曲”奏出了风驰电掣、勇往直前的英雄气概，令人振奋。拉・维切尔采用了一小节打一拍的指挥图式，显示了指挥与乐团驾轻就熟、高度默契的功力。美中不足之处，是乐曲开始的大提琴五重奏音色不够浑厚、温暖；总谱1前七小节起，原谱为低音提琴与大提琴(AItri―其余的)八度切分拨奏，拉・维切尔改为由两只低音提琴的八度切分拨奏，倒也是可供选择的另一方案。
轻音乐和古典音乐的区别范文6
摘 要：本文对音乐剧《猫》和歌剧《托斯卡》这两部经典作品在社会地位、戏剧元素、音乐元素、舞蹈元素的异同方面进行了对比分析，阐述了音乐剧与歌剧的区别与联系,从中得出：歌剧和音乐剧这两种音乐体裁既彼此有深厚联系和相似点，又有相当的区别，分属不同的领域，但艺术上没有孰优孰劣的说法，只是艺术领域内百花齐放的两支而已。
音乐剧和歌剧都是当今世界上影响最大的用音乐来表现故事情节的音乐形式之一。《猫》是当今世界音乐剧中最成功的代表作品之一，1981年5月11日首演于新伦敦剧院，连续演出至2002年5月11日在它21岁生日时，在同一个剧场落幕，是伦敦和百老汇上演时间最长的音乐剧，1983年获得最佳音乐剧奖等7项托尼奖.。而在众多的歌剧艺术作品中，普契尼的《托斯卡》则是所有歌剧中最富于戏剧性和吸引力的一部，也就是它自1900年罗马首演以来长盛不衰。本文从《猫》和《托斯卡》这两部经典作品入手，浅析音乐剧与歌剧的区别和联系。
一、社会地位的差异
相对而言，歌剧可谓是“高雅艺术”，而音乐剧谓之“低俗”艺术。对歌剧的欣赏是由于贵族圈子中文人墨客对古希腊崇高艺术的向往和憧憬，因而它一开始便带有强烈的贵族情趣与精英趋向。不论是创作者还是观赏者，均是养尊处优的上层显贵和饱学之士。20世纪初，源于欧洲大陆轻歌剧传统的音乐剧，尤其是美国音乐剧极其适应市民社会和商业经济的土壤，深得观众喜爱，影响很快遍及全世界。www.133229.Com音乐剧以轻松、谐谑和生动作为自己的追求目标。很明显，音乐剧之所以追求活泼自如，是有意与正统的歌剧的沉重晦涩的风格分野，赢得观众，占领市场，成为喜闻乐见的大众艺术。至此，歌剧和音乐剧形成了两个相互平行、风格迥异的戏剧形式。并且，从发展过程来看，歌剧一直延续了传统与古典，成为一种典雅、高品位的代名词。虽然它早已不是仅属于皇家贵族的音乐，但也并不是面向所有人的。歌剧的艺术层次决定了它的欣赏者的欣赏层次和艺术品位。然而音乐剧不是这样一种“高位”发展，可以说它是一种向下发展的艺术，是一种娱乐化、戏剧化、大众化、商业化的艺术，这使得音乐剧的受众更加广泛。
同时，社会背景是艺术发展的根基和土壤。歌剧产生于文艺复兴时期的欧洲，那时欧洲社会的文化艺术无不效仿古希腊文化的典雅、严谨，歌剧于这个时候诞生，就决定了它的风格，决定了歌剧的发展方向。音乐剧虽同样源于欧洲，但发扬光大的舞台却是美国，美国可以说是全世界最开放、最活跃、最善改变的地方。音乐剧这种形式不仅在感官上能够起到更强烈的冲击，同时以其娱乐化的精神和富于改变的手段迎合了美国社会的人生态度，成为人们的一种消遣。
再者，音乐剧和歌剧的不同地位还从人们的态度上看到，在那些歌剧和音乐剧广泛上演的国家，看歌剧是提前几周订好票，需要穿着正式的晚礼服入剧院，观看时要讲究礼仪，不能随便鼓掌；但是看音乐剧就相对随意，而且一部音乐剧常年上演，只需提前半小时到剧院门口买张票就行了。但是百老汇和伦敦西区的音乐剧在当地人的心目中地位还是很崇高的，能够到这些地方去观赏音乐剧是一种荣幸。一些人认为音乐剧不能进大雅之堂，纯粹是误解，所谓阳春白雪和下里巴人都是人们定的，经典是永远的流行，歌剧也是几百年前的流行音乐，只不过传唱多年后剩下的精品自然就成了经典，今天流行的音乐剧中也一定会有几百年后仍在流行的经典。
二、戏剧元素之比较
在歌剧里，主人公总保持着优雅而高贵的举止来生活，相爱和死去。在每次踏上旅途时，他们会祈祷，“主啊，我上路了！”仿佛这不仅是一次地理意义上的旅行，更是精神上的旅程。但在音乐剧中，主人公与爱人告别的场景可以是杂乱的集市，甚至可以是垃圾场，他们也一定是疲惫不堪和心神憔悴。起源于巴洛克时期（约17世纪至18世纪中叶）的歌剧，一直渴望成为一项伟大的艺术。它想表现人类的共性，提取情感的精华，蔑视日常生活中的小智慧。剧中的反面角色被刻画成十恶不赦的彻彻底底的坏人，英雄们则勇敢无畏。而音乐剧中的男女主角更加人性化，他们也会犯错误，也可以失去工作，穷困潦倒，无家可归，但是他们经历挫折之后总能得到真爱、财富和幸福。音乐剧并不追求卓越与出众，也没有野心。音乐剧赞扬民主，它赞扬那些在平凡生活中追求浪漫和幸福的普通人，而对那些自命不凡的富人，尤其是贵族们，则充满了鄙视和嘲弄。对比《猫》与《托斯卡》能让我们更深地体会二者的不同。
《猫》的故事很简单：杰里科猫族每年都要举行一次聚会，众猫们会在这一年一度的盛大聚会上挑选一只猫升天，传说中猫有九条命，升天以后可以再次获得新生。于是，形形色色的猫粉墨登场，尽情表现，用歌声和舞蹈来讲述自己的故事，希望能够被选中。最后，当年曾经光彩照人今日却无比邋遢的“魅力猫”以一曲《回忆》打动了所有在场的猫，成为可以升入天堂的猫。剧种涉及各种不同类型的猫，这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿们组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手，或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。《托斯卡》是意大利伟大的作曲家普契尼根据法国剧作家萨尔杜的同名戏剧改编创作而成的一部三幕歌剧，歌剧讲述了1800年发生在罗马的一个动人的爱情悲剧故事，故事发生的地点如今依然存在，那是在1800年的罗马，第一幕安排在圣安德列·德拉·瓦利一座美丽的教堂里，第二幕发生在斯卡皮亚位于帕拉索·发尼斯的家中，最后的悲剧发生在圣安杰罗城堡的城墙上。
三、音乐元素之比较
1.唱腔上的区别：从音乐剧《猫》和歌剧《托斯卡》中我们不难发现，他们之间的最大区别在于唱腔上的不同，在《托斯卡》中，歌唱者采用的是美声唱法，采用了大量的咏叹调和宣叙调，并且靠独唱的咏叹调引领全局，而咏叹调伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向了高潮。每一种歌唱方式都辅有乐器伴奏。歌手由合唱队伴唱，在某些歌剧中，合唱队的阵容甚至达到了整个交响乐团的规模，歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音调分类。歌剧中还运用了大量的音乐元素，其表演并不是说出来而是唱出来。而音乐剧则属于流行音乐范畴，多数用流行唱法，也有用美声唱法的；但在正式场合歌剧绝没有用流行唱法的，因为发声方式完全不同。虽然现在的演唱会流行和古典的融合比较时兴。许多上榜的流行歌曲就是音乐剧的插曲，像《猫》中的《memory》，歌唱家也会演唱音乐剧的选段，例如“帕瓦罗蒂和他的朋友”系列演唱会，帕瓦罗蒂就经常演唱流行歌曲或是音乐剧，而流行歌星就很少演唱歌剧选段（莎拉布莱曼这类多栖的不算在内），毕竟歌剧演唱对于声音和唱功的要求远远高于流行歌曲。
2.音乐风格的区别：歌剧的音乐大都是以比较传统的管弦乐队为基础的古典音乐作曲技法，偶尔有现代风格的作品试图超越这个界限，但大都保留着古典技法的思维方式。歌剧的结构、风格基本上沿袭着自浪漫主义以来所奠定的路线。在《托斯卡》的音乐中，我们可以感受到这种比较传统的音乐风格：乐曲开始在低音和弦的伴奏下直接进入，音乐有意模仿托斯卡的演唱，好像乐队和她是同呼吸，叹息低回。这首咏叹调是托斯卡的中心歌曲，看起来相当自怜的是：托斯卡的自我伤感甚于对情人的同情。这一点使她的性格令人捉摸不透。随着转调，竖琴、大提琴和长笛反映出她歌声中的无辜和纯洁。音乐中弦乐进行了下滑。称为滑音的演奏风格在过去的15年中已经很遗憾地从乐队里消失了。普契尼可能期待在他的音乐中运用许多的滑音。随着音乐的进行，大提琴和低音提琴连接起托斯卡接下来进入的音乐。在此之前，托斯卡一直控制着自己的感情，现在终于一泻千里，整个乐队伴随着她。未闻歌声先有情，啜泣的托斯卡只有弦乐和竖琴伴奏：这是咏叹调结束时相当常见的一种手法。结尾处木管和弦乐的和声十分简洁：在托斯卡强劲的倾诉之后，任何更进一步的宣泄都显得多余。
而音乐剧在音乐风格的选择上更自由，往往有爵士、摇滚等流行音乐因素的介入，配器也往往大量使用电声乐队的乐器。我们看《猫》中韦伯就尝试了许多不同的风格，乡村、踢踏舞、歌剧、流行，甚至还有赞美诗的成分。在配器上，有一段苏格兰风笛的两次插入特别出彩。领袖猫告诉猫儿们，幸福的含义不仅仅是现在，也包括过去那些不能遗忘的事情，月光下，杰里可猫族中最年幼的小猫杰米玛唱起了《回忆》，猫儿们都流露出感动的表情，悲天悯人，宽大为怀。同样的旋律此时演唱者的身份已发生了变化，对比两次“回忆”带给我们的感受是不同的，后一首音乐的情绪是和睦、温馨、幸福的，尤其是最后全体猫儿们起立的一刹那，表达了猫儿们对幸福生活的向往，对美好未来的憧憬与企盼，盼望幸福的降临。if you touch me, you will understand what happiness is.这一段是全剧的高潮，音乐经过两次转调，力度层层推进，极富有震撼力。同样的旋律，演唱者的身份发生的变化、调式调性的转换，力度的对比给我们带来了不同的感受。
四、舞蹈元素之比较
从《托斯卡》中，我们已经能体会到歌剧是以音乐作为各种艺术元素的基础的，一个歌剧演员最主要的是把角色的唱段表达完善。如果一个演员在达到这一要求之后还有余力，那么他也可以为他的角色加入出色的戏剧表演，甚至舞蹈。但是在歌剧中，舞蹈大多以交谊舞、芭蕾这种形式出现，但芭蕾通常也是由专业演员完成。一个歌剧男演员可以大腹便便，女演员可以体态丰盈，这并不影响他们的演出，观众们也可以接受。舞蹈，只是歌剧的一个小部分，我们在看电影《莫扎特》和歌剧《茶花女》中，都能在歌剧里看到舞蹈的影子，但是比例不大，不是特别重要，出于自身条件的限制，主要演员最重要还是靠举手投足的一些小动作以及和其他演员的交流来表演。而且通常美声唱法的发声方式不太可能允许演员边唱边进行大幅度的舞蹈动作。而对于音乐剧演员，剧情的表演和对歌唱的处理同样重要。在音乐剧里，舞蹈是三大元素之一，极少有音乐剧里缺乏舞蹈元素的。《猫》中的舞蹈相当突出。为了传达剧情，编导们不惜用了大量的舞蹈场面来表现猫的不同特征和性格。这里既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞，使全剧风格奔放，活力四射。无法想象如果《猫》一剧没有舞蹈会是什么样子。
五、综 述
歌剧属于古典音乐范畴，一般指以歌唱为主，以管弦乐队伴奏，有舞台布景、化妆与舞蹈动作的戏剧，有时还加独白、对白等。歌剧是综合性艺术，包含音乐、戏剧、诗歌、舞蹈、舞台设计、化妆、灯光等多种艺术成分。音乐剧是由音乐、舞蹈、表演（特别是话剧表演）等各种艺术形式有机地结合在一起的。为了表现舞台故事而创作的有关音乐，常常综合了多种形式、多种风格。早期有爵士乐为主的音乐剧，后来有摇滚乐的音乐剧、乡村音乐的音乐剧等，风格是非常现代的。在舞蹈方面，不只是过去美式的踢踏舞，不单有了芭蕾舞的动作，还有体操式的舞蹈动作和其他很多现代舞蹈语言。同时，舞台技术也很现代化，一些先进科技的布景技巧和印象、灯光方面的先进技术都登上了音乐剧的舞台。音乐剧的题材从古代到现代，从轻喜剧到重喜剧，从科幻到神话，无所不有。音乐也是不拘一格，不受任何公式化模式的束缚。音乐传统有爵士、摇滚、乡村音乐、迪斯科、灵魂乐，也有大混合式的作曲。有偏向歌剧的，也有偏向轻歌剧的，还有轻歌舞剧。舞蹈也是多种流派，异彩纷呈的。音乐剧的创作和表现不存在教条主义的东西，比较大胆。在音乐创作、乐器伴奏和语言选择上，都是创新的并以市场需求为根据，不受传统的约束。在形式上，百老汇音乐剧受音乐喜剧传统的影响比较多，欢快的喜剧题材数量较大。音乐剧是面向大众化的一种娱乐形式，它已经发展到了今天如此之大的规模，都是靠优秀的商业化操作来实现的。音乐剧非常注意把音乐家、制作人和商业化运作的机构用公司的形式组织起来。音乐剧在对各种版权的处理方面是很突出的。音乐剧是不轻易出售舞台表演的音像制品的，演到一定程度才会被搬上银幕，在版权处理方面是精细分割且商业化的，在制作过程和雇佣演员时，都把经济效益摆在相当突出的地位，这也反映了观众的需求。
参考文献：
